Die Renaissance-Skulptur ist in der Zeit zwischen den frühen Jahrzehnten des fünfzehnten und der Mitte des fünfzehnten Jahrhunderts oder so eingerahmt. Die Skulptur war auch in der Renaissance eine hochmoderne Kunst, die oft als Vorreiter der Malerei und anderer künstlerischer Formen fungierte. Unter den Florentiner „Pionieren“ der Renaissance waren zwei Bildhauer (Filippo Brunelleschi und Donatello) und ihre Leistungen waren eine dauerhafte Quelle der Inspiration für die folgenden Generationen. Mit der Reise von Donatello nach Padua (1443-1453) begannen sich die Eroberungen der Renaissance auch in Norditalien auszubreiten. Gegen Mitte des fünfzehnten Jahrhunderts wurde Rom, ein Anziehungspunkt für seine klassischen Überreste und für das umfangreiche Programm der Restaurierung und der monumentalen Rekonstruktion der von den Päpsten geförderten Stadt, der Haupttreffpunkt und der Austausch von künstlerischen Erfahrungen, die in den frühen kulminierten Jahrzehnte des sechzehnten Jahrhunderts in der römischen Renaissance.

Die Hauptmerkmale der italienischen Renaissanceplastik waren ihre Definition als einer der Wege des Wissenserwerbs und als Instrument der ethischen Erziehung des Publikums und ihr Anliegen, den Gegensatz zwischen dem Interesse an der direkten Beobachtung der Natur und den idealistischen ästhetischen Konzepten zu integrieren entwickelt von Humanismus. In einer Zeit, in der der Mensch in den Mittelpunkt des Universums gestellt wurde, nahm auch seine Darstellung eine zentrale Rolle ein, mit der Folge, dass die Gattungen des künstlerischen Akts und Porträts, die seit dem Ende des Römischen Reiches in Vergessenheit gerieten, florierten. Auch das mythologische Thema wurde wieder aufgenommen, ein Theoriekörper zur Legitimation und Leitung der Kunst der Zeit geschaffen und der enge Zusammenhang zwischen theoretischem Wissen und einer rigorosen Disziplin der praktischen Arbeit als unabdingbares Werkzeug zur Schaffung eines geschicktes Kunstwerk. Die Skulptur der italienischen Renaissance in ihren ersten drei Phasen wurde vom Einfluss der toskanischen Schule dominiert, deren Schwerpunkt Florenz war, damals das größte italienische Kulturzentrum und eine Referenz für den gesamten europäischen Kontinent. Die letzte Phase wurde von Rom angeführt, das zu jener Zeit an einem Projekt zur Durchsetzung der Universalität der Autorität des Papsttums als Erbe des heiligen Petrus und des Römischen Reiches arbeitete.

Hauptvertreter

Jacopo della Quercia
Jacopo della Quercia (Siena, 1374 – Bologna, 1438) war der größte Vertreter der sienesischen Bildhauerschule und einer der originellsten Meister des frühen 15. Jahrhunderts, der Michelangelo und einige andere beeinflusste. Es war von einer Familie von Künstlern. In c. 1406 schuf das Grab von Ilaria del Carretto in der Kathedrale von Lucca, die nur teilweise überlebt, und im Jahr 1408 eine Statue der Madonna und des Jesuskindes in Ferrara. Ein Jahr später erhielt er den Auftrag für einen großen öffentlichen Brunnen in Siena, den bekannten Gaia-Brunnen, und nahm gleichzeitig an einem großen Auftrag für Lucca, einer Statue eines Apostels, eines Altars und eines Grabes teil als Relief für eine Schrift in Siena. Die Menge an Arbeit hat ihn veranlasst, mehrere Teile an Assistenten zu liefern. Sein Hauptwerk war das Relief des Portals der Basilika von St. Petronius in Bologna, dessen Kraft ihn mit den Leistungen von Masaccio in der Malerei der menschlichen Figur vergleichen ließ. Im Jahr 1435 wurde er zum Chefarchitekten der Kathedrale von Siena ernannt.

