Zeitgenössische Kunst

Zeitgenössische Kunst ist die Kunst von heute, die in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts oder im 21. Jahrhundert entstanden ist. Zeitgenössische Künstler arbeiten in einer global beeinflussten, kulturell vielfältigen und technologisch fortschrittlichen Welt. Ihre Kunst ist eine dynamische Kombination von Materialien, Methoden, Konzepten und Themen, die die Herausforderung von Grenzen fortsetzen, die bereits im 20. Jahrhundert weit fortgeschritten war. Die vielfältige und vielseitige zeitgenössische Kunst als Ganzes zeichnet sich durch das Fehlen eines einheitlichen Organisationsprinzips, einer Ideologie oder eines „-ismus“ aus. Zeitgenössische Kunst ist Teil eines kulturellen Dialogs, der größere kontextbezogene Rahmenbedingungen wie persönliche und kulturelle Identität, Familie, Gemeinschaft und Nationalität betrifft.

Im einheimischen Englisch sind modern und zeitgenössisch Synonyme, was zu einer gewissen Verschmelzung und Verwirrung der Begriffe moderne Kunst und zeitgenössische Kunst durch Nichtfachleute führt.

In anderen Disziplinen ist dieses Adjektiv einzigartig: Moderne Literatur und zeitgenössische Literatur bezeichnen unterschiedliche Bedeutungen. Viel klarer ist das Konzept der modernen Musik normalerweise der modernen Popmusik (aus der Musikindustrie mit Massenkonsum) vorbehalten. während das der zeitgenössischen Musik für das der akademischen Musik des 20. Jahrhunderts gemacht ist – obwohl es auch üblich ist, Veröffentlichungen und Institutionen zu finden, die beide Konfessionen aufnehmen und von „moderner und zeitgenössischer Kunst“ sprechen.

Neben der künstlerischen Praxis selbst umfasst die zeitgenössische Kunst Bereiche wie Kunstkritik und -theorie, Kunsterziehung mit ihren Bildungseinrichtungen und Kunstschulen, Kuratorium, Veröffentlichungen zeitgenössischer Kunst, Medien und Medien, öffentliches und privates Sammeln, Galerien und Messen bilden den Markt für zeitgenössische Kunst, die Produktionsindustrie für zeitgenössische Kunst und die Orte, an denen zeitgenössische Kunstwerke ausgestellt, aufbewahrt und dokumentiert werden.

Begriff
Die Begriffe zeitgenössische Kunst werden verwendet, um den Begriff moderne Kunst oder Avantgarde zu vermeiden. In der Alltagssprache steht modern für „zeitgenössisch, nach zeitgenössischem Geschmack modern“ und kann daher als Synonym für zeitgenössisch angesehen werden. Technisch gesehen ist das Konzept der Moderne im Kontext der Kunst- und Kulturgeschichte mehr oder weniger fest mit einer Epoche der Kunstgeschichte verbunden, die noch nicht abgeschlossen, aber bereits historisch ist. Insbesondere im Zusammenhang mit der Entstehung des Begriffs Postmodernismus, siehe auch postmoderne Architektur, wird die Moderne hier nicht mehr als zeitgenössisch oder zeitgenössisch angesehen.

Die Begriffe zeitgenössische Kunst sind nicht mit einem Konzept, einem künstlerischen Stil, einer Technik, einer Form oder einer Zugehörigkeit zu einer künstlerischen Strömung, Bewegung oder Gruppe verbunden. Zeitgenössische Kunst kann Malerei sein, aber auch in einer Form, die sich erst in den letzten Jahren und Jahrzehnten etabliert hat, wie Videokunst, Performance, Konzeptkunst oder abstrakte Metallskulptur.

Die Begriffe zeitgenössische Kunst können nicht nur auf das einzelne Kunstwerk abzielen, sondern auch auf ein schwer abgrenzbares kulturelles und wirtschaftliches System der Kunstproduktion, das sich teilweise mit dem Kunstgeschäft überschneidet und sich teilweise am Kunstmarkt orientiert. Viele Museen und regelmäßige Kunstausstellungen verstehen sich heute als Orte für relevante zeitgenössische Kunst. Die wichtigste Ausstellung für zeitgenössische Kunst ist die alle fünf Jahre stattfindende documenta in Kassel. Die Ausstellungsorganisatoren der documenta im Jahr 2007 im Zusammenhang mit den Begriffen zeitgenössische Kunst und aktuelle Kunst betonten, dass „aktuell“ nicht bedeutet, dass die Werke gestern entstanden sind. Sie müssen für uns heute von Bedeutung sein. „“

Umfang
Einige definieren zeitgenössische Kunst als Kunst, die in „unserem Leben“ produziert wurde, und erkennen an, dass Lebenszeiten und Lebensspannen unterschiedlich sind. Es wird jedoch anerkannt, dass diese generische Definition speziellen Einschränkungen unterliegt.

