Die balinesische Kunst ist eine Kunst hindu-javanischen Ursprungs, die aus der Arbeit der Kunsthandwerker des Majapahit-Königreichs entstand und im späten 14. Jahrhundert nach Bali ausgeweitet wurde. Vom 16. bis zum 20. Jahrhundert war das Dorf Kamasan, Klungkung (Ost-Bali), das Zentrum der klassischen balinesischen Kunst. In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts entwickelten sich neue Arten balinesischer Kunst. Seit dem späten zwanzigsten Jahrhundert haben Ubud und seine Nachbardörfer einen Ruf als Zentrum der balinesischen Kunst aufgebaut.

Ubud und Batuan sind bekannt für ihre Gemälde, Mas für ihre Holzschnitzereien, Celuk für Gold- und Silberschmiede und Batubulan für ihre Steinschnitzereien. Covarrubias beschreibt balinesische Kunst als „… eine hochentwickelte, wenn auch informelle barocke Volkskunst, die die bäuerliche Lebendigkeit mit der Raffinesse des Klassizismus des hinduistischen Javas verbindet, aber frei von konservativen Vorurteilen und mit einer neuen Vitalität, die durch den Überschwang der dämonischer Geist der tropischen Primitiven „. Eiseman wies zu Recht darauf hin, dass die balinesische Kunst tatsächlich zu Gegenständen verarbeitet, bemalt, gewebt und präpariert wird, die für den täglichen Gebrauch bestimmt sind, und nicht als Objekt der Kunst.

Jüngste Geschichte
Vor den 1920er Jahren beschränkten sich die traditionellen balinesischen Gemälde auf den heute als Kamasan oder Wayang bekannten Stil. Es ist eine visuelle Erzählung von hindu-javanischen Epen: das Ramayana und Mahabharata, sowie eine Reihe von indigenen Geschichten, wie die Panji-Erzählung.

Diese zweidimensionalen Zeichnungen werden traditionell auf Stoff- oder Rindenpapier (Ulantaga-Papier) mit natürlichen Farbstoffen gezeichnet. Die Einfärbung beschränkt sich auf verfügbare Naturfarben: Rot, Ocker, Schwarz usw. Außerdem muss die Wiedergabe der Figuren und Verzierungen streng vorgeschriebenen Regeln folgen, da sie meist für religiöse Gegenstände und Tempelbehänge hergestellt werden. Diese Gemälde werden gemeinschaftlich und daher meist anonym produziert.

Es gab viele Experimente mit neuen Arten von Kunst von Balinesen vom späten neunzehnten Jahrhundert an. Diese Experimente wurden durch den Zugang zu neuen Materialien (westliches Papier und importierte Tinten und Farben) angeregt, und in den 1930er Jahren regten neue touristische Märkte viele junge Balinesen an, in neue Arten von Kunst involviert zu sein.

In den 1920er Jahren, mit der Ankunft vieler westlicher Künstler, wurde Bali eine Künstlerenklave (wie Tahiti für Paul Gauguin) für Avantgarde-Künstler wie Walter Spies (deutsch), Rudolf Bonnet (niederländisch), Adrien-Jean Le Mayeur ( Belgier), Arie Smit (Holländer) und Donald Friend (Australier) in den letzten Jahren. Die meisten dieser westlichen Künstler hatten bis zur Nachkriegszeit wenig Einfluss auf die Balinesen, obwohl einige Berichte die westliche Präsenz zu sehr betonen, auf Kosten der Anerkennung der balinesischen Kreativität.

Bei seinem ersten Besuch auf Bali im Jahr 1930 bemerkte der mexikanische Künstler Miguel Covarrubias, dass lokale Gemälde hauptsächlich religiösen oder zeremoniellen Zwecken dienten. Sie wurden als dekorative Tücher verwendet, um in Tempeln und wichtigen Häusern aufgehängt zu werden, oder als Kalender, um Kinderhoroskope zu bestimmen. Doch innerhalb weniger Jahre fand er heraus, dass die Kunstform eine „befreiende Revolution“ erfahren hatte. Wo sie einmal stark vom Thema (hauptsächlich Episoden aus der hinduistischen Mythologie) und Stil eingeschränkt waren, begannen balinesische Künstler, Szenen aus dem ländlichen Leben zu produzieren. Diese Maler hatten zunehmende Individualität entwickelt.

