Barockmusik

Barocke Musik ist ein Stil der westlichen Kunstmusik von etwa 1600 bis 1750. Diese Ära folgte der Renaissance-Musik-Ära, gefolgt von der klassischen Ära. Barocke Musik bildet einen großen Teil des Kanons der „klassischen Musik“ und wird heute umfassend studiert, aufgeführt und gehört. Zu den wichtigsten Komponisten des Barock gehören Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, Georg Friedrich Händel, Claudio Monteverdi, Domenico Scarlatti, Alessandro Scarlatti, Henry Purcell, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Jean-Philippe Rameau, Marc-Antoine Charpentier, Arcangelo Corelli, Tomaso Albinoni, Francois Couperin, Giuseppe Tartini, Heinrich Schütz, Giovanni Battista Pergolesi, Dieterich Buxtehude und Johann Pachelbel.

Die Barockzeit sah die Schaffung von Tonalität, eine Annäherung an das Schreiben von Musik, in der ein Lied oder Stück in einer bestimmten Tonart geschrieben wird; Diese Art von Arrangement wurde weiterhin in fast allen westlichen populären Musik verwendet. Während des Barocks wurde von professionellen Musikern erwartet, dass sie improvisierte Solo-Melodielinien und Begleitpartien waren. Barocke Konzerte wurden typischerweise von einer Basso Continuo-Gruppe begleitet (bestehend aus Akkordspiel-Instrumentalisten wie Cembalisten und Lautenspielern, die Akkorde aus einer Bassstimme improvisierten), während eine Gruppe von Bassinstrumenten – Gambe, Cello, Kontrabass – die Basslinie spielte. Eine charakteristische Barockform war die Tanzsuite. Während die Stücke in einer Tanzsuite von der eigentlichen Tanzmusik inspiriert waren, wurden die Tanzsuiten ausschließlich zum Zuhören konzipiert, nicht für begleitende Tänzer.

Während dieser Zeit verwendeten Komponisten und Interpreten aufwändigere musikalische Verzierungen (normalerweise improvisiert von Interpreten), nahmen Änderungen in der Notation vor (die Entwicklung von figürlichem Bass als schnelle Möglichkeit, die Akkordfolge eines Liedes oder Stücks zu notieren), und entwickelte neue instrumentale Spieltechniken. Die barocke Musik erweiterte die Größe, die Bandbreite und die Komplexität der instrumentalen Darbietung und etablierte auch die gemischten vokalen / instrumentalen Formen von Oper, Kantate und Oratorium und die instrumentalen Formen des Solokonzerts und der Sonate als Musikgenres. Viele musikalische Begriffe und Konzepte aus dieser Zeit, wie Toccata, Fuge und Concerto grosso, werden noch in den 2010er Jahren verwendet. Dichte, komplexe polyphone Musik, in der mehrere unabhängige Melodielinien gleichzeitig aufgeführt wurden (ein populäres Beispiel dafür ist die Fuge), war ein wichtiger Bestandteil vieler barocker Chor- und Instrumentalwerke.

Der Begriff „Barock“ kommt vom portugiesischen Wort barroco, was „unförmige Perle“ bedeutet. Negative Konnotationen des Begriffs traten erstmals 1734 in einer Kritik einer Oper von Jean-Philippe Rameau auf und später (1750) in einer Beschreibung von Charles de Brosses der verzierten und stark ornamentierten Architektur des Pamphili-Palastes in Rom. Obwohl der Begriff im 19. Jahrhundert bis heute für Architektur und Kunstkritik galt, wurde der Begriff „Barock“ erst im 20. Jahrhundert aus dem kunsthistorischen Wortschatz von Heinrich Wölfflin übernommen, um eine historische Zeit in der Musik zu bezeichnen.

