Bartolomé Esteban Murillo (Sevilla, 1617 – 3. April 1682) war ein andalusisches Maler aus dem 17. Jahrhundert. Gegründet im späten Naturalismus, entwickelte er in Barockstil Formeln voller Sensibilität, die Rokoko manchmal in einigen rechnet der Seine eigenartigen und imitiert ikonografischen Kreationen. Er ist bekannt für seine religiösen Werke bekannt, Murillo produzierte auch eine beträchtliche Anzahl von Gemälden zeitgenössischer Frauen und Kindern. Bartolomé Esteban Murillo war Zentral Persönlichkeit der Sevilla Schule, mit einer großen Anzahl von Schülern und Anhängern, die bis weit auf ihren Einfluss führten in das achtzehnten Jahrhundert, war auch der bekannteste und am meisten geschätzter spanische Maler außerhalb von Spanien.
Möglicherweise war es die letzten Tage des Jahres 1617 geboren, weil es in der Gemeinde Santa María Magdalena de Sevilla am 1. Januar getauft wurde 1618 Er ist der jüngste Sohn einer Familie von vierzehn Brüder war. Sein Vater, Gaspar Esteban, war ein Barbier Chirurg, der manchmal als Bachelor behandelt wurde, und seine Mutter María Pérez Murillo genannt, der den Namen nahm, um seine Arbeit unterschreiben Als seine Eltern starben, als er erst 10 Jahre alt war, war er unter die Vormundschaft eines seiner älteren Schwestern, Ana, benannt nach einem Bader verheiratet Juan Agustín de Lagares Bartholomew, würde mit dem Paar sehr gut bleiben, weil er nicht von seinem Haus bis zu seiner Heirat, 1656 bereits Witwer bewegt wurde, seine Bruder-in-law ernannte ihn zum Testamentsvollstrecker
Im Jahr 1645 heiratete Murillo Beatriz Cabrera, die Tochter einer Familie von silvermen, mit dem er mindestens neun Kinder hatte, von denen nur fünf – die kleinsten 15 Tagen – überlebte die Mutter, die 1663 nur eines der Kinder am 31. Dezember gestorben , Gabriel (1655-1700), scheint für den den Vater Büro gefolgt zu sein, wenn wir in Palomino, er war ein Thema von guten Qualitäten und „größter Hoffnungen“ Gabriel links in den Indianern im Jahr 1678, fast nicht erfüllte die 20 Jahre glauben , wo er bekam Corregidor de Naturales, von Ubaque (Kolumbien) zu sein,
Es gibt kaum einen Dokumentarfilm Nachrichten über Murillo ersten Lebensjahren und seine Ausbildung als Maler. Er sagte, dass im Jahr 1633, als er fünfzehn war, hat er für eine Lizenz nach Amerika mit einigen Verwandten zu reisen angewandt. Nach dem Brauch der Zeit, in diesen Jahren oder ein wenig früher, sollte er seine künstlerische Ausbildung beginnen. Zwar gibt es kein Dokument ist, ist es durchaus möglich, dass er in der Werkstatt seines relativ ausgebildet wurde, Juan del Castillo, als Antonio Palomino sagte, ein angesehener Künstler aus Sevilla, und wo Murillo bald begann unter den Jüngern von abzuheben. Der Einfluss von Castillo ist deutlich zu erkennen, was wahrscheinlich sind die frühesten erhaltenen Werke von Murillo, deren Ausführung Daten könnten entsprechen um 1638- 1640: Unsere Liebe Frau den Rosenkranz in Santo Domingo (Sevilla liefern, Erzbischofspalast und die alte Sammlung des Grafen von Toreno) und La Mare de Déu mit f. Lauteri, San Francisco de Asis und Santo Tomás de Aq Uino (Cambridge, Fitzwilliam Museum), mit einer bunten und bunten Zeichnung
Laut Palomino, die Werkstatt von Juan del Castillo zu verlassen, war Murillo ausreichend qualifiziert „Malerei halten auf der Messe (das dann viel durchgesetzt), und machte ein Spiel von Gemälden zu den Indern zu laden. es auf diese Weise ein „Stück Flow“ erworben hatte, ging er nach Madrid, wo, mit dem Schutz von Diego Velázquez, seinen Landsmann (), oft er die bedeutenden Gemälde von Palau sah „Obwohl es, dass in seinen Anfängen nicht unwahrscheinlich ist, , wie aus anderen Sevillan Malern, gemalt Andachtsbilder für den lukrativen amerikanischen Handel, deutet nichts darauf hin, dass er nach Madrid zu diesen Zeitpunkt gereist, noch war er wahrscheinlich die Reise nach Italien zu nehmen, dass er zu Sandrart zugeschrieben. Palomino selbst verweigerte diese Reise, nach der Frage untersuchen, wie er sagte, mit „exakter Sorgfalt.“ Zusätzlich zu, dass die unbegründete Annahme einer Reise nach Italien, wie sie in der Cordovan gedacht, wurde von der Tatsache gestützt, dass „Ausländer wollen nicht in dieser Kunst und Laurel of Fame gewähren„zu jedem Spanier, wenn er durch den Zoll von Italien nicht gegangen ist: ohne Vorwarnung, dass Italien übertragen wurde nach Spanien in Statuen, eminent Gemälde, Drucke und Bücher; Und dass das Studium der Natur -mit diesen antecedents- wimmelt überall »Palomino selbst, der ihn gekommen war, zu wissen, auch wenn er es nicht behandeln hat, sagte er andere Maler gehört hatte, der in seinen frühen Jahren„gewesen“war geschlossen die ganze Zeit zu Hause, seine Schüler für die natürlichen, und dass er seine Fähigkeit, auf diese Weise erworben. „Diese künstlerische Fähigkeit ist derjenige, der, als seine erste öffentliche Arbeiten ausstellen, für das Kloster Franziskaner gemalt, es ihm möglich machte er den Respekt und die Bewunderung seiner Landsleute gewonnen, die bis zu diesem Zeitpunkt nichts wusste von ihrer Existenz und den Fortschritt in der Kunst. In jedem Fall ist der Stil, der in seinen ersten großen Werken wie jene zitierten Gemälde aus dem kleinen Kreuzgang des Klosters von San Francisco manifestiert, kann er es lernen, ohne Sevilla verläßt die Künstler der vorherigen Generation des Studium, wie Zurbarán und Francisco cisco~~POS=HEADCOMP Herrera el Vell
Sevilla war aus dem 17. Jahrhundert am Anfang des „Paradigma der Stadt“. Es zeigte sich, das Monopol des Handels mit der Indies und hatte die königliche Anhörung von Sevilla, mehrere Gerichte, einschließlich der Inquisition, das Erzbistum, das Haus des Mietens von Indien, der Minze, Konsulate und Zoll Obwohl die 130000 Einwohner, mit denen es am Ende des Jahrhunderts XVI gezählt als Folge der Pest von 1599 und der Vertreibung der Morisken abgenommen hatte, als Murillo geboren wurde weiter ging es eine kosmopolitische Stadt zu sein, die am dichtesten bevölkerten in Spanien und eine der größten auf dem europäischen Kontinent . Ab 1627 erschien einige Symptome der Krise auf den Rückgang im Handel mit den Indies, die langsam in Richtung Cádiz bewegen, Der Ausbruch des Dreißigjährigen Krieges und die Trennung von Portugal Aber das gravierendste Problem kamen mit der Pest von 1649, mit verheerenden Auswirkungen, in dem der Maler etwas Sohn verloren haben könnte. Das Dorf Die Kosten um die Hälfte reduziert wurde, etwa 600.000 Todesfälle gezählt, und es war nicht mehr erholt: großen städtischen Gebieten, vor allem rund um den beliebten Gemeinden der nördlichen Zone, waren Doppelhaushälften und ihre Häuser verwandelte sich in Plots
Obwohl die Krise ungleicher die verschiedenen Teile der Bevölkerung betroffen, schrumpfte der allgemeine Lebensstandard. Beliebte Klassen, die am stärksten betroffen, spielten im Jahr 1652 auf einer kurzfristige Meuterei durch Hunger verursacht; Aber im Großen und Ganzen funktioniert Nächstenliebe als palliative von Ungerechtigkeit und Elend, die gleichmäßig die Bettler betroffen, die um den Bischofspalast gedrängt, um das runde Brot zu empfangen, die vom Erzbischof verteilt wurde, in Bezug auf die Hunderte von „beschämend“ schlecht gezählt Menschen in jede Gemeinde oder in Institutionen, um ihre Aufmerksamkeit speziell gewidmet ist. Unter diesen Institutionen, hob die Bruderschaft der Nächstenliebe, revitalisiert nach 1663 von Miguel Manara, die in 1650 und 1651 als Pate der Taufe von zwei der Kinder von Murillo Der Maler war ein frommer Mann wie durch seine Aufnahme in die Bruderschaft des Rosenkranzes in 1644 gehandelt hatte; Darüber hinaus erhielt er die Gewohnheit, in der Größenordnung von San Francisco im Jahr 1662 und wurde in der Verteilung von Brot von den Gemeinden organisiert häufig engagiert, den er später angebracht wurde
Obwohl weniger von der Krise betroffen, fiel die Kirche auch ihre Folgen: nach 1649 so gut wie keine neuen Klöster errichtet werden: nur zwei oder drei bis neunzehnten Jahrhundert, vor den neun Klöster der Barone und eine der Frauen, die hatten sie gegründet seit der Geburt von Murillo bis zu diesem Zeitpunkt. Ihre siebzig Klöster waren zweifellos mehr als genug für eine Stadt, die ihre Bevölkerung gesehen hatte drastisch verringern; Aber das Fehlen neuer conventual Fundamente nicht die Nachfrage nach Kunstwerken beenden, weil Tempel und Klöster nicht selbst hinderten künstlerisch mit eigenen Mitteln zu bereichern oder durch Spenden von vermögenden Privatpersonen, wie die gleiche Mañara
Der Handel mit den Indies, obwohl es nicht ein industrielles Netzwerk generiert haben, Arbeit zu Weber, Buchhändler und Künstler Silber Käufer zu liefern fort, die für die Ausrüstung der Ingots verantwortlich waren und sie in das Haus der Münze nehmen, Sie waren exklusive Profis in Sevilla; Sie ließ es sich nicht Arbeit an die Offiziere der Münze, zumindest vorübergehend, wenn die Flotte im Hafen angekommen. Es gab auch ausländische Händler von Sevilla fehlen, die eine kosmopolitische Stadt aus Sevilla. Es wird geschätzt, dass die Zahl der ausländischer Einwohner in Sevilla im Jahr 1665 lag bei rund siebentausend, obwohl natürlich nicht alle von ihnen im Handel tätig waren. Einige waren voll integriert in die Stadt, nachdem Sie ein Vermögen: Justino de Neve, Beschützer der Kirche Santa María la Blanca und Hospital de Venerables, für die beauftragte er Murillo einige seiner Meisterwerke, stammte aus einer jener Familien der ehemaligen flämischen Kaufleute in der Stadt im sechzehnten Jahrhundert gegründet. Andere in Daten aufgenommen wurden Fortgeschrittenere: der Holländer van Belle Josua und die Flamenco Nicolás de Omazur, den er Murillo porträtiert, nach 1660 Cultured Männer in der Stadt angekommen, sowie vermögende, musste Sevilla mit Porträts und Gemälde Herkunft reisen , die den Einfluss erklären würde, unter anderem von Bartholomeus van der Helst in den Porträts von Sevilla. Sie waren auch verantwortlich für die über die Halbinsel, den Ruf von Murillo erstreckt; In einzigartiger Weise, Nikolaus von Omazur, deren Freundschaft mit dem Maler führte ihn bei seinem Tod in Auftrag geben, eine Gravur des Selbstporträts jetzt in der National Gallery of London aufbewahrt.
