Art Deco, die manchmal als Deco, ist eine Art der bildenden Kunst, Architektur und Design, die zuerst in Frankreich erschien kurz vor dem Ersten Weltkrieg Art Deco Einfluss auf die Gestaltung der Gebäude, Möbel, Schmuck, Mode, Autos, Kinos, Züge , Ozeandampfer und alltägliche Gegenstände wie Radios und Staubsauger. Es hat seinen Namen, die Abkürzung für Arts Décoratifs, von dem Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Internationale Ausstellung für moderne dekorative und Industrial Arts) in Paris im Jahr 1925. Es modernistischen Stil mit feiner Handwerkskunst und edle Materialien kombiniert. Während seiner Blütezeit, vertreten Art Deco Luxus, Glanz, Überschwänglichkeit und den Glauben an sozialen und technologischen Fortschritt.

Art Deco war ein Pasticcio aus vielen verschiedenen Stilen, manchmal widersprüchlich, von dem Wunsch vereint, modern zu sein. Von seinem Anfang an war Art Deco von den kühnen geometrischen Formen des Kubismus beeinflusst; die leuchtenden Farben des Fauvismus und der Ballets Russes; die aktualisierte Handwerkskunst des Möbels der Epoche von Louis Philippe und Louis XVI; und die exotischen Arten von China und Japan, Indien, Persien, die alten Ägypten und Maya-Kunst. Es gezeigt seltene und teure Materialien wie Ebenholz und Elfenbein, und exquisite Handwerkskunst. DasChrysler Gebäude und andere Wolkenkratzer New York in den 1920er Jahren gebaut und 1930 Denkmäler der Art-Deco-Stil.

Gemälde:
Es gab keinen Abschnitt beiseite legen für Malerei an der 1925 Exposition. Art-Deco-Malerei war definitions dekorativ, gestaltete einen Raum oder eine Arbeit von Architektur dekorieren, so wenige Maler ausschließlich im Stil gearbeitet, aber zwei Maler sind eng mit Art Deco verbunden. Jean Dupas gemalt Art Deco Wandbilder für den Bordeaux-Pavillon auf der 1925 Decorative Arts Ausstellung inParisUnd malte auch das Bild über den Kamin in der Maison de la Collectioneur Ausstellung in der 1925-Ausstellung, die Möbel angeboten von Ruhlmann und anderen prominenten Designern Art Deco. Seine Wandmalereien waren auch prominent in der Einrichtung des Französisch Ozeandampfer SS Normandie. Seine Arbeit war rein dekorativ, gestaltet als Hintergrund oder Begleitung zu anderen Elementen des Dekors. Der andere Maler eng mit dem Stil verbunden ist Tamara de Lempicka. Geboren inPolen in einer aristokratischen Familie, sie emigrierte nach Paris nach der russischen Revolution. Dort wurde sie Schülerin des Künstlers Maurice Denis von der Bewegung mit dem Namen Les Nabis und der Cubist André Lhote und viele Elemente aus ihren Stilen entlehnt. Sie malte fast ausschließlich Porträts in einem realistischen, dynamischen und bunten Art Deco-Stil.

In den 1930er Jahren erschien eine dramatische neue Form der Art-Deco-Malerei in der Vereinigte Staaten. Während der Großen Depression war das Bundeskunstprojekt der Works Progress Administration erstellt Arbeit für arbeitslose Künstler zu geben. Viele hatten die Aufgabe, die Dekoration Regierungsgebäude, Krankenhäuser und Schulen gegeben. Es gab keinen spezifischen Art-Deco-Stil in den Wandbildern verwendet; Künstler beschäftigte Wandmalereien in Regierungsgebäude zu malen kam aus vielen verschiedenen Schulen, von American Regionalismus zu sozialem Realismus; sie enthalten Reginald Marsh, Rockwell Kent und den mexikanischen Maler Diego Rivera. Die Wandmalereien waren Art Deco, weil sie alle dekorativen und im Zusammenhang mit den Aktivitäten im Gebäude oder Stadt waren, wo sie gemalt wurden: Reginald Marsh und Rockwell Kent beide US-Postgebäude eingerichtet und zeigte Postmitarbeiter bei der Arbeit, während Diego Rivera Automobil Fabrikarbeiter dargestellt für das Detroit Institute of Arts. Diego Rivera‘Rockefeller Center ein nicht autorisiertes Porträt von Lenin gekennzeichnet. Wenn Rivera weigerte Lenin zu entfernen, wurde das Gemälde zerstört und ein neues Wandbild wurde von dem spanischen Künstler Josep Maria Sert gemalt.

Skulptur:
Der größte Teil der Skulptur der Art Deco Zeit war, wie der Name schon sagt, rein dekorativ; es war nicht für Museen entwickelt, sondern Ornament Bürogebäude, Regierungsgebäude, öffentliche Plätze und Salons. Es war fast immer gegenständlich, in der Regel von heroischen oder allegorischen Figuren zum Zweck des Gebäudes beziehen; Die Themen wurden in der Regel durch den Patron, und abstrakte Skulptur für die Dekoration war extrem selten gewählt. Es wurde häufig Fassade von Gebäuden angebracht, vor allem über den Eingang.