Die Klassifizierung der „zeitgenössischen Kunst“ als eine besondere Art von Kunst und nicht als eine allgemeine Adjektivphrase geht auf die Anfänge der Moderne im englischsprachigen Raum zurück. In London wurde die Contemporary Art Society 1910 von dem Kritiker Roger Fry und anderen als private Gesellschaft für den Kauf von Kunstwerken für öffentliche Museen gegründet. Eine Reihe anderer Institutionen, die diesen Begriff verwenden, wurden in den 1930er Jahren gegründet, wie 1938 die Contemporary Art Society in Adelaide, Australien, und eine zunehmende Zahl nach 1945. Viele, wie das Institute of Contemporary Art in Boston, änderten ihre Namen von denen, die sie verwendeten „Moderne Kunst“ in dieser Zeit, als die Moderne als historische Kunstbewegung definiert wurde und viel „moderne“ Kunst nicht mehr „zeitgenössisch“ war. Die Definition des Zeitgenössischen ist natürlich immer in Bewegung, verankert in der Gegenwart mit einem fortschreitenden Startdatum, und die Werke, die die Gesellschaft für zeitgenössische Kunst 1910 kaufte, konnten nicht mehr als zeitgenössisch bezeichnet werden.

Besondere Punkte, die als Zeichen für eine Veränderung des Kunststils angesehen wurden, sind das Ende des Zweiten Weltkriegs und die 1960er Jahre. Möglicherweise hat es seit den 1960er Jahren an natürlichen Bruchstellen gefehlt, und die Definitionen dessen, was „zeitgenössische Kunst“ in den 2010er Jahren ausmacht, variieren und sind größtenteils ungenau. Kunst aus den letzten 20 Jahren wird sehr wahrscheinlich aufgenommen, und Definitionen umfassen oft Kunst, die bis etwa 1970 zurückreicht. „die Kunst des späten 20. und frühen 21. Jahrhunderts“; „die Kunst des späten 20. und frühen 21. Jahrhunderts, sowohl ein Auswuchs als auch eine Ablehnung der modernen Kunst“; „Genau genommen bezieht sich der Begriff“ zeitgenössische Kunst „auf Kunst, die von heute lebenden Künstlern gemacht und produziert wird“; „Kunst von den 1960ern oder 70ern bis zu dieser Minute“; und manchmal weiter, besonders in Museumskontexten, als Museen, die eine permanente Sammlung zeitgenössischer Kunst bilden, diese Alterung unweigerlich finden. Viele verwenden die Formulierung „Moderne und zeitgenössische Kunst“, die dieses Problem vermeidet. Kleinere kommerzielle Galerien, Magazine und andere Quellen verwenden möglicherweise strengere Definitionen, was möglicherweise die Arbeit des „Zeitgenossen“ ab 2000 einschränkt. Künstler, die nach einer langen Karriere und anhaltenden Kunstbewegungen immer noch produktiv sind, können ein besonderes Problem darstellen. Galerien und Kritiker zögern oft, ihre Arbeit zwischen zeitgenössisch und nicht zeitgenössisch aufzuteilen.

Die Soziologin Nathalie Heinich unterscheidet zwischen moderner und zeitgenössischer Kunst und beschreibt sie als zwei verschiedene Paradigmen, die sich historisch teilweise überschneiden. Sie fand heraus, dass „moderne Kunst“ die Konventionen der Repräsentation in Frage stellt, während „zeitgenössische Kunst“ die Vorstellung eines Kunstwerks in Frage stellt. Sie betrachtet Duchamps Brunnen (der in den 1910er Jahren inmitten des Triumphs der modernen Kunst entstanden ist) als Ausgangspunkt der zeitgenössischen Kunst, die nach dem Zweiten Weltkrieg mit Gutais Performances, Yves Kleins Monochromen und Rauschenbergs Erased de Kooning Drawing an Dynamik gewann.

Definition
Der Begriff der „Zeitgenossenschaft“ ist in erster Linie ein historischer Begriff. Nach diesem Ansatz würde die heutige Zeit ab 1945 mit dem Ende des Zweiten Weltkriegs beginnen, und der Einfachheit halber befassen sich die meisten Studien mit der Zeit, die 1945 beginnt und bis heute andauert.

