Der Buddhismus spielte eine wichtige Rolle in der Entwicklung der japanischen Kunst zwischen dem 6. und 16. Jahrhundert. Buddhistische Kunst und buddhistische religiöse Gedanken kamen von China durch Korea nach Japan und buddhistische Kunst wurde von Kronprinz Shōtoku in der Suiko-Periode im sechsten Jahrhundert und von Kaiser Shōmu in der Nara-Periode im achten Jahrhundert gefördert. In der frühen Heian-Zeit beeinflussten buddhistische Kunst und Architektur die traditionellen Shinto-Künste stark, und die buddhistische Malerei wurde unter wohlhabenden Japanern in Mode gebracht. Die Kamakura-Periode sah eine Blüte der japanischen buddhistischen Skulptur, deren Ursprung in den Werken des Bildhauers Jōchō der Heian-Zeit liegt. Die Amida-Sekte des Buddhismus lieferte die Grundlage für viele populäre Kunstwerke. Die buddhistische Kunst wurde unter den Massen durch Rollbilder, Gemälde, die im Gottesdienst verwendet wurden, und Gemälde von Buddhas, Heiligen, Höllen und anderen religiösen Themen beliebt. Unter der Zen-Sekte des Buddhismus wurden Porträts von Priestern wie Bodhidharma ebenso populär wie Scroll-Kalligrafie und Sumi-e-Pinselmalerei.

Asuka und Nara Perioden
Die buddhistische Kunst wurde zusammen mit der buddhistischen Religion in der Mitte des sechsten Jahrhunderts nach Japan eingeführt, als Seong of Baekje der Tradition zufolge eine Statue des Buddha zusammen mit einigen Sutras an Kaiser Kinmei sandte. Die Asuka-Periode (552-645) sah das allmähliche Wachstum chinesischer und koreanischer künstlerischer und religiöser Einflüsse auf die japanische Kultur. Der chinesische Einfluss wuchs in der Nara-Periode (645-784), als das japanische Gericht begann, sich in einer chinesischen Form zu modellieren, und der Buddhismus verbreitete sich weiter in ganz Japan, während er die japanische Religion des Shinto integrierte.

Die Skulptur dieser Zeit zeigt, wie fast alle nachfolgenden Skulpturen, den Einfluss kontinentaler Kunst. Tori Busshi, ein Nachkomme eines chinesischen Einwanderers, folgte dem Stil der Nördlichen Wei-Skulptur und etablierte, was als Tori-Schule der Skulptur bekannt wurde. Bemerkenswerte Beispiele von Tori-Arbeiten sind die Shakyamuni-Triade (oder Shaka-Triade), die die Hauptikonen der Goldenen Halle des Hōryū-ji-Tempels und der Kannon Boddhisatva der Yumedono-Halle desselben Tempels, auch bekannt als Guze Kannon, sind. Er wurde im frühen 7. Jahrhundert als privater Tempel des Kronprinzen Shōtoku erbaut. Hōryū-ji besteht aus 41 unabhängigen Gebäuden. Die wichtigsten, der Hauptanbetungssaal oder Kondō (Goldener Saal) und Gojū-no-tō (Fünfstöckige Pagode), stehen in der Mitte eines offenen Bereichs, der von einem überdachten Kreuzgang umgeben ist. Im Inneren des Kondō, auf einer großen rechteckigen Plattform, befinden sich einige der wichtigsten Skulpturen dieser Zeit, einschließlich der Sakyamuni Triade.

In der Sakyamuni-Triade wird Sakyamuni, der zentrale Buddha, von zwei anderen Figuren begleitet, Bhaisajyaguru zu seiner Rechten und Amitabha zu seiner Linken. Die Statuen sind auf 623 datiert. Der Stil der Statue ist durch die Zweidimensionalität der Figur und die sich wiederholenden Muster-ähnlichen Darstellungen des Stoffes, auf dem die Triade sitzt, gekennzeichnet.

Die frühe Nara-Periode sah eine Bewegung hin zu naturalistischeren Stilen, die aus China kamen. Die Triade von Yakushi zeigt den heilenden Buddha, der über das östliche Reine Land präsidiert und von zwei Bodhisattvas Nikko und Gakko besucht wird. Die Triade, die im Yakushiji-Tempel (7. Jahrhundert in Nara) untergebracht ist, zeigt chinesische und zentralasiatische Einflüsse in ihrer anatomischen Definition, Naturalismus und realistischen Draperien.

