VJing oder Visual Jockey ist eine breite Bezeichnung für visuelle Echtzeitleistung. Merkmale von VJing sind die Erstellung oder Manipulation von Bildern in Echtzeit durch technologische Vermittlung und für ein Publikum in Synchronisation mit Musik. VJing findet oft bei Veranstaltungen wie Konzerten, Nachtclubs, Musikfestivals und manchmal in Kombination mit anderen performativen Künsten statt. Dies führt zu einer Live-Multimedia-Performance, die Musik, Schauspieler und Tänzer umfassen kann. Der Begriff VJing wurde in seiner Verbindung mit VideoVockey von MTV populär, aber seine Ursprünge reichen bis in die New Yorker Clubszene der 70er Jahre zurück. In beiden Situationen ist VJing die Manipulation oder Auswahl von Visuals, genauso wie DJing eine Auswahl und Manipulation von Audio ist.

Eines der Schlüsselelemente in der Praxis von VJing ist der Echtzeit-Mix von Inhalten aus einer „Medienbibliothek“ auf Speichermedien wie VHS-Bändern oder DVDs, Video- und Standbilddateien auf Computerfestplatten, Live-Kameraeingaben oder von Computergenerierte Visuals. Neben der Auswahl der Medien impliziert VJing hauptsächlich die Echtzeitverarbeitung des Bildmaterials. Der Begriff wird auch verwendet, um die performative Verwendung von generativer Software zu beschreiben, obwohl das Wort „zweifelhaft wird (…), da kein Video gemischt wird“.

Ursprünge
Die Abkürzung VJ basiert auf dem Konzept der Discjockeys (DJ) und Lightjockeys (LJ). Der Visual Jockey sollte nicht mit dem Video Jockey verwechselt werden. Die Moderatorentätigkeit eines Videojockeys in TV-Musikprogrammen unterscheidet sich erheblich von der künstlerischen Leistung eines visuellen Jockeys.

Im deutschsprachigen Raum, insbesondere in der VJ-Hochburg Wien, findet seit mehreren Jahren eine Debatte über die Benennung der VJ statt. Der Begriff „Visualist“ wird hier zunehmend für eine Person verwendet, die im weitesten Sinne Videokunst mit der Technik eines „klassischen VJ“ schafft, aber unabhängig vom Musikereignis agiert. Zum einen wird auf die Unabhängigkeit der in Echtzeit erstellten Videokunst verwiesen. Andererseits kann die bessere konzeptionelle Unterscheidung von reinem „Video-Jockey“ auch verwendet werden, um neue Trends in der Szene zu beschreiben. In jüngster Zeit ging die Tendenz zur Live-Generierung von Inhalten und zur Verwendung von Projektionsmapping. Im Gegensatz zum klassischen VJ, der vorhandenes Material (in Form von Videoclips, Animationen, Fotos usw.) im Live-Einsatz verwendet, Der Visualist generiert das Material während des Gebrauchs in Echtzeit. Dafür verwendet er sogenannte generative Software. Durch die Verwendung von Video-Mapping und die Verteilung von Projektionsobjekten im gesamten Showroom befreit sich der moderne VJ (oder Visualist) auch von der fokussierten Ansicht, die auf einen einzelnen rechteckigen Bildschirm fokussiert ist.

Geschichte

Vorgänger
Historisch gesehen bezieht sich VJing auf Kunstformen, die sich mit der synästhetischen Erfahrung von Bild und Ton befassen. Diese historischen Referenzen werden mit anderen audiovisuellen Live-Kunstformen wie dem Live-Kino geteilt, darunter die Camera Obscura, das Panorama und das Diorama, die magische Laterne, die Farborgel und flüssige Lichtshows.

Das Farborgan ist ein Mechanismus, mit dem Farben durch mechanische und elektromechanische Mittel dem Klang entsprechen. Bainbridge Bishop, der zur Entwicklung der Farborgel beitrug, war „von der Idee der Musikmalerei geprägt“. In einem Buch aus dem Jahr 1893, das seine Arbeit dokumentiert, erklärt Bischof: „Ich besorgte mir eine Orgel und experimentierte, indem ich eine Befestigung an den Tasten aufbaute, die mit verschiedenfarbigen Lichtern spielte, um der Musik des Instruments zu entsprechen.“

Zwischen 1919 und 1927 schuf Mary Hallock-Greenewalt, eine Klaviersolistin, eine neue technologische Kunstform namens Nourathar, was auf Arabisch „Essenz des Lichts“ bedeutet. Ihre Unterhaltungsmusik bestand aus Umgebungsfarbfeldern, die eine Skala von Lichtintensitäten und Farben erzeugten. „Anstelle einer Tastatur verfügte der Sarabet über eine Konsole mit abgestuften Schiebereglern und anderen Bedienelementen, die eher einem modernen Mischpult ähnelten. Die Beleuchtung konnte direkt über die Schieberegler, über ein Pedal und über Kippschalter eingestellt werden, die wie individuell funktionierten Schlüssel.“

In Clubs und privaten Veranstaltungen in den 1960er Jahren „verwendeten die Menschen Flüssigkeitsrutschen, Discokugeln und Lichtprojektionen auf Rauch, um dem Publikum neue Empfindungen zu vermitteln. Einige dieser Experimente waren mit der Musik verbunden, aber die meiste Zeit fungierten sie als Dekorationen.“ Diese wurden als flüssige Lichtshows bekannt. Von 1965 bis 1966 begleiteten in San Francisco die visuellen Shows von Künstlerkollektiven wie The Joshua Light Show und The Brotherhood of Light die Konzerte von The Grateful Dead, die von der Beat-Generation – insbesondere den Merry Pranksters – inspiriert und von den “ Bewusstseinserweiterung „aus den Säuretests.

Das von Andy Warhol zwischen 1966 und 1967 organisierte Exploding Plastic Inevitable trug zur Verschmelzung von Musik und Visuals im Partykontext bei. „Das Exploding Party-Projekt untersuchte die Geschichte der Party als experimentelles künstlerisches Format, wobei der Schwerpunkt insbesondere auf der Musikvisualisierung lag – auch in Live-Kontexten.“

1970er Jahre
Wichtige Ereignisse
In den späten 1970er Jahren wurde die Video- und Musikperformance enger integriert. Bei Konzerten begannen einige Bands, regelmäßig Filme / Videos zusammen mit ihrer Musik zu haben. Der experimentelle Filmemacher Tony Potts wurde als inoffizielles Mitglied von The Monochrome Set für seine Arbeit über Lichtdesign und Filmemachen für Projektionen für Live-Shows angesehen. Die Testabteilung arbeitete zunächst mit „Bert“ Turnball als ansässigem bildenden Künstler zusammen und erstellte Diashows und Filme für Live-Auftritte. Die Organisation, Ministerium für Macht, umfasste Kooperationen mit Aufführungsgruppen, traditionellen Chören und verschiedenen politischen Aktivisten. Industriebands traten sowohl im Kunstkontext als auch in Konzertsälen und oft mit Videoprojektionen auf. Gruppen wie Cabaret Voltaire begannen, kostengünstige Videobearbeitungsgeräte zu verwenden, um ihre eigenen zeitbasierten Collagen für ihre Tonarbeiten zu erstellen. In ihren Worten: „Vor [der Verwendung von Video] mussten Sie Collagen auf Papier machen, aber jetzt präsentieren Sie sie im Rhythmus – Lebenszeit – in Video.“ Die Filmcollagen von und für Gruppen wie Test Dept, Throbbing Gristle und San Franciscos Tuxedomoon wurden Teil ihrer Live-Shows.

