Avantgarde

Die Avantgarde sind Menschen oder Werke, die in Bezug auf Kunst, Kultur oder Gesellschaft experimentell, radikal oder unorthodox sind. Sie kann sich durch nichttraditionelle, ästhetische Innovation und anfängliche Inakzeptanz auszeichnen und eine Kritik der Beziehung zwischen Produzent und Konsument bieten.

Die Avantgarde drängt die Grenzen dessen, was als Norm oder Status quo akzeptiert wird, vor allem im kulturellen Bereich. Die Avantgarde wird von einigen als ein Kennzeichen der Moderne im Unterschied zur Postmoderne angesehen. Viele Künstler haben sich mit der Avantgarde-Bewegung verbunden und tun dies auch heute noch, indem sie eine Geschichte von Dada über die Situationisten bis zu postmodernen Künstlern wie den Sprachdichtern um 1981 verfolgen.

Die Avantgarde fördert auch radikale soziale Reformen. Diese Bedeutung wurde von der Heiligen Simonin Olinde Rodrigues in seinem Aufsatz „L’artiste, le savant et l’industriel“ („Der Künstler, der Wissenschaftler und der Industrielle“, 1825) beschworen, der den ersten dokumentierten Gebrauch von „Avantgarde“ in seinem heute üblichen Sinn: Dort fordert Rodrigues die Künstler auf, „Avantgarde des Volkes“ zu sein und besteht darauf, dass „die Kraft der Künste tatsächlich der unmittelbarste und schnellste Weg“ zu sozialen, politische und wirtschaftliche Reformen.

Theorien
Mehrere Autoren haben versucht, die Parameter der Avantgarde-Aktivität zu kartieren. Der italienische Essayist Renato Poggioli liefert in seinem 1962 erschienenen Buch Teoria dell’arte d’avanguardia (Die Theorie der Avantgarde) eine der frühesten Analysen des Avantgardismus als kulturelles Phänomen. Indem er die historischen, sozialen, psychologischen und philosophischen Aspekte des Avantgardismus betrachtet, reicht Poggioli über einzelne Beispiele von Kunst, Poesie und Musik hinaus, um zu zeigen, dass Avantgardisten bestimmte Ideale oder Werte teilen können, die sich in den nonkonformen Lebensweisen manifestieren: Er sieht Avantgarde Kultur als eine Varietät oder Unterkategorie von Bohème. Andere Autoren haben versucht, Poggiolis Studie zu klären und zu erweitern. Der deutsche Literaturkritiker Peter Bürgers Theorie der Avantgarde (1974) untersucht die Umarmung sozialkritischer Kunstwerke durch das Establishment und schlägt vor, dass die Kunst als Institution den politischen Inhalt des einzelnen Werkes in Komplizenschaft mit dem Kapitalismus neutralisiert.

Bürger’s Essay beeinflusste auch das Werk zeitgenössischer amerikanischer Kunsthistoriker wie dem Deutschen Benjamin HD Buchloh (* 1941). Buchloh argumentiert in der Essaysammlung Neo-Avantgarde und Kulturindustrie (2000) kritisch für eine dialektische Herangehensweise an diese Positionen. Spätere Kritik theoretisierte die Grenzen dieser Ansätze und bemerkte ihre umschriebenen Analysebereiche, einschließlich eurozentrischer, chauvinistischer und genrespezifischer Definitionen.

Beziehung zur Mehrheitsgesellschaft
Das Konzept der Avantgarde bezieht sich in erster Linie auf Künstler, Schriftsteller, Komponisten und Denker, deren Arbeit den kulturellen Mainstream-Werten entgegengesetzt ist und oft einen scharfen sozialen oder politischen Vorsprung hat. Viele Schriftsteller, Kritiker und Theoretiker machten während der prägenden Jahre der Moderne Behauptungen über die Avantgardekultur, obwohl die erste definitive Aussage zur Avantgarde der Essay Avantgarde und Kitsch des New Yorker Kunstkritikers Clement Greenberg war, der 1939 in Partisan Review veröffentlicht wurde Greenberg argumentierte, dass die Avantgarde-Kultur historisch der „hohen“ oder „Mainstream“ -Kultur entgegengesetzt sei und dass sie auch die künstlich synthetisierte Massenkultur, die durch die Industrialisierung produziert wurde, abgelehnt habe. Jedes dieser Medien ist ein direktes Produkt des Kapitalismus – sie sind jetzt alle substantielle Industrien – und als solche werden sie von denselben profitorientierten Motiven anderer Produktionssektoren angetrieben, nicht von den Idealen der wahren Kunst. Für Greenberg waren diese Formen daher kitschig: falsche, gefälschte oder mechanische Kultur, die oft vorgab, mehr zu sein als sie, indem sie formale Geräte benutzten, die aus der Avantgarde-Kultur gestohlen worden waren. Während der 1930er Jahre zum Beispiel nahm die Werbeindustrie schnell visuelle Manierismen vom Surrealismus, aber das bedeutet nicht, dass die Werbefotografien der 1930er Jahre wirklich surreal sind.