Diese Skulptur zeigt auch die Wurzeln der japanischen Kunst im 1.-3. Jahrhundert CE. Griechisch-buddhistische Kunst von Gandhara, gekennzeichnet durch fließende Kleidungsmuster und realistische Wiedergabe, auf denen chinesische und koreanische künstlerische Züge überlagert wurden. Nachdem die chinesische buddhistische Kunst Northern Wei eine koreanische Halbinsel infiltriert hatte, wurden buddhistische Ikonen von koreanischen Einwanderern nach Japan gebracht. Insbesondere wurde die halb-sitzende Maitreya-Form in einen hochentwickelten altgriechischen Kunststil adaptiert, der nach Japan übertragen wurde, wie die Kōryū-ji Miroku Bosatsu und die Chūgū-ji Siddhartha-Statuen beweisen. Die Drei Königreiche Koreas, und besonders Baekje, waren in den Jahren 538 oder 552 maßgeblich an der Einführung und Bildung einer buddhistischen Tradition in Japan beteiligt. Sie illustrieren den Endpunkt der Kunstübertragung der Seidenstraße in den ersten Jahrhunderten unseres Jahrhunderts Epoche. Andere Beispiele finden sich in der Entwicklung der Ikonographie des japanischen Fūjin-Wind-Gottes, der Niō-Wächter und der fast-klassischen Blumenmuster in Tempeldekorationen.

Der Tempelbau im 8. Jahrhundert konzentrierte sich auf den Tōdai-ji in Nara. Das Tōdaiji wurde als Hauptquartier für ein Netzwerk von Tempeln in jeder der Provinzen errichtet und ist der ambitionierteste religiöse Komplex, der in den frühen Jahrhunderten des buddhistischen Gottesdienstes in Japan errichtet wurde. Passenderweise ist der 16,2 m (53 Fuß) große Buddha (abgeschlossen 752), der in der Haupthalle von Buddha oder Daibutsuden aufbewahrt wird, ein Rushana Buddha, die Figur, die das Wesen der Buddhaschaft darstellt, genauso wie das Tōdaiji das Zentrum für den imperial gesponserten Buddhismus und seine Verbreitung in ganz Japan. Von der ursprünglichen Statue sind nur noch wenige Fragmente erhalten, und die heutige Halle und der zentrale Buddha sind Rekonstruktionen aus der Edo-Zeit.

Unter dem Ritsuryō-Regierungssystem in der Nara-Zeit wurde der Buddhismus stark vom Staat durch das Sōgō (Office 綱, Amt für Priesterangelegenheiten) reguliert. Während dieser Zeit diente Tōdai-ji als der zentrale Verwaltungstempel für die provinziellen Tempel für die sechs buddhistischen Schulen in Japan zu der Zeit.

Beispiel:
Die Shakyamuni Daibutsu Bronze (4,8 m) ist die älteste bekannte Skulptur Buddhas in Japan, die 609 von Tori Busshi gegossen wurde.
Kannon (Avalokitesvara) oder Guze Kannon, Holz vergoldet, Krone: Bronze durchbrochen vergoldet. Frühe CE 7. Jahrhundert, Horyu-ji, Nara.
Bodhisattva, Asuka-Zeit, 7. Jahrhundert. Tokyo Nationalmuseum.
Fliese mit sitzendem Buddha
Nara-Tempel-Dachziegel des 7. Jahrhunderts, das griechisch-buddhistischen Einfluss zeigt.
Triade von Yakushi in Yakushi-ji, Nara. Ursprünglich im Jahre 680 in Fujiwara-kyō gebaut, 718 nach Nara transportiert.
Goldene Halle von Hōryū-ji
Fünfstöckige Pagode von Hōryū-ji
Goldene Halle von Tōshōdai-ji in Nara
Hörsaal von Tōshōdai-ji in Nara
Yakushi-jis Ostpagode, Nara.
Große Buddha-Halle von Tōdai-ji in Nara
Großer Buddha von Tōdai-ji in Nara

Heian-Zeit (794-1185)
Im Jahr 784 verlegte der Kaiser Kanmu, der von der wachsenden weltlichen Macht der buddhistischen Institutionen in Nara bedroht war, die Hauptstadt nach Heian-kyō (Kyōto), das für die nächsten 1000 Jahre die kaiserliche Hauptstadt blieb. Der Begriff Heian-Periode bezieht sich auf die Jahre zwischen 794 und 1185, als das Kamakura-Shogunat am Ende des Genpei-Krieges gegründet wurde. Die Periode wird weiter unterteilt in die frühe Heian- und die spätere Heian- oder Fujiwara-Ära, das entscheidende Datum war 894, das Jahr, in dem die kaiserlichen Botschaften nach China offiziell eingestellt wurden.

