In der Musik betrachtet die Harmonie den Prozess, bei dem die Zusammensetzung einzelner Laute oder Überlagerungen von Lauten durch Hören analysiert wird. Üblicherweise bedeutet dies gleichzeitig auftretende Frequenzen, Tonhöhen (Töne, Noten) oder Akkorde.

Das Studium der Harmonie beinhaltet Akkorde und ihre Konstruktion und Akkordfolgen und die Prinzipien der Verbindung, die sie beherrschen.

Harmony bezieht sich oft auf den „vertikalen“ Aspekt der Musik, der sich von der melodischen Linie oder dem „horizontalen“ Aspekt unterscheidet.

Der Kontrapunkt, der sich auf die Beziehung zwischen Melodielinien bezieht, und die Polyphonie, die sich auf das gleichzeitige Ertönen separater unabhängiger Stimmen bezieht, werden daher manchmal von der Harmonie unterschieden.

In der populären und Jazzharmonie werden Akkorde durch ihre Wurzel plus verschiedene Ausdrücke und Charaktere benannt, die ihre Qualitäten anzeigen. In vielen Arten von Musik, vor allem Barock, Romantik, Moderne und Jazz, werden Akkorde oft mit „Spannungen“ ergänzt. Eine Spannung ist ein zusätzliches Akkordglied, das ein relativ dissonantes Intervall in Bezug auf den Bass erzeugt.

Üblicherweise „löst“ sich in der klassischen Übungszeit ein dissonanter Akkord (Akkord mit Spannung) zu einem konsonanten Akkord auf. Bei einem ausgewogenen Verhältnis zwischen konsonanten und dissonanten Klängen klingt die Harmonisierung normalerweise angenehm für das Ohr. In einfachen Worten, wenn ein Gleichgewicht zwischen „angespannten“ und „entspannten“ Momenten besteht.

Etymologie und Definitionen
Der Begriff Harmonie stammt aus dem Griechischen harmρμονία harmonia, was „Gelenk, Übereinstimmung, Eintracht“ bedeutet, aus dem Verb ἁρμζζω harmozō, (Ι) zusammenpassen, beitreten „. In der Vergangenheit bezog sich Harmonie oft auf das gesamte Gebiet der Musik, während Musik sich auf die Künste im Allgemeinen bezog. Im antiken Griechenland definierte der Begriff die Kombination von kontrastierenden Elementen: eine höhere und eine niedrigere Note. Es ist jedoch unklar, ob das gleichzeitige Erklingen von Noten ein Teil der antiken griechischen Musikpraxis war; harmonía könnte lediglich ein System zur Klassifizierung der Beziehungen zwischen verschiedenen Tonhöhen geschaffen haben. Im Mittelalter wurde der Begriff verwendet, um zwei Tonlagen zu beschreiben, die in Kombination klingen, und in der Renaissance wurde das Konzept erweitert, um drei Töne zu bezeichnen, die zusammen klingen. Aristoxenus schrieb ein Werk mit dem Titel Harmonika Stoicheia, das als erstes Werk der europäischen Geschichte zum Thema Harmonie geschrieben wurde.

Erst mit der Veröffentlichung von Rameaus Traité de l’harmonie (1722) wurde in einem Text, der sich mit der musikalischen Praxis befasste, der Begriff im Titel verwendet, obwohl diese Arbeit nicht die früheste Aufzeichnung der theoretischen Diskussion des Themas darstellt. Das zugrundeliegende Prinzip dieser Texte ist, dass Harmonie Harmonie (Klang, der gefällt) sanktioniert, indem man bestimmten vorher festgelegten kompositorischen Prinzipien folgt.

Aktuelle Wörterbuchdefinitionen, während sie versuchen, kurze Beschreibungen zu geben, heben oft die Mehrdeutigkeit des Begriffs in der modernen Verwendung hervor. Ambiguitäten entstehen entweder aus ästhetischen Erwägungen (zum Beispiel die Ansicht, dass nur angenehme Kon – orte harmonisch sein können) oder aus der Sicht der musikalischen Textur (Unterscheidung zwischen harmonischen (gleichzeitig klingenden Tonhöhen) und „kontrapunktischen“ (sukzessiv klingenden) Tönen die Worte von Arnold Whittall:

