Abstrakte Kunst

Abstrakte Kunst im engeren Sinne zu Formen der 20. Jahrhundert der westlichen Kunst angewandt, die Darstellung ablehnen und kein Start- oder Nachbehandlungen-Punkt in der Natur Im Unterschied zu Verfahren der Abstraktion von der Natur oder von Objekten (eine wiederkehrende Tendenz in vielen Kulturen und Perioden, die kann so weit zurück wie Altsteinzeit Höhlenmalerei), abstrakte Kunst als bewußte ästhetische, die auf Annahmen der Autarkie ist ein ganz modernes Phänomen verfolgt

Abstrakte Kunst verwendet eine visuelle Sprache der Form, Form, Farbe und Linie, eine Zusammensetzung zu schaffen, die mit einem Grad Unabhängigkeit von den visuellen Hinweisen in der Welt existieren können. Westliche Kunst gewesen war, von der Renaissance bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts, von der Logik der Perspektive und ein Versuch untermauerte eine Illusion der sichtbaren Wirklichkeit zu reproduzieren. Die Kunst der Kulturen anders als die europäischen hatte zugänglich geworden und zeigte alternative Möglichkeiten der visuellen Erfahrung, um die Künstler zu beschreiben. Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts waren viele Künstler eine Notwendigkeit, eine neue Art von Kunst zu schaffen, die die grundlegenden Veränderungen in Technologie, Wissenschaft und Philosophie umfassen würde. Die Quellen, aus denen einzelne Künstler zogen ihre theoretischen Argumente waren vielfältig,

Abstrakte Kunst, nicht-gegenständliche Kunst, ungegenständlichen Kunst und ungegenständlichen Kunst sind lose verwandte Begriffe. Sie sind ähnlich, aber vielleicht nicht von gleicher Bedeutung.

Abstraktion zeigt eine Abkehr von der Realität in Darstellung von Bildern in der Kunst. Diese Abweichung von genauer Darstellung kann zu leichten, teilweise oder vollständig sein. Abstraktion existiert entlang eines Kontinuums. Auch Kunst, die für verisimilitude des höchsten Grades zielt darauf ab, kann gesagt werden, abstrakt sein, zumindest theoretisch, da perfekte Darstellung ist wahrscheinlich sehr schwer sein. Kunstwerk, die Freiheiten nimmt, verändern zum Beispiel Farbe und Form in einer Weise, die auffällig sind, kann gesagt werden, teilweise abstrakt. Insgesamt Abstraktion trägt keine Spur eines Hinweises auf irgendetwas zu erkennen. In der geometrischen Abstraktion, zum Beispiel, ist ein unwahrscheinlich Verweis auf naturalistische Elemente zu finden. Figurative Kunst und Gesamt Abstraktion ist fast gegenseitig aus. Aber figürliche und gegenständliche (oder realistisch) Kunst enthält oft Teil Abstraktion.

Sowohl die geometrische Abstraktion und lyrische Abstraktion ist oft völlig abstrakt. Unter den sehr zahlreichen Kunstbewegungen, die teilweise Abstraktion verkörpern würde zum Beispiel fauvism sein, in der Farbe sichtbar und absichtlich veränderte vis-a-vis der Realität und den Kubismus, die offensichtlich die Formen der realen Entitäten dargestellt verändert.

Frühe Abstraktion:
Ein großer Teil der Kunst früherer Kulturen – Zeichen und Markierungen auf Keramik, Textilien und Inschriften und Malereien auf Felsen – verwendeten einfache, geometrische und lineare Formen, die einen symbolischen oder dekorativen Zweck gehabt haben könnten. Es ist auf dieser Ebene der visuellen Bedeutung, die abstrakte Kunst in Verbindung steht. Man kann die Schönheit der chinesischen Kalligraphie oder islamischen Kalligraphie genießen, ohne sie lesen zu können.