Im Jahr 1645, gemalt Murillo dreizehn Gemälde für den kleinen Kreuzgang des Klosters von San Francisco de Sevilla, wo er von 1645 bis 1648 arbeitete die Gemälde nach dem Unabhängigkeitskrieg verstreut wurden. Die Serie erzählt, für einen didaktischen Zweck, ein paar Geschichten manchmal von Heiligen des Franziskanerordens vertreten, in besonderer Weise Anhängern der spanischen Observanz zu dem das Kloster zugewiesen wurde. Bei der Wahl ihrer Angelegenheiten wurde der Schwerpunkt auf die Erhöhung des kontemplativen Lebens gelegt und der A-Gebet – in San Francisco vertreten, von einem Engel gebaut, von der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando und La cuina dels Àngels (Museum der Louvre) -, die Franziskaner Freude – am Beispiel der San Francisco Solano und der Stiers (National Heritage, Real Alcázar de Sevilla) – und die Liebe der benachbart diejenigen,
Zum Beispiel kann die Fuzzy-Himmels Beleuchtung, die es umhüllt ist die Prozession der Heiligen, die Maria auf dem Tuch zu begleiten, dass der Tod von Santa Clara (Dresden, Gemäldegalerie, datiert 1646) darstellt; In den Figuren der Heiligen dieses Werkes, das Gefühl der Schönheit, mit dem Murillo gewohnt die weiblichen Charaktere portraitiert manifestiert ist oder die Dynamik der Figuren, die die Küche des Engels bevölkern, die Darstellung des toten Feind Francisco d ‚Alcalá in einem Schwebezustand und Engel Küchenarbeit zu tun. Trotz allem, und neben diesen Erfolgen ist es auch möglich, in der Menge der Serie in der Art und Weise eine gewisse turpitude von zu bemerken, die Problemen der Perspektive neben dem Die Verwendung von flämischen Drucken als Inspirationsquelle zu lösen ist durch weitgehend auf die Dynamik der Engelfiguren,
In den Jahren unmittelbar nach dem schrecklichen Auswirkungen der Pest von 1649 ist es nicht bekannt, dass er eine große Anzahl von Aufträgen hatte, aber er verlangte eine große Anzahl von Bildern der Hingabe, unter ihnen einige der beliebtesten Werke des Malers En Diese Gemälde, auf der Lichtung Beleuchtung werden von Zurbarán distanzieren auf der Suche nach mehr Mobilität und emotionaler Intensität zu gehen, um die heiligen Themen mit einer zarten, intimen Menschheit zu interpretieren. Die verschiedenen Versionen der Jungfrau Maria mit dem“Säuglinge oder die sogenannten The Jungfrau des Rosenkranzes mit dem Kind – darunter die des Castres Museums, der Palazzo Pitti und der Prado-Museum-, die Anbetung der Hirten und der Sagrada Familia des Vogels – alle zwei von ihnen Museo del Prado-, die jungen Strafvollzug Magdalena -in der National Gallery of Ireland und Madrid, die Arango- Sammlung, oder die Flucht nach Ägypten -Detroit Institute of Arts- gehört zu dieser Zeit. Ebenfalls zu dieser Zeit Tackle für pr Zur gleichen Zeit, das Thema der Unbefleckten Empfängnis wurde die Grand Empfängnis oder die Franziskaner Empfängnis (Sevilla, Museum of Fine Arts) genannt, mit dem er die Renovierung seiner Ikonographie in Sevilla begonnen nach dem Ribera Modell
Im Bereich der profanen Malerei, Mounted der Junge Exploiting oder Young, aus dem Louvre, gehört ebenfalls zu dieser Zeit der erste bekannte Zeuge der Aufmerksamkeit und das Engagement des Malers zu den beliebten Motiven mit den Protagonisten der Kinder. In ihr beobachtet sie einen Zettel der Melancholie, des Pessimismus, als er das kleine Kamel zeigt, wobei die Parasiten allein weg, einen Pessimismus, der seine später vollständig und lebendigsten Werke verlassen wird. Eine andere Kategorie sind die wieder aufgetaucht Alten Spinner von Stourhead Hause – bekannt bisher nur von einer mittelmäßigen Kopie im Prado Museum gespeichert und La Vella mit einem Huhn und ein Korb mit Eiern (München, Alte Pinakothek), die Nicolás de Omazur gehörte. Dies sind Genres konzipiert fast wie Porträts in der direkten, unmittelbaren Beobachtung,
Im siebzehnten Jahrhundert, mit einem Erzbischof und mehr als sechzig Klöstern, war Sevilla ein wichtiger Schwerpunkt der religiösen Kultur. In ihrer Volksreligiosität, von kirchlichen Institutionen ermutigt, wurde manchmal mit Vehemenz manifestiert. Dies geschah im Jahr 1615, wenn nach Diego Ortiz de Zúñiga und anderen Chronisten der Zeit, die ganze Stadt auf die Straße geworfen wurde „ohne Erbsünde Empfängnis Mariens“, als Reaktion auf die Predigt eines Dominikaner Vater zu verkünden, die hatten ausgedrückt In diesem Jahr und die folgenden, zwischen den Akten der Vernachlässigung gefeiert wurden Prozessionen und stürmische Feierlichkeiten eine „fromme Meinung, an denen sie nicht fehlten schwarz und Mulatten, und wie es gesagt wurde, in Bezug auf das Geheimnis»
In dieser Atmosphäre der intensiven Religiosität, gebildet kirchliche Kundschaft nur einen Teil, und vielleicht nicht die größten, der großen Nachfrage nach religiösen Arbeiten, die die murillesca Produktion dieser Jahre zu erklären für Privatkunden und nicht in Tempeln oder Klöstern in diesem künstlerischen erlauben würden, Produktion, die Wiederholung von Motiven und die Existenz von Kopien aus der Werkstatt beobachtet werden, wie es der Fall mit Santa Caterina de Alejandría halbherzig, bekannt für mehrere Kopien, sondern, dass die ursprünglichen im Moment findet es die Focus-Abengoa Stiftung in Sevilla Zahlreiche Menschen stellen ihre Grundlage für die Bereitstellung von Kirchen, Klöster und Kapellen; Und außerdem könnten sie vermissen nicht bescheiden genug, um in jedem Haus, Gemälde oder einfache Platten von religiösen Themen. Eine statistische Studie durchgeführt von 224 Sevilla Vorräten zwischen den Jahren 1600 und 1670, mit insgesamt 5179 Gemälden umrissen, gibt die Zahl der 1741 religiös von natürlichen Personen gehalten Kader, das heißt, etwas mehr als ein Drittel der Gesamt paar 1820 entsprechen auf die profane Malerei von jedem Genre und der Rest 1618 hat den Grund, nicht zu bestimmen, aber sicher viele von ihnen „würden sie auch eine religiöse Angelegenheit enthalten. Wie in anderen Orten in Spanien, der Anteil des profanen Gemäldes war höher in den Sammlungen des Adels und die Geistlichkeit, die religiöse Motiv Malerei zu erhöhen, wie es auf der sozialen Skala abstammen, um fast die einzige Gattung, die in den Vorräten der Landwirte und Arbeitnehmer im allgemeinen etwas mehr als ein Drittel der Gesamt paar 1820 entsprechen die profane Malerei von jedem Genre und der Rest 1618 hat noch keinen Grund ermitteln, aber sicher viele von ihnen „Sie würden auch eine religiöse Angelegenheit enthalten. Wie in anderen Orten in Spanien, der Anteil des profanen Gemäldes war höher in den Sammlungen des Adels und die Geistlichkeit, die religiöse Motiv Malerei zu erhöhen, wie es auf der sozialen Skala abstammen, um fast die einzige Gattung, die in den Vorräten der Landwirte und Arbeitnehmer im allgemeinen etwas mehr als ein Drittel der Gesamt paar 1820 entsprechen die profane Malerei von jedem Genre und der Rest 1618 hat noch keinen Grund ermitteln, aber sicher viele von ihnen „Sie würden auch eine religiöse Angelegenheit enthalten. Wie in anderen Orten in Spanien, der Anteil des profanen Gemäldes war höher in den Sammlungen des Adels und die Geistlichkeit, die religiöse Motiv Malerei zu erhöhen, wie es auf der sozialen Skala abstammen, um fast die einzige Gattung, die in den Vorräten der Landwirte und Arbeitnehmer im allgemeinen
Im Jahr 1655 von Madrid, kam er in Sevilla Francisco de Herrera el Joven nach einem wahrscheinlichen Aufenthalt von einigen Jahren in Italien Kurz nach seiner Ankunft er den Triumph des Sakraments der Kathedrale von Sevilla gemalt; Diese Arbeit stellt die Neuheit seiner großen Figuren liegt in contraclaror im Vordergrund und das Drehen von Kindern Engel mit einer Flüssigkeit und fast transparent Pinselstrich behandelt, als ob sie in den Zungen waren. Ihr Einfluss wird in der Lage sein, sofort in Vision von Sant Antoni de Padua zu sehen, ein großen Gemälde, das Murillo für die Taufkapelle des Doms nur ein Jahr später gemalt. Die klare Trennung von astronomischen und irdischen Räumen mit einer ausgewogenen Zusammensetzung und der Anwesenheit von monumental Figuren sind kennzeichnende Merkmale des Sevillian Bildes, das in dieser Arbeit entscheidend gebrochen ist, wo die Diagonale wird gestärkt und legt sich den Bruch der Herrlichkeit nach links verschoben. Der Heilige, auf der rechten Seite, streckt seine Arme in Richtung der Figur des Kindes
Jesus, der auf einem lebhaft beleuchteten Hintergrund Die Entfernung, die sie trennt isoliert erscheint unterstreicht die Intensität der Gefühle der Heiligen und seine Warte Sehnsucht. Die Heilige steht in einem Innenraum in der Dunkelheit, sondern offen für eine Galerie; Auf dieser Art und Weise ein zweiter Brennpunkt intensiver Beleuchtung erzeugt und somit eine bewundernswerte räumliche Tiefe erreicht wird, während der heftigen Kontrast zwischen einem beleuchteten Himmel und einer schattigen Erde zu vermeiden. Mit allen diesen werden die Räume vereinigt Durch ein diffuses, aber lebendiges Licht, in dem einige Engel im Vordergrund auch counterclarant sind