Lorenzo Ghiberti
Lorenzo Ghiberti (Florenz, 1378-1455) wurde als Goldschmied und Maler ausgebildet und verließ 1400 Florenz, um in Pesaro zu arbeiten. Wissend, dass Florenz 1401 einen öffentlichen Wettbewerb für die Realisierung des zweiten Paares Bronzetüren des Baptisteriums von St. John eröffnet hatte, kehrte er sofort dorthin zurück. Der Beweis war die Schaffung einer Tafel, die das Opfer Isaaks darstellt und mit ihm sechs weitere Künstler konkurriert. Er gewann den Wettbewerb, der ihm sofort Ruhm brachte, aber der Job würde mehr als zwanzig Jahre dauern, um sich fertig zu machen. In dieser Zeit arbeitete er auch an Glasmalereien in der Kathedrale, entwarf Gräber und Reliefs in Florenz und Siena, fungierte als Architekturberater und bereitete einen Johannes der Täufer (1416) vor, der die erste Bronzestatue in der Größe über dem Naturtal war seit der Antike, und der erste in dieser Größenordnung in Florenz verschmolzen sein. Der technische und stilistische Erfolg des Unternehmens war zwei weitere ähnliche Aufträge wert, ein Sankt Matthäus (1419) und ein Sankt Stephan für Orsanmichele (1425). Sowohl die Türen als auch diese Statuen weisen immer noch Verbindungen zum gotischen Stil auf. Zu dieser Zeit leitete er eine große Werkstatt, heiratete, wurde reich, trat in die High Society ein, galt als der Hauptkünstler in Florenz und konnte nicht so viele Aufträge bewältigen. Durch seine Werkstatt bestanden sie als künftige Meisterschüler wie Donatello, Paolo Uccello, Michelozzo und Benozzo Gozzoli. Anscheinend war er ein liberaler Lehrer und interessiert am Fortschritt seiner Studenten, und er versteckte sein Wissen nicht. Er beendete schließlich die Tür des Baptisteriums 1424, die das wichtigste bildhauerische Set der internationalen Gotik sind und zu seiner Zeit hoch geschätzt wurden. Die letzten Tafeln dieser Türen weisen bereits auf einen Stilwechsel hin und zeigen den Einfluss von Alberti, von dem er ein Freund geworden ist, und ein tieferes Studium der klassischen Kunst, das bereits mit dem Prinzip der Perspektive arbeitet.

Sein Ruhm liegt hauptsächlich in der dritten Gruppe von Türen, den berühmten Türen des Paradieses, die zwischen 1425 und 1452 geschaffen und von Michelangelo gepriesen wurden. Im Gegensatz zu den ersten Türen, deren Paneele den Hintergrund glatt machen, behandelt die zweite Gruppe den Raum in Flachreliefs von malerischem Charakter, mit effizienter Definition von Plänen und Perspektiven, und schafft einen Landschaftsraum, der von verschiedenen Figuren und Gebäuden bevölkert ist. Hartt sagte, dass der Einfluss von Albertis Ideen so tief ist, dass die Türen eine systematische und vollständige Darstellung seiner Theorien sind. Jede Tür hat fünf große Tafeln mit Szenen aus dem Alten Testament, umgeben von einem Fries aus kleinen Statuen, ornamentalen Motiven und kleinen Medaillons mit Büsten, darunter ein Selbstporträt. Das Ensemble bildet eine der bedeutendsten Errungenschaften der Renaissance-Skulptur.

Nanni di Banco
Nanni di Banco (Florenz, 1384/90 – 1421) war ein erstklassiger Adept klassizistischer Ideale und entwickelte in seiner letzten Phase einen weniger formalistischen Stil, der großen Einfluss auf seine Nachfolger hatte. Ausgebildet von seinem Vater, auch Bildhauer, Angestellter der Kathedrale von Florenz, war sein erster Auftrag für die Kathedrale, eine Statue von Jesaja. Zwischen 1411 und 1413 schuf er für die Zunft von Orsanmichele eine bildhauerische Gruppe, die vier gekrönten Heiligen, in der er eines der schwierigsten technischen Probleme löste, mit dem die Bildhauer seiner Generation konfrontiert waren: die Darstellung mehrerer Figuren in voller Gestalt in einem Nische. Obwohl in diesem Werk noch gotische Spuren erscheinen, in der Behandlung von Kostümen, in den Köpfen und im Gesamteindruck ähnelt es der römischen Bildhauerei. Er schaffte es, die Gruppe durch eine kluge Abgrenzung von internen Plänen und Beziehungen in ihren Einstellungen formal zusammenhaltend zu halten, so dass die Figuren alle in ein Gespräch verwickelt schienen. Sein letztes Werk war eine Reliefs an einer der 1414 begonnenen Kathedralentüren, unvollständig, die möglicherweise von Luca della Robbia, seinem Schüler, vervollständigt wurde. Er schuf auch andere Statuen von Heiligen und Propheten.

