كان الباروك في الأهمية التاريخية للموسيقى الأوروبية فترة من حوالي عام 1600 إلى حوالي عام 1750. من وقت مبكر ، تحولت الموسيقى في الباروك بعيدا عن موسيقى عصر النهضة. من خلال استبدال تعدد الأصوات (متعددة الألحان في وقت واحد) في أغنية homophony (صوتي رئيسي) للسماح للسيطرة على النص ، وخلق الأوبرا ، والمذاهب ، cantats وأحادية اللون ، وضعت الموسيقى الصوتية بشكل حاد. في وقت مبكر من الباروك ، ارتبطت المقاييس النموذجية في الغالب بموسيقى الكنيسة المتبادلة بالموسيقى النغمية. هذا جعل اختلافات كبيرة في كل من الصوت والقدرة على إنشاء قطع أكثر تقدما.

كانت قطع الآلات غير الكهنوتية ابتكارًا في الباروك. كان هناك اختلاف كبير بينهما ، من toccata ، والمفاصل ، preludier ، ricercars و capriccio إلى canzonaer ، الأجنحة ، sonatas و concertos. تطوّرت الأوركسترا بشكل ملحوظ في الباروك ، وعندما أصبحت الأدوات أفضل من أي وقت مضى ، تم إدراج المزيد والمزيد. الأدوات التي تضرب الباروك تشمل الكمان ، التشيلو ، كروسبسي ، الكلارينيت ، الباسون ، الأوبو ، القرن الإنجليزي والإصدارات المبكرة من الأبواق ، الأبواق ، والترومبون. كانت القوارب الجديدة في الموسيقى الصوتية والموسيقية هي تطوير القاروس العام ، وهي واحدة من أولى حالات تسليم الإيقاع لأداة. عندما كانت الموسيقى الصوتية شاذة ، ظلت الموسيقى الآلية متعددة الألحان ، وكثيرا ما كانت تستخدم المواجهة.

في البداية ، كان المؤلفون الإيطاليون يهيمنون على موسيقى الباروك. كان كلاوديو مونتفيردي واحداً من أشهرهم. في نهاية المطاف جاء المؤلفون الهولنديون والألمان والفرنسيون والإنجليز إلى جانب المزيد. تختلف الثقافة الموسيقية في كل بلد من وقت لآخر بين مجرد استخدام الموسيقى الإيطالية ، مستوحاة من ذلك أو إنشاء الموسيقى الخاصة أو الاهتمام بها. على سبيل المثال ، تمت محاولة الأوبرا لأول مرة في ألمانيا عن طريق غناء الألعاب قبل تولي الأوبرا الإيطالية. كانت الأوبرا الإنجليزية عبارة عن مزيج من الأوبرا الإيطالية والعروض المسرحية ، وتتميز الأوبرا الفرنسية بالكثير من تقنيات الباليه والتقنيات الخاصة ، لفترة طويلة حكمها تماما جان بابتيست لولي. ومع ذلك ، أصبحت الأوبرا الإيطالية أكثر شعبية وصديقة للجمهور من خلال التطوير في البندقية ونابولي.

الموسيقى الموسيقية أيضا وضعت بشكل مختلف. في إيطاليا ، أصبح الكمان مشهورًا للغاية ، وتم اختراع السوناتة عن قرب لإظهار خصائص الأداة. كان Arcangelo Corelli حاسماً لنجاح سوناتا. في فرنسا ، أنشأ مؤلفون مثل مارك أنطوان شاربنتييه المعارض الفرنسية والمزارع ، في حين كانت الطفلة العجيبة إليزابيث جاكيه دي لا غرير تحكي تشيمموستكس. في ألمانيا ، قدم Heinrich Schütz و Johann Hermann Schein عددًا من الأساليب الموسيقية الجديدة. حقق صموئيل شيدت ، ولاحقاً يوهان باكيلبل وديتريتش بوكستهود نجاحًا كبيرًا في موسيقى الأعضاء ، سواء في المعارض الجيولوجية أو التوكاتا والتخيلات العالمية.