Der Buddhismus verbreitete sich während der Heian-Zeit in ganz Japan, hauptsächlich durch zwei große esoterische Sekten, Tendai und Shingon. Tendai entstand in China und basiert auf dem Lotus Sutra, einer der wichtigsten Sutren des Mahayana-Buddhismus; Saichō war der Schlüssel zu seiner Übertragung nach Japan. Shingon (wahre Wortschule) ist eine indigene Sekte mit engen Verbindungen zum chinesisch beeinflussten buddhistischen Denken, die von Kūkai (am bekanntesten durch seinen posthumen Titel Kōbō Daishi, 774-835) gegründet wurde. Er reiste nach China und studierte indischen und chinesischen Buddhismus sowie Chinesisch Kalligraphie und Poesie. Kaiser Kanmu selbst war ein bemerkenswerter Förderer der Tendai-Sekte, die in den folgenden Jahrhunderten zu großer Macht aufstieg. Kūkai beeindruckte die Kaiser Kaiser Kanmu und Generationen von Japanern nicht nur mit seiner Heiligkeit, sondern auch mit seiner Dichtung, Kalligraphie, Malerei und Bildhauerei. Shingon Buddhistische Praxis basiert auf verschiedenen Ritualen, einschließlich des Chantens von Mantras, Puja, Handgesten (Mudras) und Meditation durch Visualisierung von Mandalas. Die zentrale Rolle des Rituals im japanischen esoterischen Buddhismus führte zu einem Aufblühen der religiösen Künste in der Heian-Zeit. Diese religiösen Gemälde, Mandalas und Statuen gaben den Praktizierenden eine Möglichkeit, über buddhistische Gottheiten und Konzepte nachzudenken. Ein berühmtes Beispiel für Shingon Mandala ist das Mandala von Taizokai (Womb World). Als Teil des Mandalas der zwei Reiche besteht die Gebärmutterwelt aus 12 Zonen, die verschiedene Dimensionen der Buddhanatur repräsentieren. In der Mitte sitzt der Vairocana-Buddha im Lotus des Mitgefühls, umgeben von begleitenden Buddhas und Bodhisattvas. Die Shingon-Sekte glaubte, dass alle Wesen eine angeborene Buddhanatur haben.

Die Tempel, die für die Shingon-Sekte errichtet wurden, wie die am Berg. Kōya wurde in den Kii-Bergen gebaut, weit weg vom Hof ​​und den Laien in der Hauptstadt. Die unregelmäßige Topographie dieser Orte zwang japanische Architekten, die Probleme des Tempelbaus zu überdenken und dabei mehr indigene Elemente des Designs zu wählen. Zypressenrindendächer ersetzten jene aus Keramikfliesen, Holzbretter wurden anstelle von Lehmböden verwendet, und vor dem Hauptheiligtum wurde ein gesondertes Lobpreisgebiet für die Laien hinzugefügt. Der Tempel, der den Geist der frühen Heian Shingon Tempel am besten widerspiegelt, ist der Murō-ji (frühes 9. Jahrhundert), der tief in einer Reihe von Zypressen auf einem Berg südöstlich von Nara liegt.

In der Fujiwara-Zeit wurde der Reine-Land-Buddhismus, der durch den Glauben an Amida (der Buddha des westlichen Paradieses) eine einfache Erlösung bot, populär. Diese Periode wurde nach dem Fujiwara-Clan benannt, dem damals mächtigsten des Landes, der als Regent für den Kaiser regierte und in Wirklichkeit zu Diktatoren wurde. Gleichzeitig entwickelte der Kyoto-Adel eine Gesellschaft, die sich eleganten ästhetischen Bestrebungen verschrieben hatte. Das Hō-ō-dō (Phoenix Hall, Fertigstellung 1053) des Byōdō-in, eines Tempels in Uji im Südosten von Kyoto, ist das Vorbild der Fujiwara Amida Hallen. Es besteht aus einer rechteckigen Hauptkonstruktion, die von zwei L-förmigen Flügelkorridoren flankiert wird, und einem Schwanzkorridor, der am Rand eines großen künstlichen Teichs liegt. Im Inneren ist ein einzelnes goldenes Bild von Amida (ca. 1053) auf einer hohen Plattform installiert. Die Amida-Skulptur wurde von Jōchō ausgeführt, der die chinesische Technik, ein Werk aus mehreren kleineren Holzstücken (Yosegi) zu schaffen, populär machte. Obwohl es die Menge der Oberflächendetails beschränkte, die der Künstler in jedes Stück einarbeiten konnte, zwang die Methode den Bildhauer, seine beabsichtigte Nachricht innerhalb dieser Grenzen zu übermitteln. Dies führte zu raffinierteren und ephemerer aussehenden Stücken. Noch wichtiger war, dass mehrere Assistenten gleichzeitig an der Skulptur arbeiten konnten, was den Prozess erheblich beschleunigte. Jōchō, als der Meister, machte die Abschlussarbeit. Die Technik führte auch zu systematisierten Proportionen von Körperteilen und einfachen Oberflächendetails, da diese die Entstehung der Bestandteile und die Bildung des fertigen Stücks beschleunigten.