Allegorische Skulpturen des Tanzes und der Musik von Antoine Bourdelle waren die wesentliche dekorative Eigenschaft der frühesten Art Deco in Paris, Das Théâtre des Champs-Elysées in Paris, Im Jahr 1912. Der Bildhauer Aristide Maillol neu erfunden das klassische Ideal für seine Statue des Flusses (1939), jetzt an dem Museum von Moderne Kunst im New York. In den 1930er Jahren dans ein ganzes Team von Bildhauern aus Plastik für die 1937 Exposition Internationale des Arts et Techniques la Vie Moderne in Chaillot. Die Gebäude der Exposition wurden mit niedrigem Relief bedeckt, Statuen. Alfred Janniot machte die Reliefs an der Fassade des Palais de Tokyo. Die Stadt Paris Museum für Moderne Kunst und der Esplanade vor dem Palais de Chaillot, mit Blick auf dieEiffel TurmWurde mit neuen Statuen von Charles Malfray, Henry Arnold und vielen anderen überfüllt.

In dem Vereinigte StaatenViele europäische Bildhauer an der Ecole des Beaux Arts trainiert in Pariszu arbeiten, kam; sie enthalten Gutzon Borglum, Bildhauer von Mount Rushmore Lincoln Memorial. Andere amerikanische Bildhauer, darunter Harriet Whitney Frishmuth hatte mit Auguste Rodin studierte inParis. Der Börsencrash von 1929 zerstört weitgehend den Markt für monumentale Skulptur, sondern ein großes Projekt geblieben; das neueRockefeller Center. Der amerikanische Bildhauer Lee Lawrie und Paul Manship entworfene Helden allegorische Figuren für Fassade und Plaza. ImSan FranciscoRalph Stackpole, sofern Skulptur für die Fassade der neuen San Francisco Börse Gebäude.

Einer der bekanntesten und sicherlich die größte Art-Deco-Skulptur ist der Christus des Erlöser von dem Französisch Bildhauer Paul Landowski, abgeschlossen zwischen 1922 und 1931 auf einem Berg gelegen mit Blick auf Rio de Janeiro. Brasilien. François Pompon war ein Pionier der modernen stilisierten animalier Skulptur. Er war nicht in vollem Umfang für seine künstlerischen Leistungen bis zum Alter von 67 im Salon d’Automne von 1922 mit der Arbeit Ours blanc anerkannt, auch als The White Bear bekannt, jetzt im Musée d’Orsay in Paris.

Viele frühe Art Deco Skulpturen waren klein, entworfen Salons zu schmücken. Ein Genre dieser Skulptur wurde die chryselephantine Statuette genannt, benannt nach einem Stil der antiken griechischen Tempel Statuen aus Gold und Elfenbein. Eines der am besten bekannten Art-Deco-Salon Bildhauer war der Rumänien stamm Demetre Chiparus, die bunten kleinen Skulpturen von Tänzern produziert. Andere bemerkenswerte Salon Bildhauer enthalten Ferdinand Preiss, Josef Lorenzl, Alexander Kelety, Dorothea Charol und Gustav Schmidtcassel.

Parallel zu diesen mehr klassizistischen Bildhauer, mehr Avantgarde und abstrakten Bildhauer waren bei der Arbeit in Paris und New York. Die prominentesten waren Constantin Brancusi, Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Henri Laurens, Jacques Lipchitz, Gustave Miklos, Jean Lambert-Rucki, Jan et Joël Martel, Chana Orloff und Pablo Gargallo.

Grafik:
Der Art-Deco-Stil erschien in der frühen Graphik, in den Jahren kurz vor dem Ersten Weltkrieg Es erschien in Parisin den Plakaten und den Kostümentwürfe von Leon Bakst für die Ballets Russes, und in den Katalogen der Modedesigner Paul Poiret. Die Illustrationen von Georges Barbier, und Georges Lepape und die Bilder in der Modezeitschrift La Gazette du Bon Ton perfekt die Eleganz und Sinnlichkeit des Stils gefangen. In den 1920er Jahren änderte sich das Aussehen; die gestressten Moden waren lässig, sportlich und gewagt, mit der Frau Modelle in der Regel das Rauchen von Zigaretten. Amerikanischen Modezeitschriften wie Vogue, Vanity Fair und Harpers Bazaar hob schnell den neuen Stil und popularisierte es in derVereinigte Staaten. Es beeinflusst auch die Arbeit der amerikanischen Buchillustratoren wie RockwellKent. ImDeutschland, Der berühmteste Plakatkünstler der Zeit war Ludwig Hohlwein, die bunten und dramatische Plakate für Musikfestivals geschaffen, Bier, und gegen Ende seiner Laufbahn, für die NSDAP.

Während der Zeit des Jugendstils, geworben Poster in der Regel Theater Produkte oder Kabaretts. In den 1920er Jahren, Reiseplakate, gemacht für Dampferlinien und Fluggesellschaften, wurde sehr beliebt. Der Stil vor allem in den 1920er Jahren geändert, die Aufmerksamkeit auf das Produkt konzentrieren beworben werden. Die Bilder wurden einfacher, präziser, lineare, dynamische und wurden oft gegen einen einfarbigen Hintergrund platziert. ImFrankreichbeliebte Art Deco Designer enthalten, Charles Loupot und Paul Colin, der für seine Plakate der amerikanischen Sängerin und Tänzerin Josephine Baker berühmt wurde. Jean Carlu gestaltete Plakate für Charlie Chaplin-Filme, Seifen und Theater; in den späten 1930er Jahren emigrierte er in dieVereinigte Staaten, Wo während des Ersten Weltkrieges entwarf er Plakate Kriegsproduktion zu fördern. Der Designer Charles Gesmar wurde berühmt machen Plakate für die Sänger Mistinguett und für AirFrankreich. Zu den bekanntesten Französisch Art Deco Plakatgestalter war Cassandre, der das berühmte Plakat der Ozeandampfer SS Normandie im Jahr 1935 hergestellt.