Die gleiche Entwicklung seiner Malerei ermöglicht diese schnelle Assimilation der von Herrera eingeführt Neuheiten. Sie sind auch von 1655, das Paar des Kaders der Heiligen Heiligen Sant Isidor und Sant Leandre in dem Monat August abgeschlossen, die in der Sakristei der Kathedrale gelegt wurden; Die Bilder wurden von dem geliebten Kanon Juan Federigui angelegt. In Anbetracht monumentalen Figuren – größer als natürlich, wie sie an den Wänden gehen musste – sie erscheinen in einem silbernen Licht getaucht, das La lactancia de San Bernardo und der Einführung des erhaltenen dank einer anmutigen, Flüssigkeit Pastell helle Blitze in den weißen Tunicas verursacht Kasel in San Ildefonso, sowohl im Museo del Prado, sind unbekannter Herkunft und kontroverser Datierung aber aus der gleichen Zeit sein könnte. Die Bilder sind Sie zitieren zum ersten Mal im Inventar des königlichen Palast von La Granja im Jahre 1746 als Isabel de Farnesio gehören, wahrscheinlich in den Jahren des Gerichts Aufenthalt in Sevilla erworben. Für seine Größe, mehr als drei Meter hoch und ähnliche Dimensionen können angenommen werden, Altarbilder sein, obwohl es unbekannt ist, die Kirche, für die sie gemalt wurden, und wenn der Ursprung, wie es scheint, ist für beide gleich noch wird es bewertet in sie und der Geschmack für Hell-Dunkel-Beleuchtung und die monumentalen Figuren, mit einer nüchternen Zusammensetzung und einig dekorativen Details, die den Einfluss von Juan de Roelas, vor allem auf der Leinwand von Sant Bernat erkennen, obwohl Murillo eine Behandlung der mehr Zubehör Natur zum gleichen macht Zeit sollte es, dass die subtile Anordnung der Lichter zu beachten,
Es gibt zwei wichtige Sätze, der Kommissionen konnte nicht dokumentiert werden, was ebenfalls zu dieser Zeit aufgrund ihres reichen Sinn für Farbe und die Anordnung einiger Figuren gehören könnte contraclaror. Sie sind die drei monumentalen Leinwände, das das Leben des Heiligen Johannes des Täufers, von denen nur einer weiß, dass im Jahr 1781 sie im Refektorium des Klosters des Augustiner-Mönchs von San Leandro de Sevilla aufgehängt, im Jahr 1812 durch das Kloster verkauft und zur Zeit zwischen den Museen von Berlin, Cambridge und Chicago, und der verlorenen Sohn Serie (Dublin, National Gallery of Ireland) verteilt, von denen einige Skizzen im Prado-Museum aufbewahrt werden; Diese Serie wird durch Stiche von Jacques Callot inspiriert, aber das Murillo wusste, wie man seine eigenen Bildstil und an die Sevillaner Atmosphäre des Augenblicks anzupassen, wie in der Kleidung und Erscheinung seiner Protagonisten zu sehen. Dieser historische Ansatz ist besonders würdig in der Leinwand Der verlorene Sohn macht ausschweifendes Leben, wo eine moderne costumbrista Szene mit allen Elementen eines Weinguts und andere geschickt gelöst naturalistischer Details genannt wird erwähnt gesehen werden; Zum Beispiel der Figur des Musikers, der in contraclaror gelegen, macht das Bankett angenehmer, die Welpen, die mit Kleidung von bunten Farben und einer gemessenen Erotik unter den Tischdecken oder den großzügigen Dekolletés der Damen geschmückt kommen
Im Jahr 1658 machte er einen Aufenthalt in Madrid, wo er Diego Velázquez getroffen zu haben scheint und im Jahr 1660 nahm er an der Gründung der Malerakademie in Sevilla teil. Sein Ziel war es, damit sowohl die Maler und Bildhauer wie junge Menschen Lehrlings die anatomische Zeichnung perfektioniert; Die Akademie erleichterte die Praxis mit Live-Modellen, die Tätigkeit von den Lehrern getragen werden, die auch Geld trugen auf Holz und Kerzen für die Ausgaben, weil die Sitzungen stattfanden, in der Nacht Murillo seinen ersten Ko-Vorsitzende war, zusammen mit Francisco de Herrera el Jove, der er links im selben Jahr in Madrid permanent im November 1663 er noch in der Sitzung teilgenommen, wo das Schreiben der Statuten der Akademie in den Hof zu begleichen wurde vereinbart, aber dann hatte er bereits verlassen seiner Präsidentschaft; An der Spitze davon,
Von 1660 ist es eines der bedeutendsten und bewunderten Werke seiner Produktion: Die Geburt der Maria des Louvre, für das Tragen der Kapelle der Konzeption der Kathedrale in Sevilla Im Zentrum gemalt, unter einem kleinen Ruhm, ein eine Gruppe von Matronen und Engeln in abnehmender Zusammensetzung -in Rubens Imitation aufhellen hell um das Neugeborenen, von dem eine Glühbirne herausstellt, dass der Vordergrund intensiv beleuchtet und verschlechtert nach unten. Auf diese Weise wird es Atmosphärische Effekte auf den Seiten Szenen geschaffen, die mehr nach hinten und mit autonomen Glühbirnen, wo Santa Anna auf der linken Seite erscheint – in einem Bett unter einem Baldachin, seine schwache Beleuchtung im Gegensatz zu dem dem Stuhl in einer Anlage erste Term In contraclaror- und zwei Esel auf der rechten Seite,
Niederländische und flämische Einflüsse sind auch in ihren Landschaften, lobte bereits von Palomino, die Schrift links gesehen: „man die berühmte Fertigkeit nicht übersehen kann, dass unsere Murillo in den Landschaften hatten:“ Wenn wir beiseite einige reine Landschaft der Zuschreibung Zweifelhafte, wie die Landschaft verlassen mit Wasserfall des Prado-Museums, werden sie als Landschaftshintergründe in narrativen Zusammensetzungen behandelt. Die besten Beispiele entsprechen die vier Leinwände, die in der Jacob Reihe von Geschichten erhalten haben, die ihn für den Marquis de Villamanrique gemalt; Sie wurden im Jahr 1665 an die Fassade ihres Palastes während der Weihe Feste der Kirche von Santa María la Blanca ausgesetzt, und wahrscheinlich in etwa 1660 gemalt worden sein
Palomino, die das Thema verwirrt, als er von Geschichten über Davids Leben spricht, erzählt, dass der Marquis de Villamanrique die Landschaften zu Ignacio de Iriarte in Auftrag gegeben, ein Spezialist für das Genre, und die Zahlen in Murillo. Aber es ist zu sehen, dass, wenn er den Maler über vereinbart, die zu tun war, um seinen Teil Murillo, wütend, sagte: „Wenn er dachte, er brauchte es für die Landschaften, irrte er sich: und so, er allein, machte diese Bilder mit Geschichten und Landschaften, etwas so wunderbar, wie Ihr; Welche brachte die zuvor erwähnte Herr Marquess nach Madrid »
Die Serie – ursprünglich sollte aus fünf Gemälden, von denen nur vier wurden bekannt gemacht werden – im achtzehnten Jahrhundert war es in Madrid unter dem Marquis von Santiago, und zu Beginn des 19. Jahrhunderts war es bereits verteilt worden. Nun sind zwei der Geschichten in der Eremitage-Museum, die Jacob für Isaak und Jakob Treppe gesegnet ist. Die andere beide sind in den Vereinigten Staaten: Jacob sucht nach Hause Idole am Raquel Geschäft, an dem Cleveland Museum of Art bewahrt und Jakob legte die Stöcke auf der Herde Labans, im Besitz des Meadows Museum in Dallas. Diese Art der breiten Landschaften – vor allem jene beiden letzten, die um ein zentrales Motiv und offen zu einem entfernten hellen Hintergrund angeordnet sind, auf denen sie die diffundierten Profile der Berge-geschnitten werden, legen nahe, das Wissen des Flamenco landscapers wie Joos de Momper oder Jan Wildens; Vielleicht wusste er auch die italienischen Landschaften von Gaspard Poussin, einem zeitgenössischen Maler. Wie für die Aufmerksamkeit, die er Rinder gibt, die in beiden Gemälden zahlreiche ist, scheint er zu Pedro de Orrente zu beziehen, sondern auf die Art von Murillo Al Jacob angepasst bringt Sie halten Sie sich an Labans Herde, mit einer großen Naturalismus, auch das Aussehen der Schafe sind vertreten, die Handlung, die den biblischen Text (Genesis, 30, 31) Anspielungen, und dass aufgrund der Schamhaftigkeit es in späteren Gemälden versteckt war, bis in das zwanzigste Jahrhundert wieder aufgenommen wird
Im Jahr 1655, als Papst Alexander VII ernannt wurde, verlangte Philipp IV die Aufhebung einer Verordnung des Jahres 1644 gemacht von der römischen Kongregation des Heiligen Offiziums, die die Zuweisung des Begriff „einwandfrei“ Assoziiert die Konzeption von Maria verboten, außer auch Ihr Interesse an die Zustimmung der Partei Unbefleckten Empfängnis wie hatte in Spanien vor langer Zeit nach den zahlreichen Bemühungen der spanischen Abgesandten, am 8. Dezember 1661 Papst Alexander VII Verkündet der bula Sollicitudo omnium ecclesiarum gefeiert worden, die, obwohl sie nicht die Dogmatik waren Definition, die einige erwartet, verkündete das Alter des frommen Glaubens und gab zu seiner Feier. Der Stier wurde in Spanien mit Begeisterung und überall Feierlichkeiten empfangen wurden gefeiert, von denen es zahlreiche künstlerische Zeugnisse gewesen
Im Gedenken an den Stier, einigte sich der Rektor der Kirche Santa María la Blanca, Domingo Velázquez Soriano, eine Umgestaltung des Tempels durchzuführen, deren Werke waren teilweise aufwendig von Canon Justino de Neve, die für die Kommission vier Bilder verantwortlich in Murillo, die die Wände waren die Arbeiten dekorieren, die den alten mittelalterlichen Gebäude in einen spektakulären barocken Tempel verwandelt, begann im Jahre 1662 und wurden im Jahr 1665 abgeschlossen; Es wird mit Feierlichkeiten beschrieben sorgfältig von Fernando de la Torre Farfán in Fiestas eingeweiht werden, die Pfarrkirche von S Maria la Blanca, Kapelle der Heiligen Metropolitan-Kirche und den patriarchalischen von Sevilla gefeiert: in Reaktion auf das kurzes Schiff mit N gewährt Smo Padre Alexandro VII zugunsten des Pseudo Geheimnis der Empfängnis ohne Fehler Ursprüngliche von María Santiisima Nuestra Señora,