Während die gesamte Geschichte der Musiktheorie von einer solchen Unterscheidung zwischen Harmonie und Kontrapunkt abhängig zu sein scheint, ist es doch nicht weniger offensichtlich, daß Entwicklungen in der Natur der musikalischen Komposition im Laufe der Jahrhunderte die Interdependenz vorausgesehen haben – manchmal in der Integration, zu anderen Zeiten eine Quelle anhaltender Spannung zwischen den vertikalen und horizontalen Dimensionen des musikalischen Raums. [Seite benötigt]

Die Auffassung, dass die moderne tonale Harmonie in der westlichen Musik um 1600 begann, ist in der Musiktheorie üblich. Dies wird gewöhnlich durch den Ersatz der horizontalen (oder kontrapunktischen) Komposition, die in der Musik der Renaissance üblich ist, mit einer neuen Betonung des vertikalen Elements komponierter Musik erklärt. Moderne Theoretiker sehen dies jedoch eher als unbefriedigende Verallgemeinerung. Laut Carl Dahlhaus:

Kontrapunkt wurde nicht durch Harmonie ersetzt (Bachs tonaler Kontrapunkt ist sicherlich nicht weniger polyphon als Palestrinas modale Schreibweise), aber ein älterer Typ sowohl des Kontrapunkts als auch der vertikalen Technik wurde von einem neueren Typus abgelöst. Und Harmonie umfasst nicht nur die („vertikale“) Struktur der Akkorde, sondern auch ihre („horizontale“) Bewegung. Wie die Musik als Ganzes ist Harmonie ein Prozess. [Seite benötigt]

Beschreibungen und Definitionen von Harmonie und harmonischer Praxis können eine Neigung zu europäischen (oder westlichen) musikalischen Traditionen zeigen. Zum Beispiel wird südasiatische Kunstmusik (Hindustani und Carnatic Musik) häufig zitiert, um wenig darauf zu legen, was in der westlichen Praxis als konventionelle Harmonie wahrgenommen wird; Die zugrunde liegende harmonische Grundlage für die meisten südasiatischen Musik ist die Drohne, ein offenes offenes fünftes Intervall (oder viertes Intervall), das sich im Verlauf einer Komposition nicht in der Tonhöhe ändert. Insbesondere die Pitch-Gleichzeitigkeit spielt selten eine Rolle. Nichtsdestoweniger sind viele andere Erwägungen der Tonhöhe für die Musik, ihre Theorie und ihre Struktur relevant, wie das komplexe System von Rāgas, das sowohl melodische als auch modale Überlegungen und Kodifizierungen darin kombiniert.

Komplizierte Tonhöhenkombinationen, die gleichzeitig klingen, kommen in der indischen klassischen Musik vor – aber sie werden selten als teleologische harmonische oder kontrapunktische Progressionen studiert – wie bei notierter westlicher Musik. Diese kontrastierende Betonung (insbesondere in Bezug auf indische Musik) manifestiert sich in den unterschiedlichen Methoden der Aufführung: In der indischen Musik spielt die Improvisation eine wichtige Rolle im strukturellen Rahmen eines Stückes, während in der westlichen Musik die Improvisation seit Ende des Jahres ungewöhnlich ist das 19. Jahrhundert. Wo es in der westlichen Musik (oder in der Vergangenheit) vorkommt, verschönert die Improvisation bereits vornotierte Musik oder bezieht sich auf musikalische Modelle, die zuvor in notierten Kompositionen festgelegt wurden, und verwendet daher bekannte harmonische Schemata.

Nichtsdestoweniger zeigt die Betonung der in der europäischen Kunst vorkomponierten Musik und der sie umgebenden schriftlichen Theorie eine erhebliche kulturelle Voreingenommenheit. Das Grove Dictionary of Music and Musicians (Oxford University Press) identifiziert dies deutlich:

In der westlichen Kultur wurden die am Improvisationsbereich am meisten abhängigen Musikrichtungen, wie der Jazz, traditionell der Kunstmusik unterlegen, in der die Vorkomposition als vorrangig angesehen wird. Die Vorstellung von Musik, die in mündlichen Überlieferungen als etwas improvisatorisch Gebildetes lebt, trennt sie von den höherstehenden Werken, die Notation verwenden.

Die Entwicklung der harmonischen Praxis und Sprache selbst, in der westlichen Kunstmusik, wurde und wurde durch diesen Prozess der früheren Komposition erleichtert, der das Studium und die Analyse von einzelnen vorkonstruierten Werken durch Theoretiker und Komponisten erlaubte, in denen Tonhöhen (und in gewissem Maße) Rhythmen) blieben unabhängig von der Art der Aufführung unverändert.

