João Louro: Ich werde Ihr Spiegel / Gedichte und Probleme sein, Portugal Pavillon im Palazzo Loredan, Biennale Venedig 2015

Der Portugal-Pavillon befindet sich im wunderschönen Palazzo Loredan in Campo Santo Stefano und zeigt die Ausstellung „Ich werde dein Spiegel / Gedichte und Probleme“ von João Louro

Das Motto der Ausstellung, Ich werde dein Spiegel sein, stammt aus einem Lied des Velvet Underground. Die über eine Reihe von Glühbirnen verteilten Texte des Liedes empfangen und verabschieden sich gleichzeitig von den Besuchern in dem, was sowohl der erste als auch der letzte Raum ist. Die Verwendung von beleuchteten Wörtern oder Phrasen war ein wiederkehrender Faktor in João Louros Werk, und wie in anderen Werken ist das Verschwinden so weit entfernt wie das einer Geste: das Licht auszuschalten.

Der Schwerpunkt des Projekts, das João Louro in Venedig präsentiert, ist der Titel eines Songs aus Velvet Underground – „Ich werde dein Spiegel sein“. Louro gibt einen Überblick über seine Karriere, seine künstlerischen und kulturellen Überzeugungen, seine Anliegen sowie ästhetische und soziologische Entscheidungen. João Louro ist durch Elemente aus dem Minimalismus und der Konzeptkunst ein intensiv konzeptueller Künstler, dessen Intensität sich in seiner Darstellung und Interpretation der Welt, in seiner musikalischen Formulierung der Erfahrung und in seinem Engagement zeigt, die Dinge an ihre Grenzen zu bringen, durch a atemberaubende Entfaltung von kalkulierter Spannung und Kontrolle. Louro baut seine eigene Welt nach den Spuren auf, die seine Lesungen, Musik und das Kino auf seinem Weg hinterlassen haben. Durch die Verschmelzung dieser Spuren baut er eine Art Autobiographie auf, ein persönliches Tagebuch, in dem die Texte oder Ereignisse mit Bedeutung aufgeladen sind.

Die speziell für den portugiesischen Pavillon geschaffenen Werke, die außerordentlich gut an den Raum in jedem Raum der Bibliothek des Palazzo Loredan angepasst wurden, unterstreichen die Besorgnis, die João Louro immer gezeigt hat, um neue semantische Aspekte zu generieren und Zweifel an den von unserem Bild akzeptierten Normen zu wecken Kultur sowie die Umwandlung der Rolle des Zuschauers in die eines Teilnehmers, die Schaffung erfundener Orte und die Vorstellung von Szenen und bewohnenden Worten, die es uns ermöglichen, unsere tiefsten Wünsche und Bestrebungen zu kultivieren.

Die Arbeiten Dead Ends beziehen sich auf die Herausforderung der Sprache. In diesen verwendet er Verkehrszeichen als Symbole, die automatisch erkennbar sind; erst danach erreicht der zuschauer die zweite leseebene, die der inhalt ist.

In der Serie „Blind Images“ wird der Zuschauer mit einer Leinwand konfrontiert, auf der das Bild ausgeblendet wurde, versteckt unter einer Beschichtung aus glänzendem Acryl und einer Glasscheibe, die die Wirkung eines Spiegels erzeugt. Am unteren Rand der Leinwand befindet sich ein Text, der auf das abgebrochene Bild anspielt oder es beschreibt, wodurch unterschiedliche Ansätze für sichtbare oder unterschiedliche Perspektiven hervorgerufen werden, durch die das Bild betrachtet werden kann.

João Louros konzeptuelle Arbeit ist eine Frage nach den Grenzen und der Ausdrucksfähigkeit des Bildes, die sich außerhalb des engen Randes des Kunstwerks selbst widerspiegelt.