Etymologie
Der Begriff „Barock“ wird im Allgemeinen von Musikhistorikern verwendet, um eine breite Palette von Stilen aus einer großen geografischen Region, meist in Europa, zu beschreiben, die über einen Zeitraum von etwa 150 Jahren komponiert wurde. Obwohl es lange Zeit geglaubt wurde, dass das Wort als kritischer Begriff zuerst auf die Architektur angewandt wurde, scheint es früher in Bezug auf Musik in einem anonymen, satirischen Rückblick auf die Uraufführung von Rameaus Hippolyte et Aricie im Oktober 1733 im Mercure erschienen zu sein de France im Mai 1734. Der Kritiker deutete an, dass das Novum in dieser Oper „du barocque“ sei und beschwerte sich, dass die Musik keine kohärente Melodie aufwies, mit unaufhörlichen Dissonanzen gefüllt war, ständig Tonart und Takt wechselte und schnell durch jedes kompositorische Gerät lief.

Die systematische Anwendung des Begriffs „Barock“ durch Historiker auf Musik dieser Periode ist eine relativ neue Entwicklung. Curt Sachs war 1919 der erste, der die fünf Merkmale von Heinrich Wölfflins Theorie des Barock systematisch auf die Musik anwandte. Kritisch befragten die Kritiker jedoch den Versuch, Wölfflins Kategorien in Musik umzusetzen, und im zweiten Viertel des 20. Jahrhunderts unternahmen Manfred Bukoferer (in Deutschland und nach seiner Einwanderung in Amerika) und Suzanne Clercx-Lejeune unabhängige Versuche (in Belgien) eher autonome, technische Analyse als vergleichende Abstraktionen zu verwenden, um die Anpassung von Theorien, die auf plastischer Kunst und Literatur basieren, an Musik zu vermeiden. Alle diese Bemühungen führten zu erheblichen Meinungsverschiedenheiten über die zeitlichen Grenzen des Zeitraums, insbesondere hinsichtlich dessen, wann er begann. Im Englischen wurde der Begriff erst in den 1940er Jahren in den Schriften von Bukofzer und Paul Henry Lang erwähnt.

Noch 1960 gab es in akademischen Kreisen, vor allem in Frankreich und Großbritannien, erhebliche Auseinandersetzungen darüber, ob es sinnvoll sei, so unterschiedliche Musikstile wie Jacopo Peri, Domenico Scarlatti und Johann Sebastian Bach in einer einzigen Rubrik zusammenzufassen. Nichtsdestoweniger hat sich der Begriff für dieses breite Spektrum an Musik breit verwendet und akzeptiert. Es kann hilfreich sein, den Barock sowohl von der vorhergehenden (Renaissance) als auch von folgenden (klassischen) Perioden der Musikgeschichte zu unterscheiden.

Geschichte
Die Barockzeit gliedert sich in drei Hauptphasen: früh, mittel und spät. Obwohl sie sich zeitlich überschneiden, werden sie üblicherweise von 1580 bis 1630, von 1630 bis 1680 und von 1680 bis 1730 datiert.

Frühbarockmusik (1580-1630)
Die florentinische Camerata war eine Gruppe von Humanisten, Musikern, Dichtern und Intellektuellen in der Spätrenaissance Florenz, die sich unter der Schirmherrschaft des Grafen Giovanni de ‚Bardi versammelten, um Tendenzen in der Kunst, insbesondere Musik und Drama zu diskutieren und zu leiten. In Bezug auf Musik basierten sie auf einer Wahrnehmung des klassischen (vor allem altgriechischen) musikalischen Dramas, das Diskurs und Rede wertschätzte. Als solche lehnten sie die Verwendung von Polyphonie (multiple, unabhängige Melodielinien) und Instrumentalmusik durch ihre Zeitgenossen ab und diskutierten solche altgriechischen Musikinstrumente als Monodie, die aus einem Solo-Gesang bestand, der von einer Kithara (einem uralten, strummigen Saiteninstrument) begleitet wurde. Die frühen Realisierungen dieser Ideen, darunter Jacopo Peri Dafne und L’Euridice, markiert den Beginn der Oper, die ein Katalysator für barocke Musik waren.