„Zeitgenossenschaft“ bedeutet auch „Gleichzeitigkeit“. Zeitgenössisch ist das, was in der gleichen Zeit ist. Das „Zeitgenössische“ wäre daher die Art und Weise, wie es heute gemacht wird. In der Kunst hat dieser Begriff eine ästhetische Spezifität, die kontrovers diskutiert werden kann, da die Schauspieler nicht über die Distanz verfügen, die erforderlich ist, um die Werke effektiv zu würdigen. Die Bezeichnung „zeitgenössische Kunst“ muss daher nicht nur chronologisch genommen werden, da alle zeitgenössischen Produktionen nicht zum zeitgenössischen Ansatz gehören und auch nicht behaupten, dies zu sein.

Neue Referenzen ermöglichen es, die zeitgenössische Methode zu definieren. Eine der ersten ist die Übertretung gegen die vorherige Ära; daher möchte der Begriff „zeitgenössische Kunst“ seine Unabhängigkeit nicht nur in Bezug auf den Begriff der sogenannten „klassischen“ Kunst, in Bezug auf „bildende Kunst“ und auf ihre Kategorien (Malerei, Skulptur usw.) behaupten, sondern auch in Bezug auf das Konzept auf „moderne“ Weise. Der zeitgenössische Weg hat daher an sich Ausschlüsse. Es ist Teil der Fortsetzung der „modernen Kunst“ und möchte dem ein Ende setzen.

Darüber hinaus wird der Ausdruck „zeitgenössische Art“ heute für noch lebende und aktive oder noch fähige Künstler verwendet, was in diesem Fall den Ursprung der zeitgenössischen Methode in den 1960er Jahren mit Pop-Art, Konzeptkunst, Fluxus und Happenings begründen würde oder Videokunst. Mit diesen künstlerischen Strömungen würde die Periode der modernen Kunst und die Theorie von Clement Greenberg, die sie als Suche nach der Spezifität der Technik definierte, enden.

Bei dieser ständigen Suche nach einer Definition von Zeitgenossenschaft spielen Kunstkritik und Institutionen eine wichtige Rolle. Daher sind Kunstformen, deren Themen nicht die Trends widerspiegeln, die durch „zeitgenössische“ Kritik gefördert werden, generell vom zeitgenössischen „gekennzeichneten“ Ansatz ausgeschlossen.

Aus geografischer Sicht, ausgehend von den wichtigsten Medienorten, hauptsächlich Western (Paris, London, New York), und mit dem Fall der Berliner Mauer im Jahr 1989, dann dem Aufstieg Chinas zu diesem damaligen Planeten der zeitgenössischen Kunst wurde global, Afrika und Lateinamerika konnten sich dieser Entwicklung nicht entziehen.

Themen
Eine der Schwierigkeiten, die viele Menschen haben, sich zeitgenössischen Kunstwerken zu nähern, ist ihre Vielfalt – Vielfalt von Material, Form, Thema und sogar Zeiträumen. Es zeichnet sich „durch das Fehlen eines einheitlichen Organisationsprinzips, einer Ideologie oder eines einheitlichen -ismus aus“, das wir so oft in anderen und oft bekannteren Kunstperioden und Bewegungen sehen. Im Großen und Ganzen sehen wir in der Moderne die Betrachtung modernistischer Prinzipien – der Schwerpunkt der Arbeit liegt auf der Selbstreferenz und der Untersuchung ihrer eigenen Materialien (Untersuchungen von Linie, Form, Farbe, Form). Ebenso betrachtet der Impressionismus unsere Wahrnehmung eines Moments durch Licht und Farbe im Gegensatz zu Versuchen eines starken Realismus (auch der Realismus ist eine künstlerische Bewegung).

Zeitgenössische Kunst hingegen hat kein einziges Ziel oder einen einzigen Standpunkt. Stattdessen ist seine Ansicht unklar und spiegelt möglicherweise die heutige Welt wider. Es kann daher widersprüchlich, verwirrend und offen sein. Es gibt jedoch eine Reihe gemeinsamer Themen, die in zeitgenössischen Werken aufgetaucht sind. Während diese nicht erschöpfend sind, umfassen bemerkenswerte Themen: Identitätspolitik, Körper, Globalisierung und Migration, Technologie, zeitgenössische Gesellschaft und Kultur, Zeit und Erinnerung sowie institutionelle und politische Kritik. Postmoderne, poststrukturalistische, feministische und marxistische Theorien haben eine wichtige Rolle bei der Entwicklung zeitgenössischer Kunsttheorien gespielt.

Geschichte

Ursprünge
Das Aufkommen der Fotografie hat viele Künstler aus dem 19. Jahrhundert wie Degas beeinflusst und zur Entstehung moderner Kunst beigetragen. Kunst hat nicht mehr nur die wichtige Funktion, die Realität getreu darzustellen, die Fotografie ist dazu besser in der Lage, Kunst kann jetzt andere Formen ausprobieren, die Kanons der Schönheit brechen und neue Experimente und konzeptuelle Ideen anbieten.