Verschiedene Mitglieder der Frankfurter Schule argumentierten ähnliche Ansichten: so Theodor Adorno und Max Horkheimer in ihrem Essay Die Kulturindustrie: Aufklärung als Massenbetrug (1944), und auch Walter Benjamin in seinem einflussreichen Werk Die Kunst im Zeitalter des Mechanischen Reproduktion „(1935, rev. 1939). Wo Greenberg das deutsche Wort Kitsch für die Antithese der Avantgarde-Kultur verwendete, prägten Mitglieder der Frankfurter Schule den Begriff „Massenkultur“, um darauf hinzuweisen, dass diese Scheinkultur ständig von einer neu entstandenen Kulturindustrie (mit kommerziellen Verlagen) hergestellt wird , die Filmindustrie, die Plattenindustrie und die elektronischen Medien). Sie wiesen auch darauf hin, dass der Aufstieg dieser Industrie dazu führe, dass die künstlerische Exzellenz durch die Verkaufszahlen als Wertmaßstab verdrängt wurde: Ein Roman wurde zum Beispiel nur dann verdienstvoll beurteilt, wenn er zum Bestseller wurde, Musik den Rating-Charts unterlag und zur stumpfen kommerziellen Logik der Goldplatte. Auf diese Weise wurde der autonome künstlerische Wert, der dem Avantgardisten so teuer war, aufgegeben und der Verkauf wurde zunehmend zum Maßstab und zur Rechtfertigung von allem. Konsumkultur regiert jetzt.

Die Ko-Option der Avantgarde durch den globalen kapitalistischen Markt, durch neoliberale Ökonomien und durch das, was Guy Debord die Gesellschaft des Spektakels nannte, hat zeitgenössische Kritiker dazu gebracht, über die Möglichkeit einer bedeutungsvollen Avantgarde heute zu spekulieren. Paul Manns Theorie-Tod der Avantgarde zeigt, wie vollständig die Avantgarde heute in institutionelle Strukturen eingebettet ist, ein Gedanke, den auch Richard Schechner in seinen Analysen avantgardistischer Performance verfolgt.

Trotz der zentralen Argumente von Greenberg, Adorno und anderen, haben verschiedene Sektoren der Mainstream-Kulturindustrie den Begriff „Avantgarde“ seit den 1960er Jahren hauptsächlich als Marketinginstrument zur Veröffentlichung populärer Musik und kommerzieller Filme missbraucht und missbraucht. Es ist üblich geworden, erfolgreiche Rockmusiker und gefeierte Filmemacher als „Avantgarde“ zu bezeichnen, da das eigentliche Wort seiner eigentlichen Bedeutung beraubt wurde. Unter Hinweis auf diese wichtige konzeptionelle Verschiebung, große zeitgenössische Theoretiker wie Matei Calinescu in Fünf Gesichter der Moderne: Moderne, Avantgarde, Dekadenz, Kitsch, Postmoderne (1987), Hans Bertens in der Idee der Postmodern: Eine Geschichte (1995), [Seite benötigt] haben angedeutet, dass dies ein Zeichen dafür ist, dass unsere Kultur in eine neue postmoderne Zeit eingetreten ist, als die früheren modernistischen Denk- und Verhaltensweisen überflüssig wurden.

Nichtsdestotrotz bot der New Yorker Kritiker Harold Rosenberg in den späten 1960er Jahren eine eindringliche Kritik der Avantgarde gegenüber den Ansichten der Mainstream-Gesellschaft. In dem Bestreben, ein Gleichgewicht zwischen den Einsichten Renato Poggioli und den Behauptungen Clement Greenbergs zu finden, schlug Rosenberg vor, dass die progressive Kultur ab Mitte der 1960er Jahre aufhörte, ihre frühere gegnerische Rolle zu erfüllen. Seither wird es von dem, was er „Avantgarde-Geister auf der einen Seite und eine sich verändernde Massenkultur auf der anderen Seite“ genannt hat, flankiert, mit denen es in unterschiedlichem Maße interagiert. Dies hat dazu geführt, dass Kultur in seinen Worten „zu einem Beruf geworden ist, dessen Aspekte der Vorwurf des Umsturzes sind“.

