Akademische Kunst oder Akademismus ist ein Stil der Malerei, Skulptur und Architektur, der unter dem Einfluss europäischer Kunstakademien hergestellt wird. Insbesondere ist akademische Kunst die Kunst und die Künstler, die von den Standards der französischen Académie des Beaux-Arts beeinflusst werden, die unter den Bewegungen des Neoklassizismus und der Romantik praktiziert wurde, und die Kunst, die diesen beiden Bewegungen folgte, um beide Stile zu synthetisieren und das spiegelt sich am besten in den Gemälden von William-Adolphe Bouguereau, Thomas Couture und Hans Makart wider. In diesem Zusammenhang wird es oft als „Akademismus“, „Akademismus“, „Kunstpompier“ (abwertend) und „Eklektizismus“ bezeichnet und manchmal mit „Historismus“ und „Synkretismus“ verbunden.

Akademische Kunst umfasst Gemälde und Skulpturen, die unter dem Einfluss der europäischen Akademien entstanden sind und an denen viele Künstler dieser Zeit ihre formale Ausbildung erhielten. Die akademische Kunst hat sich einem überwiegend literarischen, mythologischen und historisch motivierten Kanon zulässiger oder gewünschter Themen verschrieben. Ihre Künstler zeigten kein Interesse daran, das Alltägliche oder Profane darzustellen. Akademische Kunst ist daher nicht realistisch, sondern idealistisch.

In Bezug auf den Stil kultivierte die akademische Kunst das Ideal von Aristoteles ‚perfekter und selektiver Nachahmung der Realität (Mimesis). Mit perfekter Beherrschung von Farbe, Licht und Schatten wurden Formen quasi fotorealistisch ausgearbeitet. Einige Gemälde zeigen ein „poliertes Finish“, bei dem auf dem fertigen Werk kein Pinselstrich mehr zu sehen ist. Dieses Kunstideal wurde Mitte des 19. Jahrhunderts durch die Erfindung der Fotografie erschüttert.

Besonders einflussreich für den Stil war die französische École des Beaux-Arts, die vom Neoklassizismus und der Romantik beeinflusst wurde. Später synthetisierte die akademische Kunst diese beiden Stile, was sehr gut in den Gemälden von William Adolphe Bouguereau, Thomas Couture und Hans Makart zu sehen ist.

Mit dem Aufkommen späterer Kunststile, insbesondere des Impressionismus, wurde die akademische Kunst verachtet und als „Eklektizismus“ abgetan. Von Anfang bis Ende des 20. Jahrhunderts wurde es von den meisten Kunstexperten als wenig wichtig angesehen, so dass es kaum erwähnt wurde und in den Depots des Museums verschwand. gelegentlich wurden sie abfällig als „Kunstpompier“ bezeichnet. Der akademische Malstil wurde auch dadurch diskreditiert, dass er von der nationalsozialistischen Kunstpolitik zu einem absoluten Standard erhoben wurde. Nur wenige meist ältere Künstler blieben ihr bis in die 1960er Jahre treu.

Erst in den 1990er Jahren wurde die akademische Kunst des Fin de Siècle nach und nach „wiederentdeckt“ und hat seitdem zunehmend an Anerkennung gewonnen. Während die Malerei ihren eigenen Weg ging, indem sie ihre eigenen Voraussetzungen reflektierte und in Frage stellte, setzte insbesondere der historische Film, insbesondere der Sandalenfilm, die Begierde des Akademismus nach der Rekonstruktion der Vergangenheit fort.

Französischer Akademismus
Die Herkunft des französischen Namens Pompier – auf Italienisch Feuerwehrmann – ist ungewiss: Er könnte sich aus den Helmen der Figuren klassischer Götter und Helden ableiten, ähnlich wie Feuerwehrhelme, oder auf dieselben Feuerwehrmänner hinweisen, die während der Ausstellungen mit Sicherheitsaufgaben anwesend sind offen in den offiziellen Salons, oder beziehen sich auf die Maler des Charles Gleyre-Kreises, Befürworter der Nachahmung der pompejanischen Malerei, oder schließlich, um viele pompöse und rhetorische bildliche Darstellungen anzusprechen.