In der chinesischen Malerei kann Abstraktion der Tang – Dynastie Maler Wang Mo (zurückverfolgt werden 王墨), der gutgeschrieben wird , um die spritzte-Tuschmalerei Stil erfunden zu haben. Während keines seiner Bilder bleibt, ist dieser Stil deutlich in einigem Song – Dynastie Gemälde gesehen. Der Chan buddhistischen Maler Liang Kai ( 梁楷, c.1140 -1210) angewandt, um den Artanstrich in seiner „Immortal in spritzte Tinte“ Figur, in der genauen Darstellung geopfert wird Spontaneität auf den nicht-rationalen Geist des aufgeklärten verbunden zu verbessern. Ein spätes Lied Maler namens Yu Jian, geschickt zu Tiantai Buddhismus, schuf eine Reihe von spritzte Tinte Landschaften, die schließlich viele japanischen Zen-Maler inspiriert. Seine Bilder zeigen stark nebligen Bergen, in denen die Formen der Objekte sind kaum sichtbar und extrem vereinfacht. Diese Art der Malerei wurde in seinen späteren Jahren durch Sesshu Toyo fortgesetzt.

Ein anderes Beispiel der Abstraktion in der chinesischen Malerei ist in Zhu Derun gesehen hat „Cosmic Kreis“. Auf der linke Seite des Gemäldes ist ein Kiefer im felsigen Boden, seine Zweige mit Reben geschnürt, die in ungeordneter Weise auf die rechte Seite des Bildes erstrecken, in der ein perfekten Kreis (wahrscheinlich mit Hilfe eines Kompasses gemacht) schwimmt in der Leere. Das Gemälde ist ein Spiegelbild der daoistischen Metaphysik, in dem Chaos und der Realität sind komplementäre Phasen des regulären Lauf der Natur. in Tokugawa Japaneinige Zen-Mönch-Maler Enso geschaffen, einen Kreis, der die absolute Erleuchtung darstellt. In der Regel aus einem spontanen Pinselstrich, wurde es das Paradigma der minimalistischen Ästhetik, den Teil der zen Malerei geführt.

Abstraktion in der Romantik Zeitraum:
Patronage von der Kirche abgenommen und Mäzenatentum von der Öffentlichkeit wurde besser in der Lage ein Auskommen für Künstler bieten.

Drei Kunstbewegungen, die zur Entwicklung der abstrakten Kunst beigetragen waren Romantik, Impressionismus und Expressionismus. Künstlerische Unabhängigkeit für Künstler wurde im 19. Jahrhundert vorangetrieben. Ein objektives Interesse an, was zu sehen ist, kann aus den Bildern von John Constable, JMW Turner, Camille Corot erkennen und von ihnen zu den Impressionisten, die die Freilichtmalerei der fortBarbizon Schule.

Frühe Ahnungen einer neuen Kunst waren von James McNeill Whistler, der in seiner Malerei Nocturne in Schwarz und Gold wurden: Die fallende Rakete, (1872), mehr Wert auf visuelle Wahrnehmung als die Darstellung von Objekten platziert.

Expressionistischen Maler erforscht die kühne Verwendung von Lackoberfläche, zeichnen Verzerrungen und Übertreibungen und intensive Farbe. Expressionisten emotional aufgeladene Bilder erzeugt, die Reaktionen auf und Wahrnehmungen der zeitgenössischen Erfahrung waren; und Reaktionen zum Impressionismus und andere konservativere Richtungen des späten 19. Jahrhunderts Malerei. Die Expressionisten drastisch verändert den Schwerpunkt auf die Thematik für die Darstellung der psychologischen Zustände. Obwohl Künstler wie Edvard Munch und James Ensor Einflüsse zogen vor allem aus der Arbeit der Post-Impressionisten waren sie auf das Aufkommen der Abstraktion im 20. Jahrhundert instrumental. Paul Cézanne hatte als Impressionist, aber sein Ziel begonnen – eine logische Konstruktion der Wirklichkeit auf einem Blick von einem einzigen Punkt Basis zu machen,

Zusätzlich im späten 19. Jahrhundert in OsteuropaMystik und die frühe Moderne religiöse Philosophie wie von Theosophen Mme ausgedrückt. Blavatsky hatte einen großen Einfluss auf Pionier geometrischen Künstler wie Hilma af Klint und Wassily Kandinsky. Die mystische Lehre von Georges Gurdjieff und PD Ouspensky hatte auch einen wichtigen Einfluss auf den frühen Formationen der geometrischen abstrakten Arten von Piet Mondrian und seinen Kollegen im frühen 20. Jahrhundert.