Biografie
João Louro (Lissabon, 13. November 1963) ist ein portugiesischer Künstler. Er studierte Architektur an der Universität von Lissabon und Malerei an der ARCO School of Art and Communication. Seine künstlerische Karriere begann in den neunziger Jahren. Er beginnt mit der Malerei, erweitert seine Tätigkeit jedoch bald auf andere Mittel wie Fotografie, Skulptur und Installation und verwandelt diese Vielfalt in ein inneres Merkmal seiner Arbeit. Er vertritt Portugal auf der Biennale in Venedig 2015

Als Nachkomme der konzeptuellen und minimalen Kunst, mit besonderem Augenmerk auf die Avantgarde des frühen 20. Jahrhunderts, zeichnet sein Werk eine Topographie der Zeit nach, mit persönlichen, aber vor allem generationsbezogenen Bezügen. Eines der Hauptziele seiner Arbeit ist die Reorganisation des visuellen Universums. Das andere vorrangige Thema ist die Sprache in ihrem Potenzial und ihren Aspekten. „João Louro reist ununterbrochen auf diesen beiden großartigen Werken, die sich niemals einem Ende zwischen ihnen nähern – Bild / Sprache. Trotzdem sind sie für die permanente Konfrontation in der Arbeit bestimmt.

Das erste Hauptthema, das sich auf das Bild bezieht, hat seinen Ursprung im Übermaß. “ João Louro ist bestrebt, seine Macht in Frage zu stellen, seine Grenzen zu testen und Störungen in der scheinbaren Stabilität des Sinns zu verursachen, den jede visuelle Darstellung hat. In diesem Prozess wird der Gebrauch der Sprache wesentlich und der Künstler „stellt Wörter und Bilder nebeneinander und schafft neue Bedeutungen und neue Erfahrungen“. Innerhalb dieses zweiten großen Themas, Sprache, umfasst der Künstler die Sprache selbst, Übersetzungen, Schriftsteller, Bücher und Gedichte. Seine Arbeit wird als „strategisches Instrument zur kritischen Vermittlung des Realen, das beharrlich das Übermaß und die Macht des Bildes und des geschriebenen Wortes in westlichen Gesellschaften erforscht“ angenommen. Gleichzeitig soll seine Arbeit das romantische Paradigma unterbrechen und die Rolle des Zuschauers hervorheben. Der Betrachter ist die Schlüsselfigur für die Vervollständigung des Kunstwerks, da sich für João Louro der Wert des Kunstwerks aus der Verbindung ergibt, die zwischen dem Werk und dem Betrachter hergestellt wird.

2005 nahm er an der Ausstellung „Art Experience“ im Pavilhão Itália auf der 51. Biennale von Venedig teil, die von Maria de Corral kuratiert wurde. Ebenfalls 2005 nahm er am Projekt „Insite 05 – Kunstpraktiken im öffentlichen Bereich“ in S. Diego (USA) / Tijuana (Mexiko) teil. Aus seinem umfangreichen Lehrplan mit Einzelausstellungen in Portugal und im Ausland fallen folgende auf: „Runaway Car Crashed # 2“, Serralves Museum in Porto (1999); „La Pensée et l’Erreur“, Fundació Joan Miró in Barcelona (2000); „Blind Runner“, Centro Cultural de Belémin Lissabon (2004/2005); „LA Confidential“, Christopher Grimes Galerie in Santa Monica (2007); „The Great Houdini“, Zentrum für zeitgenössische Kunst in Bragança (2010), „My Dark Places“, MACRO – Museum für zeitgenössische Kunst in Rom (2010); „Ich werde dein Spiegel sein – Gedichte und Probleme“, Biennale von Venedig (2015) und „Schmuggel“, MACE – Museum für zeitgenössische Kunst in Elvas (2015).

Die Ausstellung

Raum 1
Auf dem Foto, das 2005 am Flughafen Miami aufgenommen wurde, wartet João Louro auf die Ankunft von Walter Benjamin. Dieses Bild führt in den Verlauf der Ausstellung ein und verweist auf die wiederkehrenden Themen seiner Arbeit: Unsichtbarkeit und Abwesenheit…

Sackgassen
Die Arbeiten Dead Ends beziehen sich auf die Herausforderung der Sprache. In ihnen verwendet Louro Verkehrszeichen als Symbole, die automatisch erkennbar sind. Erst später erreicht der Zuschauer die zweite Leseebene, die ihr Inhalt ist. Diese variable Sprache ist nur eine Möglichkeit, neue Bedingungen für die Erzeugung von Bedeutung zu schaffen. Die Sackgassen stehen aufgrund ihrer starken physischen Komponente als Objekte und gleichzeitig als Konzepte.