كان شريط أواخر تطور ضخم من الموسيقى مفيدة خاصة. تحت يوهان سيباستيان باخ ، كل من التوكاتا ، المفصل ، وفي جزء منه ، أعطى الخيال تطور وشعبية كبيرة. تطور جورج فريدريش هانديل بشكل خاص الأوبرا والمختبرات ، قام جورج فيليب تيلمان بتطوير الحفلات الموسيقية والأوبرا الفكاهية وعددا من الموضوعات الأخرى ، وكان أنطونيو فيفالدي وتوماسو ألبنوني حاسما في التطوير الإضافي للحفل الموسيقي المنفرد ، وقام جان فيليب رامو بتطوير ساعدت الأوبرا في فرنسا وإيطاليا ودومينيكو سكارلاتي وفرانسوا كوبيرين ، جنبا إلى جنب مع تيليمان ، على وضع الأساس للطراز الجالس الذي أعقب الباروك. تمرد الأسلوب الجالسي والكلاسيكية على الأسلوب الباروكي المعقد ، وأرادوا الحصول على موسيقى مثليّة الجنس مع المشي البسيط البسيط وتركيزًا أكثر دنيوية.

الموسيقى في الشريط الأوسط (1630-1700)
سيطرت الموسيقى الإيطالية بقوة في بداية الباروك ، ولكن سرعان ما تطور الملحنون الألمان والفرنسيون والبريطانيون بمفردهم. من الناحية النظرية ، كان تطوير صراع بين عائلة الكمان المنهارة و gamfamily غريب الأطوار. كما تطورت المنافيش ، وخاصة المنافيخ الخشبية ، أكثر نحو الطريقة التي يعرفها المرء اليوم.

مع تطور الموسيقى ، أصبح من الواضح أن هناك تمييز بين الموسيقى الدنيوية والكنسية. على سبيل المثال ، يمكن تخصيص الموسيقى الدنيوية للغرفة (“الكاميرا”) في المنزل ، وكلمة “موسيقى الحجرة” تأتي من هناك. نمت من كل من الكنيسة وموسيقى المسرح ، بما في ذلك الأوبرا. في حين واصلت الضخامة ، والبارفيديوم ، والتوكاتا أن تكون شعبية ، وأصبحت ريكركار و capriccioes أقل شيوعا لقطع الآلات الوترية. تطورت سوناتا بقوة ، لا سيما تحت Arcangelo Corelli ، وأصبحت واحدة من الأنواع الموسيقية السائدة. تم تقسيم الموسيقى الموسيقية إلى حد كبير إلى مجموعتين: Sonates والأنواع ذات الصلة أو الأجنحة ذات الصلة. كان الأبناء أقل الطاقم ، في حين أن الأجنحة – الرقصات المنمقة والكونسيرتو و sinfonia – ترتبط ارتباطا وثيقا بالخرافات ، كان لديها فرق أوركسترا أكبر بكثير.

كانت الأوبرا أيضا أكثر سهولة للوصول إلى جمهور أكبر ، مع التطور في البندقية وبعد ذلك نابولي. كان التركيز بشكل متزايد على الأغاني وجزئيا سينوغرافيا ، عادة على حساب التاريخ. في فرنسا ، كان الباليه مهيمنًا منذ فترة طويلة ، لكن الأوبرا أيضًا جاءت عبر الباليه. الأوبرا الفرنسية كان يهيمن عليها بشكل كبير جان بابتيست لولي ، وبعد وفاته كانت هناك فترة وفاة في الأوبرا الفرنسية. واجهت إنجلترا شيئًا مماثلاً ؛ وجاءت الأوبرا الإنجليزية في وقت متأخر من هذه الفترة ، وكان فترة ازدهار قصيرة ولكن كبيرة ، وخاصة هنري بورسيل ، واختفت مرة أخرى عند وفاته. كانت الأوبرا الألمانية أكثر تواضعا ، ولكن راينهارد كيزر نجح في خلق بعض الحماس لهذا النوع. داخل موسيقى الكنيسة ، جاء الوثنيون أيضًا إلى الدول البروتستانتية ، وخاصة مع شوتز كمساهم. أصبح باسي بديلا للخطابة و Kantates ، وبالتالي تطورت موسيقى الكنيسة الصوتية.

تاريخياً ، كان لدى المؤلفين البريطانيين والألمانيين خلفية صعبة. كانت ألمانيا في المستقبل عبارة عن خليط من دول ألمانية مستقلة إلى حد ما ، مقسمة إلى مناطق بروتستانتية وكاثوليكية ، وكلتاهما تضررت بشدة خلال الحرب التي دامت ثلاث سنوات. بالنسبة لبريطانيا ، أصبحت فترة أوليفر كرومويل الطيبة والعودة المتواضعة نسبيا للفن والموسيقى خلال تشارلز الثاني تضعف خطير.