Abstraktion in der modernen Zeit:
Post-Impressionismus als praktiziert von Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh und Paul Cézanne hatte einen enormen Einfluss auf Kunst des 20. Jahrhunderts und führte zum Aufkommen des 20. Jahrhunderts Abstraktion. Das Erbe von Malern wie Van Gogh, Cézanne, Gauguin und Seurat war für die Entwicklung der modernen Kunst von wesentlicher Bedeutung. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts Henri Matisse und einige andere junge Künstler, darunter der vorkubistischen Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy und Maurice de Vlaminck revolutioniert dieParisKunstwelt mit „wild“, mehrfarbig, expressiven Landschaften und Figurenbildern, die die Kritiker Fauvismus genannt. Mit seinem ausdrucksstarken Einsatz von Farbe und seinem freien und einfallsreiche Zeichnung Henri Matisse sehr nahe kommt zur reinen Abstraktion in Französisch Fenster in Collioure (1914), Ansicht von Notre-Dame (1914) und The Yellow Vorhang von 1915. Die rohe Sprache der Farbe wie direkt von dem Fauves entwickelt beeinflusste anderen Pionier der Abstraktion, Wassily Kandinsky (siehe Abbildung).

Obwohl letztlich Kubismus bei Gegenstand abhängt, wurde es zusammen mit Fauvismus, die Kunstbewegung, die direkt die Tür öffnete, um im 20. Jahrhundert der Abstraktion. Pablo Picasso sein erstes kubistisches Gemälde basierte auf Cézannes Idee, dass alle Darstellung der Natur kann auf drei Feststoffe reduziert werden: Würfel, Kugel und Kegel. Mit dem Gemälde Les Demoiselles d’Avignon (1907), Picasso dramatisch ein neues und radikales Bild eine rohe und primitive Bordellszene mit fünf Prostituierten zeigt, heftig gemalten Frauen, erinnern an afrikanischen Stammesmasken und seine eigenen neuen Cubist Erfindungen. Analytic Kubismus gemeinsam von Pablo Picasso und Georges Braque entwickelt wurde, von etwa 1908 bis 1912. Analytic Kubismus, die erste klare Manifestation des Kubismus, wurde von synthetischem Kubismus gefolgt, praktiziert von Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp und andere in den 1920er Jahren. Synthetic cubism wird durch die Einführung von verschiedenen Texturen, Oberflächen, collage Elementen, papier collé und eine große Vielzahl von fusionierten Gegenstand gekennzeichnet. Die Collage Künstler wie Kurt Schwitters und Man Ray und andere den Schlüssel vom Kubismus nehmen waren auf die Entwicklung der Bewegung namens Dada instrumental.

Der italienische Dichter Filippo Tommaso Marinetti veröffentlichte das Manifest des Futurismus im Jahr 1909, die Künstler wie Carlo Carra in Malerei von Sounds, Geräusche und Gerüche und Umberto Boccioni Zug in Bewegung später inspiriert 1911 zu einer weiteren Stufe der Abstraktion das wäre, zusammen mit Kubismus beeinflusst zutiefst Kunstbewegungen in ganz Europa.

Während der 1912 Salon de la Section d’Or dem Dichter namens Guillaume Apollinaire die Arbeit von mehreren Künstlern wie Robert, Orphismus. Er definierte es als die Kunst der Malerei neue Strukturen aus Elementen, die nicht aus dem visuellen Bereich entlehnt wurden, hatte aber vollständig vom Künstler geschaffen worden … es ist eine reine Kunst.

Seit der Jahrhundertwende, kulturelle Verbindungen zwischen den Künstlern der großen europäischen Städte worden waren sehr aktiv, wie sie strebten eine Kunstform gleich die hohen Ansprüche der Moderne zu schaffen. Ideen konnten mittels Künstler Bücher, Ausstellungen und Manifeste befruchten, so dass viele Quellen für Experimente und Diskussionen offen waren, und bildeten eine Grundlage für eine Vielfalt von Formen der Abstraktion. Der folgende Auszug aus ‚Die Welt rückwärts‘ gibt einen Eindruck von der gegenseitigen Verbundenheit von Kultur damals: „David Burliuk Wissen der modernen Kunstbewegungen gewesen sein muss extrem up-to-date, für die zweite Karo Bube Ausstellung, gehalten im Januar 1912 (in Moskau) gehörten nicht nur Gemälde aus München geschickt, aber einige Mitglieder der deutschen Gruppe die Brücke, während aus Paris kam die Arbeit von Robert Delaunay, Henri Matisse und Fernand Léger sowie Picasso. Während der Frühlings gab David Burliuk zwei Vorträge über Kubismus und geplant, eine polemische Publikation, die das Karo Buben finanzieren sollte. Er ging ins Ausland im Mai und kam wieder entschlossen, den Almanach Der Blaue Reiter zu konkurrieren, die von den Druckern entstanden war, während er war inDeutschland“.