Die künstlerische Strömung des Neoklassizismus, die im achtzehnten Jahrhundert entstand und sich auf einen Teil der ersten Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts erstreckte, hatte in der rationalen Strenge ihres Stils die erste Voraussetzung, um sich für den Unterricht an Schulen zu eignen, und schlug in ihrem Inhalt vor , der Weg der Nachahmung, nicht bereits der sichtbaren Natur und des wirklichen Lebens der Gesellschaft, sondern der künstlerischen Produkte und der Geschichte und Mythen dieser fernen Vergangenheit, der griechischen und römischen, die er als Modell für Harmonie und ideale Schönheit bezeichnete. In Frankreich wird das suggestive Beispiel von Davids Kunst – im Gegensatz zu jeder Akademie persönlich – und dann das des Studenten Ingres Konsens vermitteln und Nachahmer hervorbringen.

Die Königliche Akademie für Malerei und Skulptur wurde 1648 in Frankreich mit dem Ziel gegründet, Künstlern ein Qualitätszertifikat zu garantieren und ihnen einen Stil zu verleihen, der auf Einfachheit und Größe, Harmonie und Reinheit basiert. Zu diesem Zweck wurde die Notwendigkeit festgestellt, die folgenden Grundsätze zu beachten:

Studium des Aktes und der Anatomie
Nachahmung der Alten und idealisierte Natur
Realisierung der Arbeiten im Studio statt im Freien
Vorrang des Designs vor der Farbe
Vollständigkeit der Arbeit

Diese Ausbildungskriterien änderten sich im Laufe der Jahrhunderte nicht und wurden von den Professoren der École des Beaux-Arts, den Schülern von David und dann von Ingres, beibehalten, die den von ihren Lehrern formulierten Grundsätzen folgten: Um zugelassen zu werden, mussten die Schüler eine Prüfung bestehen Wettbewerb, der in der Ausführung eines Aktes als lebendiges Modell besteht.

Die Akademien in der Geschichte
Die erste Kunstakademie wurde am 13. Januar 1563 in Florenz in Italien von Cosimo I de ‚Medici unter dem Einfluss des Architekten Giorgio Vasari gegründet, der sie als Accademia e Compagnia delle Arti del Disegno (Akademie und Gesellschaft für Kunst der Kunst) bezeichnete Zeichnung), da es in zwei verschiedene operative Zweige unterteilt war. Während das Unternehmen eine Art Unternehmen war, dem jeder arbeitende Künstler in der Toskana beitreten konnte, umfasste die Akademie nur die bedeutendsten künstlerischen Persönlichkeiten von Cosimos Hof und hatte die Aufgabe, die gesamte künstlerische Produktion des Medici-Staates zu überwachen. In dieser medizinischen Einrichtung lernten die Studenten das „arti del disegno“ (ein von Vasari geprägter Begriff) und hörten Vorlesungen über Anatomie und Geometrie. Eine weitere Akademie, die Accademia di San Luca (benannt nach dem Schutzpatron der Maler, St. Luke), wurde etwa ein Jahrzehnt später in Rom gegründet. Die Accademia di San Luca hatte eine pädagogische Funktion und befasste sich mehr mit Kunsttheorie als mit der Florentiner. 1582 eröffnete Annibale Carracci seine sehr einflussreiche Akademie von Desiderosi in Bologna ohne offizielle Unterstützung; In gewisser Weise war dies eher eine traditionelle Künstlerwerkstatt, aber dass er das Bedürfnis verspürte, sie als „Akademie“ zu bezeichnen, zeigt die Anziehungskraft der damaligen Idee.