Was die Musiktheorie anbelangt, so stellt der verbreitetere Gebrauch des figürlichen Basses (auch als durchgehender Bass bezeichnet) die wachsende Bedeutung der Harmonie als lineare Grundlage der Polyphonie dar. Harmonie ist das Endergebnis des Kontrapunkts, und der figürliche Bass ist eine visuelle Darstellung jener Harmonien, die üblicherweise in der musikalischen Darbietung verwendet werden. Mit dem figürlichen Bass wurden Zahlen, Vorzeichen oder Symbole oberhalb der Basslinie platziert, die von Tasteninstrumentenspielern wie Cembalisten oder Rohrorganisten (oder Lautenisten) gelesen wurden. Die Nummern, Vorzeichen oder Symbole zeigen dem Keyboarder an, in welchen Intervallen er über jeder Bassnote spielen soll. Der Keyboarder würde für jede Bassnote eine Akkustik-Stimme improvisieren. Die Komponisten begannen, sich mit harmonischen Progressionen zu beschäftigen, und setzten auch das als instabile Intervalle wahrgenommene Triton ein, um Dissonanzen zu erzeugen (es wurde im dominanten Septakkord und dem verminderten Akkord verwendet. Ein Interesse an Harmonie hatte auch bei gewissen Komponisten in der Renaissance bestanden) vor allem Carlo Gesualdo, aber die Verwendung von Harmonie, die auf die Tonalität ausgerichtet ist (eine Konzentration auf eine musikalische Tonart, die zur „Heimatnote“ eines Stücks wird), markiert den Übergang von der Renaissance zur Barockzeit zu der Idee, dass bestimmte Akkordfolgen, anstatt nur Noten, am Ende eines Stücks eine Gefühl der Geschlossenheit liefern könnten – eine der grundlegenden Ideen, die als Tonalität bekannt wurde.

Indem er diese neuen Aspekte der Komposition einbezog, förderte Claudio Monteverdi den Übergang vom Renaissance-Stil zur Musik des Barocks. Er entwickelte zwei individuelle Kompositionstile – das Erbe der Polyphonie der Renaissance (prima pratica) und die neue Basso continuo-Technik des Barock (seconda pratica). Mit Basso Continuo spielte eine kleine Gruppe von Musikern die Basslinie und die Akkorde, die die Begleitung einer Melodie bildeten. Die Basso Continuo-Gruppe würde typischerweise einen oder mehrere Keyboarder und einen Lautenspieler verwenden, der die Basslinie spielt und die Akkorde und mehrere Bassinstrumente (zB Bassgeige, Cello, Kontrabass) improvisiert, welche die Basslinie spielen würden. Mit dem Schreiben der Opern L’Orfeo und L’incoronazione di Poppea hat Monteverdi diesem neuen Genre große Aufmerksamkeit geschenkt.

Mittlere Barockmusik (1630-1680)
Der Aufstieg des zentralisierten Gerichts ist eines der wirtschaftlichen und politischen Merkmale dessen, was oft als das Zeitalter des Absolutismus bezeichnet wird, personifiziert durch Ludwig XIV. Von Frankreich. Der Stil des Palastes und das höfische System der Manieren und Künste, das er pflegte, wurden zum Vorbild für den Rest Europas. Die Realitäten der aufstrebenden Kirchen- und Staatspatronage erzeugten die Nachfrage nach organisierter öffentlicher Musik, da die zunehmende Verfügbarkeit von Instrumenten die Nachfrage nach Kammermusik schuf, die Musik für ein kleines Ensemble von Instrumentalisten ist.