Von den vier Murillo Bildern in der Form eines halben Punkt gibt es zwei größere, die im Mittelschiff befinden und durch die Dachfenster der Kuppel beleuchtet; Sie stellen Geschichten von der Gründung der Basilika Santa Maria Maggiore in Rom Diese beiden Werke Teil von dem, was die Meisterwerke des Malers betrachtet werden. Es ist der Traum von Patrizier Joan und seiner Frau, wo der Moment dargestellt wird, in dem August in Träumen, die Jungfrau sie zur Einweihung eines Tempels an den Ort zu fragen, erscheint sie mit Schnee auf dem Berg Esquilino Murillo gezogen sehen, statt sie schlafend im Bett zeigt, stellt sie durch den Klang zu überwinden: er, auf dem Tisch mit einem roten Deckel abgedeckt liegend auf das es bereits ein dickes Buch geschlossen er liest; Und sie, auf einem Kissen, nach dem Brauch der Zeit,
Die Geschichte geht weiter in der anderen Malerei, die die Szene von Patrici John und seiner Frau zeigt, bevor der Papst Liberi Murillo die Szene teilt und hat auf der linken Seite, den Patrizier und seine Frau vor dem Papst, der hat ich die gleiche Traum- hatte; Und auf der rechten Seite, in der Ferne, scheint die Prozession, die auf den Berg geht, um den Inhalt der Träume zu überprüfen; Der Papst Liberi erscheint wieder unter der Palette Die Hauptszene in einer breiten Szene der klassischen Architektur angeordnet ist und von links beleuchtet. Das Licht wirkt sich vor allem die Frau und der Mönch, der ihn begleitet, die Schaffung einer Hintergrundbeleuchtung in dem die Figur des Papstes auf die nackte Architektur zeichnet sich möglicherweise mit den Spuren von Alexander VII dargestellt. Der gleiche Geschmack für die Hintergrundbeleuchtung ist in der Prozession, gemalt mit einem leichten, fast skizziert brushstroke, in denen erscheinen die Zahlen der Betrachter den Vordergrund als Silhouetten im Schatten getaucht; Somit ist es möglich, die Helligkeit der gleichen Prozession zu betonen
Die anderen zwei Bilder, kleinerer Größe, wurden an den Oberläufen der Seitenschiffe des Tempels und dargestellt, ein, die Unbefleckte Empfängnis, und die anderen, den Triumph der Eucharistie gefunden. Die vier Werke verließ Spanien während des Französisch Krieg und nur die ersten beiden, bestimmt für das Napoleon-Museum, wurden im Jahr 1816 und in die Sammlung des Prado-Museums zurück. Die beiden anderen, nach aufeinanderfolgenden Verkäufe gingen zum Louvre – die Malerei, die die Unbefleckte Conception- darstellt und dass der Eucarist Triumph ist Teil einer bestimmten englischen Sammlung
Mit dem 1664 malte er einige Werke für das Kloster des heiligen Augustinus, von denen wir die eine hervorheben, die Saint Augustine Betrachtung der Jungfrau Maria und dem gekreuzigten Christus (Museo del Prado) darstellt. Zwischen 1665 und 1669 malte er in zwei Stufen, 16 Blachen für die Kirche des Kapuzinerklosters von Sevilla; Sie wurden für den Hauptaltar, in den Altarbilder der Seitenkapellen und im Herzen bestimmt, die in diesem Fall ein Unbefleckten war. Nach der Einziehung von Mendizábal im Jahr 1836 gingen die Bilder an das Museum der Schönen Künste in Sevilla, mit Ausnahme der Porciúncula Jubilee es das Zentrum des Hauptaltarbildes belegt, die derzeit im Wallraf-Richartz-Museum in Köln aufbewahrt wird. Das Repertoire von Heiligen, die diesen Satz bilden enthält einige der „Hauptstadt Werke von seinem besten Moment“ The gepaart Zahlen von Saint Leandre und Bonaventura und der Santes Justa und Rufina, die die Seiten des ersten Körpers des Altars besetzt haben dieser Charakter so charakteristisch des Malers: lebendig Porträts und tiefe Menschlichkeit in den Ausdrücken, die für eine ruhige und melancholische der heilige Sevillanas Justa und Rufina sind, von einigen Keramikgefäßen der schönen Rechnung -in Anspielung auf ihren Beruf von Töpfern und ihre martyrdom- halten begleitet eine Wiedergabe der Giralda in Erinnerung an das Erdbeben von 1504, in dem nach der Tradition, verhindert sie ihren Fall durch sie umarmen. Jedoch, ihre Präsenz auf dem Altarbild gerechtfertigt ist, weil die Kirche in dem Ort, der das antike Amphitheater besetzt gebaut worden war, wo sie das Martyrium In Bezug auf St. Leandre gelitten hatten, werden sie in der Geschichte des Tempels angedeutet, da nach der Tradition, dass Platz ein Kloster war vor dem conmemoration der Umayyaden von Hispania gebaut worden und er n ‚Es war der Gründer alhora, St. Bonaventure erscheint, als einer der wichtigsten Heiligen der Ordnung und Murillo macht eine allegorische Übertragung; Im Gegensatz zu seiner üblichen Ikonographie, stellt es einen Grill, für ein Kloster Kapuziner zu sein, und mit dem Modell einer gotischen Kirche, wahrscheinlich von einem Stich kopiert, um es ihr Alter verstehen in diesem Ort ein Kloster war vor dem conmemoration der Umayyaden von Hispania gebaut worden und er n ‚Es war der Gründer alhora, St. Bonaventure erscheint, als einer der wichtigsten Heiligen der Ordnung und Murillo macht eine allegorische Übertragung; Im Gegensatz zu seiner üblichen Ikonographie, stellt es einen Grill, für ein Kloster Kapuziner zu sein, und mit dem Modell einer gotischen Kirche, wahrscheinlich von einem Stich kopiert, um es ihr Alter verstehen in diesem Ort ein Kloster war vor dem conmemoration der Umayyaden von Hispania gebaut worden und er n ‚Es war der Gründer alhora, St. Bonaventure erscheint, als einer der wichtigsten Heiligen der Ordnung und Murillo macht eine allegorische Übertragung; Im Gegensatz zu seiner üblichen Ikonographie, stellt es einen Grill, für ein Kloster Kapuziner zu sein, und mit dem Modell einer gotischen Kirche, wahrscheinlich von einem Stich kopiert, um es ihr Alter verstehen
Unter den Gemälden der Franziskaner Heiligen gewidmet -Sant Antoni de Padua, Sant Feliu Cantalici- zeichnet sich vor allem, dass der heilige Franziskus umarmt Christus am Kreuz, die zu den beliebtesten des Malers ist die Weichheit in dem Licht und den Farben, die Harmonisierung ohne Gewalt mit ihm Gewohnheit Brown Ton der Franziskaners, mit grünlichem Hintergrund oder mit dem bloßen Leibe Christi, verstärkt den intimen Charakter der mystischen Visionen, die alle dramaturgie beraubt werden. Es ist auch sehr repräsentativ für die Entwicklung des Malers der Arbeit Anbetung der Hirten, von dem Altar einer seitlichen Kapelle Im Vergleich zu anderen früheren Versionen von Werken erkannt, dass mit dem gleichen Thema befassen – wie das im Prado-Museum konserviert realisiert um 1650, sehr naturalistisch -,
Sant Tomàs de Villanueva, die Malerei, die der Maler „meine Leinwand“ genannt – ursprünglich in der ersten Kapelle auf der rechten Seite wurde – das technische Niveau und von dem Maler in dieser Serie Tomàs de Villanueva, obwohl Augustiner und nicht Franziskaner erreicht ein Beispiel, vor kurzem war er von Alexander VII und als Erzbischof von Valencia heilig gesprochen worden stand er für seinen karitativen Geist aus, eine Tatsache, dass Murillo umgibt ihn mit Bettler betont, den er mit einem Tisch hilft, wo es ein offenes Buch ist er nicht mehr liest, mit dem, was er gibt vor, zu verstehen zu geben, dass theologische Wissenschaft ohne Nächstenliebe ist nichts. Die Szene geht durch eine klassische Einrichtung, mit einer bemerkenswerten Tiefe durch den Wechsel von Schatten und Räumen hervorgehoben,
Die Bruderschaft der Barmherzigkeit wurde in der Mitte des 15. Jahrhunderts von Pedro Martínez, der Prediger der Kathedrale gegründet. Er begann seine Arbeit kurz vor 1578, als seine Mitglieder die Kapelle von Saint George nach der Krone zu vermieten; Diese Kapelle befindet sich in der Royal Drassanes und wird, wenn seine erste Regel festgelegt ist, ein Dokument, in dem das Ziel der Bruderschaft festgelegt wurde: die seit Jahren ausgeführt begraben sie ein languid Leben nahmen, bis zu dem Punkt, dass die Kapelle im Jahr 1640 war in Trümmern und die Brüder beschlossen, ihren Abriss; Auf diese Weise begann der Bau einer neuen Kapelle, die mehr als 25 Jahre dauern würde, abgeschlossen sein. Pest von 1649 begünstigte seine Revitalisierung mit dem Einbau von neuen Brüdern, aber es war der Eingang von Miguel Mañara – Eine Familie von Händlern Herkunfts Chöre und ihre Wahl als großer Bruder im Dezember 1663 -, das führte zu dem Schluss, des Werkes der Kirche. Darüber hinaus wurde ein Lager der Werften in ein Hospiz umgewandelt und ging die gleiche Brüderlichkeit zu reformieren, die ab diesem Zeitpunkt auch den Zweck haben, würden das Getrampel begrüßt und sie im Hospiz Fütterung. Auf diese Weise wurde es eine unheilbare dispensary, aufgegebene Patienten zu sammeln, sie zu übertragen, auf den Schultern der Brüder, wenn nötig, zu den Krankenhäusern, in denen sie teilnehmen konnten
Aller Wahrscheinlichkeit nach war Mañara der Autor des dekorativen Vorschlag, zu einer kohärenten Erzählung Diskurs eingestellt und die verantwortliche Person die Künstler der Wahl: Murillo und Valdés Leal -pintura-, Bernardo Simón de Pineda -Architektur des altarpieces- und Pedro Roldán, die Skulptur