Die Accademia di San Luca diente später als Vorbild für die 1648 in Frankreich gegründete Académie Royale de Peinture et de Sculpture, die später zur Académie des Beaux-Arts wurde. Die Académie Royale de Peinture et de Sculpture wurde gegründet, um Künstler, die „Herren waren, die eine liberale Kunst praktizieren“, von Handwerkern zu unterscheiden, die in Handarbeit tätig waren. Diese Betonung der intellektuellen Komponente des Kunstmachens hatte erhebliche Auswirkungen auf die Themen und Stile der akademischen Kunst.

Nachdem die Académie Royale de Peinture et de Sculpture 1661 von Ludwig XIV. Umstrukturiert worden war, dessen Ziel es war, alle künstlerischen Aktivitäten in Frankreich zu kontrollieren, kam es unter den Mitgliedern zu einer Kontroverse, die die künstlerischen Einstellungen für den Rest des Jahrhunderts beherrschte. Dieser „Kampf der Stile“ war ein Konflikt darüber, ob Peter Paul Rubens oder Nicolas Poussin ein geeignetes Vorbild waren. Anhänger von Poussin, genannt „poussinistes“, argumentierten, dass Linie (disegno) die Kunst dominieren sollte, weil sie den Intellekt anspricht, während Anhänger von Rubens, genannt „rubenistes“, argumentierten, dass Farbe (colore) die Kunst dominieren sollte, wegen ihrer Appell an Emotionen.

Die Debatte wurde im frühen 19. Jahrhundert unter den Bewegungen des Neoklassizismus wiederbelebt, die durch das Kunstwerk von Jean Auguste Dominique Ingres und die Romantik durch das Kunstwerk von Eugène Delacroix charakterisiert wurden. Es gab auch Debatten darüber, ob es besser sei, Kunst durch Blick auf die Natur oder durch Blick auf die künstlerischen Meister der Vergangenheit zu lernen.

Akademien nach französischem Vorbild bildeten sich in ganz Europa und ahmten die Lehren und Stile der französischen Akademie nach. In England war dies die Royal Academy. Die 1754 gegründete Königlich Dänische Akademie der bildenden Künste kann als erfolgreiches Beispiel in einem kleineren Land angesehen werden, das sein Ziel erreicht hat, eine nationale Schule zu schaffen und die Abhängigkeit von importierten Künstlern zu verringern. Die Maler des dänischen Goldenen Zeitalters von ungefähr 1800-1850 wurden fast alle dort ausgebildet, und viele kehrten zum Unterrichten zurück, und die Kunstgeschichte Dänemarks ist viel weniger von Spannungen zwischen akademischer Kunst und anderen Stilen geprägt als dies in anderen Ländern der Fall ist .

Ein Effekt des Wechsels zu Akademien bestand darin, die Ausbildung von Künstlerinnen zu erschweren, die bis zur letzten Hälfte des 19. Jahrhunderts (1861 für die Royal Academy) von den meisten Akademien ausgeschlossen waren. Dies war teilweise auf Bedenken hinsichtlich der durch Nacktheit verursachten Unangemessenheit zurückzuführen. Bis zum 20. Jahrhundert wurden häufig besondere Vorkehrungen für Studentinnen getroffen.

Entwicklung des akademischen Stils
Seit dem Beginn der Poussiniste-Rubeniste-Debatte haben viele Künstler zwischen den beiden Stilen gearbeitet. Im 19. Jahrhundert, in der wiederbelebten Form der Debatte, wurde die Aufmerksamkeit und das Ziel der Kunstwelt, die Linie des Neoklassizismus mit der Farbe der Romantik zu synthetisieren. Ein Künstler nach dem anderen wurde von Kritikern behauptet, die Synthese erreicht zu haben, darunter Théodore Chassériau, Ary Scheffer, Francesco Hayez, Alexandre-Gabriel Decamps und Thomas Couture. William-Adolphe Bouguereau, ein späterer akademischer Künstler, bemerkte, dass der Trick, ein guter Maler zu sein, darin besteht, „Farbe und Linie als dasselbe“ zu sehen. Thomas Couture förderte dieselbe Idee in einem Buch, das er über Kunstmethoden verfasste. Er argumentierte, dass es Unsinn sei, wenn man sagt, ein Gemälde habe eine bessere Farbe oder eine bessere Linie, denn wenn Farbe brillant erscheint, hängt es von der Linie ab, sie zu vermitteln, und umgekehrt. und diese Farbe war wirklich eine Möglichkeit, über den „Wert“ der Form zu sprechen.