Historische Regeln
Einige Traditionen der westlichen Musikleistung, -zusammensetzung und -theorie haben spezifische Regeln der Harmonie. Diese Regeln werden oft als auf natürlichen Eigenschaften wie dem Pythagoreischen Abstimmgesetz beruhend ganze Zahlenverhältnisse („Harmonie“ ist in den Verhältnissen entweder wahrnehmend oder in sich selbst) oder Obertöne und Resonanzen („Harmonie“, die in der Qualität des Klanges inhärent ist) beschrieben, mit den erlaubten Tonhöhen und Harmonien, die von ihrer Nähe zu diesen Eigenschaften ihre Schönheit oder Einfachheit gewinnen. Dieses Modell sieht vor, dass die kleine Septime und die (große) Neunte nicht dissonant sind (dh konsonant sind). Während pythagoreische Verhältnisse eine grobe Annäherung an die Wahrnehmungsharmonizität liefern können, können sie kulturelle Faktoren nicht berücksichtigen.

Frühe westliche religiöse Musik weist oft parallele perfekte Intervalle auf; Diese Intervalle würden die Klarheit des ursprünglichen Plainsongs bewahren. Diese Werke wurden in Kathedralen geschaffen und aufgeführt und nutzten die Resonanzmoden ihrer jeweiligen Kathedralen, um Harmonien zu erzeugen. Als sich jedoch die Polyphonie entwickelte, wurde die Verwendung von parallelen Intervallen langsam durch den englischen Konsonanzstil ersetzt, der Terz- und Sexte verwendete. Der englische Stil wurde als süßer betrachtet und war insofern besser für die Polyphonie geeignet bot eine größere lineare Flexibilität beim Schreiben von Teilen. Frühe Musik verbot auch die Verwendung des Tritons wegen seiner Dissonanz, und Komponisten gingen oft über musica ficta zu beträchtlichen Längen, um es zu vermeiden. Im neueren triadischen harmonischen System wurde jedoch der Tritonus zulässig, da die Standardisierung der funktionalen Dissonanz seinen Gebrauch in dominanten Akkorden wünschenswert machte.

Die meiste Harmonie kommt von zwei oder mehr Noten, die gleichzeitig klingen – aber ein Werk kann Harmonie mit nur einer Melodielinie implizieren, indem man Arpeggios oder Hoquet verwendet. Viele Stücke aus der Barockzeit für Solo-Streichinstrumente – wie Bachs Sonaten und Partiten für Violine und Violoncello – vermitteln subtile Harmonie durch Rückschlüsse statt vollstimmiger Strukturen.Diese Werke erzeugen einen Sinn für Harmonien, indem sie arpeggierte Akkorde und implizierte Basslinien verwenden. Die implizierten Basslinien werden mit tiefen Noten kurzer Dauer erzeugt, die viele Zuhörer als die Bassnote eines Akkords wahrnehmen.

Typen
Carl Dahlhaus (1990) unterscheidet zwischen koordinierter und untergeordneter Harmonie.Untergeordnete Harmonie ist die heute bekannte hierarchische Tonalität oder Klangharmonie.Coordinate Harmony ist die ältere tonalité ancienne des Mittelalters und der Renaissance. „Der Begriff soll bedeuten, dass Sonoritäten hintereinander verbunden sind, ohne den Eindruck einer zielgerichteten Entwicklung zu erwecken. Ein erster Akkord bildet eine“ Progression „mit einer Sekunde Akkord, und eine Sekunde mit einer dritten. Aber die vorherige Akkordfolge ist unabhängig von der späteren und umgekehrt. “ Koordinatenharmonien folgen direkten (benachbarten) Beziehungen und nicht indirekten wie untergeordneten. Intervallzyklen erzeugen symmetrische Harmonien, die von den Komponisten Alban Berg, George Perle, Arnold Schönberg, Béla Bartók und Edgard Varèses Density 21.5 intensiv genutzt wurden.

Enge Harmonie und offene Harmonie benutzen jeweils die Position der nahen Position und die Position der Akkorde. Siehe: Stimmen (Musik) und Schließen und Öffnen der Harmonie.

