Der Manierismus, auch Spätrenaissance genannt, ist ein Stil in der europäischen Kunst, der in den späteren Jahren der italienischen Hochrenaissance um 1520 entstand und bis etwa Ende des 16. Jahrhunderts in Italien anhielt, als der Barockstil ihn zu ersetzen begann. Der nördliche Manierismus setzte sich bis ins frühe 17. Jahrhundert fort.
Bezeichnung für die stilistische Phase der europäischen Kunst zwischen der Hochrenaissance und dem Barock in der Zeit von 1510-2016. Sie wird manchmal auch als Spätrenaissance bezeichnet, und die Abkehr vom Klassizismus der Hochrenaissance ist bereits erkennbar in den späten Werken von Leonardo da Vinci und Raffael und in der Kunst Michelangelos aus der Mitte seiner Schaffenskarriere. Obwohl Künstler des 16. Jahrhunderts das formale Vokabular der Hochrenaissance als Ausgangspunkt nahmen, benutzten sie es auf eine Weise, die es war Englisch: www.db-artmag.de/2005/1/e/1/302.php Es gibt also gute Gründe, den Manierismus als eine gültige und autonome Stilphase zu betrachten, wie sie von Kunsthistorikern des frühen 20. Jahrhunderts erstmals behauptet wird. Der Begriff wird auch auf einen Mal – und Stilstil angewandt Zeichnung von Künstlern, die etwas früher in Antwerpen arbeiteten, von 1500 bis 1530
Stilistisch umfasst der Manierismus eine Vielfalt von Ansätzen, die von den harmonischen Idealen, die mit Künstlern wie Leonardo da Vinci, Raphael und dem frühen Michelangelo verbunden sind, beeinflusst wurden und auf diese reagierten. Wo die Kunst der Hochrenaissance die Proportionen, das Gleichgewicht und die ideale Schönheit betont, übertreibt der Manierismus solche Qualitäten und führt oft zu asymmetrischen oder unnatürlich eleganten Kompositionen. Der Stil zeichnet sich durch seine intellektuelle Raffinesse sowie seine künstlichen (im Gegensatz zu naturalistischen) Qualitäten aus. Es begünstigt eher kompositorische Spannung und Instabilität als das Gleichgewicht und die Klarheit früherer Gemälde der Renaissance. Manierismus in der Literatur und Musik ist bemerkenswert für seinen floristischen Stil und intellektuelle Raffinesse.
Die Definition des Manierismus und die darin enthaltenen Phasen werden weiterhin von Kunsthistorikern diskutiert. Zum Beispiel haben einige Gelehrte das Etikett auf bestimmte frühe moderne Formen der Literatur (insbesondere Poesie) und der Musik des 16. und 17. Jahrhunderts angewandt. Der Begriff wird auch verwendet, um einige spätgotische Maler zu bezeichnen, die in Nordeuropa von ungefähr 1500 bis 1530 arbeiteten, besonders die Antwerpener Manieristen – eine Gruppe, die nicht mit der italienischen Bewegung verwandt ist. Der Manierismus wurde auch analog auf das Silberne Zeitalter der lateinischen Literatur angewandt.
Nomenklatur
Das Wort Manierismus leitet sich von der italienischen maniera ab und bedeutet „Stil“ oder „Art und Weise“. Wie das englische Wort „style“ kann maniera entweder eine bestimmte Art von Stil angeben (einen schönen Stil, einen abrasiven Stil) oder ein Absolutes angeben, das keine Qualifikation benötigt (jemand „hat Stil“). In der zweiten Auflage seines Lebens der hervorragendsten Maler, Bildhauer und Architekten (1568) verwendete Giorgio Vasari Maniera in drei verschiedenen Kontexten: um die Art und Weise oder Arbeitsweise eines Künstlers zu diskutieren; um einen persönlichen oder Gruppenstil zu beschreiben, wie der Begriff maniera greca, um sich auf den byzantinischen Stil oder einfach auf die maniera von Michelangelo zu beziehen; und ein positives Urteil über künstlerische Qualität zu bestätigen. Vasari war auch ein manieristischer Künstler und beschrieb die Zeit, in der er als „la maniera moderna“ oder als „moderner Stil“ arbeitete. James V. Mirollo beschreibt, wie „bella maniera“ -Dichter versuchten, die Sonette Petrarcas virtuos zu übertreffen. Diese Vorstellung von „bella maniera“ deutet darauf hin, dass Künstler, die so inspiriert waren, ihre Vorgänger kopieren und verbessern wollten, anstatt die Natur direkt zu konfrontieren. Im Wesentlichen verwendete „Bella Maniera“ das Beste aus einer Reihe von Ausgangsmaterialien und synthetisierte es zu etwas Neuem.