Diese bahnbrechende Phase der Kreativität erreichte in den späten 1930er Jahren ihren Höhepunkt. Ein Strom von berühmten Besuchern, darunter Charlie Chaplin und die Anthropologen Gregory Bateson und Margaret Mead, ermutigte die talentierten Einheimischen, sehr originelle Werke zu schaffen. Während ihres Aufenthalts in Bali Mitte der 1930er Jahre sammelten Bateson und Mead über 2000 Gemälde, vorwiegend aus dem Dorf Batuan, aber auch aus dem Küstendorf Sanur. Unter den westlichen Künstlern werden Spies und Bonnet oft für die Modernisierung traditioneller balinesischer Gemälde genannt. Ab den 1950er Jahren integrierten Balies Künstler Aspekte der Perspektive und Anatomie von diesen Künstlern. Wichtiger noch, sie agierten als Vermittler des Wandels, indem sie das Experimentieren ermutigten und die Abkehr von der Tradition förderten. Das Ergebnis war eine Explosion des individuellen Ausdrucks, die die Änderungsrate der balinesischen Kunst erhöhte. Die Stile der 1930er Jahre wurden in den 1950er Jahren konsolidiert und in den letzten Jahren erhielten sie den verwirrenden Titel „moderne traditionelle balinesische Malerei“. Die Ubud Maler, obwohl eine Minderheit unter den Künstlern, die in den dreißiger Jahren arbeiteten, wurden die Vertreter des neuen Stils dank der Anwesenheit des großen Künstlers Gusti Nyoman Lempad in diesem Dorf und der Schirmherrschaft der traditionellen Herrscher von Ubud. Die Hauptpunkte des Ubud-Stils beinhalteten eine Konzentration auf die Darstellung des täglichen Lebens und Dramas in Bali; der Wechsel des Patrons dieser Künstler von den religiösen Tempeln und Königshäusern zu westlichen Touristen / Sammlern; Verschieben der Bildkomposition von Mehrfach- auf Einzelfokus. Trotz der Übernahme moderner westlicher Malereitraditionen durch viele balinesische und indonesische Maler, blüht die „moderne traditionelle balinesische Malerei“ immer noch und wird von Nachfahren / Studenten der Künstler der Vorkriegs-Moderne (1928-1942) fortgeführt. Die Schulen der modernen traditionellen balinesischen Malerei umfassen: Ubud, Batuan, Sanur, Young Artist und Keliki Malerschulen.

Moderne traditionelle Malerei
Die Vorkriegsmodernisierung der balinesischen Kunst ging von drei Dörfern aus: Ubud, wo sich Spies niederließ, Sanur an der Südküste und Batuan, ein traditionelles Zentrum von Musikern, Tänzern, Schnitzern und Malern. Die Künstler malten meist auf Papier, aber auch Leinwand und Karton wurden verwendet. Oft zeigten die Werke sich wiederholende Cluster von stilisiertem Laub oder Wellen, die ein Gefühl von Textur, sogar Perspektive vermitteln. Jedes Dorf entwickelte einen eigenen Stil. Ubud-Künstler nutzten verstärkt Freiräume und betonten menschliche Figuren. Sanur Gemälde zeigten oft erotische Szenen und Tiere, und Arbeit von Batuan war weniger bunt, aber neigte dazu, beschäftigter zu sein.

Ubud-Malerei
Ubud ist seit Jahrhunderten das Zentrum der Kunst, mit den umliegenden königlichen Häusern und Tempeln als Hauptpatronen. Vor den 1920er Jahren dominierten traditionelle wayang-artige Gemälde die Themen, obwohl Jean Couteau glaubt, dass sowohl säkulare als auch religiöse Themenbilder seit langem in Form des Ausdrucks der Einheit der Gegensätze koexistieren (Rwabhinneda im balinesischen Glaubenssystem).