Die mittlere Barockzeit in Italien ist durch die Entstehung der Gesangsstile von Kantate, Oratorium und Oper in den 1630er Jahren und ein neues Konzept von Melodie und Harmonie geprägt, das den Status der Musik zu einer Gleichheit mit den Worten erhoben hat früher galt als herausragend. Die floride Koloratur-Monodie des Frühbarocks weicht einem einfacheren, polierteren melodischen Stil. Diese Melodien wurden aus kurzen, kadenzierten Ideen konstruiert, die oft auf stilisierten Tanzmustern aus der Sarabande oder der Courante basieren. Auch die Harmonien könnten einfacher sein als in der Frühbarock – Monodie, und die begleitenden Basslinien waren mehr in die Melodie integriert, was eine kontrapunktische Äquivalenz der Teile erzeugte, die später zum Instrument einer anfänglichen Bass – Vorbedeutung führte die Arienmelodie. Diese harmonische Vereinfachung führte auch zu einem neuen formalen Instrument der Unterscheidung von Rezitativ (ein mehr gesprochener Teil der Oper) und Arie (ein Teil der Oper, der gesungene Melodien verwendete). Die wichtigsten Erneuerer dieses Stils waren die Römer Luigi Rossi und Giacomo Carissimi, die in erster Linie Komponisten von Kantaten und Oratorien waren, und der Venezianer Francesco Cavalli, der hauptsächlich ein Opernkomponist war. Spätere bedeutende Vertreter dieses Stils waren Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi und Alessandro Stradella.

Der Mittelbarock hatte absolut nichts mit der theoretischen Arbeit Johann Fux zu tun, der in seinem Gradus ad Parnassum (1725) den strengen Kontrapunkt der früheren Zeiten systematisierte.

Ein herausragendes Beispiel für einen Hofstilkomponisten ist Jean-Baptiste Lully. Er erwarb Patente von der Monarchie, um der einzige Komponist von Opern für den französischen König zu sein und andere davon abzuhalten, Opern inszeniert zu haben. Er vollendete 15 lyrische Tragödien und ließ Achille et Polyxène unbeendet. Lully war ein frühes Beispiel für einen Dirigenten; er würde die Zeit mit einem großen Stab schlagen, um seine Ensembles zusammenzuhalten.

Musikalisch setzte er die von der italienischen Oper geerbte string-dominierte Norm für Orchester und die typisch französische fünfteilige Disposition (Violinen, Violen – in Hautes-Contre, Tailles und Quintes-Größen – und Bass-Violinen) nicht fest im Ballett aus der Zeit Ludwigs XIII. Er stellte dieses Ensemble jedoch dem lyrischen Theater vor, wobei die oberen Teile oft durch Blockflöten, Flöten und Oboen und der Bass durch Fagotte verdoppelt wurden. Trompeten und Pauken wurden häufig für heroische Szenen hinzugefügt.

Arcangelo Corelli gilt als einflussreich für seine Leistungen auf der anderen Seite der musikalischen Technik – als Geiger, der Geige Technik und Pädagogik organisiert – und in rein instrumentaler Musik, insbesondere seine Fürsprache und Entwicklung des Concerto grosso. Während Lully sich am Hof ​​niederließ, war Corelli einer der ersten Komponisten, der weit verbreitete und seine Musik in ganz Europa aufgeführt hat. Wie bei Lullys Stilisierung und Organisation der Oper ist das Concerto grosso auf starken Kontrasten aufgebaut – Abschnitte wechseln sich zwischen denen des gesamten Orchesters und denen einer kleineren Gruppe ab. Dynamik wurde „terrassiert“, das heißt mit einem scharfen Übergang von laut zu leise und wieder zurück. Schnelle Abschnitte und langsame Abschnitte wurden einander gegenübergestellt. Unter seinen Studenten ist Antonio Vivaldi notiert, der später Hunderte von Werken nach den Prinzipien von Corellis Triosonaten und -konzerten komponierte.