الأدوات
استمر تطوير الأدوات بعدد من الابتكارات. في اللعبة بين gambe والكمان ، كان للوسيط فيولا دوره العظيم. كان جزءًا من عائلة غامباميلي ، لكنه لم يكن يلعب بين الأرجل ، مثل القمار التقليدي ، ولكن تحت الخطاف ، مثل الكمان. عادة ما يكون سبعة سلاسل وسبع سلاسل. خاض فيولا ديمور منذ فترة طويلة مع الكمان عن الاهتمام ، ولكن الاتجاه كان لصالح الكمان. واحد من الأسباب التي فاز بها الكمان هو الابتكارات في إنتاج الآلات الإيطالية. على وجه الخصوص ، أصبح Stradivarius fiolin شائعًا ، ولكن قبل ذلك كان أيضًا Nicolò Amatisviolinists في طلب كبير. تعني شعبية الكمان أن المؤلفين الإيطاليين هم من صنع solosonater و triosonates و concerto ، كل ذلك لإظهار خصائص الكمان. معركة أخرى في عائلة الرجل الحديدي كانت بين المقامرة والتشيلو. بعد عام 1680 كانت الغالبية المسيطرة في الغالب في الأوركسترا ، على الرغم من أن اللعبة كانت لا تزال تستخدم كأداة فردية حتى أواخر القرن الثامن عشر. ومع ذلك ، فازت عائلة gamfamily المعركة لأداة باس ، عندما أصبح الباص المزدوج بين الأدوات الرائدة من باس العامة جنبا إلى جنب مع cembalo.

ضمن أدوات النفخ كان هناك أيضا تطور. تم استبدال skalmeien بواسطة بوب الباروك ، الذي كان أكبر الإيجار. بالإضافة إلى ذلك ، حصلت عائلة الخشب على أداة جديدة ، وهي chalumeauen. قدم هذا السلائف من الكلارينت أحادي الوجه إلى فوهة بدلا من الأنابيب المزدوجة المزمار. كما تم تطوير الباسون في نفس الوقت من دولسيان في أمستردام وباريس ونورمبرغ.

دار الأوبرا
حققت دار الأوبرا تطوراً هائلاً خلال القرن السابع عشر. إن التباين في المواقف والأصوات من جهة والمراحل الدرامية والمسرحية من جهة أخرى جعل العديد من المدارس المنافسة تختار الحلول الخاصة بها. من هذه ، كانت مدرسة نابولي التي سادت. كانت إيطاليا رائدة في التطوير ، ولكن أصبحت الأوبرا الفرنسية والإنجليزية قابلة للتطبيق. كان هناك أيضا بعض الأوبرا الألمانية قرب نهاية الفترة.

الاوبرا الايطالية
في عام 1637 ، افتتحت دار الأوبرا الأولى في البندقية ، مسرح سان كاسيانو. تبعها العديد من دور الأوبرا. وهكذا كانت الأوبرا متاحة للجمهور العام. هذا يعني أيضا أن الأوبرا يجب أن تناسب ذوق الجمهور. كان من أحد التغييرات أن الأوبرا البندقية ركزت كثيرا على سينوغرافيا ، حيث ركبت الملائكة الطائرة والفرسان على المسرح. وكان هناك تغيير آخر هو أن الحمل حصل على مزيد من الاهتمام وجاء إلى المركز. إلى حد ما ، أدى هذا أيضا إلى دراما الأوبرا في الخلفية. كان مؤلفو الأوبرا البارزون هم أنطونيو سيستي وفرانسيسكو كافالي ، وكلاهما من الأساطير الإغريقية. وهكذا تحركت الأوبرا في اتجاه واضح بعيداً عن نقطة البداية مع المدارس الرومانية والفينيسية. كانت أريني في المقدمة ، وأصبحت عمليات الاستعادة مهمة ، وكانت الأوركسترا تُستخدم في خلق الحالة المزاجية ، وكان السينوغرافيا ضرورية وكان معظمها مستمدًا من الأزمنة القديمة.