Beispiele

Avantgarde in der Politik
Das Konzept der Avantgarde fand seinen Weg in die politische Sprache, insbesondere der revolutionären Parteien und Bewegungen. So verstand Lenin und mit ihm der spätere Marxismus-Leninismus die Kommunistische Partei als „Avantgarde der Arbeiterklasse“. Schon Marx schrieb in dem Manifest der Kommunistischen Partei, dass die Kommunisten „der entschiedenste, immer größer werdende Teil der Arbeiterparteien in allen Ländern sind; theoretisch haben sie vor dem Rest der Masse des Proletariats die Einsicht in die Verhältnisse, die Natürlich, und Marx betonte gleichzeitig, dass die Kommunisten vor allem auch Teil des Proletariats waren. Das Proletariat selbst ist: „Das…“ (MEW 4, S. 474) Die proletarische Bewegung ist die unabhängige Bewegung der immensen Mehrheit im Interesse der großen Mehrheit. „(S. 472)

Lenin andererseits organisierte eine Massenpartei mit den Bolschewiki, formulierte aber zugleich einen führenden Anspruch der Avantgarde an das übrige Proletariat. Diese Avantgarde, die den ArbeiterInnen die revolutionären Ideen von außen brachte, sei notwendig, so Lenin, weil die Proletarier aus eigener Kraft nur zu einem gewerkschaftlichen, also gewerkschaftlichen Bewusstsein fähig seien: „Die Geschichte des Alle Länder zeigen, dass die Arbeiterklasse nur aus eigener Kraft ein gewerkschaftliches Bewusstsein hervorbringen kann „(Lenin, Was tun ?, in: Werke, Bd. 5, S. 386). Diese Doktrin war entscheidend für die Rechtfertigung der Diktatur der Partei über die Arbeiter.

Die politische Avantgarde der revolutionären Bewegung wurde auch als die kommunistischen Matrosen angesehen, die eine treibende Rolle in der russischen Oktoberrevolution von 1917, aber auch in der deutschen Novemberrevolution von 1918 gespielt hatten.

Avantgarde in der bildenden Kunst
In der Geschichte der bildenden Kunst steht der Begriff Avantgarde für die künstlerischen Bewegungen des (beginnenden) 20. Jahrhunderts und ist mit dem Konzept der Moderne oder der modernen Kunst verbunden. Seltsamerweise streben viele der künstlerischen Avantgardebewegungen der Moderne nach der „Abschaffung der Kunst in der Lebenspraxis“.

Eine wichtige Rolle in der Geschichte der künstlerischen Avantgarde spielte die russische Avantgarde ebenso wie der italienische Futurismus, der in seinen Manifesten der „Kriegskunst“ seine eigene, als revolutionär empfundene Ästhetik gab. Auch Kubismus, Kubofuturismus, Vortizismus, Konstruktivismus, Suprematismus, Dadaismus, Surrealismus, Expressionismus, Tachismus, Aktionsmalerei, Minimal Art, Op Art, Pop Art, Lettrismus, Situationismus, Fluxus, Happening, der Wiener Aktionismus und die sogenannte Konzeptkunst sind als Kunstbewegungen der Avantgarde betrachtet.

Für die Kunst in Sowjetrussland hatte der Begriff eine doppelte Bedeutung, weil in der marxistisch-leninistischen Theorie unter Avantgarde und vor allem eine politische Avantgarde verstanden wurde, wobei die anschließende Transformation der russischen Avantgarde zur genannt, künstlerisch kaum Avantgarde, wurde der „sozialistische Realismus“ geschaffen.

Im Deutschen Reich wurde die Avantgarde-Kunst ab 1933 von den Nationalsozialisten als „entartete Kunst“ geführt. Künstler, die sich nicht an die ausgerichtete „deutsche Kunst“ gewöhnen und mit der Avantgarde verbunden bleiben, wurden verfolgt (wenn sie 1933 nicht fliehen oder in den folgenden Jahren ins Exil gehen). Moderne Kunstwerke wurden als „jüdisch“ beschlagnahmt, teilweise zerstört oder in vielen Fällen in der Schweiz versteigert. Jüdische Künstler, die Deutschland nicht rechtzeitig verlassen konnten, wurden im Holocaust ermordet.

Nach der Niederlage des Nationalsozialismus im Jahr 1945 erholte sich die deutsche Kunstlandschaft langsam von dieser politischen und intellektuellen Katastrophe Anfang / Mitte der 1950er Jahre. In der Bundesrepublik gab es Aktivitäten einiger Künstler, die mit ihrer informellen Malerei die Verbindung zu den avantgardistischen Bewegungen des französischen Tachismus und dem abstrakten Expressionismus der USA oder dem Action Painting gefunden hatten. In den 1960er Jahren und im Zuge der 68er Bewegung wurde die deutsche Kunstentwicklung für Europa und die USA immer wichtiger.

Gleichzeitig markierte die neue Avantgarde der Nachkriegszeit bereits das schleichende Ende des Avantgarde-Konzepts. Wenn in der Moderne jede der Avantgarden, oft in enger Folge der Zeit, den Anspruch erhebt, den jüngsten und „gültigen“ Stand der künstlerischen Entwicklung zu repräsentieren, so wird in der Kunst der Postmoderne eine Parallelexistenz der verschiedenen Avantgarden beobachtet oft eklektisch miteinander gemischt. Entwicklungen scheinen in vielerlei Hinsicht möglich zu sein, es gibt keinen Konsens darüber, wohin es gehen soll. Das Wort „Avantgarde“ verliert damit seine ursprüngliche Bedeutung und scheint kaum geeignet, zeitgenössische Kunst zu beschreiben.