Von 1909 bis 1913 viele experimentellen Arbeiten bei der Suche nach dieser ‚reinen Kunst‘ geschaffen worden: von Hilma af Klint; Francis Picabia gemalt Caoutchouc 1909 Frühling 1912 Dances im Frühling und die Prozession, Sevilla, 1912; Wassily Kandinsky gemalt Untitled (Erste Zusammenfassung Aquarell), 1910, Improvisation 21A, die Impression-Serie und Bild mit einem Kreis (1911); František Kupka hatte die Orphist arbeitet, Scheiben von Newton (Studie für Fuge in zwei Farben), 1912 und Amorpha, Fuge en deux couleurs (Fuge in zwei Farben), 1912 gemalt; Robert Delaunay malte eine Serie mit dem Titel Simultaneous Fenster und Formes Circulaires, Soleil n ° 2 (1912-1913); Léopold Survage erstellt Farbige Rhythmus (Studie für den Film), 1913; Piet Mondrian, gemalt Tableau No. 1 und Komposition No. 11, 1913.

Und die Suche fortgesetzt: Die Rayist (Luchizm) Zeichnungen von Natalia Gontscharowa und Michail Larionow, verwendeten Linien wie Lichtstrahlen, eine Konstruktion zu machen. Kasimir Malevich seine erste völlig abstrakte Arbeit, die suprematistischen „Black Square‘, Im Jahre 1915. Eine weitere der suprematistischen Gruppe erstellt Liubov Popova, die Architectonic Constructions und Raum-Kraft-Konstruktionen zwischen 1916 und 1921. Piet Mondrian wurde seine abstrakte Sprache, von horizontalen und vertikalen Linien mit Rechtecke von Farbe, zwischen 1915 und 1919 entwickelt, Neoplastizismus war die Ästhetik, die Mondrian, Theo van Does und andere in der Gruppe De Stijl die Umwelt der Zukunft neu zu gestalten soll.

Abstraction Musik:
Als visuelle Kunst abstrakter wird, entwickelt es einige Merkmale der Musik: eine Kunstform, die die abstrakten Elemente von Ton und Zeiteinteilungen verwendet. Wassily Kandinsky, selbst ein Musiker, wurde durch die Möglichkeit, Markierungen und assoziative Farbe durchschlagender in der Seele inspiriert. Die Idee war von Charles Baudelaire vorbringen, dass alle unsere Sinne auf verschiedene Reize reagieren, sondern die Sinne auf einer tieferen ästhetischen Ebene verbunden.

Eng damit verbunden ist die Idee, dass Kunst die spirituelle Dimension hat und „alltägliche Erfahrung transzendieren kann, eine spirituelle Ebene zu erreichen. Die Theosophischen Gesellschaft verbreitet die alte Weisheit der heiligen Bücher vonIndien und China in den frühen Jahren des Jahrhunderts. Es war in diesem Zusammenhang, dass Piet Mondrian, Wassily Kandinsky, Hilma af Klint und andere Künstler zu einem ‚gegenstandslosen Zustand‘ Arbeit als Weg in den okkulten interessiert wurden ein ‚inneres‘ Objekt zu schaffen. Die universellen und zeitlose Formen in der Geometrie gefunden: der Kreis, Quadrat und Dreieck die räumlichen Elemente in der abstrakten Kunst worden; sie sind, wie Farbe, grundlegende Systeme sichtbare Wirklichkeit zugrunde liegt.