Ein Beispiel für das Mischen von Film mit Live-Performance ist das von Public Image Ltd. im Ritz Riot im Jahr 1981. Dieser Club in der East 9th Street in New York verfügte über ein hochmodernes Videoprojektionssystem. Es wurde verwendet, um eine Kombination aus aufgezeichneten und Live-Videos auf dem Bildschirm des Clubs zu zeigen. PiL spielte hinter diesem Bildschirm mit Lichtern, die ihre Schatten auf den Bildschirm projizierten. In Erwartung einer traditionelleren Rockshow reagierte das Publikum, indem es die Projektionswand mit Bierflaschen bewarf und schließlich die Leinwand herunterzog.

Technologische Entwicklungen
Ein Künstler-Retreat in Owego New York namens Experimental Television Center, das 1971 gegründet wurde, leistete einen Beitrag zur Entwicklung vieler Künstler, indem er die experimentelle Hardware sammelte, die von Pionieren der Videokunst, Nam June Paik, Steve Rutt und Bill Etra, erstellt und die Ausrüstung zur Verfügung gestellt wurde an Künstler in einer einladenden Umgebung zum freien Experimentieren. Viele der Ergebnisse wurden im Nachtclub Hurra veröffentlicht, der schnell zu einer neuen Alternative für Videokünstler wurde, die ihre Avantgarde-Produktionen nicht in regulären Sendeanstalten ausstrahlen konnten. In ähnlicher Weise fand die Entwicklung von Musikvideos in anderen Großstädten auf der ganzen Welt statt und bot eine Alternative zum Mainstream-Fernsehen.

Ein bemerkenswerter Bildprozessor ist der Sandin Image Processor (1971), der hauptsächlich das beschreibt, was heute allgemein als Open Source bezeichnet wird.

Der Dan Sandin Image Processor („IP“) ist ein analoger Videoprozessor mit Videosignalen, die über Verarbeitungsmodule gesendet werden, die an einen Ausgabefarbcodierer weitergeleitet werden. Das einzigartigste Merkmal des IP ist seine nichtkommerzielle Philosophie, die den öffentlichen Zugang zu Verarbeitungsmethoden und den Maschinen betont, die bei der Erzeugung der Bilder helfen. Das IP war Sandins elektronischer Ausdruck für eine Kultur, die „lernen würde, High-Tech-Maschinen für persönliches, ästhetisches, religiöses, intuitives, umfassendes und exploratives Wachstum einzusetzen“. Dieses Bildungsziel wurde durch eine „Vertriebsreligion“ ergänzt, die es Videokünstlern und gemeinnützigen Gruppen ermöglichte, ihren eigenen Videosynthesizer nur für die Kosten der Teile und den Schweiß und die Arbeit, die für den Bau erforderlich waren, „selbst zu rollen“ . Es war das „Heathkit“ der Videokunstwerkzeuge, mit einem vollständigen Bauplan, einschließlich elektronischer Schaltpläne und Informationen zur mechanischen Montage. Die Dokumentation enthielt auch Tipps zum Löten, zur Beschaffung elektronischer Teile und Leiterplatten, wodurch die Chancen erhöht wurden, eine funktionierende Version des Videosynthesizers erfolgreich zu erstellen.

1980er Jahre
Wichtige Ereignisse
Im Mai 1980 wurde der Multimedia-Künstler / Filmemacher Merrill Aldighieri eingeladen, einen Film im Nachtclub Hurra zu zeigen. Zu diesem Zeitpunkt gab es keine Musikvideoclips in großer Menge, und die Videoinstallation wurde verwendet, um gelegentlich einen Film zu präsentieren. Um die Rolle der Visuals mit der Musik des DJs gleichzusetzen, hat Merrill eine große Anzahl von Ambient-Visuals erstellt, die in Echtzeit kombiniert werden können, um die Musik zu interpretieren. In Zusammenarbeit mit dem DJ wurde diese Sammlung von Rohbildern in Echtzeit gemischt, um eine ununterbrochene visuelle Interpretation der Musik zu erstellen. Merrill wurde der weltweit erste Vollzeit-VJ. MTV-Gründer kamen zu diesem Club und Merrill führte sie in den Begriff und die Rolle von „VJ“ ein und inspirierte sie, im folgenden Jahr VJ-Gastgeber auf ihrem Kanal zu haben.

Merrill arbeitete mit vielen Musikern des Clubs zusammen, insbesondere mit dem elektronischen Musiker Richard Bone, um das erste Ambient-Musikvideoalbum mit dem Titel „Emerging Video“ zu erstellen. Dank eines Stipendiums des Experimental Television Center trug ihre Mischung aus Video und 16-mm-Film das einflussreiche Zeichen der einzigartigen Synthesizer Rutt Etra und Paik. Dieser Film wurde auf VHS über das „High Times Magazine“ angeboten und in der Clubprogrammierung vorgestellt. Ihr nächster Ausflug in das Heimvideopublikum war in Zusammenarbeit mit dem neu gegründeten Arm von Sony, Sony HOME VIDEO, wo sie mit ihrer Serie DANSPAK das Konzept des „Breaking Music on Video“ einführte. Mit wenigen Ausnahmen wie der Jim Carrol Band mit Lou Reed und Man Parrish enthielt diese Serie unbekannte Bands, von denen viele nicht signiert waren.

Der Aufstieg der elektronischen Musik (insbesondere im House- und Techno-Genre) und der DJ-Club-Kultur bot Künstlern mehr Möglichkeiten, bei Veranstaltungen Live-Visuals zu erstellen. Die Popularität von MTV führte zu einer größeren und besseren Produktion von Musikvideos sowohl für Rundfunk als auch für VHS, und viele Clubs begannen, Musikvideos als Teil der Unterhaltung und Atmosphäre zu zeigen.

Joe Shannahan (Eigentümer von Metro 1989-1990) bezahlte Künstler für Videoinhalte auf VHS. Ein Teil des Abends spielten sie MTV-Musikvideos und einen Teil des Abends spielten sie Mixe von lokalen Künstlern, die Shanahan in Auftrag gegeben hatte.

Medusa’s (eine Bar für alle Altersgruppen in Chicago) hat Visuals als Teil ihrer nächtlichen Kunstperformances in den frühen bis mittleren 80ern (1983–85) aufgenommen. Ebenfalls in Chicago war Mitte der 80er Jahre die Smart Bar, in der Metro jeden Samstagabend „Video Metro“ veranstaltete.

Technologische Entwicklungen
In den 1980er Jahren ermöglichte die Entwicklung einer relativ billigen Transistor- und integrierten Schaltungstechnologie die Entwicklung digitaler Videoeffekthardware zu einem Preis, der für einzelne VJs und Nachtclubbesitzer erreichbar war.

Einer der ersten kommerziell vertriebenen Videosynthesizer, der 1981 erhältlich war, war das CEL Electronics Chromascope, das für den Einsatz in der sich entwickelnden Nachtclubszene verkauft wurde. Das 1983 erstmals produzierte Fairlight Computer Video Instrument (CVI) war in diesem Bereich revolutionär und ermöglichte die Anwendung komplexer digitaler Effekte in Echtzeit auf Videoquellen. Das CVI wurde bei Fernseh- und Musikvideoproduzenten populär und wurde in einer Reihe von Musikvideos aus dieser Zeit vorgestellt. Der 1985 eingeführte Commodore Amiga erzielte einen Durchbruch bei der Zugänglichkeit für Heimcomputer und entwickelte die ersten Computeranimationsprogramme für 2D- und 3D-Animationen, mit denen Sendeergebnisse auf einem Desktop-Computer erzielt werden konnten.