In den 1930er Jahren erschien ein neues Genre von Plakaten in der Vereinigte Staatenwährend der Großen Depression. Das Bundeskunstprojekt amerikanische Künstler angeheuert Poster erstellen Tourismus und kulturelle Veranstaltungen zu fördern.

Die Architektur:
Der architektonische Stil des Art Deco machte sein Debüt in Paris in 1903-1904, mit dem Bau von zwei Wohnhäusern in Paris, Ein von Auguste Perret auf rue Trétaigne und die andere auf rue Benjamin Franklin von Henri Sauvage. Die beiden jungen Architekten verwendete Stahlbeton zum ersten Mal inParisWohngebäude; die neuen Gebäude hatten klare Linien, rechteckige Formen, und keine Dekoration an den Fassaden; sie markierte einen klaren Bruch mit dem Jugendstil. Zwischen 1910 und 1913 verwendet Perret seine Erfahrungen in der konkreten Wohnung Gebäude des Théâtre des Champs-Élysées zu konstruieren, 15 avenue Montaigne. Zwischen 1925 und 1928 baute er die neue Art-Deco-Fassade des Kaufhauses La Samaritaine inParis.

Nach dem Ersten Weltkrieg, Art-Deco-Gebäude aus Stahl und Stahlbeton begann in den großen Städten in ganz Europa zu erscheinen und die Vereinigte Staaten. In demVereinigte Staatender Stil wurde am häufigsten für Bürogebäude, Regierungsgebäude, Kinos und Bahnhöfen eingesetzt. Es wurde manchmal mit anderen Stilen kombiniert;Los Angeles Das Rathaus Art Deco mit einem Dach kombiniert basiert auf der altgriechischen Mausoleum at Halikarnassos, während Los AngelesBahnhof Deco mit spanischer Mission Architektur kombiniert. Art Deco Elemente erschien auch in Engineering-Projekten, einschließlich der Türme von dergolden Gate Brücke und die Aufnahme Türme von Hoover Dam. In den 1920er und 1930er Jahren wurde es zu einem wahrhaft internationalen Stil, mit Beispielen der Palacio de Bellas Artes einschließlich (Palast von Bildende Kunst) im Mexiko Stadt von Federico Mariscal (n), der U-Bahnhof Mayakovskaya in Moskau und das National Diät Gebäude im Tokio von Watanabe Fukuzo.

Der Art-Deco-Stil wurde nicht an Gebäuden auf dem Land beschränkt; die Ozeandampfer SS Normandie, deren erste Reise im Jahr 1935 war, kennzeichneten Art Deco-Design, darunter ein Esszimmer, deren Decke und Dekoration waren aus Glas von Lalique gemacht.

Filmpaläste:
Viele der besten erhaltenen Beispiele für Art Deco sind Kinos in den 1920er Jahren gebaut und 1930er Jahre. Die Art Deco Zeit fiel mit der Umwandlung von Stummfilmen zu klingen, und Filmgesellschaften gebaut enorme Theater in dem großen Städten das große Publikum zu erfassen, die kamen Filme zu sehen. Filmpaläste in den 1920er Jahren oft kombiniert exotische Themen mit Art-Deco-Stil; Grauman ägyptischen Theater inHollywood (1922) wurde von den alten ägyptischen Gräbern und Pyramiden inspiriert, während das Fox Theater in Bakersfield. Kalifornieneinen Turm in Kalifornien Mission Stil zu einer Art Deco Halle angebracht. Die größte von allen istRadio Stadt Musikhalle im New York City, Das im Jahr 1932 ursprünglich als Bühnentheater eröffnet entworfen, es schnell in ein Kino umgewandelt, die 6015 Personen Das Interieur-Design von Donald Deskey verwendet Glas, Aluminium, Chrom und Leder zu schaffen eine bunte Flucht aus der Realität Die Paramount Platz konnte Theater in Oakland, Kalifornien, von Timothy Pflueger, hatte eine bunte Keramik-Fassade eine Lobby vier Stockwerke hoch, und eine separate Art Deco Raucherzimmer für Herren und Damen. Ähnliche große Paläste erschienen inEuropa. Der Grand Rex inParis (1932), mit seinem imposanten Turm, war das größte Kino in Europa. Das Gaumont Staat Kino inLondon (1937) hatte einen Turm nach dem Vorbild Reich ZustandGebäude, bedeckt mit cremefarbenen Keramikfliesen und einem Innenraum in einem Art Deco-Stil der italienischen Renaissance. Das Paramount Theater inShanghai. China(1933) wurde ursprünglich gebaut als ein Tanzsaal Das Tor von 100 Freuden genannt; es wurde im Jahr 1949, zu einem Kino nach der kommunistischen Revolution umgewandelt und jetzt ist ein Ballsaal und eine Diskothek. In den 1930er Jahren italienischen Architekten baute einen kleinen Filmpalast, das Kino Impero, inAsmara in dem, was jetzt ist Eritrea. Heute sind viele der Kinos wurden in Multiplexe unterteilt, aber andere wurden restauriert und werden als kulturelle Zentren in den Gemeinden eingesetzt.

