Faserkunst bezieht sich auf die Kunst, deren Material aus natürlichen oder synthetischen Fasern und anderen Komponenten, wie Stoff oder Garn, besteht. Es konzentriert sich auf die Materialien und auf die manuelle Arbeit des Künstlers als Teil der Bedeutung der Werke und priorisiert ästhetischen Wert gegenüber Nutzen.

Geschichte
Der Begriff Faserkunst wurde von Kuratoren und Kunsthistorikern verwendet, um die Arbeit des Künstler-Handwerkers nach dem Zweiten Weltkrieg zu beschreiben. In diesen Jahren wurde das Design und die Produktion von „Art Fabric“ stark erweitert. In den 1950er Jahren, als die Beiträge von Kunsthandwerkern mehr Anerkennung fanden – nicht nur in der Faser, sondern auch in Ton und anderen Medien – begann eine zunehmende Anzahl von Webern, Fasern in nichtfunktionale Formen als Kunstwerke zu binden.

Die 1960er und 70er Jahre brachten eine internationale Revolution in der Faserkunst. Jenseits des Webens wurden Faserstrukturen durch Verknoten, Verknoten, Flechten, Wickeln, Plissieren, Laschen und Verflechten erzeugt. Künstler in der Vereinigte Staaten und Europa erforschte die Qualitäten von Stoffen, um Arbeiten zu entwickeln, die aufgehängt oder frei stehen konnten, „zwei- oder dreidimensional, flach oder volumetrisch, viele Geschichten hoch oder klein, nicht objektiv oder gegenständlich und gegenständlich oder fantasievoll“. Die Frauenbewegung der gleichen Zeit war wichtig, um durch die traditionelle Verbindung von Frauen mit Textilien im häuslichen Bereich zur Entstehung von Faserkunst beizutragen; Tatsächlich sind viele der bekanntesten Künstlerinnen Frauen.

Seit den 1980er Jahren ist die Faserarbeit mehr und mehr konzeptuell geworden, beeinflusst durch postmoderne Ideen. Für Faserartisten bedeutete dies neben langjährigem Experimentieren mit Materialien und Techniken „einen neuen Fokus auf die Schaffung von Arbeit, die mit kulturellen Fragen wie Gender-Feminismus, Häuslichkeit und den sich wiederholenden Aufgaben in Bezug auf Frauenarbeit, Politik, Soziales und Soziales konfrontiert war Verhaltenswissenschaften; materialspezifische Konzepte in Bezug auf die Weichheit, Durchlässigkeit, Drapierbarkeit usw. der Faser. “

Faser im Kontext der Textilkunst
Die moderne Faserkunst bezieht ihren Kontext von den Textilkünsten, die seit Jahrtausenden weltweit praktiziert werden. Traditionell wird Fasern von Pflanzen oder Tieren entnommen, beispielsweise Baumwolle aus Baumwollsamenhülsen, Leinen aus Flachsstängeln, Wolle aus Schafshaar oder Seide aus den gesponnenen Kokons von Seidenraupen. Zusätzlich zu diesen traditionellen Materialien werden jetzt synthetische Materialien wie Kunststoff-Acryl verwendet.

Damit die Faser zu Stoff oder Kleidung verarbeitet werden kann, muss sie zu einer als Garn bezeichneten Litze versponnen (oder verdrillt) werden. Wenn das Garn fertig und für den Gebrauch gefärbt ist, kann es auf eine Anzahl von Arten zu Stoff verarbeitet werden. Stricken und Häkeln sind gängige Methoden, um das Garn zu Kleidungsstücken oder Stoffen zu verdrehen und zu formen. Die häufigste Verwendung von Garn zur Herstellung von Stoffen ist das Weben. Beim Weben wird das Garn auf einen Rahmen gewickelt, der Webstuhl genannt wird und vertikal straff gezogen. Dies wird als Warp bezeichnet. Dann wird ein weiterer Garnstrang hin und her gewickelt, der über und unter der Kette gewickelt wird. Dieses umwickelte Garn wird als Schuss bezeichnet. Die meisten Kunst- und Handelstextilien werden nach diesem Verfahren hergestellt.