Die genannten „Hieroglyphen“, eine Darstellung von Werken der Barmherzigkeit, in den sechs Gemälde von Murillo identifiziert werden, die nach den Beschreibungen von Antonio Ponz und Juan Agustín Ceán Bermúdez, unter die an den Wänden des Schiffes von der“Kirche gehängt Gesims, wurden von Marschall Soult während des Französisch Krieg geraubt eines anderen der Hauptstadt Reihe der reifen Phase des Vierten Maler bilden und werden derzeit von verschiedenen Museen verteilt sind, an ihrer Stelle halten nur die beiden größeren, geformt und in der Kreuzfahrt eingerichtet. Diese bildliche Darstellungen der Werke der Barmherzigkeit sind: Die Heilung des Gelähmten (London, National Gallery) -Besuch die Kranken, St. Peter vom Engel erschienen (St. Petersburg, Museum der Eremitage) -redemption von captives-, Multiplikation Brot und Fisch (in situ) -giving Nahrung für diejenigen, die hungry- sind,
Diego Angulo betont, dass zusammen mit der Fähigkeit des Malers nicht, sich zu wiederholen und die Beherrschung von Gestik in den Nebenfiguren, die mit der Vielfalt ihrer Reaktionen narrative Inhalte vertiefen, gibt es die Breite des architektonischen Raumes Vertreten in den Portalen der probaten Pool, wo zwischen dem Licht und der allmählichen Verwischung der Formen, die wesentlichen Auswirkungen der Luftperspektive erreicht werden. In den beiden größten Gemälde, die komplexesten im Hinblick auf die Zusammensetzung und Anzahl der Zeichen wurde Murillo auch von anderen Künstlern inspiriert Wahrscheinlich für Moses, basiert er auf einer Leinwand aus dem gleichen Gegenstand der Genovese Gioacchino Assereto -die gut war -known in Sevilla und dass seine Arbeit ist derzeit im Museo del Prado-, und für die Vermehrung von Brot und Fisch, in Francisco Herrera el Viejo;
Der Zyklus der Werke der Barmherzigkeit verantwortlich Murillo mit der Skulpturengruppe abgeschlossen wurde, Grablegung Christi, ausgeführt von Pedro Roldán, und weil es die wichtigste gemeinnützige Arbeit nach der Herkunft des Organs vertreten, die Toten zu begraben, war in die größere Altarbild Neben dieser Serie zahlte die Bruderschaft vier andere von Murillo und Valdés Leal im Jahr 1672 geliefert Gemälde, mit Themen, die die bisherigen Arbeiten nach den Anliegen und Leitlinien der Mañara, sammelten in seiner Rede der Wahrheit vollendet
Diese vier Leinwände, halbfertigen, waren die berühmten „Hieroglyphen der letzten“ von Valdés Leal. Sie wurden am Fuße des Schiffes befindet sich in der Nähe der Eingang zum Tempel, diejenigen zu erinnern, die den Ablauf der irdischen Güter und die Nähe des jeweiligen Urteils eingegeben, in welchem Moment das Gleichgewicht auf der Seite des Heils durch die Ausübung der Werke stützen konnte Gnaden in der vorherige Reihe gezeigt. Aber wie alle Motive dieser Serie hatte aus der Bibel, die beiden Murillo neue Bilder auf den Altären des Schiffes genommen worden kam Modelle der Liebe vorzuschlagen, mit dem könnten sie leichter identifiziert werden, aufgrund einer größeren Nähe ihrer Protagonisten: heiliger Johannes von Gott und St. Elisabet von Ungarn, die winzigen Murillo härtende zeigte seine kranken Starter, auf der realistischen Interpretation konzentrieren und den unangenehmen Teil der Ulzerationen zeigen, die gaben Anlass zu einiger Kritik, wenn das Bild von Santa Elisabet d Ungarn nach Paris kam, von Französisch Truppen geführt. Aber mit der Kritik, in Frankreich selbst, kam kurz nach dem Lob von der Fähigkeit der „Spanier“ die erhabenste zu konjugieren und vulgäre
Über zwanzig Gemälde zum Thema der Unbefleckten werden von Murillo gemalt, eine Figur nur von José Antolínez übertroffen und er hat den „Maler der Unbefleckten“ hat, dessen Ikonographie war nicht der“Erfinder aber ein Fahrer in Sevilla, wo Hingabe war tief verwurzelt
Die primitivste ist wahrscheinlich die sogenannte Concepció Groß (Sevilla, Museum of Fine Arts), für die Franziskanerkirche gemalt, wo es auf dem Bogen der größeren Kapelle war, in großer Höhe, die die Korpulenz seiner Figur zu erklären erlaubt für die Technik verwendet, könnte es von einem Datum der Nähe von 1650 sein, als die Kirche Kreuzfahrt nach dem leiden einen Zusammenbruch rekonstruiert wurde. In dieser ersten Annäherung an das Thema, Murillo brach entschieden mit dem staticism, dass es die Immaculate Sevilla gekennzeichnet, immer aufmerksam auf die Modelle von Pacheco und Zurbarán etabliert, ihm eine kräftige und ascendant Dynamik durch die Bewegung der Schicht zu geben, möglicherweise durch den Einfluss Immaculate von José de Ribera gemacht für die Augustiner Descalzas von Salamanca, und dass Murillo für einige Gravur wissen konnte. Maria trägt ein weißes Gewand und einen blauen Mantel, in Übereinstimmung mit der Vision des portugiesischen Beatriz da Silva, erinnert von Pachec Oder in seinen ikonografischen Anweisungen. Aber auch in anderen Details, außer Acht gelassen Murillo vollständig die üblichen Marian Attribute, die mit didaktischem Charakter in früheren Darstellungen wimmelten. Er hat auch von der Ikonographie Tradition apokalyptischer Frauen verlassen und nur der Mond unter den Füßen und die „Sonne Kleid“, verstanden als atmosphärischer Hintergrund einer Bernsteinfarbe links, auf dem die Silhouette der Jungfrau Maria geschnitten wird. Sie legt es auf einer Wolkenuntergrenze von vier Engeln unterstützt und reduziert die Landschaft zu einem kurzen nebligen Streifen; Für Murillo, war Maria einziges Bild genug, um ihre unbefleckte Empfängnis zu erklären Murillo nicht berücksichtigt vollständig die üblichen Marian Attribute, die mit didaktischen Charakter in früheren Darstellungen wimmelte. Er hat auch von der Ikonographie Tradition apokalyptischer Frauen verlassen und nur der Mond unter den Füßen und die „Sonne Kleid“, verstanden als atmosphärischer Hintergrund einer Bernsteinfarbe links, auf dem die Silhouette der Jungfrau Maria geschnitten wird. Sie legt es auf einer Wolkenuntergrenze von vier Engeln unterstützt und reduziert die Landschaft zu einem kurzen nebligen Streifen; Für Murillo, war Maria einziges Bild genug, um ihre unbefleckte Empfängnis zu erklären Murillo nicht berücksichtigt vollständig die üblichen Marian Attribute, die mit didaktischen Charakter in früheren Darstellungen wimmelte. Er hat auch von der Ikonographie Tradition apokalyptischer Frauen verlassen und nur der Mond unter den Füßen und die „Sonne Kleid“, verstanden als atmosphärischer Hintergrund einer Bernsteinfarbe links, auf dem die Silhouette der Jungfrau Maria geschnitten wird. Sie legt es auf einer Wolkenuntergrenze von vier Engeln unterstützt und reduziert die Landschaft zu einem kurzen nebligen Streifen; Für Murillo, war Maria einziges Bild genug, um ihre unbefleckte Empfängnis zu erklären verstanden als atmosphärischer Hintergrund einer Bernsteinfarbe, auf das die Silhouette der Jungfrau Maria geschnitten wird. Sie legt es auf einer Wolkenuntergrenze von vier Engeln unterstützt und reduziert die Landschaft zu einem kurzen nebligen Streifen; Für Murillo, war Maria einziges Bild genug, um ihre unbefleckte Empfängnis zu erklären verstanden als atmosphärischer Hintergrund einer Bernsteinfarbe, auf das die Silhouette der Jungfrau Maria geschnitten wird. Sie legt es auf einer Wolkenuntergrenze von vier Engeln unterstützt und reduziert die Landschaft zu einem kurzen nebligen Streifen; Für Murillo, war Maria einziges Bild genug, um ihre unbefleckte Empfängnis zu erklären
Murillo zweite Annäherung an das Thema ist auch im Zusammenhang mit den Franziskanern, die großen Verteidiger des Geheimnisses; In der Tat ist es ein Porträt Fr. Juan de Quirós, der im Jahr 1651 in zwei Bände Glòries de Maria Das große Gemälde veröffentlicht, und im Moment in dem Palast des Erzbischofs von Sevilla, wurde Murillo von der Hermandad Auftrag de la Vera Cruz, dass Sie hatte ihren Sitz im Kloster von Saint Francis; Es war im Jahre 1652 Fray Juan de Quirós erscheint vor einem Bild der Unbefleckten porträtiert, die von Engeln begleitet wird, die Symbole der Litaneien trägt; Er unterbrach das Schreiben des Buches auf den Betrachter zu sehen, und ist vor einem Tisch sitzen, in dem die zwei schweren Bände er zu Ehren von Maria Die Rückenlehne des Friesen Stuhl ruhte schrieb, überlagert auf dem goldenen Rand um das Bild Framing, subtil,
In den Unbefleckten, für die Kirche Santa María la Blanca gemalt, er gehörte auch Porträts von Anhängern des Geheimnisses Torre Farfán darunter den Rektor identifiziert, Domingo Velázquez, der den Maler den komplexen theologischen Inhalt dieser einer Leinwand könnte vermuten lassen, und ihre künstlerisches Paar, das Triumph der Eucharistie Beide verbunden sind und durch die Texte in den phylactries in ihnen gezogen eingeschrieben erklärt – „im Prinzip Dilexit EAM“ ( „zuerst [Gott] liebte sie“) -, mit dem Bild der Unbefleckten und der Text mit den ersten Worten von Genesis und einem Vers aus dem Buch der Weisheit gebildet (VIII, 3) – «IN finem Dilexit EOS» (John Kapitel XIII) – Es gibt auch die • das Erbe der Eucharistie, mit den Worten genommen aus der Geschichte des letzten Abendmahls im Johannesevangelium: „Jesus weiß, dass die Zeit gekommen war, für ihn aus dieser Welt zum Vater zu bewegen,liebte seine Lieben zu haben, bis zum Ende „The Immaculate, deren dogmatischen Definition forderte sie seine Anhänger so mit der Eucharistie verbunden waren, das zentrale Element der katholischen Lehre: die gleichen Manifestation der Liebe zu den Menschen, die am Ende seines führen Jesus hatten Tage in Brot verkörpert werden, hatte Maria von der Sünde vor aller Zeit bewahrt, muss daran erinnert werden, dass, wenn die Zeichenakademie Eingabe, der Sevillaner Maler Treue zum Allerheiligsten und die Lehre von den Unbefleckten zu schwören hattehatte vor aller Zeit bewahrt Maria von der Sünde, muss daran erinnert werden, dass, wenn die Zeichenakademie Eingabe mußte der Sevillaner Maler Treue zum Allerheiligsten und die Lehre von den Unbefleckten schwörenhatte vor aller Zeit bewahrt Maria von der Sünde, muss daran erinnert werden, dass, wenn die Zeichenakademie Eingabe mußte der Sevillaner Maler Treue zum Allerheiligsten und die Lehre von den Unbefleckten schwören