In diesem Fall hat Louro Teile des Textes der Tschaikowsky-Oper Iolanta verwendet, ein Werk, das sich mit Blindheit oder der Unmöglichkeit des Sehens und des Sprachgebrauchs befasst, um der Landschaft, dem Licht und dem Himmel eine Form zu geben . Kurz gesagt, um die Welt zu beschreiben, die uns umgibt.

Blinde Bilder
In der Serie Blind Images wird der Zuschauer mit einer Leinwand konfrontiert, auf der das Bild gelöscht wurde. Diese Serien helfen uns zu verstehen, dass der Abstand zwischen Wörtern und Bildern nicht so groß ist wie der zwischen Wörtern und Objekten oder zwischen Kultur und Natur.

In diesem Fall handelt es sich um einen riesigen „fotografischen Film“, der die wenigen vorhandenen Fotos von Maurice Blanchot enthält (einem Schriftsteller, der stets auf seine Privatsphäre und sein Image geachtet hat). Während dieser Arbeit können wir diese Bilder durch einen Text kennenlernen, der auf das eliminierte Foto anspielt oder es beschreibt, wodurch unterschiedliche Herangehensweisen an die sichtbaren oder unterschiedlichen Ansichten hervorgerufen werden, durch die man sich einem Bild nähern kann.

Raum 4
In diesen beiden Werken ist das eliminierte Bild das einzige existierende Foto von Arthur Rimbaud als Erwachsener, der wie Blanchot nie fotografiert werden wollte. Die Relevanz, die Louro der Sprache verleiht, die das Bild beschreibt, unterstreicht noch weiter die Bedeutung von Literatur, Poesie und Vorschlägen.

In diesen Arbeiten verbirgt sich die Realität unter einer Schicht glänzender Acrylfarbe, über der sich eine Glasscheibe befindet, die die Wirkung eines Spiegels erzeugt, in dem der Zuschauer reflektiert wird, wodurch die Zuschauer zu einem Teil der Arbeit werden.

Karte
Die zerknitterte Karte hinterlässt eine etwas verstörende Botschaft, als ob sehr entfernte Teile miteinander verbunden werden könnten, als würde die Welt neu organisiert, so dass sie durch das Knicken die Entfernungen verkürzt. Andererseits ist sie ein „Emblem der heutigen Welt“ das führt nicht und ist desorientiert “.

Spiegelleiter
Die Spiegelleiter, anscheinend die gleiche wie so viele andere Treppen, die wir kennen, aber in Bezug auf die Louro ihre Funktion negiert hat, macht es unmöglich, sie zu benutzen, aber genau wie in den blinden Bildern ist der Zuschauer wieder der Protagonist, wenn er ist darin reflektiert.

Abdeckungen
In diesen Werken reproduziert Louro Buchumschläge, deren Größe stark zunimmt, um uns zum Lesen all seiner literarischen, poetischen und philosophischen Idole zu führen und so mit ihnen einen Raum zu konstruieren, in dem er leben kann

Raum 5

Titelbild Nr. 16, Stirrings Still, Samuel Beckett (2015)
Cover # 17, Bouvard und Pécuchet, Gustave Flaubert (2015)
Cover # 18, Porträt des Künstlers als junger Hund, Dylan Thomas (2015)
Cover Nr. 19, Bartleby, der Scrivener, Herman Melville (2015)

Das Ende
Die Ausstellung endet mit der Ankündigung des Endes, mit der Arbeit The End, die uns auf die Vorstellung von Hollywood zurückführt.

Palazzo Loredan
Das venezianische Institut für Wissenschaften, Briefe und Künste entstand aus dem Nationalen Institut, das Napoleon zu Beginn des 19. Jahrhunderts für Italien wünschte.

Es wurde dann 1838 von Kaiser Ferdinand I. von Österreich mit dem heutigen Namen neu gegründet, mit der Trennung des lombardischen Instituts für Briefe und Kunstwissenschaften. Mit der Vereinigung von Venetien und Italien wurde das Institut zusammen mit den Hauptakademien der Staaten vor der Vereinigung als von nationalem Interesse anerkannt, obwohl dem kulturellen und wissenschaftlichen Leben der Region Venedig weiterhin größte Aufmerksamkeit geschenkt wurde.