1990er Jahre
Wichtige Ereignisse
Eine Reihe von aufgezeichneten Werken wird in den 1990er Jahren veröffentlicht, um die Arbeit von VJs weiter zu verbreiten, wie die Xmix-Compilations (ab 1993), Future Sound von Londons „Lifeforms“ (VHS, 1994) und „Telecommunication Breakdown“ des Emergency Broadcast Network „(VHS, 1995), Coldcut and Hexstatic’s“ Timber „(VHS, 1997 und später CDRom mit einer Kopie der VJamm VJ-Software), die“ Mego Videos „-Zusammenstellung von Werken von 1996-1998 (VHS / PAL, 1999) und Addictive TVs 1998er Fernsehserie „Transambient“ für den britischen Kanal 4 (und DVD-Veröffentlichung).

In den Vereinigten Staaten ist die Entstehung der Rave-Szene möglicherweise auf die Verlagerung der VJ-Szene von Nachtclubs zu Underground-Partys zurückzuführen. Von 1991 bis 1994 machte Mark Zero Filmschleifen bei Raves und House-Partys in Chicago. Einer der frühesten großen Chicago-Raves war 1993 „Massive New Years Eve Revolution“, produziert von Milwaukees Drop Bass Network. Es war eine bemerkenswerte Veranstaltung, bei der die VJs von Optique Vid Tek (OVT) auf der Rechnung standen. Auf diese Veranstaltung folgte Psychosis, die am 3. April 1993 stattfand und von Psychic TV mit Visuals von OVT Visuals geleitet wurde. In San Francisco war Dimension 7 ein VJ-Kollektiv, das ab 1993 an der frühen Rave-Szene der Westküste arbeitete. Zwischen 1996 und 1998 brachte Dimension 7 Projektoren und Laser zum Burningman-Festival.

In Großbritannien verwandelten Gruppen wie The Light Surgeons und Eikon Clubs und Rave-Events, indem sie die alten Techniken flüssiger Lichtshows mit Schichten von Diaprojektionen, Film- und Videoprojektionen kombinierten. In Bristol entstanden Children of Technology, Pioniere interaktiver immersiver Umgebungen, die aus der Architekturarbeit von Mitbegründer Mike Godfrey während seines Studiums in den 1980er Jahren hervorgegangen sind. Children of Technology integrierte ihre selbst entwickelte CGI-Animations- und Videotexturbibliothek in die Ausgabe der interaktiven Virtual Light Machine (VLM), einer Idee von Jeff Minter und Dave Japp, mit Ausgabe auf über 500 m² geschichteten Bildschirmen mithilfe von Hochleistungsvideo und Laserprojektion innerhalb einer speziellen Lichtshow. Ihre „Ambient Theatre Lightshow“ erschien zuerst in Glastonbury 93 und sie lieferten auch VJ-Visuals für die Shamen, die gerade ihren Nr. 1-Hit „Ebeneezer Good“ auf dem Festival veröffentlicht hatten. Eingeladene Musiker haben in der Ambient Theatre Lightshow mit dem VLM in einer immersiven Umgebung mit Prototypen gestaut.

Children of Technology hat interaktive Videokonzepte in eine Vielzahl von Projekten integriert, darunter die Showproduktion für „Obsession“ -Raves zwischen 1993 und 1995, Theater, Clubs, Werbung, große Bühnenshows und TV-Events. Dazu gehörten wegweisende Projekte mit 3D-Video- / Tonaufzeichnung und -Darbietung sowie große Architekturprojekte Ende der neunziger Jahre, bei denen sich nun viele medientechnische Ideen durchsetzten. Ein weiteres Kollektiv, „Hex“, arbeitete in einer Vielzahl von Medien – von Computerspielen bis hin zu Kunstausstellungen -. Die Gruppe war Pionier vieler neuer Medienhybride, darunter audiovisuelles Live-Jamming, computergenerierte Audio-Performances und interaktive Instrumente für die Zusammenarbeit. Dies war der Beginn eines Trends, der sich bis heute fortsetzt, da viele VJs außerhalb der Club- und Tanzpartyszene in Bereichen wie Installationskunst arbeiten.

Das japanische Buch „VJ2000“ (Daizaburo Harada, 1999) war eine der frühesten Veröffentlichungen, in denen die Praktiken von VJs diskutiert wurden.

Technologische Entwicklungen
Die Kombination der aufstrebenden Rave-Szene mit der etwas günstigeren Videotechnologie für Home-Entertainment-Systeme führte dazu, dass Konsumgüter in der künstlerischen Produktion immer häufiger eingesetzt wurden. Die Kosten für diese neuen Arten von Videogeräten waren jedoch immer noch hoch genug, um für viele Künstler unerschwinglich zu sein.

Es gibt drei Hauptfaktoren, die zur Verbreitung der VJ-Szene in den 2000er Jahren führen:

erschwingliche und schnellere Laptops;
Preisverfall bei Videoprojektoren (insbesondere nach der Dotcom-Pleite, bei der Unternehmen ihre Waren auf die Craigslist verluden)
das Aufkommen starker Raveszenen und das internationale Wachstum der Clubkultur
Infolgedessen erlebte die VJ-Szene eine Explosion neuer Künstler und Stile. Diese Bedingungen ermöglichten auch das plötzliche Auftreten einer weniger sichtbaren (aber dennoch starken) Bewegung von Künstlern, die algorithmische, generative Visuals schufen.

In diesem Jahrzehnt verlagerte sich die Videotechnologie nicht mehr nur für professionelle Film- und Fernsehstudios, sondern auch für den Prosumer-Markt (z. B. für die Hochzeitsbranche, kirchliche Präsentationen, Low-Budget-Filme und Community-Fernsehproduktionen). Diese Mischer wurden von VJs schnell als Kernkomponente ihrer Leistungseinstellungen übernommen. Dies ähnelt der Veröffentlichung der Technics 1200-Plattenspieler, die an Hausbesitzer vermarktet wurden, die ein fortschrittlicheres Home-Entertainment-System wünschen, aber dann von Musikern und Musikbegeisterten zum Experimentieren verwendet wurden. Anfänglich wurden Videomischer verwendet, um vorbereitetes Videomaterial von VHSplayern und Live-Kameraquellen zu mischen und später die neuen Computer-Software-Ausgaben in ihren Mix aufzunehmen. In den 90er Jahren wurden eine Reihe digitaler Videomischer entwickelt, darunter der WJ-MX50 von Panasonic.

Frühe Desktop-Bearbeitungssysteme wie der NewTek Video Toaster für den Amiga-Computer wurden schnell von VJs eingesetzt, um Visuals für die aufstrebende Rave-Szene zu erstellen, während Softwareentwickler damit begannen, Systeme zu entwickeln, die speziell für Live-Visuals wie O’Wonders „Bitbopper“ entwickelt wurden „.