Unter der Schirmherrschaft der königlichen Familie von Ubud, besonders Tjokorda Gde Agung Sukawati, und mit Rudolf Bonnet als Chefberater, wurde 1936 die Pitamaha Art Guild gegründet, um die balinesische Malerei zu professionalisieren. Seine Mission war es, die Qualität der balinesischen Kunst im Tourismus auf Bali zu erhalten. Die Vorstandsmitglieder von Pitamaha trafen sich regelmäßig, um von ihren Mitgliedern eingereichte Gemälde auszuwählen und Ausstellungen in ganz Indonesien und im Ausland zu veranstalten. Pitamaha war bis zum Beginn des Zweiten Weltkrieges 1942 aktiv. Die Thematik wechselte von der religiösen Erzählung zum balinesischen Alltag. Ubud-Künstler, die Mitglieder von Pitamaha waren, stammten aus Ubud und den umliegenden Dörfern; Pengosekan, Peliatan und Tebasaya. Unter ihnen waren: Ida Bagus Made Kembeng aus dem Dorf Tebesaya und seine drei Söhne Ida Bagus Wiri, Ida Bagus Made und Ida Bagus Belawa; Tjokorda Oka des Königshauses von Peliatan; Anak Agung Gde Sobrat, Anak Agung Gde Meregeg, I Dewa Putu Bedil, I Dewa Nyoman Leper, Anak Agung Dana von Padangtegal; Ich Gusti Ketut Kobot, Ich Gusti Made Baret, Ich Wayan Gedot, Dewa Putu Mokoh von Pengosekan; und ich Gusti Nyoman Lempad. Künstler aus anderen Gebieten nahmen ebenfalls teil, darunter Pan Seken aus Kamasan, I Gusti Made Deblog aus Denpasar und einige der Sanur-Künstler.

Pitamaha stammt von den Nachfahren der Ubud-Künstler und wurde nun mit der Zeit der 1930er Jahre identifiziert. Wichtige Ubudian Künstler sind Ida Bagus Sena (Neffe von Ida Bagus Made Poleng), AA Gde Anom Sukawati (Sohn von AA Raka Pudja), ich Ketut Budiana, ich Nyoman Kayun und ich Nyoman Meja. Budiana ist die Künstlerin mit der beeindruckendsten Solo-Ausstellung. Seine Gemälde werden vom Fukuoka Kunstmuseum, Bentara Budaya Jakarta, Museum Puri Lukisan, Neka Museum und Arma Museum gesammelt. Ida Bagus Sena hat auch einen einzigartigen Stil entwickelt und hat ein tiefes Verständnis für die balinesische Philosophie in seinen Bildern. Anom Sukawati ist der erfolgreichste Kolorist der Balinesen. I Nyoman Meja entwickelte einen Stil, der von mehreren seiner Schüler genau kopiert wird. I Nyoman Kayun wurde 2008 von Bali Bangkit ausgezeichnet.

Batuan Malerei
Die Batuan-Schule der Malerei wird von Künstlern im Dorf Batuan praktiziert, das 10 Kilometer südlich von Ubud liegt. Die Batuaner Handwerker sind begabte Tänzer, Bildhauer und Maler. Zu den führenden Künstlern der 1930er Jahre gehörten I Nyoman Ngendon und eine Reihe von Mitgliedern führender Brahmanen-Familien, darunter Ida Bagus Made Togog. Andere wichtige Batuan Künstler aus der vormodernen Ära gehören I Dewa Nyoman Mura (1877-1950) und ich Dewa Putu Kebes (1874-1962), die als Singen bekannt waren; traditionelle Wayang-Stil Maler für zeremonielle Textilien Tempel.