Auswirkung:
Russische Avantgarde:
Viele der abstrakten Künstler Russlandwurde Konstruktivisten, dass die Kunst zu glauben, war nicht mehr etwas abgelegen, aber das Leben selbst. Der Künstler muss ein Techniker werden, lernen die Werkzeuge und Materialien der modernen Produktion zu verwenden. Kunst ins Leben! Vladimir Tatlins war Slogan, und der aller Zukunft Konstruktivisten. Warwara Stepanowa und Alexandre Exter und andere verlassen Staffeleimalerei und umgeleitet, ihre Energien zu Theaterdesign und grafische Arbeiten. Auf der anderen Seite stand Kazimir Malevich, Anton Pevsner und Naum Gabo. Sie argumentierten, dass Kunst war im Wesentlichen eine geistige Tätigkeit; das Individuum in der Welt zu schaffen, das Leben nicht in einem praktischen, materialistischen Sinne zu organisieren. Viele von denen, die an der materialistischen Produktion Idee der Kunst links feindlichenRussland. Anton Pevsner ging zuFrankreichGabo, ging zuerst nach Berlin, dann zu England und schließlich Amerika. Kandinsky studierte inMoskau dann nach links für das Bauhaus. Bis Mitte der 1920er Jahre die revolutionäre Periode (1917 bis 1921), als Künstler über frei zu experimentieren gewesen war; und von den 1930er Jahren nur sozialistische Realismus durfte.

Das Bauhaus:
Das Bauhaus Weimar. Deutschland wurde 1919 von Walter Gropius gegründet. Die Philosophie der Lehre Programm zugrunde liegende war Einheit aller visuellen und plastischen Kunst von Architektur und Malerei Weben und Glasmalerei. Diese Philosophie war von den Ideen der Arts and Crafts-Bewegung gewachsen inEnglandund der Deutsche Werkbund. Unter den Lehrer waren Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers und László Moholy-Nagy. Im Jahr 1925 wurde die Schule bewegtDessauund als die NSDAP Kontrolle im Jahr 1932 gewann, wurde das Bauhaus geschlossen. Im Jahr 1937 enthielt eine Ausstellung Entartete Kunst ‚Entartete Kunst‘ alle Arten von Avantgarde-Kunst der Partei, die von der NS-abgelehnt. Dann begann der Exodus: nicht nur aus dem Bauhaus, sondern aus Europa im Allgemeinen; zuParis. London und Amerika. Paul Klee ging zuSchweiz aber viele der Künstler am Bauhaus ging zu Amerika.

Abstraktion in Paris und London:
In den 1930er Jahren Paris wurde um den Wirt zu Künstlern aus Russland. Deutschland, das Niederlandeund andere europäische Länder durch den Aufstieg des Totalitarismus betroffen. Sophie Tauber und Jean Arp arbeiteten an Gemälden und Skulpturen unter Verwendung von organischen / geometrischen Formen. Die polnische Katarzyna Kobro angewendet mathematisch basierte Ideen zur Skulptur. Die vielen Arten von Abstraktion jetzt in unmittelbarer Nähe führte zu Versuchen von Künstlern, die verschiedenen konzeptionellen und ästhetischen Gruppierungen zu analysieren. Eine Ausstellung von sechsundvierzig Mitglieder des Cercle Gruppe et Carré organisiert von Joaquin Torres-Garcia nach Vorarbeit von Michel Seuphor enthielt Arbeit der Neo-Plasticists sowie Abstraktionisten wie Kandinsky, Anton Pevsner und Kurt Schwitters variiert. Kritisiert von Theo van Does zu unbestimmt, um eine Sammlung, die er die Zeitschrift Art Concret veröffentlichte ein Manifest darlegt eine abstrakte Kunst zu definieren, in dem die Linie, Farbe und Oberfläche nur die konkrete Wirklichkeit ist. Abstraction-Création gegründet im Jahr 1931 als eine offene Gruppe, vorausgesetzt, ein Bezugspunkt für die abstrakten Künstler, wie sich die politische Situation im Jahr 1935 verschlechtert und Künstler wieder neu gruppiert, viele davon in London. Die erste Ausstellung der britischen abstrakte Kunst wurde gehalten inEnglandim Jahr 1935 wurde im folgende Jahr die Internationale abstrakte und konkrete Ausstellung von Nicolete Grau einschließlich der Arbeit von Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth und Ben Nicholson organisiert. Hepworth, Nicholson und Gabo zog in die St. Ives Gruppe inCornwall ihre ‚konstruktivistischen‘ Arbeit fortzusetzen.