Die erste bekannte Software für VJs war Vujak – 1992 erstellt und vom Künstler Brian Kane für den Mac geschrieben, der von der Videokunstgruppe, zu der er gehörte, verwendet wurde – Emergency Broadcast Network, obwohl sie nicht für Live-Auftritte verwendet wurde. EBN verwendete den von Mark Marinello und Greg Deocampo entwickelten EBN VideoSampler v2.3. In Großbritannien entwickelten Bristols Children of Technology in den Jahren 1992 und 1993 eine spezielle immersive Video-Lichtshow mit der Virtual Light Machine (VLM) namens AVLS oder Audio-Visual-Live-System. Die VLM war ein vom Videoingenieur Dave Japp speziell angefertigter PC Super seltene Transputerchips und modifizierte Motherboards, programmiert von Jeff Minter (Llamasoft & Virtual Light Co.).

Das VLM wurde nach Jeffs früherem Llamasoft Light Synthesizer-Programm entwickelt. Mit VLM aktivierten DIs von Live-Musikern oder DJs Jeffs algorithmische Echtzeit-Videomuster, und dies wurde in Echtzeit mit Pansonic-Videomischern mit CGI-Animation / VHS-Texturbibliothek und Live-Kamera-Videofeedback gemischt. Children of Technology entwickelten ein eigenes „Video Light“ -System, das mithilfe von Hi-Power- und Low-Power-Videoprojektion Echtzeit-3D-Strahleffekte bei gleichzeitig enormer Oberflächen- und Kartenprojektion erzeugt.

Das VLM wurde zwischen 1993 und 1996 von Shamen, The Orb, Primal Scream, Obsession, Peter Gabriel, Prince und vielen anderen verwendet. Als Reaktion auf das wachsende Interesse von VJ wurde eine Softwareversion des VLM in die Jaguar-Konsole von Atari integriert. Mitte der 90er Jahre waren Audio-reaktive reine Synthesesoftware (im Gegensatz zu Clip-basierten) wie Cthugha und Bomb einflussreich. In den späten 90er Jahren standen mehrere PC-basierte VJing-Software zur Verfügung, darunter generative Visualisierungsprogramme wie MooNSTER, Aestesis und Advanced Visualization Studio sowie Videoclip-Player wie FLxER, die von Gianluca Del Gobbo und VJamm erstellt wurden.

Programmierumgebungen wie Max / MSP, Macromedia Director und später Quartz Composer wurden zunehmend von sich selbst verwendet und auch zum Erstellen von VJing-Programmen wie VDMX oder pixmix. Diese neuen Softwareprodukte und die dramatische Zunahme der Computerverarbeitungsleistung im Laufe des Jahrzehnts führten dazu, dass VJs nun regelmäßig Computer zu Konzerten brachten.

2000er Jahre
Wichtige Ereignisse
Das neue Jahrhundert hat der Praxis der visuellen Leistung neue Dynamik verliehen. Ein VJ zu sein, hatte zuvor größtenteils einen Prozess der Selbsterfindung isoliert von anderen bedeutet: Der Begriff war nicht allgemein bekannt. Durch die zunehmende Akzeptanz des Internets wurde der Zugang zu anderen Praktizierenden zur Norm, und es bildeten sich schnell virtuelle Gemeinschaften. Der Sinn des Kollektivs wurde dann von der virtuellen Welt auf physische Räume übertragen. Dies wird durch die zahlreichen Festivals in ganz Europa deutlich, die sich stark auf VJing konzentrieren.

VJ-Veranstaltungen in Europa
Das VideA-Festival in Barcelona fand von 2000 bis 2005 statt. AVIT, das von Anfang an klar war, als die Online-Community von VJCentral.com eine physische Präsenz selbst organisierte, hatte sein erstes Festival in Leeds (2002), gefolgt von Chicago (2003). Brighton (2003), San Francisco (2004) und Birmingham (2005), 320 x 240 in Kroatien (2003), Contact Europe in Berlin (2003). Auch das Cimatics-Festival in Brüssel sollte als wegweisendes Ereignis gewertet werden. Eine erste Festivalausgabe im Jahr 2002 ist ganz VJing gewidmet. 2003 widmete sich das finnische Medienkunstfestival PixelAche dem Thema VJing, während der Berliner Chaos Computer Club 2003 eine Zusammenarbeit mit AVIT-Organisatoren begann, in denen VJ Camps und Kongressstränge vorgestellt wurden. LPM – Live Performers Meeting wurde 2004 in Rom geboren. mit dem Ziel, einen echten Treffpunkt für oft individuell arbeitende Künstler zu bieten, einen Ort, an dem Sie die anderen VJ-Künstler treffen, neue Projekte ausgründen und alle VJing-bezogenen Erfahrungen, Software, Fragen und Erkenntnisse austauschen können. LPM hat sich seitdem zu einem der führenden internationalen Treffen für Künstler, Profis und Enthusiasten von VJing, visuellen und Live-Video-Performances entwickelt. Die 20. Ausgabe fand 2019 statt. Ebenfalls um diese Zeit (2005 und 2007) haben sich die britischen Künstler Addictive TV zusammengetan mit dem British Film Institute wird Optronica produziert, eine Crossover-Veranstaltung, die audiovisuelle Darbietungen im Londoner IMAX-Kino und am BFI Southbank zeigt.

Zwei Festivals, die ausschließlich VJing gewidmet sind, das Mapping Festival in Genf und Vision’R in Paris, fanden 2005 ihre erste Ausgabe. Als diese Festivals entstanden, bei denen VJs als Headliner (oder der gesamte Schwerpunkt des Festivals) die Rave-Festivalszene darstellten begann auch regelmäßig VJs mit unterschiedlichem Bekanntheitsgrad in ihre Hauptbühnenaufstellungen aufzunehmen.

VJ-Events außerhalb Europas
Das MUTEK-Festival (2000 – heute) in Montréal zeigte regelmäßig VJs neben experimentellen Klangkunst-Performances, und später entstand das Elektra Festival (2008 – heute) auch in Montréal und zeigte viele VJ-Performances. In Perth, Australien, das Byte Me! Das Festival (2007) zeigte die Arbeit vieler VJs aus dem pazifischen Raum zusammen mit Theoretikern und Designpraktikern für neue Medien.

Mit geringerer Finanzierung hat die US-Szene mehr Workshops und Salons als Festivals veranstaltet. Zwischen 2000 und 2006 produzierten Grant Davis (VJ Culture) und Jon Schwark von Dimension 7 „Video Salon“, ein regelmäßiges monatliches Treffen, das maßgeblich zum Aufbau und zur Bildung einer starken VJ-Community in San Francisco beiträgt und an dem VJs in ganz Kalifornien und den Vereinigten Staaten teilnahmen Zustände. Außerdem produzierten sie jährlich ein „Video RIOT!“ (2003–2005) als politische Erklärung nach dem RAVE Act (Reduzierung der Anfälligkeit der Amerikaner für Ecstasy Act) von 2003; ein Zeichen der Unzufriedenheit durch die Wiederwahl von George W. Bush im Jahr 2004; und trotz einer Stadtverordnung von San Francisco, die die öffentlichen Versammlungen im Jahr 2005 einschränkte.

In dieser Zeit entstanden mehrere VJ-Schlachten und -Wettbewerbe, darunter Video Salons „SIGGRAPH VJ Battle“ in San Diego (2003), Videocakes „AV Deathmatch“ -Serie in Toronto (2006) und die „VJ Contests“ beim Mapping Festival in Genf (2009). Diese funktionierten ähnlich wie ein traditioneller DJ-Kampf, bei dem VJs eine festgelegte Zeit hatten, um ihre besten Mixe zu präsentieren, und wurden von einer Jury nach mehreren Kriterien beurteilt.