Der westliche Einfluss in Batuan erreichte nicht die Intensität, die er in Ubud hatte. Laut Claire Holt waren die Batuan-Bilder oft dunkle, überfüllte Darstellungen von legendären Szenen oder Themen aus dem täglichen Leben, aber sie schilderten vor allem furchterregende nächtliche Momente, in denen groteske Spuks, seltsame Tiermonster und Hexen die Menschen ansprachen. Dies trifft besonders auf Gemälde zu, die Margaret Mead und Gregory Bateson während ihrer Feldstudien in Bali in den Jahren 1936 bis 1939 sammelten. Farbabstufungen von schwarzen bis weißen Tintenwäschen wurden über den größten Teil der Oberfläche gelegt, um eine Atmosphäre von Dunkelheit und Düsternis zu schaffen. In den späteren Jahren bedeckten die Entwürfe den gesamten Raum, was oft zu der überfüllten Natur dieser Gemälde beitrug.

Unter den frühen Batuan-Künstlern galt I Ngendon (1903-1946) als der innovativste Batuan-Schulmaler. Ngendon war nicht nur ein guter Maler, sondern auch ein kluger Geschäftsmann und politischer Aktivist. Er ermutigte und mobilisierte seine Nachbarn und Freunde, für den Touristenkonsum zu malen. Seine Fähigkeit zur Porträtmalerei spielte eine wichtige Rolle, als er seine Landsleute in Batuan mehr als Spies und Bonnet unterrichtete. Die wichtigsten Batuaner Künstler dieser Zeit waren: I Patera (1900-1935), I Tombos (geb. 1917), Ida Bagus Togog (1913-1989), Ida Bagus Made Jatasura (1917-1946), Ida Bagus Ketut Diding (1914) -1990), machte ich Djata (1920-2001) und Ida Bagus Widja (1912-1992). Der Geist der Pitamaha-Zeit ist immer noch stark und wird von zeitgenössischen Batuan-Künstlern wie I Made Budi, I Wayan Bendi (geb. 1950), I Ketut Murtika (geb. 1952), I Made Sujendra (geb. 1964) und vielen anderen fortgeführt Andere. I Made Budi und ich Wayan Bendi Bilder erfassen den Einfluss des Tourismus im modernen Leben auf Bali. Sie platzieren Touristen mit ihrer Kamera, fahren mit dem Motorrad oder surfen inmitten der traditionellen balinesischen Dorfaktivitäten. Die Dichotomie des modernen und traditionellen balinesischen Lebens steht in krassem Gegensatz zur Harmonie. I Ketut Murtika (malt immer noch die traditionelle Geschichte von Mahabharata und Ramayana in mühevollen Details mit gedämpften Farben). Seine Malerei des Lebensrades aus dem balinesischen Glaubenssystem zeigt seine Beherrschung lokaler Legenden und sorgfältige Aufmerksamkeit für Details.

Sanur Malerei
Im Gegensatz zu Ubud und Batuan, die sich im Landesinneren von Bali befinden, ist Sanur ein Badeort. Sanur war die Heimat des bekannten belgischen Künstlers Le Mayeur de Mepres, der mit einer balinesischen Frau (Ni Polok) lebte und ein Strandhaus am Strand von Sanur hatte.

Touristen kamen in den 1930er Jahren auf Kreuzfahrtschiffen nach Sanur und unternahmen Abstecher nach Ubud und zu benachbarten Sehenswürdigkeiten. Seine erstklassige Lage verschaffte dem Künstler aus Sanur Zugang zu westlichen Touristen, die im Geschäft der Brüder Neuhaus verkehrten, die balinesische Souvenirs und tropische Fische verkauften. Die Gebrüder Neuhaus wurden zum wichtigsten Kunsthändler von Sanur Gemälden. Der Strand um Sanur, voll von Auslegern und offenem Horizont, bot lokalen Künstlern eine visuelle Umgebung, die sich von Ubud und Batuan unterscheidet, die sich im Hinterland befinden. Die verspielte Atmosphäre durchzieht die Sanur-Gemälde und wird nicht von der religiösen Ikonographie diktiert. Es ist leichter und luftiger als die von Batuan und Ubud mit Meerestieren, erotischer Landschaft und wilden Tieren in rhythmischen Mustern; oft auf Escher-ähnliche Weise. Die meisten frühen Arbeiten waren schwarz-weiße Tinte auf Papier, aber auf Wunsch von Neuhaus wurden letztere Werke mit hellen Pastellfarben geschmückt, die oft von anderen Künstlern hinzugefügt wurden, die sich auf das Färben von Schwarz-Weiß-Zeichnungen spezialisiert hatten. Ihr Namenscode wird oft am Rand gefunden.