Die zeitgenössische Kunst hat die Grundlage für die Experimente der modernen Kunst (frühes xx. Jahrhundert) und insbesondere für den Wunsch, Kunst aus traditionellen und institutionellen Orten herauszuholen. In diesem Sinne verliert die Kunst allmählich ihre repräsentative Funktionalität. Die zeitgenössische Schöpfung bleibt ein Spiegel für eine Realität, die von Konflikten und Machtübernahmen geprägt ist, die diese Angriffe auf die Rationalität verursachen. Kunst spiegelt die Krise der Gesellschaft wider und bleibt Ausdrucksort von Werten. Die Beziehungen zwischen Kunst und Geschichte werden weder qualitativ noch quantitativ bewertet, aber sie führen zu einer institutionelleren Konzeption von Kunst: Sammler, Hauptsitze, Galerien, Museen usw., um sich einem breiteren Publikum zu öffnen. Die Akteure der modernen Kunst in ihrem Wunsch, ihre künstlerische Meinung außerhalb institutioneller Rahmenbedingungen zu äußern, um die Öffentlichkeit anzusprechen, bleiben jedoch mit Institutionen verbunden. Ihr Ansatz bestand darin, sich einer Ideologie (Heartfield in Richtung Nationalsozialismus) zu widersetzen oder im Gegenteil an der Verbreitung eines politischen Gedankens teilzunehmen.

Trotz des Endes der in der modernen Kunst auferlegten Ideologien greifen aktuelle Künstler dieses Erbe selbst auf, indem sie ihr tiefes Engagement für Institutionen zum Ausdruck bringen. Insbesondere wenn ihre Empfindlichkeit gestört ist.

Heute erlebt die zeitgenössische Kunst den Niedergang moderner Ideologien (in den 1960er Jahren, dann ab 1990 mit dem Fall des Kommunismus). Es basiert auf neuen Verhaltensweisen: stilistische Erneuerung, künstlerische Vermischung, unterschiedliche Ursprünge, technologische Künste (Zugang zur mathematischen Kraft von Computern und Ergonomie von Software), Herangehensweise an die Realität. Technologien haben der Kunst immer Werkzeuge gebracht. Heute nutzt der Künstler es als Medienwerkzeug und erfindet neue. Es basiert auf historischer Kultur, aufgeführt; liest, besucht, versteht, sucht, spezialisiert, konzentriert sich auf das Thema und geht über das hinaus, was getan wurde. Er nimmt manchmal Stellung, möchte demonstrativ oder schockierend sein, auf jeden Fall sucht er Medienberichterstattung.

Von den „schönen Künsten“ bis zu den bildenden Künsten
Die zeitgenössische Kunst basiert auf den Experimenten der modernen Kunst und behauptet regelmäßig die Verletzung, die Marcel Duchamp und andere, die die Kunstpraxis von den klassischen Zwängen der Repräsentation befreit hatten, eröffnet hatten.

Das postmoderne Denken hat die meisten Probleme der zeitgenössischen Kunst formuliert, die von ideologischen Strömungen (Kommunismus und Kapitalismus) befreit sind, ohne jedoch engagierte Künstler daran zu hindern, politische oder ideologische Missbräuche zu kritisieren.

In Frankreich bildet die Schaffung der Fakultäten für bildende Kunst eine Grundlage für die Anfechtung des akademischen Unterrichts der schönen Künste; Fächer, die früher dem Bereich Kunstvermittlung, Soziologie, Ethnologie, Ästhetik und anderen fremd waren, leiten die künstlerische Forschung im Einklang mit ihren jüngsten Entwicklungen.

Der formalen Suche nach Schönheit folgen neue ästhetische Forschungspfade, von denen die radikalste, Konzeptkunst, Minimalismus, Performance, Körperkunst, die Bedeutung und Wahrnehmung von Kunst dauerhaft verändert, was manchmal zu einer ersten hermetischen Sicht auf den Uneingeweihten wird.

Bestimmte Strömungen wie die neuen Realisten, die freie Figuration und die Transavantgarde sowie bestimmte Scharfschützen verließen jedoch nicht die traditionellen Medien, während sie ihre kreativen Ansätze radikal veränderten.

Die Aufteilung der Medientypen (Malerei wird oft zugunsten von Installationen, Performances oder anderen aufgegeben) und der Inhalt der Werke verändern die Netzwerke der Kunstvermittlung grundlegend. Neben neuen Galerien gibt es neue Ausstellungskontexte und das Erscheinen neuer Verbreitungsmedien.