Rationalisieren Moderne:
In den späten 1930er Jahren wurde eine neue Sorte von Art Deco Architektur üblich; es wurde Streamline-Moderne oder einfach Streamline, oder, in Frankreich, den Style Paqueboat oder Ocean Liner Stil genannt. Gebäude im Stil wurden abgerundete Ecken, lange horizontale Linien haben; sie wurden aus Stahlbeton gebaut und waren fast immer weiß; und manchmal hatte nautische Eigenschaften, wie Geländer, die die auf einem Schiff ähnelten. Die abgerundete Ecke war nicht ganz neu; es war erschienen inBerlin 1923 in der Mossehaus von Erich Mendelsohn, und später in dem Staubsauger GebäudeEin Industriekomplex in der London Vorort von Perivale. In den Vereinigten Staaten wurde es am ehesten mit dem Transport verbunden ist; Rationalisieren moderne in Bürogebäuden selten war, wurde aber oft für Busstationen und Flughafenterminals, wie Terminal am Flughafen La Guardia in New York City verwendet, die die ersten Transatlantikflüge abgewickelt, über die PanAm Klipper Flugboote; und in Straßenrand-Architektur, wie Tankstellen und Restaurants. In den späten 1930er Jahren eine Reihe von Restaurants, nach rationalisierte Waggons nachempfunden, wurden in den Städten produziert und installiert inNeu England; mindestens zwei Beispiele nach wie vor und sind nun historische Gebäude registriert.

Dekoration und Motive:
Dekoration in der Art Deco Zeit ging durch mehrere verschiedene Phasen. Zwischen 1910 und 1920, als Art Nouveau erschöpft war, sahen Design-Stile eine Rückkehr zur Tradition, vor allem in der Arbeit von Paul Iribe. Im Jahr 1912 veröffentlichte André Vera einen Aufsatz in der Zeitschrift L’Art Decoratif für eine Rückkehr in die Handwerkskunst und Materialien früherer Jahrhunderte nennt, und mit einem neuen Formenrepertoire aus der Natur, vor allem Körben und Girlanden aus Früchten und Blumen. Eine zweite Tendenz von Art Deco, auch von 1910 bis 1920, wurde von den hellen Farben der künstlerischen Bewegung wie die Fauves und von den bunten Kostümen und Sets des Ballets Russes bekannt inspiriert. Dieser Stil wurde oft mit exotischen Materialien wie sharkskin, Perlmutt, Elfenbein, getöntes Leder, lackiert und lackiertes Holz ausgedrückt, und Dekoreinlagen auf Möbel, die betont seine Geometrie. Diese Periode des Stils erreichte ihrenHochpunkt in der 1925 Paris-Ausstellung der dekorativen Künste. In den späten 1920er und den 1930er Jahren, die dekorativen Stil geändert, inspiriert durch neue Materialien und Technologien. Es wurde schlankeren und weniger ornamental. Möbel, wie Architektur, begann abgerundete Kanten zu haben und auf einem polierten, rationalisierte Blick zu nehmen, von dem Streamline-Moderne-Stil gemacht. Neue Materialien, wie Stahl verchromt, Aluminium und Bakelit, eine frühe Form von Kunststoff, begannen in Möbel und Dekoration erscheinen.

Während des gesamten Zeitraums Art Deco, und vor allem in den 1930er Jahren, die Motive des Dekors ausgedrückt, die Funktion des Gebäudes. Theater wurde mit Skulpturen verziert, die Musik dargestellt, Tanz und Aufregung; Energieunternehmen zeigten Sonnenaufgänge, die Chrysler-Gebäude stilisierte Kühlerfiguren zeigte; Der Friese von Palais de la Porte Dorée in der 1931 Paris Kolonialausstellung zeigte die Gesichter der verschiedenen Nationalitäten der Französisch Kolonien. Der Streamline Stil machte es den Anschein, dass das Gebäude selbst in Bewegung war. Die WPA-Wandgemälde der 1930er Jahre vorgestellten einfache Menschen; Fabrikarbeiter, Postangestellte, Familien und Bauern, anstelle der klassischen Helden.

Möbel:
Französisch Möbel aus dem Jahr 1910 bis in den frühen 1920er Jahren waren weitgehend eine Aktualisierung von Französisch traditioneller Möbeln Stilen und das Jugendstil-Design von Louis Majorelle, Charles Plumet und anderen Herstellern. Französisch Möbelhersteller fühlte sich von der wachsenden Popularität der deutschen Hersteller und Arten bedroht, vor allem der Biedermeier-Stil, der einfach und sauber ausgekleidete war. Die Französisch-Designer Frantz Jourdain, der Präsident des Pariser Salon d’Automne, lud Designer ausMünchenim 1910 Salon teilzunehmen. Französisch Designer sah den neuen deutschen Stil, und beschlossen, die deutsche Herausforderung gerecht zu werden. Die Französisch-Designer entschieden, neue Französisch Stile im Salon von 1912. Die Regeln des Salons angezeigt zu präsentieren, dass nur moderne Stile erlaubt wären. Alle großen Französisch Möbeldesigner nahmen an Salon: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrene, André Groult, André Mare und Louis Süe teilnahm, präsentiert neue Arbeiten, die die traditionellen Französisch Stile von Louis XVI und Louis Philippe aktualisiert mit kantiger Ecken inspiriert vom Kubismus und helleren Farben von Fauvismus und den Nabis inspiriert.