Die Sanur Schule der Malerei ist die am meisten stilisierte und dekorative unter allen modernen balinesischen Kunst. Große Künstler aus Sanur sind I Rundu, Ida Bagus Nyoman Rai, I Soekaria, I Poegoeg, I Rudin und viele andere. I Rudin, der Mitte der 1930er Jahre zu malen begann, zeichnet einfache balinesische Tänzer nach den Zeichnungen von Miguel Covarrubias.

Junge Künstler Malerei
Die Entwicklung der Young Artist School of Painting wird dem niederländischen Künstler Arie Smit zugeschrieben, einem holländischen Soldaten, der während des 2. Weltkrieges diente und beschloss, in Bali zu bleiben. In den frühen 1960er Jahren stieß er im Dorf Penestanan in der Nähe von Tjampuhan auf Kinder, die auf dem Sand zeichneten. Er ermutigte diese Kinder zu malen, indem er ihnen Papier und Farben zur Verfügung stellte.

Ihre Gemälde zeichnen sich durch „kindliche“ Zeichnungen aus, denen es an Details und leuchtenden Farben mangelt, die mit Ölfarbe auf Leinwand gezeichnet sind. In den 1970er Jahren zog es etwa dreihundert Bauernmaler an, um Gemälde für Touristen zu produzieren. Im Jahr 1983 hielt die National Gallery of Malaysia eine große Ausstellung über die Young Artist Gemälde aus der Sammlung von Datuk Lim Chong Kit.

Das hier gezeigte Gemälde von I Wayan Pugur (geb. 1945) wurde im Alter von 13 Jahren ausgeführt und 1964 im Rahmen einer Wanderausstellung in den USA 1964-1965 im San Francisco Museum of Modern Art ausgestellt . Diese frühe Zeichnung, ausgeführt auf Papier, zeigt die Verwendung von hellen Farben und einer ausgewogenen Komposition. Der Zeichenraum ist in drei einfarbige Bereiche unterteilt: dunkelblau, hellgelb und magenta dazwischen, die den Einfluss der Wayang-Maltradition zeigen. Die Blätter des großen Baumes mit den Schlangen zeigen die Gegenüberstellung von Komplementärfarben. Die Gesichter der Figuren wurden ohne Details gezeichnet, doch die Schlangen haben Augen und lange Zungen.

Hauptkünstler der Young Artist School sind I Wayan Pugur, I Ketut Soki, I Ngurah KK, I Nyoman Londo, I Ketut Tagen, MD Djaga, I Nyoman Cakra, Ni Ketut Gampil, I Nyoman Mundik, I Wayan Regug und viele andere.

Keliki Miniaturmalerei
In den 1970er Jahren entstanden Miniaturbilder aus Keliki, einem kleinen Dorf nördlich von Ubud, das von einem lokalen Bauern namens Ketut Sana geführt wurde. Die Größen reichen von so klein wie 2 x 3 Zoll bis zu 10 x 15 Zoll. Ich lernte Ketut Sana von I Gusti Nyoman Sudara Lempad aus Ubud und von I Wayan Rajin aus Batuan zu malen. Er kombinierte die Linienzeichnung von Lempad und die Details der Batuan-Schule. Jeder Zentimeter des Raumes ist mit kleinen Details des balinesischen Dorflebens und Legenden bedeckt, die mit Tinte gezeichnet und mit Aquarellfarben gefärbt sind. Das Ergebnis ist eine Ehe zwischen der Jugendlichkeit der Ubud-Schule und den Details der Batuan-Schule. Die Keliki Künstler sind stolz auf ihre Geduld, minutiöse Details aller Objekte zu zeichnen, die den Zeichenraum besetzen.