Anstelle von „Avantgarde“ und „moderner Kunst“ spricht man für die zeitgenössische Kunst der zeitgenössischen Kunst. Dabei kann es auch avantgardistische Strategien verfolgen, die manchmal beengte Suche nach Innovation neu erfinden oder ältere Traditionen wiederbeleben.

Avantgarde in der Literatur
Der Beginn der literarischen Avantgarden und damit der modernen Literatur überhaupt lässt sich gegen Ende des 19. Jahrhunderts mit französischer Symbolik, mit Dichtern wie Stéphane Mallarmé, Charles Baudelaire und Arthur Rimbaud, in Deutschland mit Stefan George und den Dichtern feststellen des Expressionismus, Mit dem Ersten Weltkrieg radikalisierten und avancierten die Avantgarde-Bewegungen ihre Arbeit zunehmend als gesellschaftskritische und provokative Protestkunst. Charakteristisch für die Avantgarde ist, dass sie sich inhaltlich, stilistisch, technisch und / oder formal von den vorherrschenden literarischen Strömungen abhebt (z. B. durch die Entwicklung neuer Formen wie phonetische Gedichte, Collagen, zufällige Gedichte). Dennoch verstanden sich avantgardistische Strömungen wie der Künstlerkreis um Stefan George oft selbst als Elite, denn das Konzept der Avantgarde umfasst starke Künstlerfiguren. Darüber hinaus waren die avantgardistischen Eliten oft hierarchisch strukturiert (ebenso wie der Kreis um George).

Zu den literarischen Avantgarden zählen Surrealismus, Dadaismus, Expressionismus sowie Scapigliatura und Futurismus.

Avantgarde in den darstellenden Künsten
Im Theater ist der Begriff Avantgarde mit einem Bruch mit Illusionen, einer Räumung von der Bühne und einem Ausbruch von Repräsentationskonventionen verbunden. Der Naturalismus wird – vielleicht radikal, mit Ausnahme von Varianten der Gesellschaftskritik – nicht in der Avantgarde gezählt, sondern er hat sie vorbereitet. Radikales politisches Engagement und radikale Abkehr von der Realität gehören ebenso zu den Charakteristika der theatralischen Avantgarde.

Eine Abkehr von Psychologie und Innerlichkeit ist den meisten Strömungen gemeinsam. Literarische Bewegungen wie der Dadaismus und der Surrealismus lieferten eine neue Art von theatralischem Text, der sich von der Konvention der „verteilten Rollen“ entfernte. Der Regisseur Edward Gordon Craig entwarf die „Über-Puppe“ als Ideal des neuen Schauspielers, Wsewolod Meyerhold ging vom Taylorismus aus, um eine körperliche und multikulturelle Grundlage für das Stück zu schaffen. Erwin Piscator förderte den Einsatz modernster Technik mit Film- und Tonaufnahmen auf der Bühne. Auch Bertolt Brecht war von der antinaturalistischen Avantgarde beeinflusst.

Die avantgardistischen Strömungen in der bildenden Kunst wie auch im Kubismus beeinflussten das Design von Bühnenbildern und Kostümen. Adolphe Appia kontrastierte leere „rhythmische Räume“ mit differenzierter Beleuchtung der Bühne der naturalistischen Illusion mit ihrer Vielzahl von Requisiten. Bild, Bewegung und Musik wurden neu kombiniert wie in Oskar Schlemmers Triadisches Ballett. Die Bewegungstechnik wurde durch den expressiven Tanz (wie Isadora Duncan) revolutioniert, aus dem das moderne Tanztheater hervorging.

Wichtige Avantgarde-Kenner nach 1945 waren Jerzy Grotowski, Eugenio Barba, Tadeusz Kantor und Robert Wilson.

Avantgarde in der Musik
Als musikalische Avantgarde sind Stile in der klassischen Musik seit der Wende des 19. und 20. Jahrhunderts, hier standen sie oft unter der Überschrift Neue Musik zusammen. Wichtige Pioniere des späten 19. Jahrhunderts waren Wagner, Liszt, Skrjabin und insbesondere Debussy; Schönberg, Berg, Webern, Hindemith oder Strawinsky, während in der zweiten Hälfte Stockhausen, Xenakis oder Ligeti als wichtige Impulse galten. Allen gemein ist der Bruch mit den traditionellen Hörgewohnheiten, wie der auffällige Gebrauch von Dissonanzen, unregelmäßigen Rhythmen und vor allem von Atonalität und Polytonalität. Beispiele für musikalische Avantgarden sind die Musik des Expressionismus, Impressionismus, Zwölftonmusik, später serielle Musik, aleatorische Musik, Klangkomposition, Minimal Music und die Musique concrète aus Tonaufnahmen. Seit der Nachkriegszeit haben sich avantgardistische Formen außerhalb des Bereichs der elektronischen Musik herausgebildet, hier sind Genres wie Free Jazz, die daraus resultierende frei improvisierte Musik und Industrial und Noise. Auch einige Filmmusiken können signifikante Avantgarde-Einflüsse aufweisen, wie Don Davis Soundtrack zum 1999er Spielfilm „Matrix“.