Kunsthistoriker zitieren oft diesen neuen Kanon der Proportionen als Beweis für Jōchōs Genie. Er legte die Maße auf eine Einheit, die dem Abstand zwischen dem Kinn und dem Haaransatz der Figur entsprach. Der Abstand zwischen jedem Knie ist gleich dem Abstand von den Unterseiten der Beine zu den Haaren. Die weit auseinanderliegenden und ebenen Knie bilden so die Basis eines dreieckigen Designs und vermitteln ein Gefühl von Stabilität und Frieden. Der Effekt wird noch verstärkt durch den Kontrast anderer Elemente im Design, insbesondere der Halos der Figuren. Diese sind aufwendig detailliert mit tanzenden Tennin, Wolken und Flammen. Jōchōs Skulpturenäußerungen vermitteln Mitgefühl und Eleganz, und die detaillierte und präzise Schnitzerei der Gesichtszüge projiziert eine gewisse Freundlichkeit.

Die Werkstattmethode der Arbeitsteilung unter mehreren Handwerkern wurde, ebenso wie Jōchōs Stil, aufgegriffen. Seine Schule wurde von Bildhauern in ganz Japan für die nächsten 150 Jahre nachgeahmt, als die japanische Skulptur in eine konformistische Orthodoxie überging, bevor sie in der Kamakura-Zeit neu erfunden wurde.

Mit der wachsenden Bedeutung der Reine-Land-Sekten des japanischen Buddhismus im 10. Jahrhundert wurden neue Bildtypen entwickelt, um die religiösen Bedürfnisse dieser Sekten zu befriedigen. Dazu gehören Raigozu (来 迎 図), die Amida Buddha zusammen mit den begleitenden Bodhisattvas Kannon und Seishi darstellen, die ankommen, um die Seelen der Gläubigen willkommen zu heißen, die nach Amidas Westparadies aufgebrochen sind. Ein bekanntes frühes Beispiel aus dem Jahr 1053 ist im Inneren des Phoenix Hall des Byōdō-in, eines Tempels in Uji, Kyoto, gemalt. Dies gilt auch als ein frühes Beispiel für so genannte Yamato-e (大 和 絵), oder „Japanese-style painting“, da es Landschaftselemente wie weiche Hügel umfasst, die etwas von der tatsächlichen Erscheinung der Landschaft zu reflektieren scheinen von Westjapan. Stilistisch ist diese Art der Malerei jedoch weiterhin von den chinesischen Landschaftstraditionen der Tang-Dynastie geprägt. „Yamato-e“ ist ein unpräziser Begriff, der unter Historikern der japanischen Kunst weiterhin diskutiert wird.

Beispiel:
Oagida von Daigo-ji in Kyoto. Es wurde 951 gebaut.
Kongokai (Vajra) Mandala – Shingon tantrische buddhistische Schule
Fugen enmei, der Bodhisattva der Universalen Tugend, der das Leben verlängert, 12. Jahrhundert. Tinte, Farbe, Gold und Silber auf Seide.
Mandarado von Taima-dera in Katsuragi. Es wurde 1161 erbaut.
Pagode von Ichijō-ji. Es wurde 1171 gebaut.
Buddhas Nirvana. Hängende Schriftrolle, 267,6 cmx 271,2 cm. Farbe auf Seide. Gefunden in Kongobu-ji, Berg. Kōya.
Fünfstöckige Pagode in Murō-ji. Es wurde 800 gebaut.
Shaka erhebt sich vom Goldsarg. Späte Heian, hängende Rolle.
Wandmalerei an der Osttür von Byōdō-in, Detail
Wandmalerei an der Südtür von Byōdō-in
Achala Vidyaraja (Weisheits-König), 1100-1185.
Bodhisattva Samantabhadra.
Amitabha Buddha. Spät Heian, Farbe auf Seide Yushihachimanko Juhachika-in Tempel. Zentral von drei hängenden Schriftrollen.

Kamakura-Zeit (1185-1333)
Japan erlitt im späten 12. Jahrhundert eine Reihe von Bürgerkriegen zwischen mehreren rivalisierenden Familien, was schließlich zum Aufstieg des feudalistischen Kamakura Shogunats führte, das so genannt wurde, weil die siegreiche Familie, der Minamoto Clan, ihre politische Basis in Kamakura errichtete. Der Kaiser blieb in Kyoto als Aushängeschild, aber die tatsächliche politische Macht ruhte mit der Shōgun. Die Kamakura-Zeit sah die Wiederherstellung der kulturellen Verbindungen mit China, sowie das Wachstum des Zen-Buddhismus und des Reinen-Land-Buddhismus als die beiden Hauptzweige des japanischen Buddhismus.

Diese neuen Kamakura-Förderer bevorzugten auch eine realistischere und naturalistischere Kunst, die durch die Skulptur der Kei-Schule veranschaulicht wird. Die Kei-Schule entwickelte sich unter der Führung des busshi (buddhistischen Bildhauers) Jōchō, seines Nachfolgers Kakujō und Kakujōs Sohn Raijō, den führenden Bildhauern der vorangegangenen Generationen. Diese Künstler sollen manchmal die Kei-Schule gegründet haben; Die Schule kam jedoch nicht auf ihre Kosten und wurde mit dem Namen „Kei“ assoziiert, bis Raijō um das Jahr 1200 von Kōkei und Unkei abgelöst wurde.