في عام 1675 ، تولت نابولي دور الريادة في إيطاليا ، وظلت مسيطرة لفترة طويلة ، جزئياً بسبب أليساندرو سكارلاتي. في مدرسة نابولي ، أصبح السينوغرافيا والأدوات ذات المناظر الخلابة أقل أهمية بينما تم تطوير الأغنية بشكل أكبر. جاءت الأغنية في المقدمة ، ولكن بالإضافة إلى ذلك ، أصبح اللحن مهمًا ، حتى تم تجاوز قصة القصة. وهكذا ، انتقلت الأوبرا في نابولي من مبدأ مونتي فيردي الثاني. الدراما ، التي كانت بالفعل في الخلفية في البندقية ، تم تجاهلها أكثر ، وكان أكثر أو أقل طريقة فضفاضة للوصول من رقم الأغنية إلى رقم الأغنية. والآن أتيحت الفرصة للنساء أيضا للغناء دون تجاوز شعبية أغاني كاسترات. لقد حصلت على الأمهات الرئيسيات و أول الأمهات التي نمت ، و غالبا ما كان من الممكن تعطيل العمل الدرامي للأوبرا عن طريق حقيقة أن بريمادونا غنى أغنية أو أنها اشتهرت بشكل خاص بوسط أوبرا أخرى ، مما جعل الدراما أكثر من الصعب متابعة. وكان هنا أيضا أن الميل إلى الغناء كلمات تم تأسيسها مرارا وتكرارا. المدرسة النابليونية عانت كريسف إلى ويليامبالد غلوك اتخذت تسوية ضد العمل المكسور ، والأغاني الغريبة ، والدراما في الخلفية والمعاملة الخاصة للأمهات الرئيسيات.

الأوبرا الفرنسية
في فرنسا ، لم تكن الأوبرا ناجحة بشكل كبير على الرغم من التجارب المستمرة من بين آخرين ، من ضمنهم الكاردينال مازارين. ومع ذلك فإن اللاعب Jean Baptiste Lully قدم مباراة كارثية.

كان “لولي” في الأصل من فلورنسا ، ولكنه انتقل في طفولته إلى باريس. هناك ساعد في بناء كل من الباليه والأوبرا. تم توظيف Lully في نهاية الأمر من قبل الملك Ludvig XIV بعد أن استخدمت أخته كعازفة كمان. نمت Lully مع التحديات ، وكتب العديد من القطع والباليه روح الدعابة. تعاونت Lully في نهاية المطاف مع Molière ، وصنعوا الباليه الهزلي ، مختلطة مع الرقص والمسرحيات وألعاب الغناء المعروفة باسم tragédie lyrique. ومع ازدياد شعبية هذه المشاهد – القطع الموضوعة بين الأفعال الموجودة في ، على سبيل المثال ، قطعة المسرح – في شعبية ، أصبحت أيضًا أكبر وأكثر نجاحًا. ولما حقق “لولي” نجاحًا كبيرًا مع الملك ، وكذلك من تلقاء نفسه مع أوركسترا غرفته ، اشترى الحق الحصري للأوبرا. وبالتالي ، لم يكن هناك منافسين له خلال هذه الفترة. في 1673 أجرى أول أوبرا له.

Lullys تتميز الأوبرا الفرنسية بأصابعها و resitatives المطبوعة بعناية ، والتي لم تسمح بكثير من الارتجال. كتب الأوبرا حتى قاتلوا بلغة فرنسية يومية. بدت الأوبرا الوحيدة منفصلة عن الأوبرا في نابولي ، كان من الواضح أنها كانت مستوحاة أيضا منها. كما وضع لولي مزيدًا من التركيز على الافتتاحية الدورية للأوبرا ، والتي أعاد تسميتها من سينفونيا إلى العرض. كان لديه انقسام بطيء سريع بطيء حيث كان التقسيم البطيء الأول ذو طابع لحني بالإجماع ، والجزء سريع الخطى ولحن سريع ، وآخر ، والاختياري ، عاد الجزء غالباً إلى الجزء الأول مرة أخرى.

الأوبرا الفرنسية بعد Lully جعلت من الصعب. على الرغم من حقيقة أن لولي قد مات ، وجدت الجماعات أن أوبراته سيتم تسجيلها. وقد أدى ذلك إلى استقبال مختلط للغاية للأوبرا للأحفاد ، مثل أندريه كامبرا ، وباسكال كولاس ، وهينري ديسماريتس ، ولويس لولي ، وأندريه الكاردينال ديستوتس ، ومارين ماريس ، وإليزابيث جاكيه دي لا غوير. كما لم يكن للمؤلفين الفرنسيين أن لويس الرابع عشر تأثر بماركيز دي مينتينون ، وقطعوا الأوبرا خلال هذه الفترة. بالإضافة إلى ذلك ، استغرقت الموسيقى الإيطالية أكثر في الفترة التي أعقبت وفاة لولي عندما لم يعد يسيطر على الموسيقى التي جاءت إلى البلاد.