In Paris war der Salon Comparaisons im Museum of Modern Art in Paris 1954 der Treffpunkt aller Aussteller dieser Trends, die im selben Raum mit figurativen und abstrakten Malern der Malerei konfrontiert wurden Staffelei.

Zeitgenössische Kunst im Zeitalter der Globalisierung
Ab den 1980er Jahren tauchten die Künste mit einer starken „technologischen“ Komponente auf, mit Videokunst, Kommunikationsästhetik, Computerkunst und anschließend digitaler Kunst, Biokunst usw. Die Liste ist nicht vollständig und verfolgt den Fortschritt sehr genau der industriellen Forschung.

In den 1990er Jahren verlieh die westliche zeitgenössische Kunst vielen Künstlern aus sogenannten „Entwicklungsländern“ ihr „Label“, das in der Vergangenheit fast nicht vorhanden war. Die Paradigmen der Globalisierung und der Verlust klassischer Raum-Zeit-Referenzen haben persönliche Ansätze geschätzt, oder biografische, soziologische, sogar religiöse Komponenten werden innerhalb des Arbeitsprozesses geschätzt.

Die mit dem Internet verbundene Kommunikation spielt eine immer wichtigere Rolle bei der Rezeption und Vermittlung zeitgenössischer Kunst vor den Ausstellungen selbst, die zunehmend staatliche Vermittlungsstrukturen integrieren. Es gibt Platz für „Berater für zeitgenössische Kunst“, die kostenlos über zukünftige Werte beraten. Die Veränderungen in den am weitesten entwickelten Ländern (insbesondere der wachsende Anteil des tertiären Sektors) haben zu einem zunehmend allgemeinen Bedarf an Kunst geführt, was die Aufgabe der Künstler, die die Krise zwingt, jedoch nicht erleichtert.

Zeitgenössische Kunst, die in den Augen der Öffentlichkeit oft dunkel und provokativ ist, wird oft als Emanation einer offiziellen Kunst angesehen. Es ist jedoch heute viel mehr akzeptiert und verbreitet als früher; Ein Anstieg von Werken ungleicher Qualität macht es verwirrend und erfordert meistens eine persönliche Investition der Öffentlichkeit (siehe Moderne Kunsttheorien).

Im Internet gelistete Werke zeitgenössischer Kunst sind auch ein potenzieller finanzieller Glücksfall, der Modeeffekte auf Kosten wirklich origineller Werke nicht ausschließt.

Zwischen Medium und Mediation
Neben den klassischen Medien (Ölgemälde, Pastell, Sanguinik, Bronze, Marmor usw.) liebt die zeitgenössische Kunst besonders neue Medien, auch „Nicht-Medien“. Insbesondere die kurzlebige oder „in Bearbeitung“ befindliche Berufung vieler Werke stellt den Begriff des Mediums in Frage, der oft eher zu einem einfachen Vermittlungsvektor als zu einer stabilen Unterstützung wird. Dies steht im Einklang mit der in den 1980er Jahren begonnenen Transformation der Informationsmedien, die sich allmählich zugunsten einer Logik der „Beziehung“ entmaterialisieren:

„Greifbare“ Medien
Spiegel (Art & Language Mirror Piece)
Abfall (Ein Frühstück von Daniel Spoerri), verschiedene Materialien (Beton, Erde, Sand usw.)
Kot (Mistkünstler von Piero Manzoni), Urin, Blut
Polystyrol, Polyurethan, Silikon, Kunststoff usw. (Caesar-Erweiterungen)
Verschiedene Objekte mehr oder weniger transformiert oder degradiert (Ansammlungen von Arman und Gérard Deschamps)

„Immaterielle“ Medien
Umwelt (speziell für Land Art, James Turrell Licht)
Situationen hic et nunc (Kollektiv soziologischer Kunst)
Aktuelle Projekte (in Arbeit von Roman Opałka)
Presseerfahrung (Space Media Fred Forest)

„Technologische“ Medien
Mikrofilme (Kunst & Sprache)
Fax (Hans Haacke)
Computersoftware (Kunst & Sprache Das kybernetische Kunstwerk, das niemand gebrochen hat)
Net.art
Mechanische Systeme (Stelarc)
Lebende Gene (Biokunst)

Bestimmte Medien wie die Fotografie, die zum „bildenden Künstler“ (Joel-Peter Witkin) wird, und das Kino, das zum „experimentellen Künstler“ wird (Cremaster-Serie von Matthew Barney), haben (auf die gleiche Weise) den Status einer eigenen Kunst erlangt als Malerei, Skulptur oder Musik) und bilden heute autonome Kategorien.

Der heute vielfach hinterfragte Begriff der Multimediakunst stellt den Status von Werken aus Installationen in Frage, die oft gemischte Aufführungen sind, wie sie in den 1950er Jahren erschienen sind.