Unter den Bildhauern der Kei-Schule ist Unkei der bekannteste und angesehenste Bildhauer seiner Zeit. Unter seinen Werken zeigt ein Paar großer Nio (oder Kongō Rikishi) in Tōdai-ji muskuläre Wächter in einer dramatischen Kontrapost-Haltung. Unkeis Skulpturen der indischen Priester Mujaku und Seshin in Kōfuku-ji demonstrieren einen neuen, portraitartigen Realismus. Beide Statuen tragen priesterliche Gewänder, die ihre Körper realistisch einrahmen. Sie stehen lebensgroß und allein und sind in der Runde so geformt, als ob sie aus jedem Blickwinkel betrachtet werden sollten. Mujaku wird als ein dünner Mann dargestellt, der eine Art heiliges, in Tuch gewickeltes Objekt manipuliert. Er wirkt zurückhaltend und nachdenklich. Seshin dagegen wird in der mittleren Konversation, Gestik und Sprechen dargestellt, ein extrovertiertes Gegengewicht zu dem feierlichen Mujaku. Die Männer werden als bestimmte Personen gezeigt, nicht nur als Mitglieder eines Aktientyps.

Unkei hatte sechs Bildhauer Söhne und ihre Arbeit ist auch durchdrungen mit dem neuen Humanismus. Tankei, der älteste Sohn und ein brillanter Bildhauer wurde der Leiter des Studios. Kōshō, der vierte Sohn, schuf eine bemerkenswerte Skulptur des japanischen buddhistischen Lehrers Kuya aus dem 10. Jahrhundert (903-972). Kaikei war ein Mitarbeiter von Unkei und arbeitete mit ihm an den Nio-Statuen im Jahr 1203. Er arbeitete mit Priester Chogen (1121-1206) zusammen: dem Direktor des Tōdai-ji-Wiederaufbauprojekts. Viele seiner Figuren sind idealisierter als Unkei und seine Söhne und zeichnen sich durch eine schöne Oberfläche aus, die reich mit Pigmenten und Gold verziert ist. Seine Werke haben mehr als 40 überlebt, von denen viele von ihm signiert sind.

Viele der Städte Nara und Kyoto wurden im Genpei-Krieg von 1180 bis 1185 zerstört. Die Kei-Schule erhielt die Gelegenheit, Nara’s größte Tempel, die Tōdai-ji und Kōfuku-ji, zu restaurieren und ihre buddhistischen Skulpturen zu ersetzen. Die führende Figur in diesem Bemühen war Shunjobo Chogen (1121-1206), von dem bekannt war, dass er drei Reisen nach China unternommen hat, um Skulpturen zu studieren. Das Tōdai-ji-Restaurierungsprojekt dauerte mehrere Generationen, von ungefähr 1180 bis 1212, und zeichnete sich ausgiebig über Tang- und Song-chinesische Stile aus, führte neue stilistische Elemente ein und blieb dabei der Tradition treu.

Einige der beliebtesten Gemälde der Kamakura-Zeit zeigen einen aufsteigenden Amida-Buddha. Der Hauptgrundsatz des Reine-Land-Buddhismus ist, dass das Singen des Namens von Amida zu einer Reinkarnation im reinen Land führen könnte. So würden Schriftrollen von Amida im Raum der Sterbenden aufgehängt werden, die gerettet werden würden, indem sie das Amida-Mantra chanten würden.

In der Kamakura-Zeit entstanden neue buddhistische Sekten wie Kegon und Nichiren, die immer beliebter wurden. Diese Sekten produzierten mehrere verschiedene Gattungen der Malerei, einschließlich der Suijako-Gemälde, die versuchten, die beiden wichtigsten japanischen Glaubensrichtungen zu versöhnen, indem sie Shinto-Gottheiten als frühe Manifestationen von Buddha darstellten. Werke wie das Kegon Engi Emaki, ein Buch, das den Menschen hilft, komplizierte chinesische Schriftzeichen zu verstehen, wurden bei gewöhnlichen Menschen populärer. Emakimono oder lange illustrierte Handschriften dienten auch dazu, das Leben des Buddha und die Geschichte der wichtigsten buddhistischen Führer zu illustrieren.