Die Unbefleckte Santa María la Blanca reagiert auf den Prototyp des Malers um 1660 geschaffen, oder ein wenig später, Jahre, auf die die sogenannte Immaculada del Escorial (Museo del Prado) gehört. Es ist eines der schönsten und bekanntesten Werke von Maler, der hier als Teenager-Modell verwendet wurde, jünger als die Modelle der anderen Versionen. Die Features, die er in dieser Arbeit präsentiert – die wellige Umrisse der Figur, die Schicht nur aus dem Körper diagonal ausgerückt, und die die Harmonie der blauen und weißen Farben des Kleides mit dem argentinischen Grau der Wolken unter dem leicht golden glow dass umhüllt die Figur der Maria – ist bereits in allen nachfolgenden Versionen. Die eine, die wahrscheinlich die letzte ist, die Unbefleckte der Venerables, auch Immaculada de Soult (Museo del Prado) Wird aufgerufen, könnte für einen der Altäre des ehrwürdigen Krankenhauses von Sevilla im Jahr 1678 von Justino de Neve in Auftrag gegeben wurde. Trotz seiner Größe erscheint Maria hier mit einigen Dimensionen reduziert, da sie die Anzahl der Engel zu erhöhen, die sich um ihre Umgebung glitzerte, den feinen Geschmack des Rokoko erwarten Sie von Spanien von Marschall Soult genommen wurde und wurde 1852 von dem Louvre erworben für 586.000 Franken aus Gold, die Allerhöchste durch ein Gemälde nach Ceán Bermúdez zu dieser Zeit einbezahlt wurde ein Werk „überlegt alle seine Hand“ betrachtet. Sein späterer Eintritt in dem Museo del Prado aufgetreten als Ergebnis einer Vereinbarung zwischen der spanischen Regierung und dem Franzosen Philippe Pétain im Jahr 1940 unterzeichnet, wenn die Bewertung des Malers abgeklungen war,
La Madre de Dios con el Infante, in einem isolierten und stehende Figur, ist eine andere Frage, die oft mit von Murillo behandelt wird. In diesem Fall ist es in der Regel kleine Arbeiten, wahrscheinlich für private Oratorien bestimmt. Der größte Teil der konservierten Sie wurden zwischen 1650 und 1660, mit der Technik nach wie vor der Hell-Dunkel und, unabhängig von seiner hingebungsvollen Charakter, mit einem Angeklagten naturalistischen Sinne der weiblichen Schönheit und die kindliche Grazie gemalt. Es wird den Einfluss von Rafael beobachtet, dass es durch Stiche, wie die Eleganz der schlanken jungen Modelle seiner Patin und der zarten Ausdruck mütterlicher Gefühle kennen müßte; Diese Funktion macht es unnötig, andere Symbole zu begleiten, die sind eher typisch für mittelalterliche Religiosität die aber nach wie vor in den Kompositionen von Francisco de Zurbarán gewidmet zum gleichen Thema gefunden werden kann.
Mit dem gleichen Naturwissenschaftler Atem sprach er andere Gründe für den Zyklus der Kindheit Christi, wie die Flucht nach Ägypten (Detroit Institute of Arts) oder der Heiligen Familie (Prado, Derbyshire, Chatsworth House). Das Interesse der Künstler in den Themen der Kindheit und die gleiche Entwicklung der barocken Sentimentalität wird auch in den isolierten Figuren des Jesuskindes schlafen auf dem Kreuz, oder Segen, und von Johannes dem Täufer Kind oder „Saint John“ widerspiegeln. Die Version im Museum des Prado erhalten, ein Spätwerkes (um 1675) und einem der beliebtesten des Malers, in dem das Jesuskind, mit einer mystischen Geste, und dem Begleit Lamm auf einem mit einer Flüssigkeit Pinselstrich gezogen werden versilberten Landschaft Sehr Striche
Murillo umfangreiche Produktion umfasst auch rund 25 Genrebilder, vor allem mit Motiven der Kinder, wenn auch nicht ausschließlich. Die erste Nachricht, die von fast alle von ihnen genommen wird, stammt von außerhalb Spaniens, was darauf schließen läßt sie im Auftrag der flämisch Kaufleute in Sevilla gegründet gemacht wurden, Kunden auch von religiösen Bildern; Unter ihnen könnte es Nicolás de Omazur, ein bedeutender Sammler von Werken des Maler sein, und dass er ein Interesse an dieser Art von säkularen Gemälden für den nordischen Markt im Gegensatz zu denen in die Kindheit Jesu gewidmet hatte. Einige von ihnen ihnen, wie Kinder, die Würfel (Alte Pinakothek München) spielen, wurden bereits im Namen von Murillo in einem Inventar in Antwerpen zitiert in 1698. Zu Beginn des achtzehnten Jahrhunderts sie von Maximilian von Bayern erworben wurden für die königlichen Bayerische Sammlung
Die Einflüsse, die er aus dem dänischen Maler Eberhard Keil -Installierte in Rom in 1656- und niederländischen Bambussen erhalten haben könnte, sind nicht genug Murillo Ansatz zu erklären, eine noch nie dagewesene Geschlecht Malerei zu schaffen. Die Skala der ihre Zahlen, integriert in kleine Landschaft Hintergründe – aber auf jeden Fall größer als Keil Malerei, die den Raum mit ihren Figuren füllt – und die Wahl der Themen, anekdotisch, einer fröhlichen und spontane Art sind aus der naturalistischen geboren Geist seiner Zeit und die Anziehungskraft des Malers für Kinderpsychologie, auch in seiner religiösen Malerei
Obwohl ihre Protagonisten sind meist Kinder oder bescheidenen Familien betteln, schlecht gekleidet, ihre Figuren immer Optimismus vermitteln, wie der Maler für den glücklichen Moment des Spiels oder Snack Die Einsamkeit und die Luft von commiseration sieht, mit dem er den jungen mendicant porträtiert (Museum of die Louvre), das durch die Technik und die Behandlung des Lichts auf 1650 datieren kann oder ein wenig vor, später arbeitet zwischen 1665 und 1675 der Vergleich verschwindet in, schlug bereits von Diego Winkel zwischen dem Bettel Boy und anderen ähnlichen, aber später Datum, Großmutter an ihrem Enkel (Alte Pinakothek München) Peering zeigt die Änderung der Einstellung: die Angaben Traurigkeit und Einsamkeit vollständig verschwunden ist und was zieht den Maler die Kindheit Geist immer bereit zu spielen;Porträtiert das unterhaltsame Kind mit einem Laib Brot und den Hund Ohrring, den er zwischen seinen Beinen spielt, während Oma verantwortlich für ihre Hygiene
Tische wie zwei Kinder eine carmanyola und Kinder spielen die Würfel zu essen – ein Spiel, das nicht von den Moralisten autorisiert ist – sowohl in der Münchner pinacoteca gehalten, konnte durch Sprechen oder nicht identifizierte Schelmen Gericht Geschichten inspirieren, aber sie scheinen nicht zu reagieren andere die Absicht ist, mit liebenswürdigen Ton Gruppen von glücklichen Kindern, spielen oder Süßigkeiten essen, und die in der Lage zu überleben, mit wenigen Ressourcen dank der Vitalität der Jugend zu schildern. Ein ähnlicher Ton, aber vielleicht mit einem größeren Gehalt Argument sind die beiden in der Dulwich Picture Gallery erhaltenen Malereien: Einladung zum Ballspiel in der Schaufel -, die die Zweifel eines Jungen reflektiert schickte eine Kommission zu bilden, während ein anderer pisst ihn einladen, Teilnahme an dem Spiel, und Tres niños En letztere, Murillo, beschäftigt sich mit verschiedenen psychologischen Reaktionen auf einen spontanen Akt: ein schwarzes Kind Juan portraitiert hat einen Krug auf seiner Schulter -Murillo tragen konnte, seine Sklaven in 1657- geboren, an die Jungs gerichtet sind über einen Snack und mit einer freundlichen Geste zu haben, sie für ein Stück Kuchen fragen; Einer von ihnen lächelt, während derjenige, der Kuchen hat versucht, sie mit ihren Händen mit einem verängstigten Geste zu schützen
Immer angezogen von den Enterbten und den spontanen Reaktionen der einfachen Menschen, Zwei Frauen im Fenster (Washington, National Gallery of Art) porträtiert mit dem gleichen Ton liebenswürdig und anekdotisch, was ein Bordellszene könnte die so genannten Mädchen mit Blumen (Dulwich Picture Galerie), manchmal als „Geschlecht“ Malerei kategorisiert und verwirrt mit einem Blumenverkäufer, reagiert stattdessen auf die allegorische Genre und kann als eine Darstellung der „Feder“ interpretiert werden, deren Paar Es könnte die Verkörperung des «Sommer» werden in Form von ein junger Mann mit einem Turban bedeckt und Spikes, ein Werk vor kurzem in die National Gallery of Scotland aufgenommen. Diese könnten zwei Bilder an den Stationen, die Nicolás de Omazur im testamentary von Justino de Neve erworben; Sie würden nicht sein, aber auch die einzigen Allegorien von Murillo gemalt,
Obwohl in einer relativ kleinen Zahl, die von Murillo gemalten Porträts werden während ihrer gesamten Laufbahn verteilt und eine bemerkenswerte formale Vielfalt präsentieren, die nicht nach dem Geschmack der verschiedenen Kunden fremd wären. Canino Justino de Neve (London, National Gallery) reagiert perfekt Modelle des spanischen Porträts zu besitzen, mit dem Schwerpunkt auf der Würde des dargestellten Charakters; Er sitzt an seinem Schreibtisch, hat einen Hund zu seinen Füßen und ist vor einem eleganten architektonischen Hintergrund, offen für einen Garten Porträt wie die von Herrn Andres de Andrade (Metropolitan von New York) oder Ritter mit gorgera Stehend (Ritter mit Golilla, aus dem Prado-Museum) wirft den doppelten Einfluss von Diego Velázquez und Anton van Dyck.