Technologische Entwicklungen
Die Verfügbarkeit und Erschwinglichkeit neuer Technologien auf Verbraucherebene ermöglichte es viel mehr Menschen, sich für VJing zu engagieren. Der dramatische Anstieg der verfügbaren Computerverarbeitungsleistung ermöglichte kompaktere, jedoch häufig komplexere Setups. Manchmal konnten VJs mithilfe eines Videomischers umgehen und stattdessen leistungsstarke Computer mit VJ-Software verwenden, um das Mischen zu steuern. Viele VJs verwenden jedoch weiterhin Videomischer mit mehreren Quellen, was Flexibilität für eine Vielzahl von Eingabegeräten und ein gewisses Maß an Sicherheit gegen Computerabstürze oder Verlangsamungen bei der Videowiedergabe aufgrund der Überlastung der CPU von Computern aufgrund der hohen Anforderungen an die Echtzeit ermöglicht Videoverarbeitung.

Die heutigen VJs bieten eine große Auswahl an Hardware-Produkten von der Stange, die alle Aspekte der visuellen Leistung abdecken, einschließlich der Wiedergabe von Videobeispielen (Korg Kaptivator), Echtzeit-Videoeffekten (Korg Entrancer) und der visuellen 3D-Generierung.

Die weit verbreitete Verwendung von DVDs gab Anlass für kratzbare DVD-Player.

In den 2000er Jahren wurden viele neue Modelle von MIDI-Controllern verfügbar, mit denen VJs Controller verwenden können, die auf physischen Reglern, Drehreglern und Schiebereglern basieren, anstatt hauptsächlich mit der Maus / Tastatur-Computerschnittstelle zu interagieren.

Es gibt auch viele VJs, die mit experimentellen Ansätzen für die Arbeit mit Live-Videos arbeiten. Open Source grafische Programmierumgebungen (wie Pure Data) werden häufig verwendet, um benutzerdefinierte Softwareschnittstellen für Performances zu erstellen oder um experimentelle Geräte zur Verarbeitung von Live-Daten an ihren Computer anzuschließen (z. B. die IBVA EEG-lesende Gehirnwelleneinheit, den Arduino-Mikroprozessor). oder Schaltung, die Kinderspielzeug biegt).

In der zweiten Hälfte dieses Jahrzehnts nahmen auch die bereitgestellten Anzeigekonfigurationen dramatisch zu, darunter Breitbild-Leinwände, mehrere Projektionen und Videos, die auf die Architekturform abgebildet wurden. Diese Verschiebung wurde durch den Übergang von der Broadcast-basierten Technologie – die bis zu diesem Jahrzehnt fest in den 4×3-Seitenverhältnis-Spezifikationen NTSC und PAL verankert ist – zur Technologie der Computerindustrie unterstrichen, zu der die unterschiedlichen Anforderungen an Büropräsentation, immersives Spielen und Unternehmensvideopräsentation geführt haben Vielfalt und Fülle der Ausgabemethoden. Im Vergleich zum festen Format ~ 640x480i von NTSC / PAL kann ein moderner Laptop mit DVI eine Vielzahl von Auflösungen mit einer Breite von bis zu ~ 2500 Pixel ausgeben und in Verbindung mit dem Matrox TripleHead2Go drei verschiedene Displays mit einem über alle koordinierten Bild versorgen.

Betrieb
DVJ-Discs sind DVDs mit Audio- / Videoclips, die der DVJ möglicherweise abspielen möchte. Die Musik und das Video auf der Disc können alles sein, was der DVJ will, aber wie in der DJ-Welt werden es meistens elektronische Musikstile sein. Zusätzlich zu dem Audio, das an das Beschallungssystem gesendet wird, wird das Video an einen Videoprojektor oder ein anderes Anzeigegerät gesendet. Audio und Video auf der Disc sind immer synchron, unabhängig von Scratch, Mixing oder anderen vom DVJ vorgenommenen Transformationen. Es war eine große Revolution im Vergleich zu anderen Audio- und Videomischmethoden, da diese sorgfältig programmiert werden mussten, damit das Video immer dem Audio folgt. Dies erforderte oft die Anwesenheit eines zweiten Animators, um die Videoseite zu gewährleisten, was die Improvisationsmöglichkeiten des DJs einschränkte.

Zusätzlich zu DVJ-Playern (fast alle DJs haben zwei Player, mit denen sie ihre Vinyls, CDs oder DVDs abspielen können; einige haben zusätzliche Player, um andere Medien abzuspielen; andere erlauben sogar das Mischen mehrerer Quellen), erfordert DVJing die Verwendung von Audio und Video Mixer, sodass der DVJ die Audio- und Videoquellen auswählen und mischen kann. Bei einigen Mischpulten kann der DVJ sogar einige einfache Transformationen für das Video durchführen. Während ein Audio-Mixer Equalizer, Lautstärken, Effekte und Überblendungen verwalten kann, kann ein Audio- und Video-Mixer auch Farbton, Sättigung, Helligkeit, Schärfe sowie andere Parameter verwalten, die beispielsweise auf Fernsehgeräten zu finden sind. Sie können auch verschiedene Arten von Übergängen zwischen Videoclips vornehmen, z. B. Überblendungen, sofortiges Umschalten oder Überblendungen von Fenstern.

Mixer sind in der Unterhaltungswelt im Allgemeinen nicht neu (sie sind am häufigsten in Fernseh- oder Filmstudios zu finden), sondern in der Welt der DJs. Die Einfachheit der Verwendung von DVJ-Playern mit der Möglichkeit für den DVJ, zu komponieren, hat es dem DVJing ermöglicht, Mitglieder zu gewinnen, hauptsächlich DJs, die stark von Nachtclubs und Veranstaltern von Rave-Partys angefragt werden. Da diese Technologien jedoch sehr neu und mit hohen Kosten verbunden sind, bleibt DVJing ein geringerer Teil der Clubwelt. Ein Ort, an dem diese Technologien eingesetzt werden, ist Liquid Basildon, auch wenn sie den besten DVJs wie Sander Kleinenberg, Addictive TV, Christian S und Kel Sweeney vorbehalten sind. Wenn diese Technologien demokratisieren, fallen ihre Preise offensichtlich und können letztendlich Amateuranimatoren ausrüsten. Zukünftige Innovationen beim Mischen von Videos ermöglichen es dem DVJ, Videomanipulationen in Echtzeit durchzuführen, z.

Ausrüstung
Die klassische Konfiguration des DVJ umfasst zwei Player, einen Audiomischer und einen Videomischer. Der beliebteste DVJ-Player ist der Pioneer DVJ-1000. Ein DVD-Player mit einer höheren Lesegeschwindigkeit als DVD-Player im Wohnzimmer und ein Pufferspeicher, der es ermöglicht, beim Lesen Sprünge oder Rückkehrer auf die Spur zu machen, die alle mit einem Design verbunden sind, das einen Vinyl-Plattenspieler imitiert. Durch Drehen des Fachs kann der DVJ das Lied schnell durchsuchen. Erhöhen oder verringern Sie die Wiedergabegeschwindigkeit (Tonhöhe), um das Lied mit einem anderen Lied einzustellen. und mit der Option „CDJ / Vinyl“ die Möglichkeit, Vorwärts- und Rückwärtsbewegungen im Song auszuführen (der berühmte „Scratch“ -Effekt).