Beispiel:
Jōdo-dō von Jōdo-ji in Ono. Es wurde 1194 erbaut.
Danjogaran Fudodo in Mt. Kōya. Es wurde 1197 erbaut.
Nio Wächter in Tōdai-ji, von Unkei
Mujaku (Asanga) in Kōfuku-ji, bei Unkei
Porträt von Mönch Kūya (CE 930-972), insgesamt ca. cm Höhe, Holz, farbig, CE13. Jahrhundert von Kosho
Statue mit Polychromie, Gold und Kristall. Diese Statue zeigt Zocho-ten, Wächter (shitenno) des Südens.
Statue von Raijin in Sanjūsangen-dō, Kyoto, Japan. Etwa 1 m groß, datiert auf das 13. Jahrhundert
Amida kommt vom Kyoto Nationalmuseum über den Berg und stammt aus dem 13. Jahrhundert. Hängende Schriftrolle, 120,6 cm x 80,3 cm. Farbe auf Seide.
Kamakura Daibutsu (Amida Buddha) bei Kōtoku-in.
Monju überquert das Meer. Hängende Schriftrolle, 143,0 cm × 106,4 cm. Farbe auf Seide. Das Hotel liegt in Daigo-ji, Kyoto.
Die illustrierte Biographie von Priester Hōnen. Teil des Handscrolls (Emakimono), illustrierte Biographien berühmter Priester.
Illustrierte Biographie des Priesters Ippen, Band 7, handscroll Detail. Farbe auf Seide. Größe der vollen Rolle: 37,8 cm x 802,0 cm.

Muromachi-Zeit (1333-1573)
Während der Muromachi-Periode, auch Ashikaga-Periode genannt, vollzog sich ein tiefgreifender Wandel in der japanischen Kultur. Der Ashikaga-Clan übernahm die Kontrolle über das Shogunat und verlegte sein Hauptquartier zurück nach Kyoto, in den Muromachi-Distrikt der Stadt. Mit der Rückkehr der Regierung in die Hauptstadt kamen die Popularisierungstrends der Kamakura-Zeit zu einem Ende, und der kulturelle Ausdruck nahm einen eher aristokratischen, elitären Charakter an. Während der Muromachi-Periode wurde der Zen-Buddhismus besonders in der elitären Samurai-Klasse bekannt, die die Zen-Werte der persönlichen Disziplin, Konzentration und Selbstentwicklung annahm.

Die Entwicklung der großen Zen-Klöster in Kamakura und Kyoto hatte großen Einfluss auf die bildenden Künste. Wegen weltlicher Unternehmungen und Handelsmissionen nach China, die von Zen-Tempeln organisiert wurden, wurden viele chinesische Gemälde und Kunstgegenstände nach Japan importiert und beeinflussten tiefgreifend japanische Künstler, die für Zen-Tempel und das Shogunat arbeiteten. Diese Importe veränderten nicht nur den Gegenstand der Malerei, sondern veränderten auch den Gebrauch von Farbe. die leuchtenden Farben von Yamato-e ergaben den Monochromien der Malerei in chinesischer Manier von Sui-boku-ga (水墨画) oder Sumi-e (墨 絵), dieser Stil verwendete hauptsächlich nur schwarze Tinte – die gleiche wie in der ostasiatischen Kalligraphie .

Der bedeutendste Maler des neuen Sumi-e-Stils war Sesshū Tōyō (1420-1506), ein Rinzai-Priester, der 1468-69 nach China reiste und zeitgenössische Ming-Malerei studierte. Einige seiner dramatischsten Werke sind im Stil der chinesischen Spritztusche (Haboku). Nach seiner Rückkehr nach Japan baute Sesshū ein Atelier und gründete eine große Fangemeinde, die heute als Unkoku-rin-Schule oder „Schule von Sesshū“ bezeichnet wird. Um einen der kalligrafischen und stark stilisierten Haboku-Bilder zu machen, visualisierte der Maler das Bild und machte dann schnelle, breite Striche in das Papier, was zu einer spritzigen und abstrakten Komposition führte, alles in meditativer Konzentration. Diese impressionistische Malerei sollte die wahre Natur des Sujets erfassen. Der Sumi-e-Stil wurde stark von Kalligrafie beeinflusst, wobei er die gleichen Werkzeuge und den gleichen Stil wie auch seine Zen-Philosophie verwendete. Um in diesem Stil zu malen, musste der Praktizierende seinen Kopf frei machen und die Pinselstriche ohne allzu viel Nachdenken anwenden, was vom japanischen Philosophen Nishida Kitaro als „mushin“ (no „no mind state“) bezeichnet wird. Das Konzept des Mushins ist von zentraler Bedeutung für viele japanische Künste, einschließlich der Kunst des Schwertes, des Bogenschießens und der Teezeremonie.

Am Ende des 14. Jahrhunderts hatten monochrome Landschaftsbilder (sansuiga) die Herrschaft der herrschenden Ashikaga-Familie gewonnen und waren das bevorzugte Genre unter den Zen-Malern, die sich allmählich von ihren chinesischen Wurzeln zu einem mehr japanischen Stil entwickelten. Ein anderer bedeutender Maler in dieser Zeit ist Tenshō Shūbun, ein Mönch im Kyoto-Tempel von Shōkoku-ji, der nach Korea reiste und unter chinesischen Malern studierte. Er kehrte 1404 nach Japan zurück und ließ sich in Kyoto, der damaligen Hauptstadt, nieder. Er wurde Direktor des Hofmalereibüros, das von Ashikaga Shoguns gegründet wurde, die einflussreiche Kunstgönner waren. Shūbuns bekannteste Landschaftsmalerei, die in Japan als Nationalschatz bezeichnet wird, ist das Lesen in einem Bambushain, der heute im Tokyo National Museum aufbewahrt wird.