Eine weitere Entwicklung in dieser Zeit war die Übernahme historischer Stile, um die Epoche in der Geschichte zu zeigen, die das abgebildete Gemälde als Historismus bezeichnet. Dies zeigt sich am besten in der Arbeit von Baron Jan August Hendrik Leys, einem späteren Einfluss auf James Tissot. Es zeigt sich auch in der Entwicklung des Neo-Grec-Stils. Der Historismus soll sich auch auf den Glauben und die Praxis der akademischen Kunst beziehen, dass man die Innovationen verschiedener Kunsttraditionen aus der Vergangenheit einbeziehen und versöhnen sollte.

Die Kunstwelt wuchs auch, um sich zunehmend auf Allegorie in der Kunst zu konzentrieren. Theorien über die Bedeutung von Linie und Farbe behaupteten, dass ein Künstler durch diese Elemente die Kontrolle über das Medium ausübt, um psychologische Effekte zu erzeugen, in denen Themen, Emotionen und Ideen dargestellt werden können. Als Künstler versuchten, diese Theorien in der Praxis zusammenzufassen, wurde die Aufmerksamkeit auf das Kunstwerk als allegorisches oder figuratives Vehikel betont. Es wurde festgestellt, dass die Darstellungen in Malerei und Skulptur platonische Formen oder Ideale hervorrufen sollten, bei denen man hinter gewöhnlichen Darstellungen etwas Abstraktes, eine ewige Wahrheit erblicken würde. Daher Keats ‚berühmtes Nachdenken „Schönheit ist Wahrheit, Wahrheit Schönheit“. Die Bilder sollten eine „Idee“ sein, eine vollständige Idee. Es ist bekannt, dass Bouguereau gesagt hat, er würde nicht „einen Krieg“ malen, sondern „Krieg“. Viele Gemälde von akademischen Künstlern sind einfache Natur-Allegorien mit Titeln wie Dawn, Dusk, Seeing und Tasting, bei denen diese Ideen durch eine einzige Aktfigur verkörpert werden, die so komponiert ist, dass sie das Wesentliche der Idee hervorhebt.

Der Trend in der Kunst ging auch zu einem größeren Idealismus, der dem Realismus widerspricht, indem die dargestellten Figuren einfacher und abstrakter – idealisiert – gemacht wurden, um die Ideale darstellen zu können, für die sie standen. Dies würde sowohl die Verallgemeinerung der in der Natur gesehenen Formen als auch die Unterordnung unter die Einheit und das Thema des Kunstwerks beinhalten.

Da Geschichte und Mythologie als Theaterstücke oder Dialektik von Ideen betrachtet wurden, wurde ein fruchtbarer Boden für wichtige Allegorien unter Verwendung von Themen aus diesen Themen als die ernsteste Form der Malerei angesehen. Eine Hierarchie von Genres, die ursprünglich im 17. Jahrhundert geschaffen wurde, wurde geschätzt, wobei die Historienmalerei – klassische, religiöse, mythologische, literarische und allegorische Themen – an die Spitze gestellt wurde, die nächste Genre-Malerei, dann Porträtmalerei, Stillleben und Landschaft . Die Historienmalerei war auch als „Grande-Genre“ bekannt. Gemälde von Hans Makart sind oft größer als lebensgeschichtliche Dramen, und er kombinierte dies mit einem Historismus in der Dekoration, um den Stil der Wiener Kultur des 19. Jahrhunderts zu dominieren. Paul Delaroche ist ein typisches Beispiel für die französische Geschichtsmalerei.