Donatello
Donato di Niccolò di Betto Bardi, bekannt als Donatello (Florenz, 1386/87 – 1466), war der Sohn eines Wollkarriers; Über sein Leben ist wenig bekannt. Er war ein Freund von Humanisten und Zeitzeugen als Kenner der klassischen Kunst. Er begann als Maurerlehrling und trat zwischen 1404 und 1407 als Schüler von Ghiberti ein. In seinen prägenden Jahren gab es noch nicht eine sehr ausdrucksvolle Menge alter Werke, und so bringen seine frühen Schöpfungen noch eine starke gotische Marke, aber die erste große eigene Komposition, ein St. Georg (um 1415), entstand für die Englisch: www.db-artmag.de/2003/11/e/2/98.php Die Gilde von Orsanmichele weist bereits eine solide Kenntnis der menschlichen Anatomie auf und unterscheidet sich von allem, was zuvor in der manifesten Spannung in ihrer Haltung, in der psychologischen Charakterisierungsprüfung ihres Gesichts, in ihrer Handhabung der Strukturebenen, in die Stärke und Autonomie ihrer „Präsenz“ und in der Subtilität ihrer skulpturalen Technik. Im Relief unter der Nische, in der die Statue aufgestellt wurde, führte Donatello Neuerungen ein, die in der späteren Florentiner Kunst eine große Wirkung hatten und ein eher flaches Relief erzeugten, wo die zarte Suggestion von Plänen und Figuren eine effiziente Perspektive von Tiefe und subtilen Licht- und Schatteneffekten schafft , die es dem Charakter des Gemäldes näher bringen und die Unversehrtheit der flachen Oberfläche respektieren. Die besten Beispiele in diesem Genre sind die Reliefs der Himmelfahrt Christi und das Fest des Herodes, das zwischen 1420 und 1437 gefeiert wurde. Die gleichen Qualitäten des St. Georgs wurden mit noch größerer Kraft in der Serie von fünf Propheten ausgedrückt, die in installiert wurden Nischen im Kirchturm der Kathedrale von Florenz, von denen Habacuc zu seinen Meisterwerken zählt. Sein realistischer und intensiv expressiver Aspekt bringt sie dem römischen Porträt näher. Um 1420 arbeitete er auch in Bronze, schuf einen schönen St. Louis von Toulouse (um 1423), und in dieser Zeit hat er eine beschränkte Partnerschaft mit Michelozzo gegründet und schuf Werke für ihn Neapel und Prato. Autonom schuf er mehrere Stücke für Siena, die offensichtlich von der etruskischen Skulptur beeinflusst waren. Zwischen 1430 und 1433 war er in Rom, wo er die antiken Reliquien studierte, deren Früchte bei seiner Rückkehr ein Tabernakel und ein Chor der Basilika des Heiligen Kreuzes waren, die ein Repertoire an stark erweiterten klassizistischen Formen aufweisen. Bis 1443 arbeitete er für die Medici und schuf die Dekoration der alten Sakristei der Basilika des Heiligen Laurentius, einschließlich zehn großen Stuck-farbigen Reliefs und zwei Bronzetüren mit Figuren von Aposteln und Heiligen von intensiver Dynamik. In dieser Zeit entstand um 1440 sein gefeierter David, die erste Statue einer großen nackten und vollen Figur seit der Antike. Die perfekten Proportionen und die Ruhe seiner Einstellung machen ihn zum klassischsten aller Werke des Autors.

Zwischen 1443 und 1453 arbeitete er in Padua, schuf eine Reiterstatue des Condottiero Erasmo da Narni, genannt Gattamelata, auch eine Neuinterpretation klassischer Muster, inspiriert von dem berühmten Denkmal für Marcus Aurelius, den er in Rom getroffen hatte, überflüssige Details beseitigend und konzentrierend auf dem Prinzip des idealen Helden, ein Paradigma für die Pferdesportvertretung, die für die kommenden Jahrhunderte gültig blieb. Seine lange Anwesenheit in Padua stimulierte die Bildung einer blühenden örtlichen Bronzeschule, und die Werke, die er für die Basilika des Hl. Antonius von Padua schuf, darunter ein großes Kruzifix und der ambitionierteste Altar des Europa des 15. Jahrhunderts, wurden in anderer Form rekonstruiert – die aus 21 Reliefs in Bronze, einem großen Steinrelief und sieben lebensgroßen Statuen bestand, beeinflusste Generationen von Malern und Bildhauern Norditaliens. Nach seiner Rückkehr nach Florenz schuf er einen Heiligen Johannes den Täufer für Venedig und eine Heilige Maria Magdalena in polychromem Holz für das örtliche Baptisterium, von scharfer Expressivität, weg von der Balance und Nüchternheit der klassizistischen Tradition. Der harte und dramatische Stil dieser Stücke war ein Schock für die Florentiner, die zu einer weicheren Ästhetik neigten, und zu diesem Zeitpunkt kamen ihre Hauptbefehle von außen. Unter ihnen ein Johannes der Täufer und ein Paar Bronzetüren zur Kathedrale von Siena, von denen nur zwei Tafeln ausgeführt wurden. Er wurde wieder von den Medici angestellt und seine letzten Lebensjahre wurden damit verbracht, zwei Kanzeln, eine mit dem Thema der Auferstehung und eine andere der Passion Christi, für St. Lawrence zu schaffen, die nicht vollständig beendet, sondern die zu seinen größten gehören schwer beladene Kompositionen mit spirituellem Inhalt. Donatello verdankt auch die Ausarbeitung des Putto-Typs, einer Art von Genie, geformt wie ein kleines Kind, geflügelt oder nicht, das zu einem dekorativen Motiv des sofortigen Erfolgs und der breiten Verbreitung geworden ist.