Amerika: Mitte des Jahrhunderts
Während der NS-Machtergreifung in den 1930er Jahren viele Künstler floh Europa die Vereinigte Staaten. Durch den frühen 1940er Jahren in die wichtigsten Bewegungen der modernen Kunst, Expressionismus, Kubismus, Abstraktion, Surrealismus und Dadaismus in New York vertreten waren: Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, André Masson, Max Ernst, André Breton, waren nur einige der im Exil lebenden Europäer, die in New York angekommen. Die reichen kulturellen Einflüsse der europäischen Künstler gebracht wurden destilliert und basieren auf dem von den lokalen New Yorker Maler. Das Klima der Freiheit inNew Yorkzu gedeihen all diese Einflüsse erlaubt. Die Galerien, die in erster Linie auf die europäische Kunst konzentriert hatte begann die lokale Kunstszene und die Arbeit der jüngeren amerikanischen Künstlern zu bemerken, die zu reifen begonnen hatte. Bestimmte Künstler zu dieser Zeit wurden deutlich abstrakt in ihrer reifen Arbeit. Während dieser Zeit Piet Mondrians Gemälde Komposition No. 10, 1939-1942, gekennzeichnet durch Primärfarben, weiß Boden und schwarze Gitterlinien deutlich seinen radikalen, aber klassischen Herangehensweise an das Rechteck und abstrakte Kunst im Allgemeinen definiert. Einige Künstler der Zeit getrotzt Kategorisierung, wie Georgia O’Keeffe, die zwar ein modernistischer abstractionist, ein reiner Einzelgänger, dass war sie sehr abstrakte Formen gemalt, während keine spezifische Gruppe der Zeit verbindet.

Schließlich amerikanische Künstler, die waren in einer großen Vielfalt von Arten arbeiten begannen in zusammenhängende stilistische Gruppen zu vereinigen. Die bekannteste Gruppe von amerikanischen Künstlern wurde als die abstrakten Expressionisten bekannt, und dieNew York Schule. ImNew York City es war eine Atmosphäre, die Diskussion angeregt und es gab neue Chance für das Lernen und wächst. Künstler und Lehrer John D. Graham und Hans Hofmann wurden wichtige Brücke Zahlen zwischen dem neu ankommenden europäischen Modernisten und den jüngeren amerikanischen Künstlern der Volljährigkeit. Mark Rothko, geboren in Russlandbegann, mit stark surrealistischen Bildern, die später in seine kraftvollen Farbkompositionen aus den frühen 1950er Jahren aufgelöst. Die expressionistische Geste und der Akt des Malens selbst, wurden von vorrangiger Bedeutung zu Jackson Pollock, Robert Motherwell und Franz Kline. Während in den 1940er Jahren entwickelten sich Arshile Gorkis und Willem de Kooning figurative Arbeiten in der Abstraktion bis zum Ende des Jahrzehnts. New York Citywurde zum Zentrum und Künstler gravitierte weltweit zu ihnen; von anderen Orten inAmerika auch.

Spätere Entwicklungen:
Digitale Kunst, Hard Edge, geometrische Abstraktion, Minimalismus, lyrical Abstraktion, Op Art, abstrakte expressionism, Farbfeldmalerei, monochrome Gemälde, assemblage, neo-Dada, geformtes Leinwand Gemälde, sind ein paar Richtungen zur Abstraktion in der zweiten Hälfte in Bezug des 20. Jahrhunderts.

In dem Vereinigte Staaten, Kunst als Objekt wie neuere Permutationen in der minimalistischen Skulptur von Donald Judd und den Gemälden von Frank Stella ist heute gesehen. Weitere Beispiele sind Lyrische Abstraktion und der sinnlichen Einsatz von Farbe in der Arbeit des Malers so vielfältig wie Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell gesehen.

Verursachung:
Eine sozialgeschichtliche Erklärung, die für die wachsende Verbreitung der abstrakten wurde in der modernen Kunst angeboten – eine Erklärung im Zusammenhang mit dem Namen Theodor W. Adorno – ist, dass ein solche Abstraktion ist eine Antwort auf, und eine Reflexion, die wachsende Abstraktion soziale Beziehungen in der Industriegesellschaft.

Frederic Jameson sieht ähnlich modernistische Abstraktion in Abhängigkeit von der abstrakten Macht des Geldes, das entspricht alles gleichermaßen als Tauschwert. Der soziale Inhalt der abstrakten Kunst ist dann eben die abstrakte Natur der sozialen Existenz – rechtlicher Formalitäten, bürokratisch Impersonifizierung, Information / Energie – in der Welt der späten Moderne.

Post-Jungians dagegen würde die Quantentheorien mit ihrem Zerfall von konventionellen Vorstellungen von Form und Materie sehen, wie die Scheidung von den konkreten Grund- und die Zusammenfassung in der modernen Kunst.