Seit Jahrhunderten ist Weben der Weg zur Herstellung von Kleidung. In einigen Kulturen zeigen Webformen sozialen Status. Je komplizierter das Weben, desto höher der Status. Bestimmte Symbole und Farben erlaubten auch die Identifizierung von Klasse und Position. In der alten Inka-Zivilisation beispielsweise deuteten schwarz-weiße Designs auf einen militärischen Status hin.

Im Europa zwischen dem vierzehnten und siebzehnten Jahrhundert, anstelle von Gemälden an den Wänden, gewobene Stücke, die „Tapisserien“ genannt wurden. Das Einhorn in Gefangenschaft ist Teil einer Serie, die aus sieben Wandteppichen besteht, die von Franco Flemans aus dieser Zeit als Die Jagd auf das Einhorn bekannt sind. Ein Großteil der Kunst in der Geschichte wurde verwendet, um Volksmärchen zu erzählen, die auch ein religiöses Thema hatten. Wie Mark Getlein schrieb: „Tapestry ist eine besondere Art des Webens, bei der die Schussfäden frei gehandhabt werden, um ein Muster oder Design auf der Vorderseite des Gewebes zu bilden … Oft sind die Schussgarne von mehreren Farben und der Weber kann das verwenden verschiedenfarbige Garne fast so flexibel wie ein Maler mit Pigment auf Leinwand. “

Zur gleichen Zeit in der Mittlerer Osten Faserkünstler machten keine Wandbehänge oder Wandbehänge, sondern schufen stattdessen schön gearbeitete Teppiche. Die gewebten Teppiche zeigten keine Szenen in einer Geschichte, sondern verwendeten Symbole und komplexe Designs. Ein Beispiel für diese Art von Kunst sind die riesigen Teppiche, die Ardabil Teppiche genannt werden. Getlein schrieb: „Wie die meisten islamischen Teppiche wurden sie geschaffen, indem einzelne Wollbüschel auf einen gewebten Boden geknüpft wurden.“

Eine andere Technik der Fasertechnik ist das Quilten, bei dem Stofflagen zusammengenäht werden. Obwohl diese Technik nicht so lange existiert wie das Weben, ist sie eine beliebte Kunstform in der amerikanischen Geschichte. In letzter Zeit sind Kunstfaserwandbehänge mit Steppdecken bei Kunstsammlern beliebt geworden. Diese nicht-traditionelle Form weist oft kräftige Designs auf. Quilting als Kunstform wurde in den 1970er und 80er Jahren populär.

Andere Fasertechniken sind Stricken, Teppichhaken, Filzen, Flechten oder Flechten, Makramee, Spitzenherstellung, Beflockung (Textur) und mehr. Es gibt eine Vielzahl von Färbetechniken. Manchmal werden Cyanotypie und Heliographie (Sonnendruck) verwendet.

Fiber Künstler stehen vor dem gleichen Dilemma aller Künstler; „Was ist Kunst?“ Dies gilt umso mehr für die Kunst der Fasern und andere mit dem Handwerk verbundene Medien, da sie seit langem mit der häuslichen oder utilitaristischen Produktion in Verbindung gebracht werden. Typischerweise werden Stücke wie Topflappen, die nur Mustern folgen, ohne etwas mehr zu tun, nicht als Werke von Faserkunst betrachtet. Faserkunstwerke sind Kunstwerke, die eine Art von Botschaft, Emotion oder Bedeutung vermitteln und über die wörtliche Bedeutung der Materialien hinausgehen. Glasfaserkunst steht vor der Herausforderung, wenn die Botschaft oder die Bedeutung des Kunstwerkes durch das Studium der verwendeten Materialien und ihrer Geschichte in den Hintergrund gedrängt wird und nicht, was sie zum Gesamtkunstwerk beitragen.