Andere Arten von Harmonie basieren auf den Intervallen der Akkorde, die in dieser Harmonie verwendet werden. Die meisten Akkorde in der westlichen Musik basieren auf „tertianischer“ Harmonie oder Akkorden, die im Terz-Intervall aufgebaut sind. Im Akkord C Dur7 ist CE eine große Terz; EG ist eine kleine dritte; und G zu B ist eine große dritte. Andere Arten von Harmonie bestehen aus quartaler und quintaler Harmonie.

Ein Unisono wird als ein harmonisches Intervall betrachtet, genau wie ein Quinte oder ein Terz, ist aber insofern einzigartig, als es zwei identische Noten sind, die zusammen erzeugt werden. Der Einklang, als eine Komponente der Harmonie, ist wichtig, besonders in der Orchestrierung. In der Popmusik wird Unisono-Gesang normalerweise Doubling genannt, eine Technik, die die Beatles in vielen ihrer früheren Aufnahmen verwendet haben. Als eine Art von Harmonie wird das gemeinsame Singen oder das Spielen der gleichen Noten, oft unter Verwendung verschiedener Musikinstrumente, zur gleichen Zeit als monophone Harmonisierung bezeichnet.

Intervalle

Ein Intervall ist die Beziehung zwischen zwei getrennten Tonhöhen. Zum Beispiel sind in der Melodie Twinkle Twinkle Little Star die ersten beiden Noten (das erste „Funkeln“) und die zweiten zwei Töne (das zweite „Funkeln“) im Abstand von einem Fünftel. Das heißt, wenn die ersten beiden Noten die Tonhöhe C wären, wären die zweiten zwei Töne die Tonhöhe „G“ – vier Tonleiternoten oder sieben chromatische Töne (eine perfekte Quinte) darüber.

Folgende sind übliche Intervalle:

Wurzel	Großes Drittel	Geringes Drittel	Fünfte
C	E	E ♭	G
D ♭	F	F ♭	A ♭
D	F♯	F	EIN
E ♭	G	G ♭	B ♭
E	G♯	G	B
F	EIN	A ♭	C
F♯	A♯	EIN	C♯
G	B	B ♭	D
A ♭	C	C ♭	E ♭
EIN	C♯	C	E
B ♭	D	D ♭	F
B	D♯	D	F♯

Daher schafft die Kombination von Noten mit ihren spezifischen Intervallen – ein Akkord – Harmonie.Zum Beispiel gibt es in einem C-Akkord drei Noten: C, E und G. Die Note C ist die Wurzel. Die Noten E und G sorgen für Harmonie, und in einem G7-Akkord (G dominant 7th) sorgt die Wurzel G mit jeder nachfolgenden Note (in diesem Fall B, D und F) für die Harmonie.

In der Tonleiter gibt es zwölf Tonhöhen. Jede Tonhöhe wird als „Grad“ der Tonleiter bezeichnet. Die Namen A, B, C, D, E, F und G sind unbedeutend. Die Intervalle sind jedoch nicht. Hier ist ein Beispiel:

1 °	2 °	3	4 °	5 °	6 °	7 °	8 °
C	D	E	F	G	EIN	B	C
D	E	F♯	G	EIN	B	C♯	D

Wie zu sehen ist, entspricht keine Note immer einem gewissen Grad der Skala. Die Tonika oder Note 1. Grades kann eine der 12 Noten (Tonigkeitsklassen) der chromatischen Tonleiter sein. Alle anderen Notizen passen sich an. Wenn zum Beispiel C die Tonika ist, ist der vierte Grad oder die Subdominante F. Wenn D die Tonika ist, ist der vierte Grad G. Während die Notennamen konstant bleiben, können sie sich auf unterschiedliche Skalengrade beziehen, was unterschiedliche Intervalle in Bezug auf bedeutet das Tonikum. Die große Stärke dieser Tatsache ist, dass jedes musikalische Werk in jeder Tonart gespielt oder gesungen werden kann. Es ist das gleiche Musikstück, solange die Intervalle gleich sind – also die Melodie in die entsprechende Tonart transponieren. Wenn die Intervalle die perfekte Oktave (12 Halbtöne) überschreiten, werden diese Intervalle zusammengesetzte Intervalle genannt, zu denen insbesondere das 9., 11. und 13. Intervall gehören, das in der Jazz- und Bluesmusik weit verbreitet ist.