Andere Optionen, die von der digitalen Technologie profitieren, sind beispielsweise Looping, Standbild, Zeitlupe, sofortige Pause / Wiedergabe (ein Plattenspieler benötigt eine kurze Zeit zum Starten oder Stoppen). Im Jahr 2004 begann ein berühmter australischer DJ, der in DJ J-red geborene Jarrod Fox, diese Technologie im Turntablist-Stil einzusetzen. J-red brachte diese Technologie 2005 bei den Weltmeisterschaften der International Turntablist Federation in Prag mit, wo er als Erster den ersten Platz belegte und der ITF-Weltmeister, aber auch der erste DJ wurde, der Videos in einen globalen DJing-Wettbewerb einbezog.

Videonics ist eine von mehreren Marken, die Videomixer verkaufen. Diese Geräte akzeptieren nur mehrere Videoquellen und kombinieren sie auf viele Arten. Ein weiterer wiederkehrender Teil der Panoply des DVJ ist der sogenannte Switcher. Viele digitale Player, CD oder DVD, verfügen über die Fader-Start-Option, mit der der Fader eines Mixers den Player auffordern kann, den Titel abzuspielen. Mit diesen Schaltern (zum Beispiel dem VSW-1-Umschalter der Marke Pioneer DJ) zeigen die Video-Scratch-Effekte die traditionelle Round-Trip-Bewegung, die wir in Audio hören. Andere Audio- und Videomischer bieten ebenfalls Chroma-Key-Optionen, mit denen Sie die berühmten „Inlays“ ausführen können. Videonics produziert mehrere Mixer, die diese Möglichkeit bieten.

DVJs können auf DVD enthaltene Titel mit einer bestimmten Farbe abspielen, die am Mixer eingestellt werden kann. Der Mixer findet dann diese Farbe und ersetzt sie durch alles, was der DVJ auswählen kann. Oft verwendet der DVJ eine Kamera, um das Publikum zu filmen oder zu fotografieren und das Bild oder Video auf etwas anderes zu legen, um etwas Neues zu schaffen. Ein Beispiel für einen High-End-Mixer ist der Pioneer SVM-1000 mit Vorschaubildschirmen, Schaltern, Audio- und Videoeffekten, die alle in einem Vierkanal-Mixer kombiniert sind. Eine Standardkonfiguration kann mit einem Pioneer DJM-800-Mixer, einem Pioneer VSW-1-Umschalter und einem dreifachen Vorschaubildschirm erhalten werden. Diese Art der Konfiguration erfordert jedoch die Verwendung einer großen Anzahl von Festplatten, die transportiert werden müssen. Darüber hinaus verschwendet das Wechseln der Discs Zeit und birgt im Gegensatz zu einer Konfiguration mit einem Computer das Risiko, dass der DVJ die Discs beschädigt.

Im Gegensatz zu Komponentenkonfigurationen bieten Computersoftware wie OtisAV DJ, PCDJ, VirtualDJ und Serato Scratch Live Audio- und Videomischfunktionen. Das Video wird vom Computer gemischt, der dann an einen Videoprojektor angeschlossen werden kann, sodass kein physischer Mixer erforderlich ist. Die Software verwandelt den Computer in eine All-in-One-Einheit: Player, Audio- und Videomischer und Vorschaubildschirm. Vinyl-Player oder Plattenspieler können mit Steuerdiscs (Timecode) zur Steuerung der Software verwendet werden, und einige Software kann mit MIDI-Controllern gesteuert werden, wodurch eine leichtere Konfiguration ermöglicht wird und keine Tischmixer und Player gekauft werden müssen. Um dieses System zu verwenden, extrahieren DVJs ihre DVD-Titel und speichern sie in USB-Speichern, was bedeutet, dass weniger Geräte mitgeführt werden müssen.

Diese Lösung ist nicht nur praktischer, sondern auch billiger. Software und ein Controller können für ein paar hundert Euro gekauft und auf jedem Computer verwendet werden, der leistungsfähig genug ist, während DVJ-Player einige tausend Euro erreichen können. Selbst eine Komponentenkonfiguration kann teurer sein als eine Konfiguration mit Computer, Software und USB-Speicher – insbesondere, wenn Sie einen Computer haben, der leistungsfähig genug ist, um keinen anderen kaufen zu müssen. Software und ein Controller können für ein paar hundert Euro gekauft und auf jedem Computer verwendet werden, der leistungsfähig genug ist, während DVJ-Player einige tausend Euro erreichen können.

Systeme, die einen Computer verwenden, können nur mit leistungsstarken Computern verwendet werden, die die neuesten Grafikkarten enthalten. Andernfalls kann sich die Videoqualität verschlechtern, es besteht die Gefahr einer Latenz oder sogar eines Absturzes, was die gesamte Leistung gefährden kann. Die Einstellungen zum Codieren und Lesen von Dateien sind sehr wichtig und können sich auf deren Qualität auswirken. Aktuelle Methoden und Qualitätsstandards lösen dieses Problem. Wenn physische Laufwerke auf die SD-Auflösung beschränkt sind, ermöglicht Software wie Serato HD 720p, sogar 1080p (obwohl dies technisch noch nicht unterstützt wird).

Der DJ verwendet Kopfhörer, um den nächsten Titel ohne Wissen des Publikums vorzubereiten. Ein DVJ muss dasselbe mit Video tun, für das mehrere Bildschirme erforderlich sind. Bei einer Komponentenkonfiguration ist für jeden Player ein Videobildschirm erforderlich, ebenso wie ein Y-Splitter-Kabel. Bei einer Konfiguration mit Computer muss der Computer über mindestens zwei Videoausgänge verfügen: einen mit Videoquellen und Videoausgang; der andere mit nur Videoausgabe. Dies schafft Platz in der Kabine des DVJ, die sonst von drei Vorschaubildschirmen, einem Controller und einem Ausgabebildschirm belegt würde. Wenn bessere Technologien, Formate und Auflösungen entstehen, können diese Systeme aktualisiert werden, um mit ihnen kompatibel zu werden.

Allgemeine technische Einstellungen
Ein wesentlicher Aspekt von VJing ist der Einsatz von Technologie, sei es die Wiederaneignung bestehender Technologien für andere Bereiche oder die Schaffung neuer und spezifischer Technologien für Live-Auftritte. Das Aufkommen des Videos ist ein entscheidender Moment für die Bildung des VJ (Video Jockey).

VJs verwenden häufig einen Videomischer und mischen verschiedene Videoquellen zu einer Live-Bewegungskomposition. In den letzten Jahren haben Hersteller elektronischer Musikinstrumente begonnen, Spezialgeräte für VJing herzustellen.

VJing wurde ursprünglich von Darstellern entwickelt, die Videohardware wie Videokameras, Videodecks und Monitore verwenden, um improvisierte Darbietungen mit Live-Eingaben von Kameras zu übertragen und sogar Fernsehen mit aufgezeichneten Elementen zu übertragen. Diese Tradition lebt bei vielen VJs weiter, die eine breite Palette von Hardware und Software verwenden, die im Handel erhältlich sind oder speziell für und von den VJs hergestellt werden.