Luca della Robbia
Luca della Robbia (Florenz, 1399 – 1482) wurde in Marmorskulpturen ausgebildet, und im Jahre 1431 begann er sein wichtigstes Werk, einen Balkon für den Chor der Kathedrale von Florenz, mit zehn Reliefpaneelen, auf denen Kinder singen, tanzen und verschiedene Musikstücke spielen Instrumente. Sein Erfolg war unmittelbar, angesichts des effizienten Naturalismus und der Atmosphäre von Jubel und Unschuld der Szenen. Dann richtete er einen Tabernakel für eine Kapelle in Florenz ein und begann um 1440 mit der Erforschung der Terrakotta, die ihn dazu brachte, eine Verglasungstechnik zu entdecken, die es ihm ermöglichte, lebhafte farbige Oberflächen zu erhalten, die nicht verblassen und undurchlässig für Wasser sind sie werden im Freien installiert. Seine erste dokumentierte Komposition in dieser Technik war ein Medaillon mit dem Thema der Auferstehung zur alten Sakristei der Kathedrale, von c. 1442. Danach widmet er sich fast ausschließlich dieser Bildhauerei und erhält Aufträge für eine große Anzahl von Stücken in Florenz und einigen anderen Städten, wie Pescia und Urbino. In den 1450er Jahren schuf er ein weiteres großes Marmorwerk, das Grab von Benozzo Federighi, Bischof von Fiesole, an der Kirche der Heiligen Dreifaltigkeit in Florenz.

Bernardo Rossellino
Bernardo Rossellino (Settignano, 1409 – Florenz, 1464), ausgebildet von Filippo Brunelleschi und beeinflusst von Luca della Robbia und Ghiberti, war Mitglied einer Familie von Bildhauern, einem gemäßigten Klassizisten und einer der großen Meister der Begräbnisskulptur, außerdem bemerkenswerter Architekt und Urbanist. Sein Meisterwerk ist das Grab von Leonardo Bruni (1444-50) in Santa Cruz, das eine neue Art von Grabdenkmal einweihte und zu den größten Errungenschaften seines Renaissancestils zählt und durch die Herstellung eines ausgewogenen Verhältnisses zwischen Skulptur und Architektur zu einem weitgehend nachgeahmten Prototyp wurde , Figuration und Dekorativismus. Weitere wichtige Werke waren das Grab von Orlando de Médici (1456-57) und das Grabmal der Seligen Villana delle Botte (1451-52), beide in Florenz.

Antonio Rossellino
Antonio Rossellino (Settignano, 1427 – Florenz, 1479) war ein bekannter Bildhauer und Architekt, Bernardos jüngerer Bruder, von dem er Unterricht und Einfluss erhielt und den er als Lehrling in verschiedenen Werken assistierte. Er war ein Meister des Porträts und hinterließ einige Stücke von großer Qualität in diesem Genre, wie jene von Giovanni Chellini (1456) und Matteo Palmieri (1468), mit einem realistischen realistischen Stil. Seine beste Arbeit ist die große Sammlung des Grabes des Kardinals von Portugal (um 1460), in St. Miniato al Monte, am Stadtrand von Florenz, mit einer komplexen Kombination von Architektur, Skulptur und Malerei. Er hatte die Hilfe von mehreren Mitarbeitern, aber für Hartt bleibt die stilistische Identität von Antonio dominant. Es stellte eine bedeutende Evolution im Konzept eines Begräbnisdenkmals dar und gab es viel größere Dynamik und Einheit, mit einer starken Charakterisierung im Porträt des Verstorbenen, eines der besten Beispiele seiner Art während des fünfzehnten Jahrhunderts. Auch mehrere Madonnen und ein anderes wichtiges Denkmal für Filippo Lazzari (1464).

Mino da Fiesole
Mino da Fiesole (Poppi, Florenz, 1429 – Florenz, 1484) wurde möglicherweise von Antonio Rossellino in Florenz ausgebildet und verbrachte einen Großteil seiner Karriere in Rom, wo er die antiken Statuen studierte und sich auf die Porträts konzentrierte. Dort hat er Beerdigungsdenkmäler für mehrere Kardinäle und für Papst Paul II. Aufgeführt. Obwohl seine Technik nicht brilliant ist, erlangte er seinen Ruhm mit Porträts, einem Genre, in dem er sich als einer der Ersten spezialisierte und in den Porträts von Pedro de Medici, Niccolò Strozzi, Astorgio Manfredi, Rinaldo della Luna und Diotisalvi Neroni bemerkenswerte Kompositionen hinterließ , unter anderen.