Institutionen
Das Funktionieren der Kunstwelt hängt von Kunstinstitutionen ab, die von großen Museen über private Galerien, gemeinnützige Räume, Kunstschulen und Verlage bis hin zu den Praktiken einzelner Künstler, Kuratoren, Schriftsteller, Sammler und Philanthropen reichen. Eine große Spaltung in der Kunstwelt besteht zwischen dem gewinnorientierten und dem gemeinnützigen Sektor, obwohl in den letzten Jahren die Grenzen zwischen gewinnorientierten privaten und gemeinnützigen öffentlichen Einrichtungen zunehmend verschwommen sind. Die bekannteste zeitgenössische Kunst wird von professionellen Künstlern in kommerziellen Galerien für zeitgenössische Kunst, von privaten Sammlern, Kunstauktionen, Unternehmen, öffentlich finanzierten Kunstorganisationen, Museen für zeitgenössische Kunst oder von Künstlern selbst in von Künstlern geführten Räumen ausgestellt. Zeitgenössische Künstler werden durch Stipendien, Preise und Preise sowie durch den Direktvertrieb ihrer Werke unterstützt. Karrierekünstler bilden sich an der Kunstschule aus oder kommen aus anderen Bereichen.

Zwischen öffentlich finanzierten Organisationen für zeitgenössische Kunst und dem kommerziellen Sektor bestehen enge Beziehungen. Zum Beispiel berichtete das Buch Understanding International Art Markets and Management im Jahr 2005, dass in Großbritannien eine Handvoll Händler die Künstler repräsentierten, die in führenden öffentlich finanzierten Museen für zeitgenössische Kunst zu sehen waren. Kommerzielle Organisationen umfassen Galerien und Kunstmessen.

Unternehmen haben sich auch in die Welt der zeitgenössischen Kunst integriert, indem sie zeitgenössische Kunst in ihren Räumlichkeiten ausstellen, Preise für zeitgenössische Kunst organisieren und sponsern und umfangreiche Unternehmenssammlungen aufbauen. Werbekunden nutzen häufig das Prestige von zeitgenössischer Kunst und Coolhunting, um die Verbraucher auf Luxusgüter aufmerksam zu machen.

Die Kunstinstitutionen wurden dafür kritisiert, dass sie das regeln, was als zeitgenössische Kunst bezeichnet wird. Outsider-Kunst zum Beispiel ist buchstäblich zeitgenössische Kunst, da sie in der Gegenwart produziert wird. Ein Kritiker hat jedoch argumentiert, dass dies nicht berücksichtigt wird, da die Künstler Autodidakten sind und daher davon ausgegangen werden, dass sie außerhalb eines kunsthistorischen Kontexts arbeiten. Handwerkliche Aktivitäten wie das Textildesign sind trotz des großen Publikums für Ausstellungen ebenfalls vom Bereich der zeitgenössischen Kunst ausgeschlossen. Der Kunstkritiker Peter Timms hat gesagt, dass die Aufmerksamkeit auf die Art und Weise gelenkt wird, wie Handwerksgegenstände bestimmte Werte unterschreiben müssen, um in den Bereich der zeitgenössischen Kunst aufgenommen zu werden. „Ein Keramikobjekt, das als subversiver Kommentar zur Natur der Schönheit gedacht ist, passt eher zur Definition der zeitgenössischen Kunst als eines, das einfach nur schön ist.“

Zu jeder Zeit kann ein bestimmter Ort oder eine bestimmte Gruppe von Künstlern einen starken Einfluss auf die nachfolgende zeitgenössische Kunst haben. Zum Beispiel war die Ferus Gallery eine kommerzielle Galerie in Los Angeles und belebte die kalifornische zeitgenössische Kunstszene in den späten fünfziger und sechziger Jahren neu.

Öffentliche Einstellungen
Zeitgenössische Kunst kann manchmal im Widerspruch zu einem Publikum stehen, das nicht das Gefühl hat, dass Kunst und ihre Institutionen ihre Werte teilen. In Großbritannien wurde zeitgenössische Kunst in den 1990er Jahren ein Teil der Populärkultur, wobei Künstler zu Stars wurden, was jedoch nicht zu einer erhofften „kulturellen Utopie“ führte. Einige Kritiker wie Julian Spalding und Donald Kuspit haben vorgeschlagen, dass Skepsis, sogar Ablehnung, eine legitime und vernünftige Antwort auf viel zeitgenössische Kunst ist. Brian Ashbee kritisiert in einem Aufsatz namens „Art Bollocks“ „viel Installationskunst, Fotografie, Konzeptkunst, Video und andere allgemein als postmodern bezeichnete Praktiken“ als zu abhängig von verbalen Erklärungen in Form eines theoretischen Diskurses. Die Akzeptanz nicht traditioneller Kunst in Museen hat jedoch aufgrund sich ändernder Perspektiven auf das, was ein Kunstwerk ausmacht, zugenommen.