Feminismus und Faserkunst
Geschichte der Textilarbeit
Das Nähen war immer als Frauenarbeit angesehen worden, von der es oft Teilzeit, Gelegenheitsarbeit, am ehesten zu Hause und nicht als wichtig genug galt, um es zu erklären. In der westlichen Gesellschaft werden Textilien üblicherweise als „Textilien“ oder „Fasern“ bezeichnet. Diese beiden Begriffe verbinden am häufigsten Ideen, die mit Häuslichkeit und Kreativität der Frauen identifiziert werden. Diese Kreativität der Frauen ist arbeitsintensiv, wird aber als Arbeit dieser Frauen abgewertet, wo sie unsichtbar und als unproduktiv beschrieben wird.

Die industrielle Revolution hat die gesamte Industrie verändert. Frauen fingen an, weniger zu nähen, weil es erschwinglicher wurde, gut gemachte Kleidung aus Geschäften zu kaufen. Stoffhändler fanden heraus, dass sie die Frauen davon überzeugen mussten, zu ihren Nähmaschinen zurückzukehren, also entwickelten die Unternehmen eine Vielzahl von Strategien, um das Nähen zu revitalisieren. Ein Thema, das viele Einzelhändler anwandten, war die Botschaft, dass Nähen nicht nur Geld spart und sie ihren persönlichen Stil entdecken lässt, sondern auch ein Weg ist, weiblich zu sein und Anmut zu zeigen. Das Nähen wurde porträtiert, um eine gute Mutter und eine attraktive und sparsame Frau zu sein.

Dr. Deborah Thom, Professorin bei Cambridge Universität , hilft, eine Zeit auszumachen, in der die Faserkunst während der Stimmrechtsbewegung, in der Frauen gestickte Banner für ihre Proteste machten, eine feministische Wendung nahm.

Die Rekultivierung von Kunstfasern
In den 1970er Jahren wurde die Handarbeit von der Feministischen Bewegung zurückgefordert. Damit begann die Wiedereinführung von Textilien und Fasern in „High Art“.

Judy Chicago gründete das erste feministische Kunstprogramm in den Vereinigten Staaten und prägte den Namen Feministische Kunst mit vielen Künstlern, die mit Faserkunst arbeiten, besonders in ihrem Projekt Womanhouse. Chicago schuf eines der ersten Stücke von „high art“, das Handarbeiten und Stoffe in der Frauengeschichte einbezieht und feiert, die Dinner Party (1979) genannt wird.

Der subversive Stich
Im Jahr 1984 veröffentlichte Rozsika Parker The Subversive Stitch: Stickerei und die Herstellung des Weiblichen. Parker hat Bücher über Kunstgeschichte und Psychotherapie veröffentlicht und verwendet Theorien aus beiden Bereichen in ihrer Analyse der „Frauenarbeit“. Parker untersucht den Glauben von Frauen und Stickereien sowohl als feminin als auch als natürlich und das Erscheinungsbild von natürlichem, das tatsächlich sozial konstruiert ist.

Viele Menschen hatten unterschiedliche Reaktionen von emotional bewegt zu tief in Ungnade gefallen, nachdem sie die Ausstellungen ‚The Subversive Stitch‘ gesehen hatten, von denen im Juli 1989 zwei Shows mit dem Titel ‚Stickerei in Frauenleben 1300-1900‘ und ‚Frauen in Textilien heute‘ aufgenommen wurden Pennina Barnetts Artikel „Nachbetrachtungen zum Kuratieren des subversiven Stiches“. Die kritische Antwort von Frauen und feministischen Bewertungen und Artikeln war ähnlich. Diese beiden Shows basierten auf Parkers Buch.

Barnett beschreibt, dass sich die meisten historischen Studien der Stickerei auf Fragen von Stil und Technik konzentrieren, wo diese Ausstellungen die Idee der Weiblichkeit verfolgen, die den Frauen durch Stickerei aus dem Mittelalter aufgezwungen wurde, als sie als eine hohe Kunstform von Männern und Frauen galt, zu seiner gegenwärtigen Bezeichnung als „weibliches Handwerk“. Aber vielleicht weckt diese Ausstellung mit historischen und modernen Ausstellungen neue Ideen in den historischen Objekten. Durch das Hinzufügen von Namen und Daten zur Entstehung der Objekte werden diese wieder in die Kunstwelt gestoßen. Der Kontext, in dem diese Frauen arbeiteten, variierte stark aufgrund von Klasse, Rasse und Geschlecht und stellte neben Namen, Daten und sogar Gedichten zeitgenössischer Arbeit eine Sprache und eine neue kritische Betrachtungsweise dieses Mediums gegenüber.