Der Maler André Mare und Möbeldesigner Louis SUE beide nahmen den 1912 Salon. Nach dem Krieg schlossen sich die beiden Männer zusammen, um ihre eigene Firma zu bilden, formell die Compagnie des Arts Française genannt, aber in der Regel einfach als SUE und Mare bekannt. Im Gegensatz zu den prominenten Jugendstil-Designer wie Louis Majorelle, der persönlich jedes Stück entworfen, versammelten sie sich ein Team von erfahrenen Handwerkern und produziert komplette Inneneinrichtung, einschließlich Möbel, Glas, Teppiche, Keramik, Tapeten und Beleuchtung. Ihre Arbeit kennzeichnete hellen Farben und Möbeln und edlen Hölzern, wie Ebenholz verkrustete mit Perlmutt, Abalone und versilberten Metallblumensträuße von Blumen zu erstellen. Sie entwarfen alles aus dem Innern von Ozeanriesen zu Parfüm-Flaschen für das Label von Jean Patou.The Firma in den frühen 1920er Jahren floriert, aber die beiden Männer waren besser als Handwerker Geschäftsleute. Die Firma wurde im Jahr 1928 verkauft, und beiden Männer verließen.

Der prominenteste Möbeldesigner an der 1925 Decorative Arts Ausstellung war Jacques-Émile Ruhlmann, aus Elsass. Er stellte zunächst seine Werke im 1913 Herbstsalon, dann seinen eigenen Pavillon hatte, das „Haus des reichen Collector“, an der 1925 Exposition. Er verwendete nur die meist seltene und teure Materialien wie Ebenholz, Mahagoni, Palisander, ambon und andere exotische Hölzer, verziert mit Intarsien aus Elfenbein, Schildpatt, Perlmutt, kleine Pompons aus Seide der Griffe der Schubladen der Schränke eingerichtet. Seine Möbel beruhte auf dem 18. Jahrhundert Modelle, sondern vereinfacht und neu geformt. In all seiner Arbeit wurde die innere Struktur der Möbel vollständig verborgen. Der Rahmen in der Regel aus Eiche, wurde vollständig mit einem Überzug aus dünnen Streifen aus Holz bedeckt, dann mit einer zweiten Schicht aus Streifen aus seltenen und teuren Wäldern bedeckt. Dies wurde dann mit einem Furnier bedeckt und poliert, so dass das Stück aussah, als ob er aus einem einzigen Holzblock herausgeschnitten worden ist. Kontrast zur dunklen Holz wurde durch Einlagen aus Elfenbein versehen und Elfenbein Schlüsselplatten und Griffen. Nach Ruhlmann, hatte Sessel anders gestaltet werden entsprechend den Funktionen der Räume, in denen sie erschienen; Wohnzimmer Sessel waren freundlich zu sein entworfen, Bürostühle bequem und Salonstühle üppig. Nur eine kleine Anzahl von Stücken jedes Design von Möbeln gemacht wurde, und der durchschnittliche Preis eines seiner Betten oder Schränke größer war als der Preis eines durchschnittlichen Hauses. Bürostühle bequem und Salonstühle üppig. Nur eine kleine Anzahl von Stücken jedes Design von Möbeln gemacht wurde, und der durchschnittliche Preis eines seiner Betten oder Schränke größer war als der Preis eines durchschnittlichen Hauses. Bürostühle bequem und Salonstühle üppig. Nur eine kleine Anzahl von Stücken jedes Design von Möbeln gemacht wurde, und der durchschnittliche Preis eines seiner Betten oder Schränke größer war als der Preis eines durchschnittlichen Hauses.

Jules Leleu war ein traditioneller Möbeldesigner, die sie nahtlos in Art Deco in den 1920er Jahren bewegten; er entwarf die Möbel für den Speisesaal desElysee PalastUnd für die First-Class-Kabinen des Dampfers Normandie. sein Stil wurde durch die Verwendung von Ebenholz, Holz Makassar, Nussbaum, mit Dekoration von Plaques aus Elfenbein und Perlmutt aus. Er führte den Stil lackiert Art-Deco-Möbel am Ende in den späten 1920er Jahren, und in den späten 1930er Jahren eingeführt Möbel aus Metall mit Paneelen aus Rauchglas hergestellt. In Italien war der Designer Gio Ponti berühmt für sein schlankes Design. In demVereinigte Staaten.

Die teuren und exotischen Möbeln Ruhlmann und andere Traditionalisten erbost Moder, einschließlich des Architekten Le Corbusier, was ihm eine berühmte Serie von Artikeln schreiben denunzieren den Stil décoratif Kunst. Er griff nur für die Reichen gemacht Möbel und rief auf Designer-Möbel mit billigen Materialien und modernen Stil zu schaffen gemacht, die normale Menschen leisten konnten. Er entwarf seine eigenen Stühle, erstellt kostengünstig und in Massenproduktion hergestellt werden.

In den 1930er Jahren Möbeldesign an die Form angepasst ist, mit glatteren Oberflächen und gekrümmten Formen. Die Meister des Spätstils enthalten Donald Deskey einer der einflussreichsten Designer war; schuf er das Innere desRadio Stadt Musikhalle. Er benutzte eine Mischung aus traditionellen und sehr modernen Materialien, einschließlich Aluminium, Chrom und Bakelit, eine frühe Form von Kunststoff.