Desiderio da Settignano
Desiderio da Settignano (Settignano, um 1430 – 1464) wurde in eine Familie von Maurern geboren. Über seine Ausbildung ist wenig bekannt, muss aber von Donatello beeinflusst worden sein. Sie entwickelte einen Stil von großer Sanftheit, Raffinesse und Sinnlichkeit, der in Porträts von Frauen zum Ausdruck kommt und eine große Fähigkeit zum Ausdruck bringt, Gefühle von Melancholie bis Freude auszudrücken. Seine Flachreliefs zeugen von seiner Beherrschung der Perspektive und subtilen Effekte von Licht und Schatten, und seine technische und ästhetische Qualität hatte in seiner Generation keine Rivalen. Er wurde auch geschickt in Porträts von Kindern und in Andachtsstücken der Madonna und des Jesuskindes. Er ließ auch zwei große Denkmäler in Florenz, Carlo Marsuppinis Grab in der Basilika des Heiligen Kreuzes (um 1453-55) und Tabernakel des Sakraments in der Basilika von St. Lawrence (1461), beide von besonderer Bedeutung für die nachfolgende Entwicklung von die Skulptur in ihren Genres, mit perspektivischen Ebenen in den Rückseiten der Reliefs und einer Modellierung von Figuren, die die Konturen betont und die Kleider mit Eleganz und Flüssigkeit behandelt, um Anatomie und Bewegung zu suggerieren. Die Behandlung der Oberflächen ist auch anders, mit einem polierten Satin, der den Charakteren eine Aura der Süße verleiht.

Francesco Laurana
Francesco de la Vrana, bekannt als Francesco Laurana (Vrana, damals Teil der Republik Venedig, um 1430 – Avignon, um 1502), Bildhauer und Medailleur, war einer der Initiatoren des Renaissancestils in Frankreich. Der erste Teil seines Lebens ist unklar, und die frühesten Nachrichten, die über ihn erscheinen, stammen aus den 1450er Jahren, als er von Alphonse II von Aragon angeheuert wurde, um einen Triumphbogen in Castel Nuovo in Neapel zu schaffen. Zwischen 1461 und 1466 arbeitete er für Renato I. von Neapel, für den er Medaillen schuf, und 1468 war er in Sizilien, wo er seine letzten Jahre zwischen Sizilien, Neapel und Südfrankreich verbrachte. Hinterließ mehrere Madonnas und Porträts von Frauen, von denen Battista Sforza berühmt ist, deren Zartheit und Raffinesse sie der höfischen Kultur der Zeit spiegeln lassen, die durch die Suche nach Eleganz und aristokratischer Distanzierung und für die Reserve und formelle Wirtschaft gekennzeichnet ist, Details verwerfend und erschaffend Formen, die sich der geometrischen Abstraktion annähern und sie mit großer technischer Expertise ausführen.

Andrea vom Verrocchio
Andrea di Francesco di Cione, besser bekannt als Andrea del Verrocchio (Florenz, 1435 – Venedig, 1488) war der Sohn eines Töpfers, und in seiner Kindheit litt die Familie unter Armut. Die Überlieferung besagt, dass er von einem Goldschmied namens Giuliano Verrocchi ausgebildet wurde, von dem er den Nachnamen angenommen hätte. Um 1460 beginnt er ein Studium der Malerei, vielleicht als Schüler von Alesso Baldovinetti und Filippo Lippi, als Botticelli-Kollege. Ein paar Jahre später, mit dem Tod von Donatello, der der Liebling der Medici war, nahm er seinen Platz als Schützling ein und produzierte für sie Gemälde und Skulpturen, sowie Entwürfe für Dekorationen, Gewänder und Rüstungen. Als konservativer Erbauer der antiken Sammlungen der Familie restaurierte er zahlreiche römische Büsten und Statuen. Dann begann sich sein Ruhm auszubreiten, eröffnete eine große Werkstatt, die viele Schüler anzog, darunter Leonardo da Vinci und Perugino, und war ein Einfluss für Benedetto da Maiano und Botticelli. Trotz seiner Berühmtheit als Maler und seiner Produktion, die als bedeutend gelten sollte, kann ihm heute fast nichts mehr zugeschrieben werden. Er widmete sich verstärkt der Bildhauerei, aber auch in diesem Bereich sind seine authentischen Werke, wenn auch in größerer Zahl, noch wenige.