Alle diese Trends wurden von den Theorien des Philosophen Hegel beeinflusst, der der Ansicht war, dass die Geschichte eine Dialektik konkurrierender Ideen sei, die sich schließlich in der Synthese auflöste.

Gegen Ende des 19. Jahrhunderts hatte die akademische Kunst die europäische Gesellschaft gesättigt. Oft fanden Ausstellungen statt, und die beliebteste Ausstellung war der Pariser Salon und ab 1903 der Salon d’Automne. Diese Salons waren sensationelle Ereignisse, die sowohl einheimische als auch ausländische Besucher anzogen. So sozial wie künstlerisch, 50.000 Menschen könnten an einem einzigen Sonntag zu Besuch sein, und bis zu 500.000 könnten die Ausstellung während ihres zweimonatigen Laufs sehen. Es wurden Tausende von Bildern gezeigt, die auf einer Art und Weise, die heute als „Salonstil“ bekannt ist, von knapp unter Augenhöhe bis zur Decke hingen. Eine erfolgreiche Ausstellung im Salon war ein Gütesiegel für einen Künstler, das seine Arbeit für die wachsenden Reihen privater Sammler verkaufsfähig machte. Bouguereau, Alexandre Cabanel und Jean-Léon Gérôme waren führende Persönlichkeiten dieser Kunstwelt.

Während der Regierungszeit der akademischen Kunst wurden die Gemälde der Rokoko-Ära, die zuvor nur wenig geschätzt wurden, wieder populär, und Themen, die in der Rokoko-Kunst häufig verwendet wurden, wie Eros und Psyche, waren wieder populär. Die akademische Kunstwelt vergötterte auch Raphael für die Idealität seiner Arbeit und zog ihn Michelangelo vor.

Die akademische Kunst in Polen blühte unter Jan Matejko, der die Krakauer Akademie der bildenden Künste gründete. Viele dieser Werke sind in der Galerie für polnische Kunst des 19. Jahrhunderts in Sukiennice in Krakau zu sehen.

Die akademische Kunst hatte nicht nur Einfluss in Europa und den Vereinigten Staaten, sondern weitete ihren Einfluss auch auf andere westliche Länder aus. Dies galt insbesondere für lateinamerikanische Nationen, die, weil ihre Revolutionen der Französischen Revolution nachempfunden waren, die französische Kultur nachahmen wollten. Ein Beispiel für einen lateinamerikanischen akademischen Künstler ist Ángel Zárraga aus Mexiko.

Niederlage und Entwicklung des Akademismus
Das Jahr 1897 bestätigte die Niederlage des Akademismus. Edouard Manet, Edgar Degas, Camille Pissarro, Claude Monet, Auguste Renoir, Sisley und Paul Cézanne betraten eine offizielle Institution, das Musée du Luxembourg, das für Regierungsaufträge reserviert war. Das Erbe von Gustave Caillebotte, Patron der Impressionisten, Sammler und Maler selbst, wurde nach drei Jahren heftiger Kämpfe akzeptiert (nur Degas ‚Gemälde wurden erstmals zugelassen). Es war der Staatsrat, der entschied, dass diese Werke tatsächlich Teil der Geschichte der französischen Malerei seien. In Wirklichkeit war die Birne in zwei Hälften geschnitten worden: Von 67 Leinwänden wurden 29 abgelehnt. Gérôme hatte gedroht, von seinem Lehrstuhl als Professor für Bildende Kunst zurückzutreten, diese Gemälde als „Müll“ zu bezeichnen und bei ihrem Eintritt in Luxemburg das Zeichen des „Endes der Nation“ zu sehen.

Die avantgardistischen Strömungen vervielfachten sich. Die Akademie und die School of Fine Arts selbst wurden vielseitiger, bemerkt Claire Barbillon. Nachdem sie während des Zweiten Reiches abgelehnt worden war, wurde der Naturalismus von den offiziellsten Malern der Dritten Republik übernommen, außer in bestimmten verwässerten Formen, schreibt sie. Die Symbolik vereint formal ziemlich traditionelle Künstler wie Gustave Moreau und radikal innovative Maler wie Gauguin oder Odilon Redon.