Wie Ann Newdigate in ihrem Essay „Kinda art, sorta tapestry: Wandteppich als stempelhafter Zugang zu den Definitionen, Sprachen, Institutionen, Einstellungen, Hierarchien, Ideologien, Konstruktionen, Klassifikationen, Geschichten, Vorurteilen und anderen schlechten Angewohnheiten des Westens“ feststellt, gab es eine Verschiebung der Textilien nach The Subversive Stitch wurde veröffentlicht.

„1984, als Rozsika Parkers The Subversive Stitch: Stickerei und die Herstellung des Weiblichen, der sich auf Textilien konzentrierte, von selbst den konservativsten westlichen Praktizierenden nicht widerstanden werden konnte, wurde der Modernismus in der Low-Art-Sphäre schließlich gestört Neben den europäischen Textilkünstlern und den betroffenen Kuratoren, Lehrern und Kunstverwaltern in einem viel breiteren westlichen Kontext, begann der postmoderne Einfluss, auch wenn er nur vereinzelt begann, die festgezeichneten Linien hierarchischer Unterscheidungen zu überlagern Als ich meine Berufung zur Kunst aufnahm, begann ich zu fühlen, wie die oppositionellen Codes der einzelnen Sphären langsam abstießen, als ich meine Doktorarbeit schrieb und die Domestizierung des Wandteppichs von seinem früheren hohen Kunststatus (bis etwa zur Jahrhundertwende) als europäischer Mann untersuchte trainieren.

– Ann Newdigate, Kinda Kunst, Sorta Tapisserie: Tapisserie als Kurzschrift Zugang zu den Definitionen, Sprachen, Institutionen, Einstellungen, Hierarchien, Ideologien, Konstruktionen, Klassifikationen, Geschichten, Vorurteilen und anderen schlechten Angewohnheiten des Westens, Neue feministische Kunstkritik: Critical Strategies . Seite 178.
Craftivism innerhalb der Faserkünste
Craftivism ist die Fortsetzung des Handwerks für politische Zwecke von Frauen. Es ist weitgehend mit dem Feminismus der dritten Welle und anderen feministischen Bewegungen wie der Musikbewegung Riot Grrrl verbunden. Der Begriff Craftivism wurde 2003 von Betsy Greer geprägt und betreibt Craftivist Collective, ist aber technisch gesehen kein neuer Begriff.

Germaine Greer, die sich für die Verbindung von Frauen, Natur und Handwerk einsetzt. Sie argumentierte, dass Frauenhandwerk zuhause sein sollte, weil es eine lebende Kunst ist, nicht in einer Galerie oder einem Museum, weil es eine tote männliche Kultur ist, die die Verwendung von Textilien in verschiedenen Umgebungen unterstützt, von denen der Kunsthandwerker fast immer Gebrauch macht.

Faserkunst heute
In Texten wie Hoopla: Die Kunst der unerwarteten Stickerei, geschrieben von Leanne Prain, interviewt sie Faserkünstler aus der ganzen Welt, die mit verschiedenen Stilen und Materialien über ihre zeitgenössischen Praktiken in der zeitgenössischen Kunst und im kommerziellen Design arbeiten. Das Buch ist eine Dokumentation von Interviews mit vielen verschiedenen KünstlerInnen aus der ganzen Welt. Alle Interviews sind auf jeden einzelnen Künstler zugeschnitten, aber eine Frage, die Leanne Prain immer wieder stellt, lautet: „Glauben Sie, dass Ihr Geschlecht oder Ihre soziale Klasse Einfluss auf Ihre Anziehungskraft und Ihre Beteiligung an der Handarbeit hat?“. Viele Künstler in diesem Buch identifizieren sich als Feministinnen.