Zusammengesetzte Intervalle werden folgendermaßen gebildet und benannt:

2. + Oktave = 9.
3. + Oktave = 10.
4. + Oktave = 11.
5. + Oktave = 12.
6. + Oktave = 13.
7. + Oktave = 14.
Der Grund, warum die zwei Zahlen nicht korrekt „addieren“, ist, dass eine Note doppelt gezählt wird.Abgesehen von dieser Kategorisierung können Intervalle auch in konsonant und dissonant unterteilt werden. Wie in den folgenden Abschnitten erläutert, erzeugen Konsonanten-Intervalle ein Gefühl der Entspannung und dissonante Intervalle ein Spannungsgefühl. In der tonalen Musik bedeutet der Begriff Konsonant auch „bringt Auflösung“ (zumindest bis zu einem gewissen Grad, während Dissonanz „Auflösung“ erfordert).

Die Konsonanten-Intervalle gelten als die perfekten Unisonos, Oktav-, Quinten- und Terz- und Terz- und Terz-Terz- und Terz- und Mischformen. Ein Intervall wird als „perfekt“ bezeichnet, wenn die harmonische Beziehung in der natürlichen Obertonreihe gefunden wird (nämlich der Unison 1: 1, Oktave 2: 1, Quinte 3: 2 und Quarte 4: 3). Die anderen Grundintervalle (zweites, drittes, sechstes und siebentes) werden „unvollkommen“ genannt, weil die Oberwellenbeziehungen in der Obertonreihe mathematisch nicht exakt gefunden werden. In der klassischen Musik kann die perfekte Quarte über dem Bass als dissonant betrachtet werden, wenn ihre Funktion kontrapunktisch ist. Andere Intervalle, die zweite und die siebte (und ihre zusammengesetzten Formen) gelten als Dissonant und erfordern Auflösung (der erzeugten Spannung) und normalerweise Vorbereitung (abhängig vom Musikstil).

Man beachte, dass der Effekt der Dissonanz relativ innerhalb des musikalischen Kontextes wahrgenommen wird: zum Beispiel kann ein einziges siebentes Intervall (dh C bis B) als dissonant wahrgenommen werden, aber das gleiche Intervall als Teil eines Dur-Septakkords kann relativ konsonant klingen . Ein Tritonus (das Intervall von der vierten Stufe bis zur siebten Stufe der Dur-Tonleiter, dh von F bis B) klingt sehr dissonant, jedoch weniger im Zusammenhang mit einem dominanten Septakkord (G7 oder D ♭ 7 in diesem Beispiel). .

Akkorde und Spannung
In der westlichen Tradition, in der Musik nach dem siebzehnten Jahrhundert, wird die Harmonie manipuliert mit Akkorden, die Kombinationen von Tonklassen sind. In tertiärer Harmonie, so benannt nach dem Intervall eines Terz, werden die Glieder der Akkorde gefunden und benannt, indem Intervalle der dritten Akkorde gestapelt werden, beginnend mit der „Wurzel“, dann die „dritte“ über der Wurzel und die „fünfte“ darüber die Wurzel (die ein Drittel über der Terz ist) usw. (Beachten Sie, dass Akkordmitglieder nach ihrem Intervall über der Wurzel benannt sind.) Dyaden, die einfachsten Akkorde, enthalten nur zwei Elemente (siehe Power-Akkorde).

Ein Akkord mit drei Mitgliedern wird Triade genannt, weil er aus drei Mitgliedern besteht, nicht weil er notwendigerweise in Terzen aufgebaut ist (siehe Quartale und Quintenharmonik für Akkorde, die mit anderen Intervallen aufgebaut sind). Abhängig von der Größe der zu stapelnden Intervalle werden unterschiedliche Akkordqualitäten gebildet. In der populären und Jazzharmonie werden Akkorde durch ihre Wurzel plus verschiedene Ausdrücke und Charaktere benannt, die ihre Qualitäten anzeigen. Um die Nomenklatur so einfach wie möglich zu halten, werden einige Standardwerte akzeptiert (hier nicht tabelliert). Zum Beispiel bilden die Akkordmitglieder C, E und G einen C-Dur-Dreiklang, der standardmäßig einfach als C-Akkord bezeichnet wird. In einem Akkord A pronounced (ausgesprochen As-Dur) sind die Mitglieder A ♭, C und E ♭.