الأوبرا الإنجليزية
في إنجلترا ، لم تكن الأوبرا بداية ممتازة في البداية. أولا ، كان للبلد بالفعل نوع خاص به يدعى الماسك ، وهو شكل من أشكال الغناء مع القصائد ، حيث تم الجمع بين الرقص والغناء والموسيقى. كان هذا له تقاليد طويلة في إنجلترا. ثانيا ، كانت الأوبرا الإيطالية والكاثوليكية ، في حين أن إنجلترا كانت الأنجليكانية ولها ملامح pietistic. ثالثًا ، أغلقت جميع أشكال الترفيه العام لمدة 15 عامًا في ظل البيوريتانية لأوليفر كرومويل. فقط 15 سنة بدت متواضعة في السياق الكبير ، لم يمسكوا بالماسكوين ، واختفى العديد من المؤلفين. تولى كارل الثاني ، لكنه أمضى وقتا طويلا في العودة إلى المسرح والموسيقى مباريات لا للإساءة إلى أي شخص. لذلك ، لم يكن هناك عودة فورية من أنماط أو غيرها من أنماط كامد.

عندما وصل المؤلفون الإنجليزيون الجدد ، كانت الأوبرا هي الموضوع ، وأصبح جون بلو أول من كتب أوبرا إنجليزية عندما ألف فينوس وأدونيس عام 1682. ومع ذلك ، استسلم بسرعة Blow من قبل فتى تعليمه هنري بورسيل. أصبح أوبرا بورديل الأول ، Dido و Aeneas ، الأكثر شعبية له ، لكنه حقق نجاحًا أيضًا مع The Fairy-Queen و King Arthur.

وقد تعلم بورسيل جزءًا من معلمه Blow ، بما في ذلك استخدام طاقم محدود من أربعة أفراد. وإلا ، فإن أوبرا بورسيل الأولى مستوحاة من كل من أوبرا Masque و Lullys ، التي تم تقديمها في إنجلترا عبر تشارلز الثاني في المنفى. ويمكن رؤية هذا الأخير في حضور الرقص. في المقابل ، كان لدى بورسيل أيضاً عناصر من الأوبرا الإيطالية ، مثل العديد من برج الحمل. في الوقت نفسه ، كان مستوحى أيضا من جون بلو والتقاليد الإنجليزية في وقت سابق. ينطبق هذا ، على سبيل المثال ، على وجود نمط النمط بدلاً من مقياس صوت المنمنمات الرئيسي ، ولأسلوب Purcell’s resitative ، مثل الضربات.

الأوبرا في البلدان الناطقة بالألمانية
في حين ازدهرت فيينا كمركز أوبرا ، كانت لفترة طويلة تعتبر فرعا للأوبرا البندقية. تميزت بقية المناطق الناطقة بالألمانية بكل من الحرب العالمية الثالثة والجدية الدينية. كان هناك عدد قليل من الأوبرا ، وأولئك الذين كانوا موجودون كانوا يغنون ألعاب ذات طابع ديني ، وغالباً ما يكونون بالحوار بدلاً من الحكمة. الموسيقار الأوبرالي المهيمن في الأراضي الألمانية الشمالية كان راينهارد كيزر. ومع ذلك ، كتب الإمبراطور معظم أوبراه في الفترة المقبلة ، والتي كانت تهيمن عليها أيضا الأوبرا من قبل جورج فريدريش هانديل وجورج فيليب تيلمان. أيضا أواران يوهان Matthesonwrote ، ولكن كتاباته النظرية هي أكثر دراية من مؤلفاته.

موسيقى الحجرة وموسيقى الأوركسترا
كانت موسيقى الحجرة الموسيقى العالمية المقصود أن يتم لعبها لغرفة كبيرة نسبيا ، عادة مع عائلة نبيلة. خلال هذه الفترة كان هذا ينطبق بشكل خاص على السوناس والكانتات وجولات الحفلات الموسيقية. للتمييز بين الموسيقى الدينية والموسيقى الدنيوية ، غالباً ما يشار إلى السوناتاس والكانتيس على أنهم نسل الغرفة وسجلات الغرفة.