1866 übernahm das venezianische Institut für Wissenschaften, Briefe und Künste auch einen Teil der bis dahin dem Magistrate alle Acque zugewiesenen Positionen, die nach der Annexion Venetiens an das Königreich Italien unterdrückt worden waren. 1871 wurde am Hauptsitz des Instituts der erste Gezeitenmesser zur systematischen Kontrolle der Gezeiten in Venedig und zur statistischen Analyse des Hochwasserphänomens installiert. Das Institut kümmerte sich um die Beobachtungen bis 1908, als er die Instrumente und das dazugehörige Dokumentenarchiv an das Hydrographische Amt der Gemeinde spendete.

Der erste Sitz des Istituto Veneto war der Palazzo Ducale, der 1893 in den Palazzo Loredan verlegt wurde. 1999 wurde der zweite Hauptsitz des Palazzo Franchetti gekauft, der 2004 eingeweiht wurde.

Aktivitäten
Das Institut „zielt darauf ab, die Wissenschaften, Briefe und Künste zu fördern, zu verbreiten und zu schützen“ (Artikel 1 des Statuts).

„Das Institut besteht aus zwei Klassen, eine für die Natur-, Mathematik- und Naturwissenschaften, die andere für die Moral-, Buchstaben- und Kunstwissenschaften. Jede Klasse besteht aus 40 Mitgliedern für die Kategorie der effektiven Mitglieder, 80 für die der korrespondierende Mitglieder und 25 für ausländische Mitglieder „(Artikel 2 der Satzung).

Neben der normalen akademischen Tätigkeit und den monatlichen Mitgliederversammlungen fördert das Institut regelmäßig wissenschaftliche und humanistische Veranstaltungen, Studienversammlungen, Konferenzen, Seminare, internationale Spezialisierungsschulen und die Organisation von Kunstausstellungen.

Veröffentlicht jährlich eine Zeitschrift, verschiedene monografische Bände und unveröffentlichte Werke, die als von erheblichem wissenschaftlichen Wert angesehen werden oder auf jeden Fall einen wesentlichen Beitrag zu den Studien leisten.

Bibliothek
Die Bibliothek wurde ausgehend von der Neugründung des Instituts im Jahr 1838 gegründet. Sie befand sich ursprünglich im Palazzo Ducale, Sitz des Veneto-Instituts von 1838 bis 1893, und wurde mit der Verlegung des Instituts in den Palazzo Loredan platziert in einer Reihe von Räumen des edlen Bodens, die für dieses Ziel eingerichtet sind, wo es sich noch befindet. In der Bibliothek befinden sich zahlreiche Manuskripte aus dem 16. und 17. Jahrhundert, Manuskripte aus dem 16. Jahrhundert, die Teil der Sammlung von Serafino Raffaele Minich sind, der Sammlung klassischer Studien von Oddone Ravenna, der gesamten medizinischen Bibliothek von Angelo Minich, der von Luigi Luzzatti, von Fabio Vitali und viele Bände stammen aus anderen Nachlässen. Die Bibliothek bewahrt auch die vom Institut veröffentlichten wissenschaftlichen Dokumente und Bände sowie eine Sammlung von Zeitschriften auf, darunter The Times (1870 – 1930), La Perseveranza (1859 – 1922), L’Osservatore Romano (1861 – 1996), La Stampa (1867 – 1948), Il Sole 24 ORE (1865-1916) und Il Gazzettino di Venezia (1887 – heute).

Seit 1990 ist die Bibliothek des Istituto Veneto Teil des SBN-Zentrums (National Library Service) in Venedig.

Medaillensammlung
Die Medaillensammlung gliedert sich in zwei Teile:

Die Industriepreismedaillen, die 1800 an die erfolgreichsten Unternehmen in Venetien verliehen wurden
Medaillen im Zusammenhang mit Gedenkfeiern, Kongressen und Veranstaltungen des Istituto Veneto

Dokumente Kretisch
1898, nach der Aufgabe der Insel Kreta durch das Osmanische Reich, wurde vom Bildungsministerium des Königreichs Italien eine von Federico Halbherr geleitete archäologische Expedition geschickt. Das venezianische Institut beschloss, einen Delegierten, den jungen Giuseppe Gerola, der von 1900 bis 1902 auf der Insel Kreta blieb, zu entsenden, um nach Spuren venezianischer Denkmäler zu suchen. Das Ergebnis dieser Expedition wird im Veneto Institute of Sciences, Letters and Arts aufbewahrt und umfasst:

1642 fotografische Platten
1642 Negative
1642 fotografische Reproduktionen
1000 Originalfotos
291 Seidenpapiere
102 saugfähige Papiere
52 Gipsabgüsse von Leoni di San Marco mit heraldischen Wappen venezianischer Familien (die meisten davon sind im Naval History Museum aufbewahrt)

Hinterlegt Bibliothek
Das Lagerhaus in der Zattere wurde gekauft, um die Bibliotheksbestände zu erhalten. Gebildet von einem einzigen Stockwerk, das mit einem Zwischengeschoss rationalisiert wurde. Im oberen Teil befanden sich die Büros für bibliografische Forschung und im Erdgeschoss wurde ein Raum für Ausstellungen und Kunstausstellungen zur Verfügung gestellt.
Die Buchablage in Mestre wurde eingerichtet, um einen Teil des Bucherbes des Instituts aufzunehmen. In diesem Gebäude sind nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs gekaufte Monographien und Zeitschriften hinterlegt. Das Lager bietet Platz für die Lagerung von Mengen mit einer Gesamtkapazität von 4.275 Laufmetern.
Casa Minich, gekauft mit einem Teil des Nachlasses von Angelo Minich, war zuerst Wohnsitz und wurde dann nach der Restaurierung durch Libero Cecchini als Buchdepot verwendet. Hier befinden sich auch das Europäische Zentrum für lebende Technologie (ECLT) und das Interuniversitätszentrum für venezianische Studien (CISVE).

Biennale Venedig 2015
Die Art Biennale 2015 schließt eine Art Trilogie ab, die mit der 2011 von Bice Curiger kuratierten Ausstellung Illuminations begann und mit dem Enzyklopädischen Palast von Massimiliano Gioni (2013) fortgesetzt wurde. Mit All The World’s Futures setzt La Biennale seine Forschung nach nützlichen Referenzen fort, um ästhetische Urteile über zeitgenössische Kunst zu fällen, ein „kritisches“ Thema nach dem Ende der Avantgarde- und „Nicht-Kunst“ -Kunst.

Durch die von Okwui Enwezor kuratierte Ausstellung kehrt La Biennale zurück, um die Beziehung zwischen Kunst und der Entwicklung der menschlichen, sozialen und politischen Realität beim Drücken äußerer Kräfte und Phänomene zu beobachten: die Art und Weise, wie, dh die Spannungen des Äußeren Die Welt erbittet die Empfindlichkeiten, die vitalen und expressiven Energien der Künstler, ihre Wünsche, die Bewegungen der Seele (ihr inneres Lied).

Die Biennale di Venezia wurde 1895 gegründet. Paolo Baratta ist seit 2008 und davor von 1998 bis 2001 Präsident. Die Biennale, die an der Spitze der Forschung und Förderung neuer zeitgenössischer Kunsttrends steht, organisiert Ausstellungen, Festivals und Forschungen in all seinen spezifischen Bereichen: Kunst (1895), Architektur (1980), Kino (1932), Tanz (1999), Musik (1930) und Theater (1934). Seine Aktivitäten sind im Historischen Archiv für zeitgenössische Kunst (ASAC) dokumentiert, das kürzlich komplett renoviert wurde.

Die Beziehung zur örtlichen Gemeinde wurde durch Bildungsaktivitäten und geführte Besuche unter Beteiligung einer wachsenden Anzahl von Schulen aus der Region Venetien und darüber hinaus gestärkt. Dies verbreitet die Kreativität der neuen Generation (3.000 Lehrer und 30.000 Schüler im Jahr 2014). Diese Aktivitäten wurden von der Handelskammer von Venedig unterstützt. Eine Zusammenarbeit mit Universitäten und Forschungsinstituten, die spezielle Führungen und Aufenthalte auf den Ausstellungen durchführen, wurde ebenfalls eingerichtet. In den drei Jahren von 2012 bis 2014 haben sich 227 Universitäten (79 italienische und 148 internationale) dem Biennale Sessions-Projekt angeschlossen.

In allen Bereichen gab es mehr Forschungs- und Produktionsmöglichkeiten für die jüngere Künstlergeneration, die in direktem Kontakt mit renommierten Lehrern standen. Dies wurde durch das internationale Projekt Biennale College, das jetzt in den Bereichen Tanz, Theater, Musik und Kino läuft, systematischer und kontinuierlicher.