Sorgen
Ein häufiges Anliegen seit Beginn des 20. Jahrhunderts war die Frage, was Kunst ausmacht. In der heutigen Zeit (1950 bis heute) könnte das Konzept der Avantgarde ins Spiel kommen, um zu bestimmen, welche Kunst von Galerien, Museen und Sammlern wahrgenommen wird.

Auch die Anliegen der zeitgenössischen Kunst werden kritisiert. Andrea Rosen hat gesagt, dass einige zeitgenössische Maler „absolut keine Ahnung haben, was es bedeutet, ein zeitgenössischer Künstler zu sein“ und dass sie „aus den falschen Gründen dabei sind“.

Kritik am Konzept
Der Globalisierungsprozess stellt jedoch das Konzept eines einheitlichen Zeitgenossen in Frage. „‚Contemporary Art'“ ist ein kollektives Bild der Postmoderne. Nach sprachlicher Logik soll diese Wortkombination eine mehr oder weniger globale zeitgenössische Gemeinschaft umfassen. In Wirklichkeit fungiert es als Wertbegriff mit einer Zulassungsfunktion: Es bestimmt, was Kunst ist und was nicht. Aufgrund dieses Unterschieds wird die künstlerische Qualität der zeitgenössischen Kunst, die nicht in das etablierte Konzept der „zeitgenössischen Kunst“ passt, geleugnet.

Die folgenden fünf Auszüge fassen das Wesentliche der Kritik an der sogenannten „zeitgenössischen“ Kunst zusammen:

die Pamphletenvision von Jean Monneret, der darin im Wesentlichen eine Staatskunst sieht, die von verantwortungslosen Beamten unterstützt wird, die das Geld der Steuerzahler verschwenden;
die Analyse von Philippe Lejeune, der das Ende der Dialektik der Befürworter der zeitgenössischen Kunst erreicht, indem er ihre Negation der Idee der Schönheit demonstriert;
Fred Forest, der Maßnahmen ergriffen hat, um Verurteilungen zu verteidigen, die denen von Jean Monneret nahe stehen, indem er den Staat vor Verwaltungsgerichten angegriffen hat;
Der Plastikkünstler Daniel Buren bemerkt den Bankrott des Denkens in der zeitgenössischen Kunst einer leeren Kunst;
Franck Lepage zitiert während einer seiner gestikulierten Vorträge das Buch Wer leitet den Tanz? Die CIA und der kulturelle Kalte Krieg (Who Paid the Piper ?: CIA und der kulturelle Kalte Krieg) von Frances Stonor Saunders, der beschreibt, wie die CIA im Kontext des Kalten Krieges Organisationen wie den Kongress für kulturelle Freiheit finanzierte, um zeitgenössische Kunst zu fördern in Westeuropa, um es als amerikanische Kunst zu präsentieren und es der sozialen und politischen Bedeutung zu berauben.

Jean Monneret
Im Werkverzeichnis des Salon des Indépendants de 1999 veröffentlichte der Präsident des Salons, Jean Monneret, eine gewalttätige Broschüre gegen die vereinbarte Definition der zeitgenössischen Kunst, nachdem er die Beamten, die den Unterricht der bildenden Kunst und die Wahl regeln, lange kritisiert hatte vom Staat und den örtlichen Behörden erworbene Werke:

„Zeitgenössische Kunst? Alle lebenden Künstler sind Teil der zeitgenössischen Kunst. Es sind die Künstler, die Kunst machen. Alle Künstler. Frei!
Der Staat möchte jedoch, dass die Öffentlichkeit glaubt, dass es nur eine Kunst gibt, die von Interesse ist, die sogenannte „zeitgenössische“ Kunst, nämlich die Staatskunst. Als ob die Installation, die Performance oder die unkultivierte Kunst – solange die Legende, die sie begleitet, Logorrhoe ist – an sich die historische, lineare, unbestreitbare Fortsetzung der künstlerischen Tradition ist. Es ist wahr, dass in der sogenannten „zeitgenössischen“ Kunst, je weniger zu sehen ist, desto mehr zu sagen ist! In einer Ausstellung zeitgenössischer Kunst verschmelzen häufig ein Lüftungskanal, eine Notfallausrüstung oder die Fliesen der Sanitäranlagen mit den präsentierten Werken. Die Frage ist dann, wo ist die Arbeit? Die Harmonie zwischen Behälter und Inhalt ist perfekt.
In Wirklichkeit die Kunst der historischen Salons. Für die Demokratie müsste der Staat, der sich Sorgen um das Geld der Steuerzahler macht, die zeitgenössische Realität in ihrer ganzen Vielfalt ohne Ausschluss berücksichtigen … “

Philippe Lejeune
In Taylors Moralbericht vom Juli 2006 unterscheidet die Überprüfung der Gründung von Baron Taylor, dem Vizepräsidenten, Maler und Journalisten Philippe Lejeune, den Begriff der bildenden Kunst von dem der zeitgenössischen Kunst.