Design:
Streamline war eine Vielzahl von Art Deco, die in der Mitte der 1930er Jahre entstanden. Es wurde von modernen aerodynamischen Prinzipien für die Luft- und Ballistik entwickelt beeinflusst Luftreibung bei hohen Geschwindigkeiten zu reduzieren. Die Kugel Formen wurden von Designern für Autos, Züge, Schiffe angewandt und Objekte auch nicht zu bewegen, wie Kühlschränke, Gaspumpen und Gebäude bestimmt. Eines der ersten Serienfahrzeuge in diesem Stil war die Chrysler Airflow von 1933. Es war nicht erfolgreich im Handel, aber die Schönheit und Funktionalität des Designs einen Präzedenzfall; bedeuten Moderne. Weiter ging es auch nach dem Zweiten Weltkrieg im Automobilbau eingesetzt werden.

Neue Materialien, Werkstoffe begannen Design von Autos und Haushaltsgegenständen zu beeinflussen. Dazu gehören Aluminium, Chrom, und Bakelit, eine frühe Form der Kunststoff. Bakelite leicht in verschiedene Formen geformt werden kann, und wurde bald in Telefonen, Radios und anderen Geräten verwendet.

Ozeandampfer nahm auch eine Art von Art Deco, in Französisch als Stil Paquebot bekannt, oder „Ocean Liner Style“. Das berühmteste Beispiel war die SS Normandie, die im Jahr 1935 seine erste transatlantische Reise gemacht Es wurde entwickelt, vor allem wohlhabende Amerikaner zu bringenParis Einkaufen. Die Kabinen und Salons kennzeichneten die neuesten Art-Deco-Möbel und Dekoration. Der Grand Salon des Schiffes, die das Restaurant für Passagiere der ersten Klasse war, war größer als die Spiegelsaal desPalast von Versailles. Es wurde von elektrischen Lampen innerhalb von zwölf Säulen von Lalique Kristall beleuchtet; sechsunddreißig passende Säulen ausgekleideten die Wände. Dies war eines der frühesten Beispiele der Beleuchtung direkt in die Architektur integriert. Der Stil der Schiffe wurde bald zu Gebäuden angepasst. Ein bemerkenswertes Beispiel ist auf dem gefundenSan Francisco Waterfront, wo die maritim Museum Gebäude, als öffentliches Bad im Jahr 1937 gebaut, ähneln ein Fährschiff, mit Schiff Geländern und abgerundeten Ecken. Der Star Ferry Terminal inHongkong verwendet auch eine Änderung des Stils.

Schmuck:
In den 1920er und 1930er Jahren, Designern wie René Lalique und Cartier versucht, die traditionelle Dominanz der Diamanten zu reduzieren, indem mehr bunten Edelsteinen, wie kleine Smaragde, Rubine und Saphire einzuführen. Sie legten auch mehr Wert auf sehr aufwendig und elegantes Ambiente, mit weniger teueren Materialien wie Emaille, Glas, Horn und Elfenbein. Diamanten selbst wurden in weniger traditionellen Formen geschnitten; die 1925 sah Ausstellung eine große Anzahl von Diamanten in Form von winzigen Stäbchen oder Streichhölzern geschnitten. Die Einstellungen für Diamanten auch geändert; Immer häufiger Juweliere Platin anstelle von Gold verwendet, da es stark und flexibel war, und Cluster von Steinen konnten. Juweliere begann auch mehr dunkle Materialien wie Emaille und schwarzem Onyx zu verwenden, die einen höheren Kontrast mit Diamanten versehen.

Schmuck wurde viel bunte und abwechslungsreich in der Art. Cartier und die Firma Boucheron kombiniert Diamanten mit bunten anderen in Form geschnitten Edelsteine ​​von Blättern, Früchten oder Blumen. zu machen, Broschen, Ringe, Ohrringe, Clips und Anhänger fernöstlichen Themen auch populär wurde; Plaques aus Jade und Korallen wurden mit Platin und Diamanten kombiniert und Kosmetikkoffer, Zigarettenetuis und Puderdosen wurden mit japanischen und chinesischen Landschaften dekoriert mit Perlmutt, Emaille und Lack hergestellt.

Schnell wechselnde Moden in der Kleidung brachten neue Arten von Schmuck. Ärmellos Kleider aus den 1920er Jahren dazu geführt, dass die Arme Dekoration benötigt, und Designer schnell Armbänder aus Gold, Silber und Platin mit Lapislazuli, Onyx, Korallen und anderen bunten Steinen verkrustete erstellt; Andere Armbänder wurden für die Oberarme vorgesehen, und mehrere Armbänder wurden oft zur gleichen Zeit getragen. Die kurzen Abschläge von Frauen in den zwanziger Jahren für aufwendige deco Ohrring Designs genannt. Da Frauen in der Öffentlichkeit zu rauchen begannen, Designer erstellt sehr reich verzierte Zigarettenschachteln und Elfenbein Zigarettenspitzen. Die Erfindung der Armbanduhr vor dem Ersten Weltkrieg Juweliere inspirierte außergewöhnliche dekoriert Uhren zu schaffen, verkrustete mit Diamanten und mit Emaille, Gold und Silber überzogen. Anhänger Uhren, von einem Band hängen, wurden auch in Mode.