Auf der linken Seite ist eine Zeichnung von I Lunga (c. 1995) zu sehen, die die Geschichte von Rajapala darstellt. Rajapala wird oft als der erste balinesische Voyeur oder „Spanner Tom“ bezeichnet. Laut der Geschichte erblickt Rajapala eine Gruppe himmlischer Nymphen, die in einem Pool baden. Er nähert sich verstohlen und stiehlt ohne ihr Wissen den Rock (Kamben) des schönsten, Sulaish. Da ihre Kleidung magische Kräfte enthält, die es ihr ermöglichen zu fliegen, kann die Nymphe nicht nach Hause zurückkehren. Rajapala bietet an, sie zu heiraten. Sie akzeptiert unter der Bedingung, dass sie nach der Geburt eines Kindes in den Himmel zurückkehren wird. Mit der Zeit haben sie und Rajapala einen gesunden jungen Sohn. Jahre vergehen, und eines Tages entdeckt Sulaish zufällig ihre Kleidung, die in der Küche versteckt ist. Da sie versteht, dass sie betrogen wurde, verabschiedet sie sich von ihrem Ehemann und Sohn und kehrt in ihre himmlische Heimat zurück.

Die wichtigsten Künstler der Keliki Artist School sind Sang Ketut Mandera (Dolit), I Ketut Sana, I Wayan Surana, I Lunga, I Wayan Nengah, Ich habe Ocen, Gong Juna, Ich habe Widi, I Wayan Lanus, I Wayan Lodra, Ida Bagus Putra, Gusti Ngurah Putra Riong und viele andere.

Andere Schulen der Malerei
Fingerabdruck-Malerei
Ein Balinese von königlicher Abstammung, I Gusti Ngurah Gede Pemecutan macht seine Bilder mit Fingerabdrücken. Wenn wir die Bürstentechnik anwenden, können wir sie bei Bedarf abbürsten, aber die Fingerabdrucktechnik sollte jeden Punkt genau platzieren. Seine Fingerabdruckbilder haben keine Unterschrift, aber viele seiner Fingerabdrücke. Die Fingerabdruck-Maltechnik gilt als Teil der Pointilismus-Maltechnik (mit dem Pinsel).

Holzschnitzen
Wie die balinesische Malerei wurde auch die balinesische Holzschnitzerei in den 1930er und 1940er Jahren ähnlich transformiert. Der während dieser Übergangsperiode entstandene kreative Ausbruch wird oft westlichen Einflüssen zugeschrieben. Im Jahr 2006, eine Ausstellung im Nusantara Museum, Delft, Niederlande Leidelmeijer verfolgt den Art-Deco-Einfluss auf die balinesische Holzschnitzerei. Leidelmeijer vermutete weiter, dass der Art-Deco-Einfluss bis weit in die 1970er Jahre fortdauert.

In den Übergangsjahren war die Pitamaha Artist Guild die treibende Kraft nicht nur für balinesische Gemälde, sondern auch für die Entwicklung moderner balinesischer Holzschnitzereien. I Tagean (1902-1935) hat aus einem langen Holzstück, das von Walter Spies angefertigt wurde, eine längliche Schnitzerei einer balinesischen Frau angefertigt, die ihn ursprünglich zur Herstellung von zwei Statuen aufforderte. Diese Schnitzerei befindet sich in der Sammlung des Puri Lukisan Museums in Ubud.

Andere Meister der balinesischen modernistischen Holzschnitzerei waren: Ida Bagus Nyana, Tjokot (1886-1971) und Ida Bagus Tilem. Ida Bagus Nyana war dafür bekannt, mit Masse in der Skulptur zu experimentieren. Als er menschliche Charaktere schnitzte, verkürzte er einige Körperteile und verlängerte andere, was seinem Werk eine unheimliche, surreale Qualität verlieh. Gleichzeitig überarbeitete er das Holz nicht und übernahm einfache, naive Themen des täglichen Lebens. Er vermied so die „barocke“ Falle, im Gegensatz zu vielen Schnitzern seiner Zeit.