Sein erster großer Orden war ein Grabmal für Petrus und Johannes von Medici in der alten Sakristei des hl. Laurentius, das 1472 fertiggestellt wurde und das durch die Originalität seines Designs und seine inspirierende Verwendung von farbigem Marmor und Porphyr in Verbindung mit reichem Bronzeornament beeindruckt. Er machte dann eine Figur, Junge mit einem Delphin, zu einem Springbrunnen in der Villa Medicea di Careggi, der sein Interesse an der Bewegung offenbarte und für die Entwicklung der Spiralform wichtig war, die man als Schlangenfigur kennt, die bevorzugte Form des Manierismus. Sein Ruf als einer der großen Basrelief-Bildhauer des fünfzehnten Jahrhunderts mit dem Kenotaph von Kardinal Niccolò Forteguerri für die Kathedrale von Pistoia, begann 1476, aber nie abgeschlossen, nur nach seinem Tod abgeschlossen. Obwohl seine ursprüngliche Konzeption von anderen Handwerkern verändert wurde, bleibt es ein zuverlässiges Zeugnis seiner großen Fähigkeit, sowohl in der Zusammenstellung einer theatralischen Effektserie, die die Lösungen des Barock vorwegnahm, als auch in der einheitlichen und dynamischen Zeichnung der Szenen in den Reliefs und in seiner tadellosen technischen Ausführung. In der Basrelief-Technik hinterließ er auch eine Tafel mit der Darstellung der Niederlage des Hl. Johannes des Täufers, der Kathedrale von Florenz (1480) und einer Madonna für ein Krankenhaus (um 1477). Zu dieser Zeit produzierte er zwei Büsten, das Porträt von Julian de Médici, von großem Realismus, und die Dame mit einem Blumenstrauß, wo er eine neue Art von Büste schuf, die die Arme der Figur beinhaltete. Die wichtigste Skulptur, die er für Florenz schuf, war möglicherweise die Gruppe von Christus und St. Thomas, die in Orsanmichele (1467-83) zu sehen ist, die sich durch ihre technische Perfektion und die originelle Kompositionslösung im engen Raum der Nische auszeichnet. Im Jahr 1483 reiste er auf Wunsch von Venedig zu einem großen Reiterdenkmal, um den Condottiero Bartolomeo Colleoni zu feiern, der von der Arbeit Donatellos inspiriert war, aber seine Dynamik und den Eindruck von Stärke und Entschlossenheit übertraf . Es ist neben den Arbeiten von Donatello das wichtigste Denkmal in seiner Gattung der Renaissance, und war sehr einflussreich auf die barocken Bildhauer, und sogar die neoklassischen und romantischen. Nachdem er das Modell beendet hatte, starb er jedoch, bevor er die Arbeit abschloss. Der Abschluss wurde Alessandro Leopardi anvertraut, dessen Teilnahme am Endergebnis der Komposition Anlass zur Diskussion gibt.

Andrea della Robbia
Die lange Karriere von Andrea della Robbia (Florenz, 1435 – 1525) erstreckt sich über die dritte und vierte Phase. Wie sein Onkel Luca war er anscheinend als Marmorbildhauer ausgebildet und widmete die meisten seiner Bemühungen der Schaffung polychromer keramischer Terrakotta, mit der er berühmt wurde. Seine ersten Arbeiten in dieser Technik wurden um 1463 für das Krankenhaus der Unschuldigen in Florenz durchgeführt. Sein wichtigstes Werk ist die Serie großer Reliefs für die Wallfahrtskirche von Monte Alverne in der Nähe von Assisi in den 1480er Jahren. In den frühen Jahren des 16. Jahrhunderts beschäftigte seine Werkstatt bereits viele Lehrlinge und erhielt prächtige Aufträge von verschiedenen Kathedralen und Adligen. Er war ein sehr produktiver Bildhauer, und seine Kompositionen sind in vielen italienischen Städten wie Prato, Volterra, Chiusi, Neapel, Viterbo, Pistoia, Bibbiena, Montalcino und Montevarchi und einigen mehr zu finden. Sein Stil vereint einen reichen Sinn für Dekorativismus mit einem nüchternen, zarten und eleganten Figurendesign, mit einer Neigung zur umgangssprachlichen Erzählung des unmittelbaren populären Reizes und einer durchdringenden Charakterisierung in den Porträts. Seine zahlreichen Bilder der Madonna und des Jesuskindes sind von großer Zärtlichkeit und konnten sich den dramatischsten Gefühlen ihrer Pietàs und Kreuzigungen nähern, aber ohne Exzesse.

Pietro Lombardo
Pietro Lombardo (Carona, Herzogtum Mailand, 1435 – Venedig, 1515) war der Anführer der venezianischen Renaissance-Schule und Vater von Tullio Lombardo und Antonio Lombardo, ebenfalls Bildhauer. Seine frühen Arbeiten zeigen florentinischen Einfluss, aber sein reifer Stil war der germanischen und flämischen Kunst verpflichtet. Sein erstes bekanntes Werk ist das Grabmal von Antonio Roselli (1464-67) in der Basilika St. Antonius in Padua. Um 1467 zog er nach Venedig, produzierte zahlreiche Monumente und arbeitete auch als Architekt. Seine bemerkenswerteste Produktion in Venedig ist das Grabmal der Familie Malipiero (um 1463) und das des Dogen Pietro Mocenigo (um 1476-81) in der Basilica di San Giovanni und Paulus. Mit einem überfüllten Workshop überließ er später den meisten seiner Arbeiten seinen Assistenten, einschließlich seiner Kinder, und projizierte und überwachte nur die Arbeit. Er war der Architekt und Hauptbildhauer der Kirche Santa Maria dos Milagres zwischen 1481 und 1489, der als eines der besten Renaissancebauten der Stadt galt und einen starken lokalen Einfluss ausübte. 1482 schuf er in Ravenna das Grab von Dante Alighieri und entwarf 1485 sein Meisterwerk, das Zanetti-Grab, dessen praktische Arbeit an seine Söhne übergeben wurde. Seine letzten Jahre wurden als Baumeister des Herzogspalastes verabschiedet.