Die Eröffnung des Musée d’Orsay im Jahr 1986 wird Anlass für heftige Kontroversen in Frankreich sein. Viele werden darin eine Rehabilitation der „Feuerwehrleute“ sehen, sogar des „Revisionismus“. André Chastel war jedoch bereits 1973 der Ansicht, dass ein globales Urteil über die Verwerfung, das Erbe alter Schlachten, eine ruhige und objektive Neugier nur durch Vorteile ersetzt werden könne.

Akademisches Training
Junge Künstler verbrachten vier Jahre in einer strengen Ausbildung. In Frankreich wurden an der Schule der Akademie, der École des Beaux-Arts, nur Studenten aufgenommen, die eine Prüfung bestanden und ein Referenzschreiben eines bekannten Kunstprofessors mit sich führten. Zeichnungen und Gemälde des Aktes, „Académies“ genannt, waren die Grundbausteine ​​der akademischen Kunst, und das Verfahren zum Erlernen ihrer Herstellung war klar definiert. Zunächst kopierten die Schüler Drucke nach klassischen Skulpturen und machten sich mit den Prinzipien von Kontur, Licht und Schatten vertraut. Die Kopie wurde als entscheidend für die akademische Ausbildung angesehen; Durch das Kopieren von Werken früherer Künstler würde man ihre Methoden des Kunstmachens assimilieren. Um zum nächsten Schritt zu gelangen, präsentierten die Schüler Zeichnungen zur Bewertung.

Wenn sie genehmigt würden, würden sie dann aus Gipsabgüssen berühmter klassischer Skulpturen schöpfen. Erst nach dem Erwerb dieser Fähigkeiten wurde den Künstlern der Zugang zu Klassen gestattet, in denen ein Live-Model posierte. Malen wurde an der École des Beaux-Arts erst nach 1863 unterrichtet. Um das Malen mit einem Pinsel zu lernen, musste der Schüler zunächst seine Zeichenkenntnisse nachweisen, die als Grundlage der akademischen Malerei angesehen wurden. Erst dann konnte der Schüler das Atelier eines Akademikers betreten und malen lernen. Während des gesamten Prozesses haben Wettbewerbe mit einem festgelegten Fach und einem bestimmten Zeitraum den Fortschritt jedes Schülers gemessen.

Die Schwierigkeit des Tests führte dazu, dass sich der Student in der Regel erst nach einem langen Lehrgang in einem privaten Atelier, in dem er einen strengen Studienplan befolgt hatte, dem Wettbewerb unterziehen musste. Zuerst mussten Zeichnungen oder Drucke kopiert werden, und nach monatelanger Übung gingen wir zum Schlüpfen und Erpressen über, zum Schattieren. Ein weiterer wichtiger Schritt bestand in der Kopie der Kreiden, Reproduktionen von Büsten oder ganzen klassischen Werken, begleitet vom Studium der Kunst-, Literatur- und Mythologiegeschichte, wobei häufig die Themen behandelt wurden, die hier in Malerei und Skulptur aufgegriffen wurden.

Nach dieser Phase konnte der Schüler mit dem „Studium der Natur“ beginnen und das lebende Modell gemäß den Schritten zeichnen, die von der einfachen Skizze – der Esquisse – dem Skelett der Komposition – bis zur genaueren Definition der Skizze – der ébauche – gingen. in dem die Schatten durch Halbschatten und Licht geteilt wurden, bis hin zur Liebe zum Detail – la mise en place – und dem fertigen Design. Aber das lebende Modell musste noch „korrigiert“ werden, um die „Unvollkommenheiten der Natur“ zu beseitigen und sie nach einem idealen Modell von Adel und Anstand zu korrigieren.