Tjokot erlangte den Ruf, die ausdrucksstarke Qualität des Holzes zu nutzen. Er würde in den Wald gehen, um nach seltsam geformten Stämmen und Ästen zu suchen und sie so wenig wie möglich zu verändern, um sie in knorrige Spuks und dämonische Gestalten zu verwandeln.

Ida Bagus Tilem, der Sohn von Nyana, förderte die Innovationen von Nyana und Tjokot sowohl in seiner Arbeit am Holz als auch in seiner Wahl der Themen. Im Gegensatz zu den Bildhauern der vorherigen Generation war er so wagemutig, die Proportionen der Figuren, die in seinem Bild zu sehen sind, zu verändern. Er erlaubte die natürlichen Verformungen im Holz, die Form seiner Schnitzerei zu führen, indem er knorrige Stämme benutzte, die gut geeignet waren, verdrehte menschliche Körper darzustellen. Er sah jeden verformten Baumstamm oder Zweig als ein Medium, um menschliche Gefühle auszudrücken. Anstatt Mythen oder Szenen des täglichen Lebens abzubilden, greift Tilem „abstrakte“ Themen mit philosophischem oder psychologischem Gehalt auf: mit verzerrten Holzstücken, die mit starken Ausdruckskräften ausgestattet sind. Ida Bagus Tilem war jedoch nicht nur Künstlerin, sondern auch Lehrerin. Er bildete Dutzende junger Bildhauer aus der Gegend um Mas aus. Er lehrte sie, wie man Holz für seine Ausdruckskraft auswählt und wie man einen Dialog zwischen Holz und Menschen herstellt, der zum Mainstream der heutigen balinesischen Holzschnitzerei geworden ist.

Museen mit wichtigen balinesischen Gemäldesammlungen
Es gibt viele Museen auf der ganzen Welt, die eine bedeutende Sammlung balinesischer Gemälde besitzen.

Europa: In den Niederlanden, dem Tropenmuseum in Amsterdam und dem Ethnographischen Museum in Leiden, Museum Nusantara in Delft, gibt es eine große Anzahl von Gemälden aus der Wayang-Zeit (vor 1920) und der Vorkriegszeit (1920 – 1950). Bemerkenswert ist, dass das Leiden Ethnographic Museum die Sammlungen Rudolf Bonnet und Paul Spies beherbergt. In der Schweiz hält das Ethnographische Museum in Basel die von Schlager und dem Künstler Theo Meier gesammelten Vorkriegsbilder Batuan und Sanur. Ende 2010 entdeckte das Ethnographische Museum in Wien (Österreich) die von Potjewyd Mitte der 1930er Jahre gesammelten balinesischen Vorkriegsbilder wieder.

Asien: In Japan besitzt das Asian Art Museum in Fukuoka eine hervorragende balinesische Sammlung nach dem Zweiten Weltkrieg. Das Singapore National Art Museum verfügt über eine bedeutende Sammlung von balinesischen Gemälden aus der Zeit vor und nach dem Krieg.

Australien: Das Australian Museum, Sydney, besitzt eine bedeutende Sammlung von Kamasan und anderen traditionellen Gemälden, die vom Anthropologen Anthony Forge zusammengestellt wurden. Die National Gallery of Australia in Sydney besitzt einige balinesische Werke.

Indonesien: das Museum Sana Budaya in Yogyakarta und das Museum Bentara Budaya in Jakarta. In Bali sind balinesische Vorkriegszeichnungen im Besitz des Bali Museums in Denpasar und des Zentrums für Dokumentation der Balinesischen Kultur in Denpasar. Darüber hinaus gibt es vier große Museen in Ubud, Bali, mit bedeutenden Sammlungen: Museum Puri Lukisan, Agung Rai Kunstmuseum, Neka Art Museum und Museum Rudana.

Amerika: Duke University Museum in Durham, amerikanisches Museum für Naturgeschichte in New York, Vereinte Nationen in New York.