Intermezzo

In der Musik ist ein Intermezzo im allgemeinsten Sinne eine Komposition, die zwischen anderen musikalischen oder dramatischen Entitäten passt, wie etwa einem Schauspiel oder Bewegungen eines größeren musikalischen Werkes. In der Musikgeschichte hatte der Begriff mehrere unterschiedliche Verwendungen, die sich in zwei allgemeine Kategorien einordnen lassen: das Opernintermezzo und das Instrumentalintermezzo.

In der Musikgeschichte hatte dieser Begriff unterschiedliche Bedeutungen. Man kann insbesondere die Operngattung des Intermezzos aus dem 18. Jahrhundert unterscheiden, das sinfonische Intermezzo, das die Werkakte und das instrumentale Interlude voneinander trennt.

Renaissance-Intermezzo
Das Intermezzo der Renaissance wurde auch als Intermedio bezeichnet. Es war ein maskenhaftes dramatisches Stück mit Musik, das zu besonderen Anlässen, vor allem bei Hochzeiten, zwischen italienischen Schauspielen aufgeführt wurde. Im späten 16. Jahrhundert war das Intermezzo die spektakulärste Form der Aufführung und ein wichtiger Vorläufer der Oper. Die berühmtesten Beispiele wurden für die Hochzeiten von Medici in den Jahren 1539, 1565 und 1589 geschaffen. Im barocken Spanien war der Entertaines oder Paso eine Ein-Personen-Comicszene, die oft in Musik und Tanz endete, zwischen Jornadas (Acts) eines Schauspiels.

Opera intermezzo
Das Intermezzo war im 18. Jahrhundert ein komisches Operninterlude, das zwischen Akten oder Szenen einer Opera seria eingefügt wurde. Diese Zwischenspiele könnten selbst substanzielle und vollständige Werke sein, obwohl sie kürzer waren als die sie umgebende Opera seria; In der Regel bildeten sie eine komische Erleichterung und einen dramatischen Kontrast zu dem Ton der größeren Oper, und oft verwendeten sie eine oder mehrere der Stockfiguren aus der Oper oder aus der Commedia dell’arte. Dabei waren sie das Gegenteil des Renaissance-Intermezzos, das gewöhnlich ein mythologisches oder pastorales Subjekt als Kontrast zu einem Comic-Hauptspiel hatte. Oft waren sie burlesken Charakter und gekennzeichnet durch Slapstick-Komödie, Verkleidungen, Dialekt und Rippchen. Das berühmteste Intermezzi aus dieser Zeit ist Pergolesis La serva padrona, eine Opernbuffa, die nach dem Tod Pergolesis von der Querelle des Bouffons losgetreten wurde.

In einigen Fällen verbreitete sich das Intermezzo-Repertorium schneller als die Opera seria selbst; Die Sänger waren oft berühmt, die Comic-Effekte waren beliebt und Intermezzi waren relativ leicht zu produzieren und zu inszenieren. In den 1730er Jahren verbreitete sich der Stil in ganz Europa, und einige Städte – zum Beispiel Moskau – verzeichneten Besuche und Aufführungen von Truppen, die Jahre zuvor Intermezzi aufnahmen, bevor eine eigentliche Opera seria durchgeführt wurde.

Die Intermède (das französische Äquivalent des Intermezzos) war Mitte des 18. Jahrhunderts der wichtigste Einfluss von außen in Paris und trug dazu bei, ein völlig neues Opernrepertoire in Frankreich zu schaffen (siehe Opéra comique).

Das Wort wurde (mit einem Hauch Ironie) als Titel der zwei Aktenoper von Richard Strauss, Intermezzo (1924), verwendet, deren Ausmaß das Intermezzo der Tradition weit übersteigt.

Viele der berühmtesten Intermezzi stammen aus Opern der Verismo-Zeit: Mascagnis Cavalleria rusticana und L’amico Fritz, Leoncavallos Pagliacci, Puccinis Manon Lescaut und Suor Angelica, Giordanos Fedora, Cileas Adriana Lecouvreur und besonders die aus Massenets Thais bekannte wie die Meditation.