Der bekannteste Kunstwettbewerb für Studenten war der Prix de Rome. Der Gewinner des Prix de Rome erhielt ein Stipendium für ein bis zu fünfjähriges Studium an der Schule der Académie française in der Villa Medici in Rom. Um teilnehmen zu können, musste ein Künstler französischer Nationalität sein, männlich, unter 30 Jahre alt und ledig. Er musste die Zugangsvoraussetzungen der École erfüllt haben und die Unterstützung eines bekannten Kunstlehrers haben. Der Wettbewerb war anstrengend und umfasste mehrere Phasen vor der letzten, in denen 10 Teilnehmer 72 Tage lang in Studios beschlagnahmt wurden, um ihre endgültigen historischen Gemälde zu malen. Dem Gewinner wurde im Wesentlichen eine erfolgreiche berufliche Laufbahn zugesichert.

Wie bereits erwähnt, war eine erfolgreiche Ausstellung im Salon ein Gütesiegel für einen Künstler. Künstler beantragten beim Hängekomitee eine optimale Platzierung „auf der Linie“ oder auf Augenhöhe. Nach Eröffnung der Ausstellung beschwerten sich Künstler, ob ihre Werke „himmelig“ waren oder zu hoch hingen. Die ultimative Errungenschaft für den professionellen Künstler war die Wahl zur Mitgliedschaft in der Académie française und das Recht, als Akademiker bekannt zu sein.

In der Zwischenzeit setzte der Schüler sein Kompositionsstudium mit der Praxis des Croquis fort, der schnellen Skizze von Momenten des täglichen Lebens, um die persönliche Vorstellungskraft anzuregen, die in seine eigenen Notizbücher, die Carnets de Poche, übersetzt wurde.

Der Student der Akademie wiederholte den bereits im Atelier absolvierten Zeichenkurs, um schließlich den Malkurs zu erreichen, ähnlich dem des Zeichnens. Der Skizze, für die in der Akademie spezielle Kurse abgehalten wurden, gefolgt von Wettbewerben, wurde große Bedeutung beigemessen: Sie war Ausdruck der Kreativität des Studenten, der unter Vernachlässigung der Details seiner eigenen Konzeption der Komposition eine allgemeine Form gab. Diese Kreativität musste jedoch durch das Masterstudium diszipliniert und reguliert werden. So ging es von der Esquisse zur in Holzkohle hergestellten ébauche, auf die die Sauce gegeben wurde, einem hellroten Backstein; Die Lichtungen wurden dann geknetet und die Schatten verdünnt, um sie fast transparent zu machen.

Der Schwerpunkt des akademischen Kurses lag daher in der Kopie: des lebenden Modells, der Kreiden, die die alten Statuen reproduzieren, und der Gemälde der Meister der Renaissance. Auf diese Weise beherrschte der Student nicht nur ihre manuelle Technik und ihre Art, die Bände zu organisieren, sondern nahm auch eine auf die Vergangenheit ausgerichtete Denkweise an, aus der er ständig die Quelle seiner Erfindung zog, die oft ein Zitat klassischer Werke war: Der Maler, der die Akademie verließ, wurde so veranlasst, das bereits Erreichte zu wiederholen oder das bereits Erfundene zu ändern oder die verwendeten Quellen zu tarnen.

Der akademische Hintergrund zeugte von der Professionalität des Künstlers, der sich so in der Gesellschaft mit „Papieren in Ordnung“ präsentieren konnte. Um die endgültige Anerkennung zu erhalten und die offiziellen staatlichen Kommissionen und die privaten Sammlerkommissionen zu garantieren, war es jedoch notwendig, einen Erfolg beim Prix de Rome und im Pariser Salon öffentlich zu weihen.