Ein anderer Stil, der sich in der Muromachi-Zeit entwickelte, ist Shigajiku (詩 画軸). Dies ist normalerweise ein Gemälde, das von Poesie begleitet wird und seine Wurzeln in China hat, wo Malerei und Poesie als inhärent verbunden angesehen wurden. Dieser Stil entstand aus literarischen Kreisen, einem Künstler wurde normalerweise ein Thema zum Malen gegeben, und die Dichter verfassten begleitende Verse, die über dem Werk geschrieben wurden. Ein berühmtes Beispiel ist die Schriftrolle „Fang eines Wels mit einem Kürbis“ (Hyōnen-zu 瓢 鮎 図) in Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto. Er wurde vom Priester-Maler Josetsu (ca. 1386 – ca. 1428) geschaffen und enthält 31 Verse vieler Zen-Priester, die über dem Gemälde eingeschrieben sind. Im Vordergrund des Gemäldes ist ein Mann am Ufer eines Baches dargestellt, der einen kleinen Kürbis hält und einen großen, slitherigen Wels betrachtet. Nebel füllt den mittleren Boden, und der Hintergrund, Berge scheinen weit in der Ferne zu sein. Das Gemälde wurde vom 4. Shogun der Muromachi-Zeit, Ashikaga Yoshimochi (1386-1428) in Auftrag gegeben und basierte auf dem unsinnigen Rätsel „Wie fängt man einen Wels mit einem Kürbis?“. Ein Beispiel eines Koans veranschaulicht den Stil der Poesie, die über dem Gemälde eingeschrieben ist.

Ausgeglichen! Mit dem Kürbis
Er versucht, diesen glitschigen Fisch festzunageln.
Etwas Öl auf dem Kürbis
Würde Lust auf die Jagd hinzufügen.
(Shusu [1423] Trans. Matsushita, 1974)

Die Malerei und die begleitenden Gedichte erfassen sowohl die Verspieltheit als auch die verwirrende Natur des Zen-buddhistischen kōans, die dem Zen-Praktizierenden bei seiner Meditation helfen sollte und eine zentrale Praxis der Rinzai-Schule war.

In der späten Muromachi-Zeit war die Tuschmalerei aus den Zen-Klöstern in die Kunstwelt gewandert, als Künstler der Kano-Schule und der Ami-Schule den Stil und die Themen annahmen, aber einen plastischeren und dekorativen Effekt einführten moderne Zeiten.

Beispiel:
Pagode von Myōō-in in Fukuyama. Es wurde 1348 erbaut.
Haupthalle von Kakurin-ji in Kakogawa. Es wurde 1397 erbaut.
Der Silberpavillon von Ginkaku-ji in Kyoto. Es wurde 1489 gebaut (Kunst von Wabi-Sabi, Higashiyama Bunka).
Garten von Kinkaku-ji in Kyoto (Kunst von Miyabi, Kitayama Bunka).
Ryōan-ji trockener Garten in Kyoto.
Garten von Saihō-ji in Kyoto.
Garten von Tenryū-ji in Kyoto.
Pagode von Negoro-ji in Iwade, Wakayama. Es wurde 1547 erbaut.
Herbst- und Winterlandschaften von Sesshū.
Huike bietet Bodhidharma seinen Arm (1496) von Sesshū
Landschaft von Shubun, hängende Schriftrolle, 108 cm x 32,7 cm. Tusche und Lichtfarbe auf Papier, 1445. Im Nationalmuseum von Nara gelegen.
Erhalten des Ochsen, eines der zehn Oxherding Bilder von Shubun, 15. Jahrhundert Kopie des verlorenen Original des 12. Jahrhunderts.
Kano Motonobu, weiß gekleidete Kannon, c. erste Hälfte des 16. Jahrhunderts. Hängende Schriftrolle. Tinte, Farbe und Gold auf Seide. 157,2 x 76,4 cm.

Azuchi-Momoyama-Zeit (1573-1603)
In dieser Zeit entstand die Kanō-Schule (派 野 派 Kanō-ha?), Die eine der berühmtesten Schulen der japanischen Malerei ist. Die Kanō-Schule der Malerei war der vorherrschende Stil der Malerei bis zur Meiji-Zeit. Es wurde von Kanō Masanobu (1434-1530), einem Zeitgenosse von Sesshū und Schüler von Shūbun, gegründet, der am Shogun Hof zum offiziellen Maler wurde. Die Künstler, die ihm folgten, einschließlich seines Sohnes, verbesserten seinen Stil und seine Methoden. Sein Sohn, Kanō Motonobu (1476-1559), etablierte den Kano-Stil als wichtigste japanische Malschule während der Muromachi-Zeit.