Avantgardefilm
Der Avantgarde-Film erschien bereits in den Anfängen der Kinematografie und war dann, wie später, eng mit der bildenden Kunst verbunden. Zum Beispiel gab es in Frankreich, Italien und Deutschland Filmarbeiten, die aus dem Futurismus, Dadaismus, Konstruktivismus und Surrealismus hervorgingen. Mit der Entwicklung dieses kostengünstigen 16-mm-Films erhielt der Avantgarde-Film nach dem Zweiten Weltkrieg in Amerika, Europa, Australien und Japan neue Impulse. Die übergreifenden Begriffe heißen diesmal Strukturalismus, Pop Art, Happening, Fluxus, Konzeptkunst.

Die formalen Möglichkeiten des Films, der keine andere Kunstform hat, machten die traditionelle Bindung an die bildenden Künste immer schwächer. Zum Beispiel im abstrakten Film der 1920er Jahre („Cinéma pur“) oder im Underground-Film der 1960er Jahre. Darüber hinaus begann der Avantgardefilm, sich auf sein eigenes Medium (Materialfilm, Expanded Cinema, Found Footage) zu beziehen.

Der Film ist die einzige moderne Kunstform, die nicht auf den Begriff Avantgarde verzichten kann, um sich von anderen kommerziellen und künstlerischen Manifestationen zu unterscheiden. Verwirrend ist die fast synonyme Verwendung des Begriffs Experimentalfilm. Der experimentelle Kurzfilm wurde vor allem in den 1950er Jahren als Vorläufer des Spielfilms verstanden. Dies hängt damit zusammen, dass das Experiment in Deutschland (mit Auswirkungen auf Österreich) im intellektuellen Diskurs – besonders von Hans Magnus Enzensberger 1962 in seiner „Aporienthe Avantgarde“ – abgewertet wurde – weil in dieser Zeit auch Nägel in der Kunst brainstormiert werden sollten der Wiederaufbau.

Dennoch haben viele Filmemacher nicht davor zurückgeschreckt, ihre Filme als Experimente zu verstehen, aber nicht alle von ihnen sind von ihrem Konzept oder ihrer Produktion. Daher kann Avantgarde-Film als der breitere Begriff verstanden werden. Eine weitere Mehrdeutigkeit ergibt sich aus der Tatsache, dass Regisseure von künstlerischen Filmen wie Sergei Michailowitsch Eisenstein, Alain Resnais, Jean-Luc Godard oder David Lynch oft als Avantgardist bezeichnet werden. Obwohl sie von der Avantgarde beeinflusst sind und im Spielfilm eine Sonderstellung einnehmen, bleiben sie in ihrem Gesamtbild, wie es der Avantgardefilm misst, weitgehend konventionell.

Charakteristisch für die künstlerische Avantgarde
Trotz aller Unterschiede zeigt die Vielfalt künstlerischer, literarischer und musikalischer Bewegungen und Stile einige gemeinsame Tendenzen, die es erlauben, das Konzept der künstlerischen Avantgarde von anderen Epochen und Stilen abzugrenzen. Die avantgardistische Kunst erscheint oft als bewusst provokativ, betont sowohl innovative als auch stark selbstreflexive Kunst.

Provokation
Es ist ein wesentlicher Antrieb in der Avantgarde, das Ungewöhnliche, Neues zu suchen. Insbesondere am Ende der neunzehnten und der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts wurde das Ziel häufig geschlossen, den gebildeten Mittelstand zu schockieren. Baudelaires Gedichtsammlung Die Blumen des Bösen sind eines der frühesten Zeugnisse dafür. Die Neuheit dieser Gedichte war es, das hässliche Großstadtleben als Material für die Poesie zuzulassen. Er erreicht einen gewissen Höhepunkt im Dadaismus, der das Publikum mit Nonsensliteratur und später im Wiener Aktionismus brüskiert. Wer wählt den „guten Geschmack“ als eigentlichen Angriffspunkt und provoziert durch extreme Performances.

Innovation
Das übergreifende Strukturproblem der Avantgarde ist hiermit bereits gekennzeichnet. Avantgarde bildet eine selbstdynamische Art von Exzellenz: Was gestern ungewöhnlich war, etablierte sich allmählich und wird oft im Mainstream assimiliert und erscheint bald vertraut. Solche Situationen treffen auf avantgardistische Ansätze, in und zwischen den Avantgarden hat sich daher ein Entwicklungsmuster herausgebildet, das mehr und mehr formale Innovation als wesentlich versteht.