Matteo Civitali
Matteo Civitali (Lucca, 1436 – 1502), Bildhauer und Architekt, war die Hauptfigur der Schule von Lucca. Er begann sich erst nach seinem 40. Lebensjahr der Bildhauerei zu widmen, zuvor war er als Friseur tätig. Er studierte in Florenz bei Antonio Rossellino und Mino da Fiesole. Seine Hauptwerke befinden sich in der Kathedrale von Lucca, darunter der Altar von St. Roman, das Grabmal von Pietro Noceto und ein Heiliger Sebastian. Er schuf auch Skulpturen von Adam und Eva, Abraham und mehreren Heiligen für die Kathedrale von Genua.

Tullio Lombardo
Tullio Lombardo (Venedig, 1455-1532) war Pietros Sohn und Schüler und wie er in Bildhauerei und Architektur arbeitete, aber die Unbezahlbarkeit des Stils seines Vaters aufgab und die Konventionen des Klassizismus annahm, auch beeinflusst durch das Werk der Hellenisten wie die neu entdeckte Laocoon Group. Eines seiner wichtigsten Werke ist das Dogengrab Andrea Vendramin, das prunkvollste Renaissancegrabmal in Venedig, das ursprünglich eine Statue Adams (um 1490-95) enthielt, heute im Metropolitan Museum of Art, ein lebensgroßer Superlativ, eindeutig inspiriert von der klassischen Ikonographie von Bacchus und Antinoos. Bemerkenswert für die Reinheit des verwendeten Marmors und die feine Verarbeitung, war dieser Adam der erste große Akt, der aus der Antike geschnitzt wurde. Er führte auch das Grab von Guidarello Guidarelli, Porträts, allegorische Reliefs und hinterließ eine Reihe von neun Reliefpaneele für die Basilika von St. Antonius in Padua, mit Szenen aus dem Leben des Heiligen, wo er eine Erzählweise von großem Adel und dramatischen präsentiert Beredsamkeit, sehr ähnlich den Beispielen des alten Roms.

Antico
Pier Jacopo Alari Bonacolsi, Spitzname Antico (Mantua oder Gaztuolo, 1460-1528), begann seine Karriere als Medailleur, interessierte sich für Malerei, arbeitete als Restaurator von antiken Statuen und war ein Schützling von Isabella d’Este, aber sein Ruhm ist aufgrund seiner Fähigkeiten auf dem Gebiet der Kleinplastik eine Reihe von dekorativen Stücken für private Auftraggeber zu schaffen, die jedoch eine ästhetische Verfeinerung und eine erstklassige technische Qualität aufweisen. Er war einer der ersten Bildhauer, der die kommerziellen Möglichkeiten der Herstellung von Kopien seiner Werke in Bronze durch die indirekte Technik des verlorenen Wachses erkannte, als bis dahin der Gebrauch von einzigartigen Stücken war. Sein Stil neigt zum Klassizismus, den er bei der Schaffung von Bildern der griechisch-römischen Mythologie ausübte. Für seine Liebe zur Antike erhielt er seinen Spitznamen, der „alt“ bedeutet.

Andrea Sansovino
Andrea Coducci, genannt Andrea Sansovino (Florenz, um 1467-1529) war ein Architekt und Bildhauer, dessen Stil den Übergang von der dritten Phase der Renaissance zur Hochrenaissance zeigt. Seine erste wichtige Komposition war der Altar des Sakraments (1485-90) in der Basilika des Heiligen Geistes in Florenz, mit einem hochqualitativen Handwerker und einer großen Betonung der Emotionen. Er verbrachte mehrere Jahre in Portugal und war 1502 wieder in Florenz, als die Gruppe der Taufe Christi an der Fassade des Baptisteriums von St. John installiert wurde. Nur der Täufer ist sein ganzer, und der Engel ist ein ganz anderer Künstler, aber die elegante, nüchterne und würdevolle Auffassung des Ganzen, neben der großen Schönheit der Körper, macht es zu einem der ersten wichtigen Werke der Hochrenaissance. Für die Villa Medicea di Poggio a Caiano hat er eine Reihe polychromer Friese angefertigt. 1505 ging er nach Rom, um unter Papst Julius II. Zwei Gräber zu errichten, die fast identisch mit den Kardinälen Ascanio Sforza und Girolamo della Rovere in der Kirche Santa Maria del Popolo waren. Sein letzter großer Auftrag war es, den Bau mehrerer Gebäude in der Stadt Loreto und die Ausschmückung des örtlichen Santa Casa zu überwachen, wo er ein Relief der Verkündigung großen plastischen Reichtums schnitzte.