Instrumentalintermezzo
Im 19. Jahrhundert erhielt das Intermezzo eine andere Bedeutung: ein Instrumentalstück, das entweder eine Bewegung zwischen zwei anderen in einem größeren Werk war oder ein Charakterstück, das für sich allein stehen konnte. Diese Intermezzi zeigen eine große Variation in Stil und Funktion: In Mendelssohns Bühnenmusik zu A Midsummer Night’s Dream dient das Intermezzo als musikalisches Verbindungsmaterial für Shakespeares Schauspiel; In der Kammermusik von Mendelssohn und Brahms sind die Intermezzi Namen für innere Bewegungen, die ansonsten Scherzi genannt würden; und die Klavierintermezzi von Brahms, einige seiner letzten Kompositionen, sind Sets unabhängiger Charakterstücke, die nichts anderes miteinander verbinden sollen. Stilistisch sind Intermezzi des 19. Jahrhunderts meist lyrisch und melodisch, insbesondere im Vergleich zu den Bewegungen auf beiden Seiten, wenn sie in größeren Werken auftreten. Insbesondere die Intermezzi von Brahms Klavier haben eine extrem große emotionale Bandbreite und werden oft als einige der schönsten Charakterstücke des 19. Jahrhunderts betrachtet.

Opernkomponisten schrieben manchmal Instrumentalintermezzi als Verbindungsstücke zwischen Opernakten. In diesem Sinne ähnelt ein Intermezzo dem Einstieg. Das bekannteste Intermezzo dieser Art ist wahrscheinlich das Intermezzo aus der Cavalleria rusticana von Mascagni. Puccini schrieb auch Intermezzi für Manon Lescaut und Madama Butterfly, und es gibt Beispiele von Wolf-Ferrari, Delius und anderen.

Auch die Bühnenmusik für Theaterstücke enthielt normalerweise mehrere Intermezzi. Schuberts Rosamunde-Musik sowie Griegs Peer Gynt enthielten mehrere Intermezzi für die jeweiligen Stücke.

Im 20. Jahrhundert wurde der Begriff gelegentlich verwendet. Shostakovich nannte einen Satz seines dunklen Streichquartetts Nr. 15 „Intermezzo“; Bartók benutzte den Begriff für den vierten (von fünf) Satz seines Concerto for Orchestra.

Symphonisches Intermezzo und Entr’acte
Die Opernform des Intermezzos, typisch für das Melodrama der zweiten Hälfte des 19. und 20. Jahrhunderts, leitet sich von der analogen französischen Form des Ent’acte ab, deren beschreibenden Charakter es enthält. Es wird manchmal mit einem Programm kombiniert, das in der Broschüre beschrieben wird. Es ist in der Tat ein Vorspiel, das nicht vor dem ersten Akt steht, sondern unmittelbar vor einem der nachfolgenden oder sogar während eines Aktes steht. Normalerweise wird angenommen, dass die symphonischen Einlagen bei geschlossenem Vorhang durchgeführt werden, jedoch mit einigen Ausnahmen.

Beispiele für sinfonische Interludien
Lohengrin von Richard Wagner (1850 – Akt III)
Carmen von Georges Bizet (1875 – Akt II, III, IV – ent’acte)
Der verlorene Sohn von Amilcare Ponchielli (1880 – IV. Akt)
Le Villi von Giacomo Puccini (1884 – 2. Akt: in zwei Teilen „L’abbandono“ und „La tregenda“)
Marion Delorme von Amilcare Ponchielli (1885 – Akt IV)
Edgar von Giacomo Puccini (1889 – Akt III und IV)
Cavalleria rusticana von Pietro Mascagni (1890 – während des Singles)
Der Freund Fritz von Pietro Mascagni (1891 – Akt III)
Pagliacci von Ruggero Leoncavallo (1892 – Akt II)
I Rantzau von Pietro Mascagni (1892 – Akt IV)
Werther von Jules Massenet (1892 – Akt IV)
Hänsel und Gretel von Engelbert Humperdinck (1893 – Akt III)
Manon Lescaut von Giacomo Puccini (1893 – Akt III)
Thaïs von Jules Massenet (1894 – Akt II – bekannt als Meditation)
Guglielmo Ratcliff von Pietro Mascagni (1895 – Akt III und IV)
Adriana Lecouvreur von Francesco Cilea (1902 – Akt IV)
Madama Butterfly von Giacomo Puccini (1904 – Akt III – ursprünglich ein Vorhang, der mitten in Akt II geöffnet wurde)
Suor Angelica von Giacomo Puccini (1918 – vor dem Finale mit offenem Vorhang)
Billy Budd von Benjamin Britten (1951 – zwischen dem zweiten und dritten Rahmen des dritten Aktes)