Selbstreflexion
Ein weiteres Merkmal vieler Avantgarden ist ihre theoretische Begründung, und oft entsteht ein außerästhetischer, theoretischer Kommentar. Avantgardistische Kunstformen provozieren so eine permanente Reflexion über sich selbst, die oft auch Fragen aufwirft, warum Kunst aus welchen Gründen auch immer wahrgenommen werden kann und was Kunst ist.

Kritik am avantgardistischen Begriff
Am Ende des 20. Jahrhunderts gerieten das Konzept der Avantgarde und die damit verbundenen Ideen zunehmend unter Beschuss. Die Annahme, dass Personen oder Gruppen im Prozess des Fortschritts „voranschreiten“ und der Rest, der „Mainstream“, dessen Beispiel folgt oder folgen muss, wurde zunehmend bezweifelt. Der Hintergrund dieser Entwicklung ist einerseits in der zumindest zeitweiligen Austrocknung künstlerischer Avantgardebewegungen und im Scheitern vieler politischer, revolutionärer Bewegungen zu suchen. Auf der anderen Seite gehen die Ideen der Postmoderne mit einer bewussten Abkehr vom Konzept der Avantgarde einher, die durch ihren Führungsanspruch als autoritär kritisiert wird. Stattdessen wird diese pluralistische Gegenüberstellung von Entwicklungen und Bewegungen höher bewertet.

Der französische Schriftsteller und Regisseur Romain Gary († 1980) nahm seine Kritik in das Bonmot „Avantgardisten sind Menschen, die nicht genau wissen, wohin sie gehen wollen, sondern die zuerst da sind.“

Die Avantgarde und ihre Ausdrucksformen
Innerhalb der avantgardistischen Strömungen entstanden die Ismen als ein Vorschlag, der den vermeintlichen Alterungstendenzen widersprach und radikale Neuerungen von Inhalt, Sprache und Lebenseinstellung vorschlug. Unter ihnen sind die folgenden:

Impressionismus
Der Impressionismus war nicht wirklich ein Avantgarde-Ismus, sondern ein Vorgefühl, auf das die Avantgardisten reagierten. Sein Hauptbeitrag zur Avantgarde war die Befreiung der von Claude Monet geleiteten Ausdruckskraft der Farben. Die Impressionisten lernten mit der freiesten Malerei umzugehen, ohne ihre fragmentierten Pinselstriche zu verstecken, und das Licht wurde zum großen vereinheitlichenden Faktor der Figur und der Landschaft. Aber die impressionistischen Maler waren Künstler, die mit ihrer Kunst weder eine radikale Veränderung der Bräuche ihrer Zeit ausübten noch sich dem Willen eines großen sozialen Wandels verpflichteten. Sie sind die Folge des Scheiterns der Ansprüche der Revolution von 1830, der von 1848 und der Kommune von Paris. Die Diskussionen der Impressionisten waren im Grunde genommen technischer Art und ihre Malerei kann als eine Verschärfung des Naturalismus angesehen werden, und zwar so weit, dass sie sich den Ursprüngen widersetzen würde. Courbets Realismus bestätigte, dass er in Wirklichkeit die Hoffnung auf eine Veränderung, die Macht echter Männer, die Bewegung revolutionärer Kräfte fand. Die Impressionisten ersetzen die inhaltliche Auseinandersetzung mit Technik, Licht und dem Ziel der bildlichen Transkription.

Ende des Jahres 1870 kannten sich die wichtigsten Impressionisten bereits gut. Zu dieser Zeit wurde der Guerbois-Kaffee in der Straße von Batignolles, in der Nähe der Werkstatt von Édouard Manet (der im Moment anscheinend die vorherrschende Persönlichkeit war) zum Hauptsitz dieses künstlerischen Kreises. In einigen Gruppenporträts wie Fantin-Latour (Werkstatt in der Nähe von Batignolles, 1870) oder Bazille (Die Werkstatt des Künstlers in der Rue) wurde die Haltung der Solidarität der Impressionisten Anfang der 1870er Jahre auf sehr aufschlußreiche Weise zum Ausdruck gebracht de la Condamine, 1870).

Zum ersten Mal mussten sich die Impressionisten während des Deutsch-Französischen Krieges trennen: Pierre-Auguste Renoir und Manet blieben in Paris, Bazille starb an der Front und Monet und Camille Pissarro trafen sich in London, wo sie seitdem Paul Durand-Ruel trafen dann der Händler der Gruppe. Tatsächlich war Durand-Ruel bereits 1873 selbstsicher genug, um mit dem Bestand seiner Galerie, der nie veröffentlicht wurde, einen vollständigen Katalog zu erstellen.