Michelangelo
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, bekannt als Michelangelo (Caprese, Florenz, 1475 – Rom, 1564), war die dominierende Figur der italienischen Bildhauerei des 16. Jahrhunderts, ebenso wie ein Maler und Architekt des gleichen Typs. Er war einer der berühmtesten und einflussreichsten Künstler der westlichen Kunst und begann seine Lehre bei Ghirlandaio erst relativ spät im Alter von 13 Jahren, nachdem er die väterliche Opposition überwunden hatte. Sein Talent wurde bald erkannt und er wurde ein Medici Schützling, erlangte Zugang zu seiner Sammlung antiker Skulpturen und erhielt einige Bildhauerunterricht von Bertoldo di Giovanni. Eines seiner frühesten Werke war Madonna del Ladder (um 1491) im Stil der Flachreliefs von Desiderio da Settignano und schuf dann eine Variation eines Motivs, das in einem römischen Sarkophag gefunden wurde, der Schlacht der Kentauren (um 1492) ), dessen Dynamik gelobt wurde. 1494 wurden die Medici aus der Stadt vertrieben und Michelangelo suchte in Bologna eine Anstellung an Nebenfiguren des Dominikanergrabes (1494-95), die aber originell und ausdrucksvoll sind und sich auf die klassische Ikonographie beziehen. Er reiste nach Rom, der damals kulturell wichtigsten Stadt, und schuf seine erste großformatige Komposition, einen betrunkenen Bacchus (1496-97) in der Größe über dem Natürlichen, von großer Virtuosität in Konzeption und Ausführung, die offenbar an einen Sammler verkauft wurde als wäre es ein Stück Antike. Der Erfolg des Werkes brachte ihm einen weiteren Auftrag, eine Pietà (1498-99), die sofort Anerkennung fand und ihn wegen seiner Originalität der Komposition und seines außergewöhnlich feinen Finishs zum Vorreiter unter den italienischen Bildhauern machte dieser letzte Aspekt.

Sofort wurde er nach Florenz berufen, um einen monumentalen David (1501-1504) zu schaffen, dessen Design den Lösungen des Klassizismus besonders nahe kommt. Die Arbeit war noch erfolgreicher als die anderen und wurde durch Entscheidung der Gemeinde auf einem öffentlichen Platz vor dem Stadtpalast als Symbol der Florentiner Republik installiert. Die Pietà und David sind zu Ikonen der italienischen Renaissance geworden und gehören zu den berühmtesten Werken der westlichen Bildhauergeschichte. In der Zwischenzeit war er auch an der Ausarbeitung verschiedener Madonnen für private Mäzene beteiligt und muss von Leonardo da Vinci beeinflusst worden sein, der nach zwanzig Jahren Abwesenheit nach Florenz zurückgekehrt war und alle Begeisterung geweckt hatte. AfterDavids Arbeit begann sich dem Manierismus zuzuwenden, doch die letzte Blüte des Hochrenaissanceklassizismus ist der Moses (1513-15), von großer Majestät, aufgeführt als Teil eines ehrgeizigen Grabmals für Papst Julius II. In der Basilika von St. Peter in Chained , never completed according to the original plan, two Slaves (1513-1516), also unfinished and part of the same project, and an elegant Christ Redeemer (1519-1520) entirely naked for the Church of Santa Maria on Minerva, who impressed his contemporaries to the point of Sebastiano del Piomboto say that only his knees were worth more than all of Rome.Ja, es war ihre Nacktheit, die als unglaublich angesehen wurde, verdeckt, so wie sie heute ist.

Jacopo Sansovino
Jacopo Tatti, bekannt als Jacopo Sansovino (Florenz, 1486 – Venedig, 1570) studierte ab 1502 bei Andrea Sansovino, die zu Ehren des Beinamen gab. 1505 begleitet die Architekten Giuliano da Sangallo nach Rom, wo er römische Architektur und Bildhauer studierte und von Papst Julius II. Als Restaurator alter Bildhauerei wurde eingesetzt. Nach Florenz zurückkehrend, ein St. James (1511-18) für die Kathedrale und einen Bacchus (um 1514). 1518 war wieder in Rom und arbeitete in einer Nossa Senhora do Parto (um 1519) für die Kirche St. Augustinus, die den Einfluss des anderen Sansovino offenbart, und in einem anderen St. James (1520) für die Kirche Santa Maria in Monserrato der Spanier.

Nach dem „Sack von Rom“ nach 1527 nach Venedig, wo die klassische Ästhetik der Hochrenaissance einführte, die viel länger dauerte als in Rom. Seine ursprüngliche Produktion in dieser Stadt ist ansprechend und elegant, und seine Arbeiten können zu einem niedrigeren und strengeren Klassizismus zurückgehen. In der Kirche des Erlösers (1556-61), in der Kirche des Erlösers. Er hat auch als Chefarchitekt und Stadtplaner der Stadt, später als eine der größten Architekten des Manierismus.