Die Porträts von Nicolás de Omazur (Museo del Prado) und die seiner Frau, Isabel de Malcampo, bekannt nur für eine Kopie, sind Halbkörper und würden in einem illusionistischen Rahmen eingeschrieben werden. In diesem Fall reagieren sie mehr auf den Geschmack speziell flämische und niederländische, sowohl für das Format und für seinen allegorischen Inhalt: sie bringen ihre Hände, sie Blumen und er einen Schädel, typische Symbole Vanitas Malerei, der nordischen Tradition. Ist dies das Format gewählt auch für ihre beiden Selbstporträts: Einer der jugendlichen – gibt vor, er malt sie auf einem Marmorstein in der Art eines klassischen Reliefs – und das von der National Gallery in London, gemalt für seine Kinder, eingeschrieben in einem ovalen Rahmen, ein Trompe l’oeil und von den Werkzeugen typisch für seinen Handel begleitet
Sehr einzigartig und fremd all diesen Modellen ist das Porträt von Herrn Antonio Hurtado de Salcedo, auch genannt El Jäger (in Richtung 1664, Privatsammlung). Es ist von großen Format, weil es bestimmt sein würde einen privilegierten Platz im Hause seines Klienten zu besetzen, was die Marquis de Legarda in der Mitte des mintry, vor und stehend, mit der Schrotflinte auf dem Boden Er porträtiert sein würde und in der Gesellschaft von einem Diener und drei Hunden. Nichts in ihm erinnert sich an die gemalten Porträts von Velázquez der Mitglieder der königlichen Familie in Jagdbekleidung; Und, im Gegenteil, es scheint näher an einige Werke von Carreño und mit einem möglichen Einfluss von van Dyck
Nachdem die Serie des Krankenhauses der Charity, prächtig bezahlt, Murillo hat ein neuer Zyklus von schlechten Ernten nicht erhalten neue Aufträge in dieser Größenordnung verursacht der Hunger von 1678 und zwei Jahre später ein Erdbeben schwere Schäden in der Stadt Els Kirche Ressourcen verursacht gewidmet wurden für wohltätige Zwecke, so dass die Verschönerung der Tempel beiseite. Allerdings Murillo nicht die Arbeit durch den von alten Freunden, wie Canon Justino de Neve und etablierten ausländischen Händler in Sevilla gebotenen Schutz verpassen; Er erhielt Aufträge Andachts Werke für private Oratorien zu malen und auch Nicolás de Omazur, eine Szene im Jahr 1669 in Sevilla gegründet, brachte bis zu 31 Werke von Murillo, einige so bedeutend wie die Hochzeit von Kana (Birmingham, Barber Institute) Einem anderen Händler in Cádiz gegründet im Jahr 1662, der Genuesen Giovanni Bielat, Als er im Jahr 1681 starb das Kapuzinerkloster von Genua verließ die sieben Gemälde, die er von Murillo gehört, die zu verschiedenen Zeiten gehören, und die werden derzeit von verschiedenen Museen Unter diesen Werken verteilt es im Querformat mit dem Thema St. Thomas eine neue Version Villanueva Almosen (London, The Wallace Collection, circa 1670), mit einem neuen und bewundernswerten Repertoire von Bettlern. Darüber hinaus erreichten sie Kapuziner von Cádiz eine bestimmte Menge an Geld, das sie in Gemälde für das Altarbild der Kirche verwendet, Ordnung zu Murillo circa 1670), mit einem neuen und bewundernswerten Repertoire von Bettlern. Darüber hinaus erreichten sie Kapuziner von Cádiz eine bestimmte Menge an Geld, das sie in Gemälde für das Altarbild der Kirche verwendet, Ordnung zu Murillo circa 1670), mit einem neuen und bewundernswerten Repertoire von Bettlern. Darüber hinaus erreichten sie Kapuziner von Cádiz eine bestimmte Menge an Geld, das sie in Gemälde für das Altarbild der Kirche verwendet, Ordnung zu Murillo
Die Legende von seinem Tod, als Palomino erklärt, ist genau auf diese Aufgabe zusammen. Er hätte als Folge eines Sturzes vom Gerüst starb, als er in der Kirche des Klosters von Cadiz gemalt; Die Arbeit, die er tat, war das große Gemälde auf den mystischen Ausstellungen von St. Catherine. Der Fall erzeugte eine Hernie, die „durch ihre sehr Ehrlichkeit“ wollte nicht erkennen, und dass es verursachte Tod kurz nach der Wahrheit ist, dass der Maler in dieser Arbeit begann, ohne von 1681 oder Anfängen von 1682 am Ende Sevilla zu verlassen, und starb am 3. April dieses Jahres nur wenige Tage zuvor, am 28. März hatte er noch nimmt an einer Brotverteilung von der Bruderschaft der Barmherzigkeit organisiert sein Testaments, wo er Testamentsvollstrecker an seinen Sohn Gaspar Esteban Murillo ernannt, Kleriker, Justino de Neve und Pedro Núñez de Villavicencio, für den Hochaltar der in Auftrag gegeben, vier kleine Gemälde von Nicolás de Omazur und die große Leinwand von den mystischen Ausstellungen von Santa Caterina wurde in Sevilla am selben Tag seines Todes im Das Dokument erklärt datiert, dass er unter anderem Werke ohne Ende, links Kapuziner von Cádiz. Ra, kann er nur die Zeichnung auf der Leinwand abzuschließen und die Anwendung der Farbe auf die drei Hauptfiguren beginnen. Sein Schüler Francisco Meneses Osorio absolvierte seine Gemälde, die alle Leinwände des Altarbildes gehören, alle von ihnen im Museum von Cádiz erhalten er konnte nur die Zeichnung auf der Leinwand abzuschließen und die Anwendung der Farbe auf die drei Hauptfiguren beginnen. Sein Schüler Francisco Meneses Osorio absolvierte seine Gemälde, die alle Leinwände des Altarbildes gehören, alle von ihnen im Museum von Cádiz erhalten er konnte nur die Zeichnung auf der Leinwand abzuschließen und die Anwendung der Farbe auf die drei Hauptfiguren beginnen. Sein Schüler Francisco Meneses Osorio absolvierte seine Gemälde, die alle Leinwände des Altarbildes gehören, alle von ihnen im Museum von Cádiz erhalten
In Sevilla, in der zweiten Hälfte des siebzehnten Jahrhunderts, Murillo Gemälde – ruhig, ruhig, mit seinen Modellen von Dichtungen und mit zarter Empfindsamkeit imprägnierten Heiligen – wurden auf dem von Valdes Leal auferlegt – entschiedener Barock und darstellende Szenen-; Murillo gefüllt mit seinem Einfluß einen guten Teil Sevillian Malerei des folgenden Jahrhunderts. Allerdings ist es ein oberflächlicher Einfluss auf die Nachahmung von Modellen und Zusammensetzungen zentriert, ohne seine Anhänger zu erreichen Beherrschung der Zeichnung, leicht und locker, auch nicht die Leuchtkraft und Transparenz der Farbe des Meisters Von den direkten Schülern am meisten bekannt ist Francisco Meneses Osorio, der die Arbeit von Murillo im Altarbild des Kapuziners von Cádiz eingeleitet abgeschlossen; Er war ein unabhängiger Maler seit 1663. In seinen persönlichsten Werken, es beobachtet wird, neben dem Einfluss von Murillo, auch, dass von Zurbarán. Das gleiche geschieht mit Cornelio Schut, der wahrscheinlich in Sevilla kam schon als Maler ausgebildet, von denen sind einige Zeichnungen sehr nahe an denen von Murillo. Seine Arbeiten auf Öl sind dennoch diskret und beschuldigen eine Vielzahl von Einflüssen. Was Pedro Núñez de Villavicencio, ist es eine einzigartige Persönlichkeit; Er war ein Freund und nicht als ein Schüler und ein Ritter des Ordens von Malta, die er in Kontakt mit dem Gemälde von Mattia Preti kommt gelassen. Seine Bilder, mit Kindern Angelegenheiten (Kinder Würfel spielen, Museo del Prado), kaum erinnern, die von dem Murillo durch das Thema, weil sie von ihm getrennt sowohl auf die Zusammensetzung – mehr bigott – wie in der Technik, wo er eine Bürste verwendet -strokes mit Nudeln geladen die in Sevilla kam wahrscheinlich schon als Maler ausgebildet, von denen sind einige Zeichnungen sehr nahe an denen von Murillo. Seine Arbeiten auf Öl sind dennoch diskret und beschuldigen eine Vielzahl von Einflüssen. Was Pedro Núñez de Villavicencio, ist es eine einzigartige Persönlichkeit; Er war ein Freund und nicht als ein Schüler und ein Ritter des Ordens von Malta, die er in Kontakt mit dem Gemälde von Mattia Preti kommt gelassen. Seine Bilder, mit Kindern Angelegenheiten (Kinder Würfel spielen, Museo del Prado), kaum erinnern, die von dem Murillo durch das Thema, weil sie von ihm getrennt sowohl auf die Zusammensetzung – mehr bigott – wie in der Technik, wo er eine Bürste verwendet -strokes mit Nudeln geladen die in Sevilla kam wahrscheinlich schon als Maler ausgebildet, von denen sind einige Zeichnungen sehr nahe an denen von Murillo. Seine Arbeiten auf Öl sind dennoch diskret und beschuldigen eine Vielzahl von Einflüssen. Was Pedro Núñez de Villavicencio, ist es eine einzigartige Persönlichkeit; Er war ein Freund und nicht als ein Schüler und ein Ritter des Ordens von Malta, die er in Kontakt mit dem Gemälde von Mattia Preti kommt gelassen. Seine Bilder, mit Kindern Angelegenheiten (Kinder Würfel spielen, Museo del Prado), kaum erinnern, die von dem Murillo durch das Thema, weil sie von ihm getrennt sowohl auf die Zusammensetzung – mehr bigott – wie in der Technik, wo er eine Bürste verwendet -strokes mit Nudeln geladen Was Pedro Núñez de Villavicencio, ist es eine einzigartige Persönlichkeit; Er war ein Freund und nicht als ein Schüler und ein Ritter des Ordens von Malta, die er in Kontakt mit dem Gemälde von Mattia Preti kommt gelassen. Seine Bilder, mit Kindern Angelegenheiten (Kinder Würfel spielen, Museo del Prado), kaum erinnern, die von dem Murillo durch das Thema, weil sie von ihm getrennt sowohl auf die Zusammensetzung – mehr bigott – wie in der Technik, wo er eine Bürste verwendet -strokes mit Nudeln geladen Was Pedro Núñez de Villavicencio, ist es eine einzigartige Persönlichkeit; Er war ein Freund und nicht als ein Schüler und ein Ritter des Ordens von Malta, die er in Kontakt mit dem Gemälde von Mattia Preti kommt gelassen. Seine Bilder, mit Kindern Angelegenheiten (Kinder Würfel spielen, Museo del Prado), kaum erinnern, die von dem Murillo durch das Thema, weil sie von ihm getrennt sowohl auf die Zusammensetzung – mehr bigott – wie in der Technik, wo er eine Bürste verwendet -strokes mit Nudeln geladen