في 1600s ، كان هناك تمييز واضح بين مختلف sonates. في بداية القرن ، تم تعريف ابنه فقط بأنه “شيء يجب أن يلعب” ، على عكس الكانتات التي تغني. في النهاية ، أصبح مصطلح مجموعة من الأجزاء الصغيرة ، غالباً ما يرقص ، منفصلاً عن الموسيقى ، والملمس ، والمزاج ، والشخصية ، والإيقاع والإيقاع من وقت لآخر. عندما قام المؤلفون بتطوير هذا النوع ، تم تقسيمهم إلى مجموعات محددة ، بحيث أصبح السونات في النهاية عملاً جماعياً مع اختلافات واضحة تماشياً مع قضية التعلم. حوالي 1660 كان هناك أيضا طلاق بين sonate الغرفة و sonate الكنيسة.

كان Arcangelo Corelli أحد الملحنين السوناتا الرائدين في هذه الفترة. وباعتبارها معارضة مستعرة لشوتز ، لم تترك كوريلي أي موسيقى صوتية ، في حين أن موسيقاه الموسيقية الأساسية من المحتمل أن تكون أهم موسيقى الموسيقى الإيطالية في أواخر القرن السابع عشر. كانت كوريللي عازفة كمان ماهرة للغاية ، واستخدم إمكانات الكمان على أكمل وجه دون أن يكون موهوبًا للغاية. انتشر أبناؤه الكمان ، وثلاثي الأضلاع ، والكونسيارتي في جميع أنحاء أوروبا ، وكان له تأثير كبير على مؤلفي الكمان في وقت لاحق.

بشكل عام ، تألفت sonates غرفة Corelli في preludium ، تليها اثنين أو ثلاث رقصات. وكثيراً ما كانت الرقصات مرتبطة ببعضها البعض في شكل ثنائي ، أي أن الجزء الأول ينتقل من tonica إلى المسيطر ، في حين انتقل الآخر من المسيطر ومن الأسفل إلى tonika مرة أخرى. كان خطّ الباس تقريبًا مصحوبًا به ، وبالتالي لا يلعب دورًا متساوًا ، على عكس أبنائه الكنيسة. كُتبت تريليونونات Corellis في الغالب لتعديل الموسيقى الشعرية بدلاً من براعة. كان لديه معظم الأغاني في الطبقة المتوسطة دون ملاحظات عالية أو منخفضة ، أو حفلات سريعة أو تحديات أخرى. لا شيء من الكمان له دور أكبر من الآخر. فتحت سوناتا منفردة أكثر من ذلك بكثير للارتجال المبدع ، ولكن على خلاف ذلك شكل سورة كوريلي. كان هناك اختلاف طفيف بين الكنيسة والسوناتية الغرفة في solosonates.

تطورت cantatas إلى موسيقى الحجرة الرائدة للغناء في إيطاليا ، وخاصة في روما. تم تصميم الكنتاتاس ، التي غالباً ما تكون مكتوبة للمناسبة ولجمهور ناقد ، لغرفة صغيرة نسبياً بدون سينوغرافيا ، وبالتالي أصبحت حميمية دعت إلى المزاح والأناقة. لقد زاد الطلب على الكانتات التي جاءت كنتيجة للمهمة المضمونة لكل من الملحنين والشعراء ، خاصة لأن المزيد من الكانتات كانت دنيوية ، وعادةً ما كان الحب الرعوي يتم بعد تقنيات دراماتيكية. كانت الموسيقى عادة لفنانين أو بعض المطربين مع الاستمرار ، عادة عندما cembalo. كتب اليساندرو سكارلاتي أكثر من ستمائة الكانتات وسيطر في هذا السياق. على وجه الخصوص ، أخذ مارك أنطوان Charpentierand جاكيه دي لا Guerre من أنفسهم خارج cantats ، وغيرتها جزئيا لمنحهم أكثر “الفرنسية” الاسلوب. بالنسبة لهذا الأخير ، كان ذلك يعني ، من بين أمور أخرى ، أنها استعارت العرض ، ولا تزال عدة أماكن تدعى Sinfonia ، من الأوبرا. حققت نجاحًا كبيرًا مع المقاطعات الأوبرالية لديها مقارنة بأوبراها. ساهم Jaquet de la Guerre أيضًا في بعض الحالات القليلة جدًا من كوادر الكنيسة الفرنسية. كان تقاطع بين الكانتاتاس والأوبرا هو الغنائية ، التي كانت في منتصف الطريق ، لمزيد من المطربين وأوركسترا صغيرة ، وبالتالي كبيرة جدا للغرفة وصغيرة جدا لقاعات الحفلات الموسيقية الكبيرة.