Jedoch sind nicht alle Faser-Künstler Feministinnen, auch nicht mit ihrer Geschichte. In einem von Karen Rosenberg geschriebenen Review über „Pricked: Extreme Embroidery“ im Museum of Arts and Design (Januar-April 2008) erklärt sie, dass es sich anhört, als wollten Kuratoren das Wort „Handwerk“ vermeiden und diese Arbeiten mit Prozess beschreiben und Materialität, von denen „weniger datiert“ klingt. Rosenberg stellt fest, dass das stärkste Argument gegen Handarbeit als Handwerk die Verwendung von Fäden als Farbe und Malerei oder zumindest die Ansprache malerischer Geste ist. Rosenberg stellt fest, dass alle ausstellenden Künstler versuchen, die Unterscheidung zwischen den dekorativen Künsten und den schönen Künsten zu verwischen. Karen Rosenberg kritisiert jedoch auch, dass die Werke zu nahe beieinander lagen, was darauf hindeutet, dass die Ausstellung wie ein Stand auf einer Handwerksmesse aussieht, so dass der Erfolg des Verlassens dieser Verbände noch nicht erreicht wurde.

In der Subversive Stitch: Stickerei und die Herstellung der Weiblichen, Kate Walker wird gesagt, dass sie hat

“ Ich habe mir nie Sorgen gemacht, dass die Verbindung von Stickereien mit Weiblichkeit, Süße, Passivität und Gehorsam die feministische Absicht meiner Arbeit untergraben könnte. Weiblichkeit und Süße gehören zur Stärke der Frau. Darüber hinaus sind Passivität und Gehorsam das genaue Gegenteil der Qualitäten, die notwendig sind, um sich in Handarbeit nachhaltig zu bemühen. Was erforderlich ist, sind körperliche und geistige Fähigkeiten, feines ästhetisches Urteil in Farbe, Struktur und Zusammensetzung; Geduld während des langen Trainings; und durchsetzungsfähige Individualität des Designs (und konsequenter Ungehorsam der ästhetischen Konvention). Stille Stärke muss nicht mit nutzloser Verwundbarkeit verwechselt werden. “

– Kate Walker, Rozsika Parker, Die Subversive Stitch: Stickerei und die Herstellung der Feminine. 1984. Drucken
Der allgemeine Ton der Textil- und Faserkunst klingt heutzutage in der Regel ähnlich der feministischen Theorie und Strategie, wenn Ann Newdigate sagt:

„Für mich ist es jetzt egal, ob das, was ich in meinem Studio mache, mit einer Neben- oder einer Hauptsprache übereinstimmt – ob es eine Art Kunst oder eine Art Textil ist. Wann immer ich eine Definition empfinde, versuche ich mich zu erinnern, mich zu fragen „Wer hat die Definition erstellt?“, „Wer braucht die oppositionellen Unterscheidungen und wird von ihnen profitieren?“, Und „Warum sollte ich diese Regeln und Konventionen einhalten?“

– Ann Newdigate, Kinda Kunst, Sorta Tapisserie: Tapisserie als Kurzschrift Zugang zu den Definitionen, Sprachen, Institutionen, Einstellungen, Hierarchien, Ideologien, Konstruktionen, Klassifikationen, Geschichten, Vorurteilen und anderen schlechten Angewohnheiten des Westens, Neue feministische Kunstkritik: Critical Strategies , Seite 181
Im Jahr 2013 gewann die kanadische Künstlerin Colleen Heslin die nationale Anerkennung für ihr Stück Almost Young and Wild and Free, das für seine „frische Herangehensweise an ein traditionelles Medium“ mit Textilien und Kunsthandwerk für eine bunte, abstrakte Leinwand aus gefärbten Materialien gelobt wurde.

Ressourcen
Es gibt viele spezialisierte Textilprogramme auf der ganzen Welt. Die königliche Schule der Handarbeit in England ist die einzige Schule, die ausschließlich der Faserkunst gewidmet ist.