Die etablierten Schmuck Häuser von Paris in der Zeit, Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin und Van Cleef & Arpels alle erstellt Schmuck und Objekte in der neuen Art und Weise. Die Firma Chaumet gemacht hoch geometrische Zigarettenschachteln, Feuerzeuge, Bunker und Notebooks, aus harten Steinen verziert mit Jade, Lapislazuli, Diamanten und Saphiren. Sie wurden von vielen jungen neue Designer, jeder mit seiner eigenen Idee Deco verbunden. Raymond Templier entworfen Stücke mit sehr komplizierten geometrischen Mustern, einschließlich silberne Ohrringe, die wie Wolkenkratzer aussah. Gerard Sandoz war erst 18, als er begann Schmuck im Jahr 1921 zu entwerfen; entwarf er viele berühmten Stücke basierend auf dem glatten und polierten Look moderner Maschinen. Die Glasdesigner René Lalique trat auch das Feld, Anhänger von Obst, Blumen, Frösche zu schaffen, Feen der Wassernixe von geformtem Glas in hellen Farben, hängend an Korden aus Seide mit Quasten gemacht. Der Juwelier Paul Brandt kontrastierte rechteckige und dreieckige Muster und eingebettete Perlen in Linien auf Onyx Plaques. Jean Despres aus Ketten von kontrastierenden Farben durch die Zusammenführung Silber und schwarzen Lack oder Gold mit Lapislazuli. Viele seiner Entwürfe sahen aus wie hochpolierten Stücke von Maschinen. Jean Dunand wurde auch von modernen Maschinen inspiriert, kombiniert mit hellem Rot und Schwarz kontras mit poliertem Metall. Viele seiner Entwürfe sahen aus wie hochpolierten Stücke von Maschinen. Jean Dunand wurde auch von modernen Maschinen inspiriert, kombiniert mit hellem Rot und Schwarz kontras mit poliertem Metall. Viele seiner Entwürfe sahen aus wie hochpolierten Stücke von Maschinen. Jean Dunand wurde auch von modernen Maschinen inspiriert, kombiniert mit hellem Rot und Schwarz kontras mit poliertem Metall.

Glaskunst:
Wie der Jugendstil, bevor es war Art Deco eine außergewöhnliche Zeit für feines Glas und andere dekorative Objekte, entworfen ihre architektonische Umgebung zu passen. Der bekannteste Hersteller von Glasobjekten war René Lalique, dessen Werke, von Vasen Haube Ornamente für Automobile, wurden zu Symbolen der Periode. Er hatte Ventures in Glas vor dem Ersten Weltkrieg, die Gestaltung Flaschen für die Parfums von François Coty gemacht, aber er begann nicht ernst Produktion von Kunst aus Glas, bis nach dem Ersten Weltkrieg 1918 im Alter von 58, kaufte er ein großes Glas arbeitet in Combs-la-Ville und begann sowohl künstlerische und praktische Gegenstände aus Glas herzustellen. Er behandelte Glas als eine Form der Skulptur, und schaffte Statuetten, Vasen, Schalen, Lampen und Ornamente. Er benutzte demi-Kristall statt Bleikristall, die Bildung weicher und leichter war, wenn auch nicht so glänzend. Er benutzte manchmal farbiges Glas, aber häufiger Opalüberfangglas verwendet, wo ein Teil oder die Gesamtheit der äußeren Oberfläche mit einer Wasch gefärbt wurde. Lalique vorgesehen, um die dekorativen Glasscheiben, Licht und beleuchtete Glasdecken für den Ozeandampfer SS Ile de France im Jahr 1927 und die SS Normandie im Jahr 1935, und für einen Teil der First-Class-Schlafwagen der Französisch Eisenbahn. An der 1925 Ausstellung der dekorativen Künste, hatte er seinen eigenen Pavillon, entworfen, einen Speiseraum mit einem Tisch Absetz- und passender Glasdecke für den Sèvres-Pavillon, und entwarf eine Glasbrunnen für den Hof des Cours des Métier, eine schlanken Glassäule, das Wasser von den Seiten ausgespritzt und wurde in der Nacht beleuchtet. Lalique vorgesehen, um die dekorativen Glasscheiben, Licht und beleuchtete Glasdecken für den Ozeandampfer SS Ile de France im Jahr 1927 und die SS Normandie im Jahr 1935, und für einen Teil der First-Class-Schlafwagen der Französisch Eisenbahn. An der 1925 Ausstellung der dekorativen Künste, hatte er seinen eigenen Pavillon, entworfen, einen Speiseraum mit einem Tisch Absetz- und passender Glasdecke für den Sèvres-Pavillon, und entwarf eine Glasbrunnen für den Hof des Cours des Métier, eine schlanken Glassäule, das Wasser von den Seiten ausgespritzt und wurde in der Nacht beleuchtet. Lalique vorgesehen, um die dekorativen Glasscheiben, Licht und beleuchtete Glasdecken für den Ozeandampfer SS Ile de France im Jahr 1927 und die SS Normandie im Jahr 1935, und für einen Teil der First-Class-Schlafwagen der Französisch Eisenbahn. An der 1925 Ausstellung der dekorativen Künste, hatte er seinen eigenen Pavillon, entworfen, einen Speiseraum mit einem Tisch Absetz- und passender Glasdecke für den Sèvres-Pavillon, und entwarf eine Glasbrunnen für den Hof des Cours des Métier, eine schlanken Glassäule, das Wasser von den Seiten ausgespritzt und wurde in der Nacht beleuchtet.