تم فصل كونشيرتوز عن موسيقى الغرفة النموذجية حيث تم تصميمها لمجموعة أكبر ، حيث لعب العديد من الموسيقيين نفس الصوت. في البداية ، كان هذا الطاقم متواضعًا مع الموسيقى المكتوبة ، ومعظمها انقلبت ، على سبيل المثال ، Lully ، ولكن في نهاية القرن السابع عشر ، تم كتابة المزيد والمزيد من القطع الموسيقية للأوركسترا المكتوبة. أعطيت اسم كونشيرتو الشائع ، الذي كان يستخدم سابقا للموسيقى الصوتية. من بين الأنواع الثلاثة الرئيسية ، كانت كونشيرتو الأوركسترا – مع التركيز على أول خط فيولين وباس – أقل أهمية ، في حين أصبح الآخران ، اللذان لعبتا الفرق في الصوت واستخدما الأوركسترا بشكل أكثر وعيا ، أكثر شعبية. وشملت كونشيرتو جروسو ، حيث تم إنشاء مجموعة صغيرة ضد كونتيرتو كبيرة ومنفردة ، مع أداة منفردة ضد بقية الأوركسترا. على الرغم من أن كوريلي كان عازف كمان ، إلا أنه لم يختار كونشيرتو منفرداً مع الكمان والأوركسترا ، بل كونشيرتو غروسو ، الأكثر ملاءمة للنمط الموسيقي في روما. كانت تقنيته في المكان الذي كانت فيه الأوركسترا الكبيرة تنسخ القليل تقليدًا كبيرًا في جميع أنحاء أوروبا. الأهم من ذلك بالنسبة للكونشيرتو هو جوزيبي توريللي ، الذي ربما قام بكتابة أول كونسيرتو ، وعرّف الموضوع سريع الإيقاع الذي تم أخذه من تحويلات الأوبرا. وقد استمر أسلوبه الإيطالي الشمالي من قبل توماسو ألبينوني من البندقية.

Élisabeth-Claude Jacquet de la Guerre هي نفسها من أوائل الأطفال ، وهي صغيرة جداً بالفعل ظهرت في باريس وتحيط بها cembalo. وقد تم الاعتراف بها كموسيقي وملحن. بالإضافة إلى اتباع خطى فرانسيسكا كاكيني ، لتصبح أول ملحن أوبرا أنثى في فرنسا – وإن لم تكن بعيدة عن النجاح ، فقد أصبحت مشهورة جدًا بقصاتها من السيمبلو. كما كتبت سونا ومذاهب ، معظمها ذات محتوى ديني. كانت أجنحة cimbalostocks في Jacquet de la Guerre عبارة عن أجنحة بشكل رئيسي ، وهي نمط جديد من الرقصات المنمقة ، أي القطع الموسيقية المكتوبة في إيقاع الرقص ، ولكن في الغالب لا تستخدم للرقص. كان الفرق بين الأجنحة والمكسبين في هذا الوقت هو غياب المفاصل والمقدمة ، بالإضافة إلى حقيقة أن تغيرات الإيقاع والإيقاع كانت أكبر. ومع ذلك ، بدأوا لا Guerre مع twoccata ، أعيدت تسميتها في بعض الأجنحة ، وكانت أول من يكتب التوكاتا ل cembalo.

موسيقى الكنيسة
تأثرت الموسيقى الفرنسية بالكنيسة ، كما حدث في فرنسا ، على يد لويس الرابع عشر. كان ضد المعارض ، ولم يرد أن يكتب أحدهم في قضيته. لم ينتمي مارك أنطوان شاربنتييه إلى المحكمة وكتب معارضه بنجاح كبير. استخدم Charpentier مجموعة واسعة من الأدوات في المعارض ، وبما أنه لم يكن لديه الكثير من المعارض الفرنسية للنسخ ، كان لديه أيضا حرية كبيرة في تطوير تلك التي يريدها. تطورت Charpentier أيضا على مر السنين ونجحت في خلق توازن بين تعدد الأصوات والهواة ، والجوقة والأوركسترا والصلاة الاستثارة والأغنية الدرامية. كما كتب Charpentier الأدويات ، وغالبا ما ألهمت الموسيقى الإيطالية والفرنسية. ومع ذلك ، لم يكن الفرنسيون يستخدمون المصطلح “oratorium” ، وإنما بدلاً من ذلك “motet” أو “حوار” أو “canticum”. هذا يعني أن Charpentier لديه حرية كبيرة في تصميم المعامل. تأتي القطعة الأكثر شهرة في شاربينتييه من عقيدة كان من الممكن أن تكون مؤتمرا ، تي ديوم.