Expressionismus
Der Expressionismus war eine Bildströmung, die als Bewegung Anfang des 20. Jahrhunderts, zwischen 1905 und 1925, in Deutschland und anderen mitteleuropäischen Ländern des Germanischen und Österreichisch-Ungarischen geboren wurde, verbunden mit dem französischen Fauvismus als expressive und emotionale Kunst, die diametral entgegengesetzt war Impressionismus. Es wurde im Jahrzehnt 1910 um zwei Gruppen zusammengeführt: Die Brücke und Der Blaue Reiter. Zur gleichen Zeit entwickelte die Sezessionsgruppe ihre Tätigkeit in Wien, zu der unter anderem Gustav Klimt, Oskar Kokoschka und Egon Schiele gehörten. In Deutschland war Edvard Munch mit seinem Werk The Scream (1893) der größte Vertreter des Expressionismus.

In den 1920er Jahren beeinflusste der Expressionismus andere Künste. Das Kabinett von Doktor Caligari (Robert Wiene, 1919) und Nosferatu, der Vampir (Friedrich Wilhelm Murnau, 1921), initiierte den kinematographischen Expressionismus, und die Dichter Georg Trakl und Rainer Maria Rilke brachten die Bewegung in den Bereich der Lyrik. Häufig wurde es auch in diese Bewegung aufgenommen, abgesehen von der rätselhaften literarischen Arbeit von Franz Kafka.

Zwischen den Prinzipien dieser künstlerischen Strömung sind sie angedeutet: die Rekonstruktion der Wirklichkeit, die Beziehung des literarischen Ausdrucks mit der bildenden Kunst und der Musik und der Ausdruck der Angst der Welt und des Lebens durch Romane und Dramen, wo gesprochen wird der sozialen Beschränkungen, die der Freiheit des Menschen auferlegt sind. Es zielt darauf ab, Philias und Phobien des Menschen auszudrücken. Daher erfordert es keine gute Technik oder ein ästhetisch schönes Ergebnis.

Es würde im Grunde wie die ästhetische Theorie zu den realistischen Ideen, zu den alten impressionistischen Ideen, die in Europa in den letzten zwanzig Jahren des XIX Jahrhunderts erschienen waren, und würde stellen, dass das echte Ding nicht grundlegend ist, was wir im Äußeren sehen, aber was entsteht in unserer Innerlichkeit, wenn wir etwas Neues sehen, wahrnehmen, intuitiv wahrnehmen oder produzieren.

Fauvismus
Der Fauvismus war eine Bewegung französischen Ursprungs, die sich zwischen 1904 und 1908 entwickelte.

Der wichtige Herbstsalon von 1905 war die erste Ausstellung für die Gruppe, deren Ziel es war, sprachlich die Form-Farb-Synthese zu erreichen. Es wurde nicht die Darstellung von im Sonnenlicht eingetauchten Objekten gesucht, sondern die freiesten Bilder, die sich aus der Überlagerung von zu diesem Licht äquivalenten Farben ergaben. In der Tat, die Fauves dachte, dass Gefühle durch Farbe ausgedrückt werden könnten. Henri Matisse war einer der größten Vertreter dieser Avantgarde.

Kubismus
Der Kubismus wurde 1906 in Frankreich geboren. Seine Hauptmerkmale sind die Vereinigung der unmöglichen Elemente zur Konkretisierung, die Entfaltung des Autors, die grafische Disposition der Wörter, die Substitution des Sentimentalen für den Humor und die Freude und das Porträt der Realität durch geometrische Figuren . Die Inspiratoren der Bewegung waren Pablo Picasso und Georges Braque. Einige der Hauptmeister waren Juan Gris, María Blanchard, Fernand Leger, Jean Metzinger und Albert Gleizes, aber vorher hätte Paul Cézanne den Weg markiert.

Zu den angewandten Techniken gehört die Collage, und vor allem die Zerlegung der Bilder in geometrische Figuren, um das Objekt in seiner Gesamtheit einschließlich aller Ebenen im Werk darzustellen.

Es hatte zwei Phasen: einen analytischen Kubismus, der die totale Zerlegung des Objekts suchte, und einen synthetischen Kubismus, in dem die Perspektive verworfen wird, um alle Ebenen des Objekts in demselben Werk darzustellen. In der Poesie war sein populärster Stil die Kalligraphie, deren Hauptvertreter Guillaume Apollinaire war.

Futurismus
Futurismus ist eine erste Bewegung der Avantgarde künstlerischen Strömungen, entstanden in Mailand (Italien) von dem italienischen Dichter Filippo Tommaso Marinetti, der die Prinzipien des Futurismus in dem Manifest vom 20. Februar 1909 in der Zeitung Le Figaro aus erstellt und veröffentlicht Paris. Im folgenden Jahr unterzeichneten die italienischen Künstler Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo und Mario Jordano das sogenannte Manifest des Futurismus.