In scharfem Gegensatz zu der früheren Muromachi-Periode zeichnete sich die Azuchi Momoyama-Periode durch einen grandiosen polychromen Stil aus, in dem Gold und Silberfolie in großem Umfang verwendet wurden. Kano Schulmaler wurden von Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu und ihren Anhängern bevormundet. Kanō Eitoku entwickelte eine Formel für die Schaffung von monumentalen Landschaften auf den Schiebetüren, die einen Raum einschließen. Diese riesigen Leinwände und Wandgemälde wurden in Auftrag gegeben, um die Schlösser und Paläste des Militäradels zu dekorieren. Dieser Status setzte sich in der folgenden Edo-Periode fort, als das Tokugawa bakufu fortfuhr, die Arbeiten der Kanō-Schule als die offiziell sanktionierte Kunst für die shōgun, Daimyōs und das kaiserliche Gericht zu fördern. Mit dem Aufstieg der Kanō-Schule begann sich eine Abkehr von buddhistischen Themen zu vollziehen, als Kano-Schulmäzene malerischere Bilder in Auftrag gaben, um ihre Paläste zu schmücken.

Einige Maler in dieser Zeit blickten jedoch weiterhin auf die buddhistischen Priestermaler zurück, die ursprünglich die Kano-Schule beeinflusst hatten. Einer dieser Maler war Hasegawa Tōhaku, der von den monochromen Tuschemalereien des Muromachi-Malers Sesshū beeinflusst war und einen eigenen Stil von Sumi-e entwickelte, der auf den Minimalismus seiner Vorgänger zurückblickte. Tōhaku war tatsächlich so sehr von den Techniken des Sesshū Tōyō begeistert, dass er versuchte, Rechte als seinen fünften Nachfolger in Anspruch zu nehmen, obwohl er in einem Gerichtsverfahren gegen Unkoku Togan verlor. Dennoch ist der Einfluss von Sesshū in vielen von Tōhakus mittleren bis späten Werken offensichtlich, wie zum Beispiel in seinem berühmten Shōrin-zu byōbu (松林 図 屏風) Kiefer-Schirm, der zum nationalen Schatz Japans erklärt wurde ihre Skala, um nur Kieferbäume als Thema darzustellen.

Die von Hasegawa Tōhaku gegründete Schule ist heute als Hasegawa-Schule bekannt. Diese Schule war klein und bestand hauptsächlich aus Tōhaku und seinen Söhnen. Wie klein auch immer, seine Mitglieder haben Tōhakus stille und zurückhaltende Ästhetik bewahrt, die viele auf den Einfluss von Sesshu sowie seines Zeitgenossen und Freundes Sen no Rikyū zurückführen. Es wird vermutet, dass diese einfache Ästhetik gegen den Einsatz von Einschüchterung und Reichtum in der Kanō-Schule protestiert.

Beispiel:
Pagode von Shoman-in in Osaka. Es wurde 1597 wieder aufgebaut.
Goldener Saal von Daigo-ji in Kyoto. Es wurde 1600 umgebaut.
Kaizando und Nyoirindo von Daigo-ji in Kyoto. Sie wurden 1606 wieder aufgebaut.
Pagode von Kirihata-ji in Awa. Es wurde 1607 gebaut.

Zen Kunst
Unter der Zen-Sekte des Buddhismus, die im 14. und 15. Jahrhundert in Japan sehr populär wurde, entstanden oft Porträts von Zen-Priestern. Zen war eine Sekte des Buddhismus, die Einfachheit förderte und weniger in der Anbetung involviert war, so dass religiöse Gemälde aus diesem Grund nicht benötigt wurden. Statt dessen malten Zen-Priester oft Bilder von Lehrern und Zen-Meistern. Anders als in der früheren Heian-Zeit, in der es in der Heian-Zeit als unhöflich galt, das Abbild einer Person zu kopieren (Stanley-Baker 2000, 115), handelte es sich bei den Zen-Porträts um Nahaufnahmen mit Gesichtszügen und Details. Ein Porträt des Zen-Meisters Muso Kokushi, gemalt von seinem Schüler Muto Shui, zeigt ein detailliertes Porträt des Gesichts, wobei das ganze Bild nur ein Porträt von Kopf und Schultern ist. Dies ist im Gegensatz zu früherer japanischer Malerei, die Menschen als viel kleinere Figuren darstellen würde. Zen-Priester malten auch Landschaften, wie die Suiboku-ga, oder Wasser und schwarze Tuschemalerei, die von der Zen-Doktrin inspiriert wurde.

Die Architektur
Der Buddhismus übte auf vielfältige Weise und in vielen Perioden der japanischen Geschichte einen enormen Einfluss auf die japanische Kunst aus. In ganz Japan wurden buddhistische Tempel mit ihren Hallen und fünfstöckigen Türmen errichtet, und für diese Tempel wurden riesige Buddha-Skulpturen angefertigt.