Im Gegensatz zu diesen Komponisten war Dieterich Buxtehude kein höfisches Geschöpf, sondern Kirchenmusiker, der Organisten- und Werkmeisterposten in der Marienkirche in Lübeck inne hatte. Seine Aufgaben als Werkmeister bestanden darin, als Sekretär, Schatzmeister und Geschäftsführer der Kirche zu fungieren, während seine Tätigkeit als Organist für alle wichtigen Dienste spielte, manchmal in Zusammenarbeit mit anderen Instrumentalisten oder Sängern, die auch von der Kirche bezahlt wurden. Ganz außerhalb seiner offiziellen kirchlichen Pflichten organisierte und leitete er eine Konzertreihe, die als Abendmusiken bekannt wurde und die Aufführungen von geistlichen dramatischen Werken umfasste, die von seinen Zeitgenossen als Opernäquivalent angesehen wurden.

Spätbarockmusik (1680-1730)
Die Werke Georg Friedrich Händels, Johann Sebastian Bachs und ihrer Zeitgenossen, darunter Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann und andere, brachten den Barock zu seinem Höhepunkt. Durch die Arbeit von Johann Fux wurde der Renaissance-Stil der Polyphonie zur Grundlage für das Studium der Komposition für zukünftige Musikepochen gemacht. Die Komponisten des Spätbarock hatten schon lange vor den Werken Johann Fuxs Kompositionsleistungen vollbracht.

Als kontinuirlicher Arbeiter entlehnte Händel andere Komponisten und „recycelte“ oft sein eigenes Material. Er war auch dafür bekannt, Stücke wie den berühmten Messias, der 1742 uraufgeführt wurde, für verfügbare Sänger und Musiker zu überarbeiten.

Stile und Formen

Tanzsuite
Eine charakteristische Barockform war die Tanzsuite. Einige Tanzsuiten von Bach werden Partiten genannt, obwohl dieser Begriff auch für andere Sammlungen verwendet wird. Während die Stücke in einer Tanzsuite von aktueller Tanzmusik inspiriert waren, wurden Tanzsuiten zum Zuhören konzipiert, nicht für begleitende Tänzer. Die Komponisten verwendeten in ihren Tanzsuiten verschiedene Tanzbewegungen. Eine Tanzsuite besteht oft aus folgenden Bewegungen:

Ouvertüre – Die Barocksuite begann oft mit einer französischen Ouvertüre („Ouverture“ auf Französisch), einem langsamen Satz, dem eine Abfolge von Tänzen verschiedener Art folgte, hauptsächlich die folgenden vier:
Allemande – Die Allemande, oft der erste Tanz einer Instrumentalsuite, war ein sehr beliebter Tanz, der seinen Ursprung in der deutschen Renaissance hatte. Die Allemande wurde in einem gemäßigten Tempo gespielt und konnte bei jedem Takt der Bar beginnen.
Courante – Der zweite Tanz ist die Courante, ein lebhafter, französischer Tanz im Dreifach-Takt. Die italienische Version heißt corrente.
Sarabande – Die Sarabande, ein spanischer Tanz, ist der dritte der vier Basistänze und gehört zu den langsamsten der barocken Tänze. Es ist auch im Drei-Meter-Takt und kann auf jedem Takt der Bar beginnen, obwohl der zweite Takt betont wird, wodurch der charakteristische „stockende“ oder iambische Rhythmus der Sarabande erzeugt wird.
Gigue – Die Gigue ist ein beschwingter und lebhafter barocker Tanz in einem zusammengesetzten Takt, typischerweise der abschließende Satz einer Instrumentalsuite und der vierte seiner grundlegenden Tanztypen. Die Gigue kann auf jedem Takt der Bar beginnen und ist leicht an ihrem Rhythmus zu erkennen. Die Gigue entstand auf den Britischen Inseln. Sein Pendant in der Volksmusik ist der Jig.
Diese vier Tanzarten (Allemande, Courante, Sarabande und Gigue) bilden die Mehrheit der Suiten des 17. Jahrhunderts; spätere Suiten interpolieren einen oder mehrere zusätzliche Tänze zwischen Sarabande und Gigue:

Gavotte – Die Gavotte kann durch eine Vielzahl von Merkmalen identifiziert werden; es ist in 4
4 Mal und beginnt immer am dritten Takt der Bar, obwohl das in manchen Fällen wie der erste Beat klingen mag, da der erste und dritte Takt die starken Beats in vierfacher Zeit sind. Die Gavotte wird in einem mäßigen Tempo gespielt, obwohl sie in manchen Fällen schneller gespielt werden kann.
Bourrée – Die Bourrée ist der Gavotte ähnlich wie in 2
2 Mal, obwohl es in der zweiten Hälfte des letzten Taktes der Bar beginnt und ein anderes Gefühl für den Tanz erzeugt. Die Bourrée wird gewöhnlich in einem gemäßigten Tempo gespielt, obwohl sie für einige Komponisten, wie Händel, in einem viel schnelleren Tempo genommen werden kann.
Menuett – Das Menuett ist vielleicht der bekannteste der barocken Tänze im Dreifach-Takt. Es kann in jedem Takt der Bar beginnen. In einigen Suiten kann es ein Menuett I und II geben, die nacheinander gespielt werden, wobei das Menuett wiederholt wird.
Passepied – Der Passepied ist ein schneller Tanz in binärer Form und Triple-Meter, der als Gerichtstanz in der Bretagne entstand. Beispiele finden sich in späteren Suiten wie Bach und Händel.
Rigaudon – Der Rigaudon ist ein lebhafter französischer Tanz im Duplikat, ähnlich der Bourrée, aber rhythmisch einfacher. Es entstand als eine Familie eng verwandter südfranzösischer Volkstänze, traditionell verbunden mit den Provinzen Vavarais, Languedoc, Dauphiné und Provence.

Andere Eigenschaften
Prelude – eine Suite könnte mit einem Präludium beginnen, einem langsamen Stück, das improvisatorisch geschrieben ist. Einige barocke Präludien wurden nicht vollständig ausgeschrieben; stattdessen wurde eine Sequenz von Akkorden angegeben, mit der Erwartung, dass der Instrumentalist in der Lage wäre, einen melodischen Teil mit dem angegebenen harmonischen Rahmen zu improvisieren. Das Vorspiel basierte nicht auf einer Art Tanz.
Entrée – Manchmal wird ein Entrée als Teil einer Suite komponiert; aber da ist es rein instrumentale Musik und kein Tanz wird aufgeführt. Es ist eine Einleitung, ein marschähnliches Stück, das beim Eintritt einer Tanzgruppe gespielt oder vor einem Ballett gespielt wird. Normalerweise in 4
4 mal. Es ist mit dem italienischen „intrada“ verwandt.
Basso Continuo – eine Art kontinuierliche Begleitung, notiert mit einem neuen Notationssystem, figürlicher Bass, normalerweise für ein oder mehrere tragende Bassinstrumente (z. B. Cello) und ein oder mehrere Akkordspielinstrumente (z. B. Tasteninstrumente wie Cembalo, Pipe Orgel oder Laute)
Das Konzert (ein Solostück mit Orchesterbegleitung) und Concerto grosso
Monody – ein Auswuchs des Liedes
Homophonie – Musik mit einer melodischen Stimme und rhythmisch ähnlicher (und untergeordneter) Akkordbegleitung (diese und die Monodie stehen im Kontrast zur typischen Renaissance-Textur, Polyphonie)
Dramatische Musikformen wie Oper, Dramma per Musica
Kombinierte instrumental-vokale Formen wie Oratorium und Kantate, die beide Sänger und Orchester verwendeten
Neue Instrumentaltechniken wie Tremolo und Pizzicato
Die Da-Capo-Arie „genoss Sicherheit“.
Die Ritornellarie – wiederholte kurze instrumentale Unterbrechungen der Stimmpassagen.
Der Concertato-Stil – Kontrast im Klang zwischen Gruppen von Instrumenten.
Umfangreiche Verzierungen, die typischerweise von Sängern und Instrumentalisten improvisiert wurden (zB Triller, Mordents, etc.)