VJ-Hardware kann in Kategorien unterteilt werden –

Die Quellhardware erzeugt ein Videobild, das vom VJ bearbeitet werden kann, z. B. Videokameras und Videosynthesizer.
Die Wiedergabehardware spielt einen vorhandenen Videostream von festplatten- oder bandbasierten Speichermedien ab, z. B. VHS-Band- und DVD-Playern.
Das Mischen von Hardware ermöglicht das Kombinieren mehrerer Videostreams, z. B. eines Videomischers oder eines Computers unter Verwendung von VJ-Software.
Die Effekthardware ermöglicht das Hinzufügen von Spezialeffekten zum Videostream, z. B. Farbkorrektureinheiten
Die Ausgabehardware dient zur Anzeige des Videosignals, z. B. eines Videoprojektors, einer LED-Anzeige oder eines Plasmabildschirms.

Es gibt viele Arten von Software, die ein VJ in seiner Arbeit verwenden kann. Herkömmliche NLE-Produktionstools wie Adobe Premiere, After Effects und Apples Final Cut Pro werden zum Erstellen von Inhalten für VJ-Shows verwendet. VJs verwenden spezielle Leistungssoftware, um Videos in Echtzeit wiederzugeben und zu bearbeiten.

Die VJ-Leistungssoftware ist sehr vielfältig und umfasst eine Software, mit der ein Computer die Rolle eines analogen Videomischers ersetzen und Videos über erweiterte Leinwände aus mehreren Bildschirmen oder Projektoren ausgeben kann. Kleine Unternehmen, die dedizierte VJ-Software wie Modul8 und Magic herstellen, bieten VJs eine ausgeklügelte Oberfläche für die Echtzeitverarbeitung mehrerer Ebenen von Videoclips in Kombination mit Live-Kameraeingaben, sodass VJs eine vollständige Standardlösung erhalten, mit der sie einfach den Inhalt und die Inhalte laden können ausführen. Einige beliebte Titel, die in den 2000er Jahren entstanden sind, sind Resolume, NuVJ.

Einige VJs bevorzugen es, Software speziell für ihren eigenen Leistungsstil zu entwickeln. Grafische Programmierumgebungen wie Max / MSP / Jitter, Isadora und Pure Data wurden entwickelt, um die schnelle Entwicklung solcher kundenspezifischer Software zu ermöglichen, ohne jahrelange Erfahrung im Codieren zu benötigen.

Beispielworkflows
Es gibt viele Arten von Konfigurationen von Hardware und Software, die ein VJ verwenden kann.

Forschung und reflektiertes Denken
Mehrere Forschungsprojekte widmeten sich der Dokumentation und Untersuchung von VJing aus reflektierender und theoretischer Sicht. Runde Tische, Vorträge, Präsentationen und Diskussionen sind Teil von Festivals und Konferenzen im Zusammenhang mit Kunst der neuen Medien, wie beispielsweise ISEA und Ars Electronica, sowie speziell im Zusammenhang mit VJing, wie dies beim Mapping Festival der Fall ist. Der Austausch von Ideen durch Dialog trug dazu bei, die Diskussion von Fragen im Zusammenhang mit den praktischen Aspekten der Produktion auf komplexere Ideen sowie auf den Prozess und das Konzept zu verlagern. Themen im Zusammenhang mit VJing sind, aber nicht ausschließlich: Identität und Person (individuell und kollektiv), der Moment als Kunst, Beteiligung des Publikums, Autorenschaft, Netzwerke, Zusammenarbeit und Erzählung. Durch gemeinsame Projekte,

In regelmäßigen Online- und gedruckten Veröffentlichungen wurden Sonderausgaben zu VJing veröffentlicht. Dies ist der Fall bei AMinima Printmagazin mit einer Sonderausgabe über Live Cinema (mit Werken von VJs) und Vague Terrain (einem Online-Journal für neue Medien) mit der Ausgabe The Rise of the VJ.

Computergestützte Projektion
Der Computer ist seit Ende der neunziger Jahre das Werkzeug der Wahl für VJs, auch wenn andere Praktiken wie die Verwendung von Objektträgern immer noch aktuell sind, insbesondere für die Verbände, die sie besonders im Freien zulassen.

Diese massive Nutzung des Computers hat die Entwicklung großer Communities im Internet ermöglicht, die den Ursprung vieler Überlegungen zur VJ-Szene und ihrer Zukunft bilden und die die Einrichtung mehrerer Festivalzyklen wie AVIT oder Contact-Europe ermöglichten.

Formate
Die Software erlaubt die meisten Formate, sie können in zwei große Kategorien unterteilt werden:

traditionelle digitale Bilder, die alle Arten der Codierung für Bilder und Videos umfassen;
Computergenerierte Bilder, die das Flash-Format, 3D, aber auch die Erzeugung von Fraktalen umfassen.
Der VJ kann nur mit einer Art von Bildern arbeiten, indem er sie alle mischt.

Software
Es gibt alles, vom einfachsten bis zum technischsten.

Software mit Tonanalyse: Zum größten Teil handelt es sich dabei um Stecker, die der Audiobearbeitungssoftware hinzugefügt wurden und es Ihnen ermöglichen, vorgegebene oder nicht vordefinierte Sequenzen mit automatischer Erkennung von BPM zufällig zu schleifen.
Virtuelle Videomischer: Hierbei handelt es sich um Software, die ein virtuelles Bearbeitungsstudio neu erstellt – je nach Software mehr oder weniger technisch -, sodass diese Software das Mischen zwischen mehreren Videokanälen ermöglicht.
Virtuelle visuelle Synthesizer: Hierbei handelt es sich um Software mit erweiterten und technischen Funktionen, die es ermöglicht, bestimmten Tasten auf der Computertastatur bestimmte Funktionen zuzuweisen, um eine Art „visuelle Tastatur“ zu erstellen, die mit „I“ vereinfacht zusammengefasst werden kann Drücken Sie eine Taste, ich starte ein Video „.

Hardware
Auch dort hat der technologische Fortschritt viel bewirkt, und wir können jetzt fast alles an einen Computer anschließen und ihn daher mit einer MIDI-Tastatur wie mit einem Joystick (Joystick, in Quebec), über Mixer oder zur Montage oder für virtuelle CD-Decks steuern.

Einige Softwareprogramme funktionieren auf tragbaren Multimedia-Playern und bieten somit eine Alternative zum Computer.

Kosten und Einschränkungen der Ausrüstung
Die Kosten hängen von den Zielen und den verfügbaren Mitteln ab: Professionelle Videogeräte bleiben teuer.

Zu Beginn benötigen Sie einen Computer mit Videoausgabe (vorzugsweise tragbar), Bildsoftware (es gibt so viele für Mac wie für Windows) und einen Fernseher, um das Ergebnis zu sehen.

Videoprojektoren werden immer erschwinglicher, sind aber für große Theater oft nicht ausreichend. Eine Lösung besteht darin, sie entsprechend den Umständen zu mieten. Es wird davon ausgegangen, dass die Projektoren für Nachtshows je nach Größe der Bildschirme und Umgebungslicht zwischen 2.000 und 50.000 Lumen liefern können.

Ideal ist es auch, einen Camcorder und eine Bearbeitungssoftware zu haben, um eigene Loops zu erstellen.

Ein zusätzlicher Schritt erfordert die Anschaffung einer Bedienoberfläche (Midi oder DMX), um die Software in Echtzeit zu bestellen.

Dann kommen wir zum DVD-Player sowie zu anderen externen Videoquellen, Videomischern, Videoeffektoren, einem zweiten Computer, mehreren Bühnenkameras, Bildschirmen usw.

Im Jahr 2008 lag das Startbudget zwischen 300 und 600 € für neue Geräte und die Hälfte für diesen Anlass.