Obwohl es eine kurze Existenz hatte, etwa bis 1944, die mit dem Tod von Marinetti endete, ist sein Einfluss in den Werken von Marcel Duchamp, Fernand Léger und Robert Delaunay in Paris, sowie im russischen Konstruktivismus und Futurismus zu sehen. Futuristische Texte brachten einen neuen Mythos: die Maschine.

Diese Bewegung brach mit der Tradition, der Vergangenheit und den konventionellen Zeichen der Kunstgeschichte. Er hielt Mut, Kühnheit und Revolution für die Hauptelemente der Poesie, da er die aggressive Bewegung, die fieberhafte Schlaflosigkeit, den gymnastischen Schritt, den gefährlichen Sprung und den Schlag verkündete.

Nach seinem Manifest waren seine Postulate die Erhöhung des Sinnlichen, des Nationalen und des Kriegers, die Anbetung der Maschine, das Porträt der Wirklichkeit in der Bewegung, das Ziel des Literarischen und die besondere Disposition des Geschriebenen, um zu geben Es war ein plastischer Ausdruck. Er lehnte traditionelle Ästhetik ab und versuchte, das zeitgenössische Leben zu preisen, basierend auf seinen zwei vorherrschenden Themen: Maschine und Bewegung.

Dadaismus
Sie entstand zwischen 1916 und 1922 in Zürich. Hugo Ball und Tristan Tzara wurden als Begründer und Hauptvertreter erwähnt. Die Bewegung wuchs und verbreitete sich schnell nach Berlin und Paris. Einer der Gründe, der zur Entstehung von DADA führte, war die extreme Gewalt und der Bedeutungsverlust des Ersten Weltkriegs. Indem sie sich gegen den Status quo, die literarischen und künstlerischen Konventionen und die Konventionen der gentrifizierten Gesellschaft – die sie als egoistisch und apathisch ansahen – weigerten, machten die Dadaisten ihre Kunst zu einem modus vivendi.

Das dadaistische Gedicht war eine Abfolge von Wörtern und Lauten, was es schwierig macht, Logik zu finden. Es zeichnete sich durch eine Neigung zum Ungewissen und Absurden aus. Auf der anderen Seite versuchte das dadaistische Verfahren, den Ausdruck durch den Gebrauch von ungewöhnlichen Materialien oder durch die Behandlung von Plänen von zuvor unausweichlichen Gedanken mit einem allgemeinen Ton der Rebellion oder Zerstörung zu erneuern.

Ultraismus
Zwischen 1918 und 1922 erschien in Spanien der Ultraismus, der von Rafael Cansinos Assens als Reaktion auf die Moderne gefördert wurde.

Es war eine der Bewegungen, die in der spanischsprachigen Welt am meisten projiziert wurde und zur Verwendung von freien Versen, dem Verbot von Anekdoten und der Entwicklung von Metaphern, die das wichtigste Ausdruckszentrum werden sollten, beitrug.

Surrealismus
Exzision des Dadaismus, dessen Hauptvertreter André Breton war. Die surrealistische Bewegung wurde in Frankreich in den 1920er Jahren um André Bretón herum organisiert, der, inspiriert von Sigmund Freud, daran interessiert war, die Mechanismen des Unbewussten zu entdecken und das Reale durch das Imaginäre und das Irrationale zu übertreffen. Von ihm und den Zeiten, als er ihn traf, sprach er in „Die kommunizierenden Gefäße“, einem emblematischen Titel, der eine Metapher für einen Teil seiner kreativen Ästhetik sowie für Automatismus oder automatisches Schreiben werden sollte, durch die sie mit dem Traum experimentieren würden Spiritualismus, auf der Suche nach reiner Kunst, nicht mit Gewissen verunreinigt.

Estridentismo
Der Estridentismo entstand aus der Mischung mehrerer Bewegungen. Sie fand zwischen 1922 und 1927 in Mexiko statt und war geprägt von Modernität, Weltoffenheit und Urbanität sowie von Nonkonformität, schwarzem Humor, Snobismus, Respektlosigkeit und Zurückweisung von allem Alten. Sein unmittelbarer Vorläufer war der russische Futurismus. Zu seinen wichtigsten Vertretern zählen Germán List Arzubide und Manuel Maple.

Arieldentismo
Der arielentismo ist eine philosophische Bewegung, die grundlegend postuliert, dass die Menschen in individueller Form sind, die den Sinn und die Essenz ihres Lebens schaffen. Es ist eine Geschichte von Philosophen wie Sören Kierkegaard, Friederich Nietzsche und Miguel de Unamuno.

Diese Bewegung beschreibt das Gefühl einer transzendentalen Kraft; This is the individuum for this handy for the handy for the handy for your handy which is where is a overly to enlarge craft. Dies schreibt die Ethik der individuellen Verantwortung für jedes Lebenssystem. This personally Article of the Seins is the one of the exists of the way of the appealing of the individual confidential of the Individuums.