Verbunden mit dem Gemälde von Murillo, ohne es möglich ist, den Grad der persönlichen Beziehung zu spezifizieren, müssen wir erwähnen Juan Simón Gutiérrez und Esteban Márquez de Velasco, der einige Werke einer bestimmten Qualität erhalten haben und sehr beeinflusst durch den Lehrer auch Sebastián Gómez, Über die wurde eine Legende strickt es als „Slave Maler“ zu platzieren von Murillo, wahrscheinlich eine Parallelität mit der Beziehung zwischen Velázquez und Juan de Pareja zu ziehen. Mit Alonso Miguel de Tovar und Bernardo Lorente Germán, dem Maler des Divines Pastores, geht der Einfluss von Murillo in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Beide zusammen mit Domingo Martínez – mit einer feinen und zarten Malerei – am Hof während seines Aufenthalts in Sevilla diente von 1729 bis 1733. Die Ankunft des Gerichts in Sevilla einen Moment des Ruhmes für das Gemälde von Murillo vertreten, da Königin Isabel Farnese all Werke kaufte sie kann und, unter ihnen, einen großen Teil von denen, die zur Zeit für diese Daten im Museum von L Prado erhalten sind, gab es keine links in Sevilla für jede seiner Genrebilder und Palomino links schreiben : „heute also außerhalb Spaniens, ist es mehr ein Gemälde von Murillo betrachtet, als ein von Ticià oder van Dyck, es ist so bunt die beliebte Aura zu erhalten! “
Es gibt murillo Gemälde bereits im alten flämischen und deutschen Sammlungen dokumentiert, vor allem von Genreszenen: Kinder Trauben und Melonen essen – in Antwerpen, möglicherweise seit 1658 -, und Kinder, die Würfel spielen, in der gleichen Stadt im Jahr 1698 dokumentiert, in denen beiden Gemälde wurden gekauft von Maximilian II. Am Ende des 17. Jahrhunderts einige seiner Werke kamen in Italien und England. In Italien, sie Werke von religiöser Natur durch den Genueser Kaufmann Giovanni Bielat in England gegeben waren, kamen sie aus der Hand des einen Herrn Godolphin, dass für einen hohen Preis ein Gemälde mit dem Titel Children of Morella hätte im Jahre 1693 gekauft; Wahrscheinlich wird die Arbeit zur Zeit als Drei Jungs bekannt und wurde mit der Sammlung des englischen bevollmächtigten Ministers in Rom versteigert. Aber der entscheidende Impuls für die Verbreitung seines Ruhms kam mit der ersten Biographie des Malers gewidmet ist, auch in der lateinischen Ausgabe von 1683 der Akademie nobilissimae artis pictoriae des Malers und tractadist Joachim von Sandrart. In dem Buch erwähnt Diego Velázquez – deren Porträts hatte die Römer überrascht – und er widmete eine Biographie zu Josep de Ribera – aber darunter – unter den italienischen painters- und eine Biographie in Murillo dargestellt, aber auch mit seinem Selbstporträt in Tatsächlich, mit Ausnahme der birth in Sevilla und dem Jahr seines Todes, nichts in der Biographie von Sandrart Es war wahrhaftig; Aber mit seiner Aufnahme demonstrierte er die hohe Wertschätzung er für ihn empfand, ihn auf der Ebene des italienischen Malers platzieren und ihm zu sagen, dass es wie ein „neues Paolo Veronese“ war. Als Details,
Doch keines seiner Bilder hatte die königlichen Sammlungen eingegeben, als sein Inventar im Jahr 1700 gemacht wurde, obwohl Palomino erklärt, dass ein Unbefleckten eines von Murillo hatte im Jahr 1670 in Madrid ausgesetzt war, eine allgemeine Überraschung verursacht, und dass Charles II das Gericht angerufen hätte ein Angebot, sondern dass der Maler für sein fortgeschrittenes Alter ausgeschlossen hätte. Es war gerade die Biographie, den Palomino ihn gewidmet, im Jahr 1724 veröffentlicht – wenn auch mit einigen Ungenauigkeiten – die beste Referenz für Um das Wissen und die späteren Bewertung des Künstlers In ihr, dass sie von dem hohen Preis informiert, dass ihre Werke im Ausland erhalten, die geeignet ist, Einfluss auf den Erwerb von siebzehn Werke des Malers auf Seiten der Königin Isabel Farnese während der ‚Staying des Gerichts in Sevilla (1729-1733) Anton Raphael Mengs,
Das Ansehen von Murillo fortgesetzt während des 18. Jahrhunderts zu erhöhen und mit ihm der Ausfuhr seiner Werke, zu dem Punkt, dass ein Auftrag erteilt wurde, unterzeichnet von den Grafen von Floridablanca, ausdrücklich im Jahr 1779 verboten, ausländische Käufer, die seine Bilder zu verkaufen, weil „der König hatte gehört, dass einige Ausländer in Sevilla alle Gemälde kaufte sie von Bartolomé Murillo und anderen berühmten Malern kaufen, um sie aus dem Reich zu nehmen. Die Reihenfolge, fügte hinzu, dass diejenigen, die wünschten Werke des Malers verkaufen könnten in jedem Fall an den König gerichtet werden, um sie zum Verkauf anzubieten und dass sie somit in die königlichen Sammlungen aufgenommen wurden, aber die Auswirkungen dieser Bestimmung sein müßten sehr begrenzt , denn nur drei ihrer Werke schlossen sie sich der Corona einer von ihnen, ein Büßer Magdalena, in dieser Zeit,
Ein gutes Beispiel für das von Murillo Gemälden in England gestellt Interesse während des achtzehnten Jahrhunderts ist das Selbstporträt des Malers William Hogarth mit seinem großen dänischen, durch das Selbstporträt von Sevilla inspiriert. Auch Kopien von Murillo Werken von Gains, der einen San Juan Bautista in der Wüste zu besitzen bekam, im Moment wie ein Werk der Fabrik angesehen
Der Empfang von Murillo in Frankreich wurde später in von André Félibien zum Schweigen gebracht werden. Doch während des 18. Jahrhunderts kamen einige seine Werke im Land, darunter zwei Gemälde des Genres von der Gräfin von Verrue und vier religiösen Werken und die jungen mendicant Besitz, Gemälde erworben von Louis XVI und bestimmt für den Louvre Im neunzehnten Jahrhundert, die Popularität des Malers erreichte ihren Höhepunkt mit dem Transfer von Marschall Jean de Dieu Soult zu vielen seiner Werke für die er Napoleon Soult Musée bestimmt beschlagnahmten zahlreiche Werke des Malers in Sevilla, vierzehn von ihnen für seine eigene Sammlung, von denen viele haben nie nach Spanien zurück. Im Jahre 1852, als die Sammlung in Paris Marschall versteigern, wurden 586.000 Franken für die Soult als Inmaculada de Soult bezahlt,
Unter denen, die Murillo Werk in Frankreich gelobt, betonte er die romantischen Maler Eugène Delacroix, der seine Santa Caterina kopiert, eine weibliche Schönheit Modell in der gleichen Art und Weise, dass der realistischen Maler Henri Fantin-Latour würde seine persönliche Version des Bettlers Kind verlassen ( Castres, Goya Museum) Théophile Gautier würde Murillo als „Maler des Himmels“ weihen, während Velazquez von der Erde war, obwohl Kritiker wie Louis Viardot nicht fehlen entweder beschuldigt den Maler zu viel mit seinem kleinen idealisierte in der Vulgarität zu fallen beliebten Figuren Jacob Burckhardt, nachdem die spanische Galerie des Louvre besuchen, werden Murillo als einer der größten Künstler aller Zeiten, bewundernswert für den Realismus seiner Bilder betrachten, in dem „Schönheit ein Stück Natur ist immer noch“, sondern auch für seine “neugierig Idealismus„;Er kommt das Selbstporträt von London überlegt die Porträts von Velázquez zu berücksichtigen
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, Carl Justi, der große Biograph von Velázquez, und Wilhelm von Bode hielten das Ansehen des Malers in Deutschland. Zu dieser Zeit begann, Murillo Ruf unter den Kritikern in ganz Europa rückläufig, beschuldigten ein Maler zu sein, der lodert, mit einem Überschuss an Süße, und es mangelt an dramatischer Spannung; Darüber hinaus ist ein Propagandist der katholischen Religion. Viel Verantwortung unter den Kritikern in diesem Rückgang war die mehrere Kopien von sehr schlechter Qualität, die seine Werke, Kopien in allen Arten von Medien gemacht wurde, von engagierten Drucken und Kalender in Pralinenschachteln zu Enrique Lafuente Ferrari zufolge waren diese Kritiker vergessen beurteilen sie in „ihre Mittel und in ihrer Zeit“, Aufgabe, der sie im 20. Jahrhundert geliefert, schon werden, August L Mayer oder Diego Angulo Iniguez,