Kritik und Erbe
Die akademische Kunst wurde zuerst von realistischen Künstlern wie Gustave Courbet wegen ihrer Verwendung des Idealismus kritisiert, da sie auf idealistischen Klischees beruhte und mythische und legendäre Motive darstellte, während zeitgenössische soziale Belange ignoriert wurden. Eine weitere Kritik der Realisten war die „falsche Oberfläche“ von Gemälden – die abgebildeten Objekte sahen glatt, glatt und idealisiert aus – und zeigten keine echte Textur. Der Realist Théodule Ribot arbeitete dagegen, indem er in seinem Gemälde mit rauen, unvollendeten Texturen experimentierte.

Stilistisch kritisierten die Impressionisten, die sich dafür einsetzten, schnell genau im Freien zu malen, was das Auge sieht und die Hand niederlegt, den fertigen und idealisierten Malstil. Obwohl akademische Maler ein Gemälde begannen, indem sie zuerst Zeichnungen anfertigten und dann Ölskizzen ihres Fachs malten, schien der Hochglanz, den sie ihren Zeichnungen gaben, den Impressionisten gleichbedeutend mit einer Lüge. Nach der Ölskizze produzierte der Künstler das endgültige Gemälde mit dem akademischen „fini“, wobei er das Gemälde an die stilistischen Standards anpasste und versuchte, die Bilder zu idealisieren und perfekte Details hinzuzufügen. In ähnlicher Weise ist die Perspektive geometrisch auf einer ebenen Fläche konstruiert und nicht wirklich das Produkt des Sehens. Impressionisten lehnten die Hingabe an mechanische Techniken ab.

Realisten und Impressionisten widersetzten sich auch der Platzierung von Stillleben und Landschaft am Ende der Hierarchie der Genres. Es ist wichtig anzumerken, dass die meisten Realisten und Impressionisten und andere unter der frühen Avantgarde, die gegen den Akademismus rebellierten, ursprünglich Studenten in akademischen Ateliers waren. Claude Monet, Gustave Courbet, Édouard Manet und sogar Henri Matisse waren Studenten unter akademischen Künstlern.

Als die moderne Kunst und ihre Avantgarde an Macht gewannen, wurde die akademische Kunst weiter verunglimpft und als sentimental, klischeehaft, konservativ, nicht innovativ, bürgerlich und „stillos“ angesehen. Die Franzosen bezeichneten den Stil der akademischen Kunst spöttisch als L’art Pompier (Pompier bedeutet „Feuerwehrmann“), der auf die Gemälde von Jacques-Louis David (der von der Akademie geschätzt wurde) anspielte, in denen häufig Soldaten dargestellt wurden, die feuerwehrähnliche Helme trugen . Die Bilder wurden „Grandes-Maschinen“ genannt, die durch Erfindungen und Tricks falsche Emotionen erzeugt haben sollen.

Diese Verunglimpfung der akademischen Kunst erreichte ihren Höhepunkt durch die Schriften des Kunstkritikers Clement Greenberg, der erklärte, dass jede akademische Kunst „Kitsch“ sei. Andere Künstler, wie die symbolistischen Maler und einige der Surrealisten, waren der Tradition freundlicher. Als Maler, die imaginäre Ausblicke zum Leben erwecken wollten, waren diese Künstler eher bereit, aus einer stark gegenständlichen Tradition zu lernen. Nachdem die Tradition als altmodisch angesehen worden war, empfanden die allegorischen Akte und die theatralisch dargestellten Figuren einige Zuschauer als bizarr und traumhaft.

Mit dem Ziel der Postmoderne, eine umfassendere, soziologischere und pluralistischere Darstellung der Geschichte zu geben, wurde die akademische Kunst wieder in Geschichtsbücher und Diskussionen aufgenommen. Seit den frühen neunziger Jahren hat die akademische Kunst durch die Atelierbewegung des klassischen Realismus sogar ein begrenztes Wiederaufleben erlebt. Darüber hinaus gewinnt die Kunst in der breiten Öffentlichkeit eine breitere Anerkennung, und während akademische Gemälde einst nur ein paar Hundert Dollar an Auktionen einbrachten, erzielen einige jetzt Millionen.