„Wir praktizieren eine Kunst namens„ Malerei “. Diese Aktivität wurde einst als Teil der Schönen Künste angesehen. Besorgt über die Moderne, vor allem um einen Imperativ loszuwerden, der so schwer zu ertragen ist wie die Schönheit, besteht der Streit zwischen dem Alten und dem Modernen, den wir leben, ganz einfach darin, den Bezug zur Schönheit zu entfernen. Sie konnten die traditionellen Werte der Kunst nach den Erfahrungen der Hälfte des letzten Jahrhunderts nicht mehr weiter verändern und beschlossen, immer mit demselben offensichtlichen Etikett eine völlig andere Ware zu liefern. Sie waren ehrlich, seien wir ehrlich, um ihren Namen zu ändern. Zeitgenössische Salons malen keine Salons mehr, sondern Salons für zeitgenössische Kunst.

Zeitgenössische Kunst stellt an Orten aus, an denen „Malerei“ ausgestellt wurde, was natürlich Verwirrung stiftet. Aber anstatt eine neue Kunstform zu definieren, wenden wir die Regeln einer anderen Disziplin darauf an, wie zum Beispiel einen Spieler, der die Brücke satt hat und die Regeln der Belote anpasst… Die zeitgenössische Kunst lehnt alle Regeln ab, mit Ausnahme der des Ausschlusses. Sie wissen, dass ein berühmter Slogan darin bestand, alle Verbote zu verbieten. Zeitgenössische Kunst lebt nur von Ukase. Alles außer der Darstellung.

Die zeitgenössische Kunst nennt sich konzeptuell, das heißt, wir schaffen es ausgehend von einem Konzept, eine Sensation zu schaffen.
Die Schönen Künste haben ein ganz anderes Ziel, ein ganz anderes Programm. Ausgehend vom Bewiesenen konfrontieren sie es mit kollektivem Gedächtnis, um genau zu einer Idee zu gelangen, dh zu einem Element, das verglichen werden kann. „“

Fred Forest
Nach seinem Prozess gegen die MNAM (Zentrum Georges-Pompidou) schreibt Fred Forest auf die Rückseite seines Buches Funktionieren und Funktionsstörungen zeitgenössischer Kunst (L’Harmattan, Paris, 2000):

„Dieses Buch zeigt tendenziell die Grenzen und Widersprüche eines Systems auf, das in der gegenwärtigen Eliteform nicht mehr zum Nutzen einer Handvoll privilegierter Menschen fortbestehen kann, die immer gleich sind und von Selbstgefälligkeit und öffentlichem Windschlag profitieren. Kampf der Irdenen Topf gegen den Eisentopf, es ist die Beschreibung durch die Speisekarte meiner Klage bis zum Staatsrat gegen das Zentrum Georges-Pompidou und durch ihn gegen die öffentlichen Institutionen der zeitgenössischen Kunst wegen ihrer Verweigerung der Transparenz über Akquisitionen und ihres Scheiterns Um das Gesetz von 78 über die öffentliche Buchhaltung einzuhalten. Über die Kunst hinaus ist der hier verfolgte Ansatz vor allem ein Bürgeransatz, der die eigentliche Frage nach der Verwendung öffentlicher Mittel und der Kultur in einer Demokratie stellt. “

Daniel Buren
Im September 2011 stellte Daniel Buren in der Rezension L’Œil in einem langen Interview die Unfähigkeit, Verwirrung und Insolvenz des Ausdrucks „zeitgenössische Kunst“ fest:

„Im Allgemeinen würde ich sagen, dass die überwältigende Gesundheit, die ihm zugeschrieben wird – Biennalen auf der ganzen Welt, Messen an allen Wendepunkten und überfüllte Auktionsräume – etwas paradoxe Aspekte eines Gebiets sind, das in Bezug auf das Denken am Rande steht Es ist kein Moment in der Geschichte mehr, sondern alltägliche Mode. „Zeitgenössisch“ ist ein völlig bedeutungsloser Begriff, aber es ist einer der mächtigsten Funde, die jemals gefunden wurden, um all das im Keim zu vernichten Künstler könnte im geringsten neu und verstörend präsentieren. “