استوحى مكتب الكنيسة الألمانية من الكانتونية الإيطالية ، ولكن أيضا من عمل هاينريش شوتز. وجدت طريقها إلى ما وراء المشككين السريين الذين عارضوا عناصر تشبه الأوبرا في الكنيسة. وبالتالي كان لدى مرشحي الكنيسة أغنيات أكثر غنائية وأقل دراماتيكية. وهناك شكل مميز من الكنيسة cantata هو cantatas المرجانية. كان يرتكز على ترنيمة وعالج كل الآيات. في كثير من الأحيان كان لحن المرجان أساس الاختلافات.

في المناطق الناطقة بالألمانية ، اختلفت موسيقى الكنيسة بين الموسيقى الكاثوليكية والبروتستانتية وفي المناطق البروتستانتية. داخل الكاثوليكية ، لم يسلم الكثير لمجد الله ، ولعديد من المناسبات ، حيث كان معرض هاينريش إيجناز بييرز عادلًا للذكرى السنوية 1100 في سالزبورغ ، كان المطربون المكونون من ستة أعضاء ستة عشر مطربًا وسبع وثلاثين موسيقيًا ، كل منهم بصوته الخاص. في البروتستانتية ، كان هناك اتجاهان رئيسيان ، الأرثوذكس ، الذين أرادوا استخدام الموارد مثل الكاثوليك ، و pietist الذي سيوفر على هذه النفقات. وهذا هو السبب في أن البروتستانت الأرثوذكس ، في سياقات البروتستانت ، كان لديهم أكبر تطور.

كان هاينريش شوتز قد ظهر سابقاً ككاتب مسرحي موسيقي موهوب ، وفي الآونة الأخيرة لعب دورًا مهمًا في كل من المختبرات وفي الصور التي كتبها ، أحدها بروح الإنجيل بعد ماثيو ولوقا وجون.

قام الملحن الدانماركي الألماني ديتريش بوكستيهود بتألقه على العضو ، تاركا وراءه كمية كبيرة من الأعمال العضوية في توختات ، باتيوديوم ، مفاصل وأكثر من ذلك. كان لديه الخيال والبراعة والرقي ، وكان لديه شعور بالارتجال. زار Buxtehude كلا من Georg Friedrich Händel و Johann Sebastian Bach في الأيام القديمة. تتم كتابة معظم أعماله العظيمة في شكل شلالين. و toccataform كان عمل femsatser مع preludium تليها رقم طليق 1 يليه اللعب وسيطة تليها رقم 2 الضخمة وأخيرا أونيكاتا. كما استفادت بوكستيهود من استراحة كآلة موسيقية.

كتب Buxtehude أيضا 120 من كوادر الكنيسة المحفوظة. وتراوحت هذه القصص بين الصوت المنفرد والقاروس العام إلى ستة أصوات مع الأوركسترا الكبيرة. ومع ذلك ، تتميز معظم الكانتات بأسلوب مبكر من البار تماشيا مع كافالي ومونتيفردي. لديهم تبسيط التوافقيات وزخارف متناغمة تمشيا مع المبدأ الثاني. كان لـ Scheidt و Schütz تأثير على Buxtehude.

ينتمي دير Buxtehude إلى المدرسة البروتستانتية الألمانية الشمالية ، ينتمي يوهان Pachelbel إلى جنوب ألمانيا والكاثوليكية. كان Pachelbel نشطًا بشكل خاص في نورمبرغ. كانت موسيقىه الموسيقية مستوحاة من الموسيقى الإيطالية ، ولكنها في الوقت نفسه كانت تتميز بأجواء متألقة في جنوب ألمانيا مع تناغم ناعم وألحان رائعة. تركيز Pachelbel تكمن في toccatas والخيال ، لكنه كتب أيضا الموسيقى الحجرة ، بما في ذلك شفرته الشهيرة في D.