In vielen Arten von Musik, vor allem Barock, Romantik, Moderne und Jazz, werden Akkorde oft mit „Spannungen“ ergänzt. Eine Spannung ist ein zusätzliches Akkordglied, das ein relativ dissonantes Intervall in Bezug auf den Bass erzeugt. Nach der tertianischen Praxis, Akkorde durch Überlagerung von Terzen zu konstruieren, wird die einfachste erste Spannung einer Triade hinzugefügt, indem sie auf die existierende Wurzel, Terz und Quinte gestapelt wird, ein weiteres Drittel über der Quinte, was einem neuen, potentiell dissonanten Element das Intervall von eine siebte von der Wurzel entfernt und daher als „Siebtel“ des Akkords bezeichnet, und einen Vier-Noten-Akkord erzeugen, der als „Septakkord“ bezeichnet wird.

Abhängig von den Breiten der einzelnen Terzen, die gestapelt werden, um den Akkord aufzubauen, kann der Abstand zwischen der Grundlinie und dem Septakkord des Akkords groß, klein oder vermindert sein. (Das Intervall einer augmentierten Septation reproduziert die Wurzel und wird daher außerhalb der Akkordnomenklatur weggelassen.) Die Nomenklatur erlaubt es, dass „C7“ standardmäßig einen Akkord mit einer Wurzel, einem Terz, einem Quinten und einem Septum C, E angibt , G und B ♭. Andere Arten von Septakkorden müssen expliziter benannt werden, wie etwa „C-Dur 7“ (buchstabiert C, E, G, B), „C augmentiert 7“ (hier gilt das erweiterte Wort für das fünfte, nicht das siebte, buchstabierte C , E, G♯, B ♭) usw. (Für eine ausführlichere Darstellung der Nomenklatur siehe Akkord (Musik).)

Wenn man die Terz weiter oben auf einen Septakkord stapelt, entstehen Verlängerungen und die „verlängerten Spannungen“ oder „oberen Spannungen“ (die mehr als eine Oktave über der Wurzel, wenn sie in Terzen gestapelt sind), die Neunten, Elften und Dreizehnten. Dies erzeugt die Akkorde, die nach ihnen benannt sind. (Man beachte, dass Terz-Akkordtypen mit Ausnahme von Dyaden und Triaden nach dem Intervall der größten im Stack verwendeten Größe und Magnitude benannt sind, nicht nach der Anzahl der Akkordglieder: so hat ein neunter Akkord fünf Glieder [Tonika, Terz, Quinte , 7., 9.], nicht neun.) Erweiterungen über den Dreizehnten hinaus reproduzieren bestehende Akkordmitglieder und sind (normalerweise) aus der Nomenklatur herausgenommen. Komplexe Harmonien, die auf ausgedehnten Akkorden basieren, finden sich im Überfluss in Jazz, spätromantischer Musik, modernen Orchesterwerken, Filmmusik usw.

Üblicherweise wird in der klassischen Übungszeit ein dissonanter Akkord (Akkord mit Spannung) zu einem konsonanten Akkord aufgelöst. Bei einem ausgewogenen Verhältnis zwischen konsonanten und dissonanten Klängen klingt die Harmonisierung normalerweise angenehm für das Ohr. In einfachen Worten, wenn ein Gleichgewicht zwischen „angespannten“ und „entspannten“ Momenten besteht. Aus diesem Grund wird Spannung normalerweise „vorbereitet“ und dann „gelöst“, wobei die Vorbereitung der Spannung bedeutet, eine Reihe von Konsonantenakkorden zu platzieren, die sanft zum dissonanten Akkord führen. Auf diese Weise sorgt der Komponist für eine reibungslose Einleitung der Spannung, ohne den Hörer zu stören. Sobald das Stück seinen Sub-Höhepunkt erreicht hat, braucht der Zuhörer einen Moment der Entspannung, um die Spannung zu klären, die durch das Spielen eines konsonanten Akkords erzielt wird, der die Spannung der vorhergehenden Akkorde löst. Die Klärung dieser Spannung klingt für den Hörer meist angenehm, obwohl dies in der Musik des späten 19. Jahrhunderts, wie Tristan und Isolde von Richard Wagner, nicht immer der Fall ist.