Wiederkehrende Debatte
Seit dem Aufkommen des Computers als Werkzeug der Wahl und der Tatsache, dass die Gemeinschaften entstanden sind, haben sich viele Überlegungen ergeben, die die VJ-Szene nähren, und wir könnten sie in einer einzigen Debatte zusammenfassen, nämlich für oder gegen die Präsenz von Bedeutung in visuellen Mischungen.

Einige VJs befürworten eine Professionalisierung der Szene und setzen die Bedeutung als wesentlichen Punkt für die Gesamtqualität des Mixes ein, der als Ganzes und aus narrativer Sicht betrachtet wird.

Umgekehrt verteidigen andere VJs die Idee, dass die VJ-Szene, da sie hauptsächlich aus der technologischen Szene geboren wurde, die ihre Bedeutungskompositionen leert, um jedem die Freiheit zu geben, die gewünschte Bedeutung zu setzen, in dieser Linie weiterfahren muss.

Schließlich mischen sich in der Debatte über die Bedeutung andere Debatten, einige VJ bezeichnen sich als politisch-VJ mit dem Ziel, den Club in ein Medium zu verwandeln, aus dem gesellschaftliche Reflexionen und im weiteren Sinne ein stärkeres soziales Gefüge entstehen, indem Schleifen mit einem starken politischen Charakter verwendet werden Konnotation innerhalb ihres Videomix.

Hochschulen
Zusätzlich zu der wiederkehrenden Debatte über das Vorhandensein von Bedeutung oder nicht in visuellen Mischungen gibt es einige „Grandes Ecoles“, von denen jede logischerweise Software und Hardware der Wahl hat, ganz zu schweigen von offenem Engagement.

VJ-DJ: Wir kommen dem DJ-Ansatz so nahe wie möglich: Der DJ mischt mit zwei Spuren, der VJ mischt also mit mindestens zwei Quellen (alle Quellen sind möglich, vom Mischen mehrerer VJs für die technischsten bis zu mehreren Videorecordern für das Einfache).
VJ-Videokünstler: Wir nähern uns einer künstlerischen Kreation viel mehr als der visuellen Kleidung. Die verwendeten Sequenzen sind original und der Service basiert mehr auf der tatsächlichen Erstellung der Visuals als auf dem Visual Mix.
VJ-visucien: Wir nähern uns dem Ansatz von Live-Acts in der Musik, nämlich der Erstellung durch Computer in Echtzeit. Der Service basiert viel mehr auf dem Konzept der Echtzeit und damit der Anpassungsfähigkeit des Mixes. Dies ermöglicht die Interaktion mit anderen Künstlern, beispielsweise Musikern, Tänzern oder Improvisationsdichtern.
Analoge oder computergestützte Videomischer, Computer mit Steuerschnittstellen (möglicherweise in Clustern verbunden), die Videos, Videorecorder und Kameras produzieren, können zugeordnet werden.

VJ-Entwickler / Designer: Sie entwickeln Ihr eigenes Tool, sei es das Design von Mischhardware oder das Design von dedizierter Software.
Das Konzept des Videoinstruments wird derzeit weiterentwickelt, und wir stellen Forschungsergebnisse fest zu: Modifikation / Änderung von Videogeneratoren (alte Spielekonsolen, Kameras, Videorecorder usw.) durch Kurzschlüsse oder ungeplante Stromflüsse, die mit Potentiometern, Fadern oder gesteuert werden verschiedene Sensoren.

Das Design von greifbaren Schnittstellen (lokalisierte Touchscreens und / oder Handys + Softwarelösung), die an Videos angepasst werden können.

Der Bau mechanischer Videoinstrumente basiert auf variablen Lampen, mechanischen Filtern, Animationsebenen und einer Minikamera, um die Verstärkung sicherzustellen.

Unabhängig von der Schule ist die Arbeit des VJ eine Arbeit, die vor allem im Voraus ausgeführt wird, sowohl in der Forschung als auch in der eigenen Erstellung der visuellen Elemente oder der Werkzeuge.

Künstler und Ingenieur
Der VJ sollte nicht nur als Künstler, sondern auch als Techniker gesehen werden. Unabhängig von den von ihm gewählten Mitteln und Projektionstechniken ist er für das ordnungsgemäße Funktionieren seiner Geräte verantwortlich und daher in der Lage, diese so schnell wie möglich zu reparieren. Er muss sich an verschiedene technische Zwänge anpassen können. Er muss auch in der Lage sein, die für den Videomix erforderliche Ausrüstung zu entwickeln: Erstellung von Video-Loops, Videoaufnahme, Video-Sampling, Erstellung von Animationen, Erstellung von Standbildern, Manipulation der Kamera in Echtzeit.

VJing-Auftritte finden an so unterschiedlichen Orten wie Konzerten, Shows, Nachtclubs, Kunstgalerien, Messen, Veranstaltungen, Theateraufführungen usw. statt. Die Dienstleistungen reichen von kurzlebigen und einzigartigen künstlerischen Darbietungen bis hin zu Werbeclips.

Veröffentlichungen
Datenbanken mit visuellen Inhalten und Werbedokumentationen wurden auf DVD-Formaten und online über persönliche Websites und über große Datenbanken wie das „Prelinger-Archiv“ auf Archive.org verfügbar. Viele VJs haben damit begonnen, digitale Video-Loop-Sets auf verschiedenen Websites unter Public Domain- oder Creative Commons-Lizenz für andere VJs zur Verwendung in ihren Mixes zu veröffentlichen, z. B. Tom Bassfords „Design of Signage“ -Kollektion (2006) und Analog Recyclings „79 VJ Loops“ (2006) ), VJzoos „Vintage Fairlight Clips“ (2007) und Mo Selles „57 V.2“ (2007).

Es entstanden Werbe- und inhaltsbasierte DVDs wie die Werke der britischen ITV1-Fernsehserie Mixmasters (2000–2005), die von Addictive TV, Lightrhythm Visuals (2003), Visomat Inc. (2002) und Pixdisc produziert wurden konzentrierte sich auf die visuellen Schöpfer, VJ Stile und Techniken. Diese wurden später von NOTV, Atmospherix und anderen Labels gefolgt. Mia Makela kuratierte 2007 eine DVD-Sammlung für Mediateca des Caixa-Forums mit dem Titel „LIVE CINEMA“, die sich auf die aufstrebende Schwesterpraxis des „Live-Kinos“ konzentrierte. Einzelne VJs und Kollektive veröffentlichten auch DVDs und CD-ROMs ihrer Arbeit, darunter den Bootleg-Videomix von Eclectic Method (2002) und „We Not VJs“ von Eclectic Method (2005) sowie „DVD2“ von Eyewash (2004) und ihre „DVD3“ (2008).

Es erschienen Bücher, die sich mit der Geschichte, technischen Aspekten und theoretischen Fragen befassten, wie „Das VJ-Buch: Inspirationen und praktische Ratschläge für die visuelle Live-Performance“ (Paul Spinrad, 2005), „VJ: Audiovisuelle Kunst und VJ-Kultur“. (Michael Faulkner und D-Fuse, 2006), „vE-jA: Kunst + Technologie von Live-Audio-Video“ (Xárene Eskandar, 2006) und „VJ: Live Cinema Unraveled“ (Tim Jaeger, 2006). Das Thema der VJ-DJ-Zusammenarbeit wurde auch für Studierende auf dem Gebiet der akademischen Mensch-Computer-Interaktion (HCI) zu einem interessanten Thema.