Anderer bemerkenswerter Art Deco Glashersteller enthielt Marius-Ernest Sabino, der in Figuren spezialisiert, Vasen, Schalen und Glasskulpturen von Fischen, Akte und Tieren. Für diese oft er ein Opalüberfangglas verwendet, die von weiß bis blau auf gelb ändern könnte, je nach dem Licht. Seine Vasen und Schalen funktionsfähige Form Friesen von Tieren, Akte oder Büsten von Frauen mit Früchten oder Blumen. Seine Arbeit war weniger subtil, aber bunter als die von Lalique.

Andere bemerkenswerte Deco Glasdesigner enthalten Edmond Etling, die auch helle opalescent Farben verwendet, die oft mit geometrischen Mustern und Skulpturen Akt; Albert Simonet, und Aristide Colotte und Maurice Marinot, der für seine tief geätzte skulpturalen Flaschen und Vasen bekannt war. Die Firma Daum von der StadtNancy, Der für sein Jugendstil-Glas berühmt gewesen war, produzierte eine Reihe von Deco Vasen und Glasskulptur, fest, geometrisch und klobig in Form. Feinere bunte Arbeiten wurden von Gabriel Argy-Rousseau gemacht, der mit Skulpturen Schmetterlingen und Nymphen und Francois Decorchemont wurden gestreift und marmoriert, der Vasen zart kolorierten Vasen produziert.

Die Große Depression ruiniert einen großen Teil der dekorativen Glasindustrie, die auf vermögende Kunden angewiesen. Einige Künstler gedreht Buntglasfenster für Kirchen zu entwerfen. Im Jahr 1937 begannen die Steuben Glas Unternehmen die Praxis bekannte Künstler der Inbetriebnahme Glaswaren zu produzieren. Louis Majorelle, berühmt für seine Jugendstil-Möbel, entworfen, um ein bemerkenswertes Art Deco Glasfenster porträtiert Stahlarbeiter für die Büros des Aciéries de Longwy, ein Stahlwerkes in Longwy, Frankreich.

Metallkunst:
Art Deco Künstler produzierten eine Vielzahl von praktischen Objekten in dem Art-Deco-Stil, aus industriellen Materialien aus traditionellen Schmiedeeisen aus verchromtem Stahl. Der amerikanische Künstler Norman Bel Geddes entworfen, um ein Cocktail-Set einen Wolkenkratzer aus verchromtem Stahl ähnelt. Raymond Subes entworfen ein elegantes Metallgitter für den Eingang des Palais de la Porte Dorée, das Herzstück der 1931 Paris Kolonialausstellung. Der Französisch Bildhauer Jean Dunand produzierte herrliche Türen zum Thema „The Hunt“, bedeckt mit Blattgold und Lack auf Gips (1935).

Einflüsse:
Art Deco war keine einzelne Art, sondern eine Sammlung von verschiedenen und manchmal widersprüchlichen Stilen. In der Architektur war Art Deco der Nachfolger und Reaktion gegen Jugendstil, ein Stil, der in BlüteEuropazwischen 1895 und 1900, und ersetzt auch nach und nach die Beaux-Arts und neoklassischen, die in europäischen und amerikanischen Architektur vorherrschend waren. Im Jahr 1905 schrieb Eugène Grasset und veröffentlichte Méthode de Composition ornementale, Éléments Rectilignes, in dem er untersuchte systematisch die dekorativen (ornamental) Aspekte der geometrischen Elemente, Formen, Motive und die Variationen im Gegensatz zu (und als Abweichung von) der welligen Kunst Nouveau Stil von Hector Guimard, so beliebt in Paris ein paar Jahre zuvor. Grasset betonte den Grundsatz, dass verschiedene einfache geometrische Formen wie Dreiecke und Quadrate die Grundlage aller kompositorischen Arrangements. Die Stahlbetonbauten von Auguste Perret und Henri Sauvage und insbesondere das Theater des Champs-Elysées, bot eine neue Form der Bau und die Dekoration, die weltweit kopiert wurde.

In Dekoration wurden viele verschiedene Stile entlehnt und werden von Art Deco. Dazu gehörten vormodernen Kunst aus der ganzen Welt und beobachtbaren im Musée du Louvre, Musée de l’Homme und dem Musée national des Arts d’Afrique et d’Océanie. Es war auch sehr beliebt Interesse an der Archäologie wegen AusgrabungenPompeji. TroyUnd das Grab der 18. Dynastie Pharao Tutanchamun. Künstler und Designer integrierten Motive aus dem altenÄgypten. Mesopotamien. Griechenland. Rom, Asien, Mesoamerika und Ozeanien mit Machine Age-Elemente.

Andere Stile entlehnt enthalten russischen Konstruktivismus und italienischen Futurismus, sowie Orphismus, Funktionalismus und Moderne im Allgemeinen. Art Deco auch verwendet, um die Farben und Designs des Fauvismus, insbesondere im Werk von Henri Matisse und André Derain inspiriert die Entwürfe der Art-Deco-Textilien, Tapeten und bemalte Keramik clashing. Es dauerte Ideen aus der hohen Art und Weise Vokabular der Zeit, die geometrischen Muster gekennzeichnet, Sparren, Serpentinen und stilisierte Blumenstrauß von Blumen. Es wurde von Entdeckungen in der Ägyptologie und wachsende Interesse an dem Orient und in der afrikanischen Kunst beeinflusst. Ab 1925 wurde er oft von einer Leidenschaft für neue Maschinen inspiriert, wie Luftschiffe, Autos und Ozeanriesen und 1930 dieser Einfluss resultierte im Stil Streamline-Moderne genannt.