Wahrnehmung
Harmonie basiert auf Konsonanz, einem Konzept, dessen Definition sich in der Geschichte der westlichen Musik mehrmals geändert hat. In einem psychologischen Ansatz ist Konsonanz eine kontinuierliche Variable. Die Konsonanz kann in einem großen Bereich variieren. Ein Akkord kann aus verschiedenen Gründen konsonant klingen.

Einer ist der Mangel an Wahrnehmungsrauheit. Rauhigkeit tritt auf, wenn Teilfrequenzen (Frequenzkomponenten) innerhalb einer kritischen Bandbreite liegen, was ein Maß für die Fähigkeit des Ohrs ist, verschiedene Frequenzen zu trennen. Die kritische Bandbreite liegt bei hohen Frequenzen zwischen 2 und 3 Halbtönen und wird bei niedrigeren Frequenzen größer. Die Rauhigkeit von zwei simultanen harmonischen komplexen Tönen hängt von den Amplituden der Harmonischen und dem Intervall zwischen den Tönen ab. Das gröbste Intervall in der chromatischen Tonleiter ist die kleine Sekunde und ihre Umkehrung die große Septime. Für typische Spektralhüllkurven im mittleren Bereich ist das zweithäufigste Intervall das zweite und das siebte Dur, gefolgt vom Tritonus, dem Molldrittel (Dursext), dem Durdrittel (Mollsext) und dem perfekten Vierten (Fünftel).

Der zweite Grund ist die Wahrnehmungsfusion. Ein Akkord verschmilzt in der Wahrnehmung, wenn sein Gesamtspektrum einer harmonischen Reihe ähnelt. Nach dieser Definition schmilzt eine Dur-Triade besser als eine Moll-Triade und ein Dur-Moll-Septakkord schmilzt besser als eine Dur-Dur-Septime oder Moll-Septime. Diese Unterschiede sind in temperierten Kontexten nicht ohne weiteres zu erkennen, können aber erklären, warum Triaden im Allgemeinen häufiger vorherrschen als kleinere Triaden und Dur-Moll-Septen im Allgemeinen häufiger als andere Septen (trotz der Dissonanz des Tritonus-Intervalls) in der tonalen Mainstream-Musik. Natürlich hängen diese Vergleiche vom Stil ab.

Der dritte Grund ist Vertrautheit. Akkorde, die oft in musikalischen Kontexten gehört wurden, klingen konsonanter. Dieses Prinzip erklärt den allmählichen historischen Anstieg der harmonischen Komplexität der westlichen Musik. So wurden etwa 1600 unvorbereitete Septakkorde allmählich bekannt und wurden daher nach und nach konsonanter wahrgenommen.

Westliche Musik basiert auf großen und kleinen Triaden. Der Grund, warum diese Akkorde so zentral sind, besteht darin, dass sie sowohl in Bezug auf die Verschmelzung als auch auf die fehlende Rauheit konsonant sind. Sie verschmelzen, weil sie das perfekte vierte / fünfte Intervall enthalten. Es fehlt ihnen an Rauheit, weil ihnen große und kleine zweite Intervalle fehlen. Keine andere Kombination von drei Tönen in der chromatischen Skala erfüllt diese Kriterien.

Konsonanz und Dissonanz im Gleichgewicht
Die Musik des späten 19. Jahrhunderts hat sich in der Weise entwickelt, dass Spannung weniger oft vorbereitet und weniger formell strukturiert ist als im Barock oder in der Klassik, wodurch neue Stile wie post-romantische Harmonie, Impressionismus, Pantonalität, Jazz und Blues entstehen nicht auf die Art und Weise vorbereitet sein, die in der „Common-Practice-Ära“ gesehen wird. In einem Jazz- oder Blues-Song kann der Tonika-Akkord, der eine Melodie öffnet, ein dominanter Septakkord sein.Ein Jazz-Lied kann enden auf, was in klassischer Musik ein ziemlich dissonanter Akkord ist, wie ein geänderter dominanter Akkord mit einer geschärften elften Note.

Die Schaffung und Zerstörung von harmonischen und „statistischen“ Spannungen ist wesentlich für die Aufrechterhaltung des kompositorischen Dramas. Jede Komposition (oder Improvisation), die durchgängig und „regelmäßig“ bleibt, ist für mich gleichbedeutend mit einem Film, in dem nur „gute Leute“ drin sind, oder mit Hüttenkäse.

– Frank Zappa, „Das echte Frank Zappa Buch“ Seite 181, Frank Zappa und Peter Occhiogrosso, 1990