Als stilistisches Etikett ist „Manierismus“ nicht einfach zu definieren. Es wurde vom Schweizer Historiker Jacob Burckhardt verwendet und von deutschen Kunsthistorikern Anfang des 20. Jahrhunderts popularisiert, um die scheinbar nicht kategorisierbare Kunst des italienischen 16. Jahrhunderts zu kategorisieren – Kunst, die nicht mehr die harmonischen und rationalen Ansätze der Hochrenaissance vorweisen konnte. Die „Hochrenaissance“ konnotierte eine Epoche, die sich durch Harmonie, Erhabenheit und Wiederbelebung der klassischen Antike auszeichnete. Der Begriff Manierist wurde 1967 von John Shearman nach der Ausstellung manieristischer Gemälde von Fritz Grossmann in der Manchester City Art Gallery im Jahr 1965 neu definiert. Das Label „Manierismus“ wurde im 16. Jahrhundert verwendet, um soziales Verhalten zu kommentieren und eine raffinierte Virtuosität zu vermitteln Qualität oder um eine bestimmte Technik zu bezeichnen. Für spätere Autoren, wie den Gian Pietro Bellori aus dem 17. Jahrhundert, war „la maniera“ ein abwertender Ausdruck für den wahrgenommenen Niedergang der Kunst nach Raffael, besonders in den 1530er und 1540er Jahren. Seit dem späten 19. Jahrhundert benutzen Kunsthistoriker den Begriff häufig als Kunst, die dem Klassizismus der Renaissance folgt und dem Barock vorausgeht.
Historiker unterscheiden sich jedoch darin, ob der Manierismus ein Stil, eine Bewegung oder eine Periode ist; und während der Begriff umstritten bleibt, wird er immer noch häufig verwendet, um europäische Kunst und Kultur des 16. Jahrhunderts zu identifizieren.
Ursprung und Entwicklung
Am Ende der Hochrenaissance erlebten junge Künstler eine Krise: Es schien, dass alles, was erreicht werden konnte, bereits erreicht war. Keine weiteren technischen oder technischen Schwierigkeiten blieben zu lösen. Das detaillierte Wissen über Anatomie, Licht, Physiognomie und die Art und Weise, wie Menschen Emotionen in Ausdruck und Geste registrieren, die innovative Verwendung der menschlichen Form in figurativer Komposition, die Verwendung der subtilen Tonabstufungen, waren nahezu perfekt. Die jungen Künstler mussten ein neues Ziel finden und suchten nach neuen Ansätzen. An diesem Punkt begann der Manierismus zu entstehen. Der neue Stil entwickelte sich zwischen 1510 und 1520 entweder in Florenz oder in Rom oder in beiden Städten gleichzeitig.
Ursprünge und Vorbilder
Diese Zeit wurde als eine „natürliche Erweiterung“ der Kunst von Andrea del Sarto, Michelangelo und Raphael beschrieben. Michelangelo entwickelte schon früh seinen eigenen Stil, einen zutiefst originellen Stil, der zunächst sehr bewundert, dann von anderen Künstlern der Zeit kopiert und nachgeahmt wurde. Eine der Qualitäten, die von seinen Zeitgenossen am meisten bewundert wurden, war sein terribilità, ein Gefühl der ehrfürchtigen Großartigkeit, und nachfolgende Künstler versuchten, es nachzuahmen. Andere Künstler lernten Michelangelos leidenschaftlichen und höchst persönlichen Stil, indem sie die Werke des Meisters kopierten, eine Standardmethode, mit der die Schüler malen und formen lernten. Die Decke seiner Sixtinischen Kapelle lieferte Beispiele, denen sie folgen sollten, insbesondere seine Darstellung der gesammelten Figuren, oft Ignudi und der libyschen Sibylle genannt, sein Vorraum zur Laurentianischen Bibliothek, die Figuren seiner Medici-Gräber und vor allem sein Jüngstes Gericht. Der spätere Michelangelo war eines der großen Vorbilder des Manierismus. Junge Künstler brachen in sein Haus ein und entnahmen ihm Zeichnungen. In seinem Buch „Leben der bedeutendsten Maler, Bildhauer und Architekten“ merkte Giorgio Vasari an, dass Michelangelo einmal gesagt hat: „Wer Anhänger ist, kann niemals weitergeben, wem er folgt“.
Der Wettbewerbsgeist
Der Wettbewerbsgeist wurde von Förderern gepflegt, die geförderte Künstler ermutigten, virtuose Technik zu betonen und um Aufträge zu konkurrieren. Es trieb Künstler dazu, nach neuen Ansätzen und dramatisch beleuchteten Szenen, aufwendigen Kleidern und Kompositionen, länglichen Proportionen, hochstilisierten Posen und einem Mangel an klarer Perspektive zu suchen. Leonardo da Vinci und Michelangelo wurden von Gonfaloniere Piero Soderini beauftragt, eine Wand in der Halle der Fünfhundert in Florenz zu schmücken. Diese beiden Künstler sollten Seite an Seite malen und gegeneinander antreten, was den Ansporn zu einem möglichst innovativen Schaffen schürt.
Frühe Manierismus
Die frühen Manieristen in Florenz – besonders die Schüler von Andrea del Sarto wie Jacopo da Pontormo und Rosso Fiorentino, die für langgezogene Formen, prekär ausgeglichene Posen, eine zusammengebrochene Perspektive, irrationale Einstellungen und theatralische Beleuchtung bekannt sind. Parmigianino (ein Schüler von Correggio) und Giulio Romano (Raffaels Hauptassistent) bewegten sich in Rom in ähnlich stilisierten ästhetischen Richtungen. Diese Künstler waren unter dem Einfluss der Hochrenaissance gereift, und ihr Stil wurde als eine Reaktion oder übertriebene Erweiterung von ihr charakterisiert. Anstatt die Natur direkt zu studieren, begannen jüngere Künstler, hellenistische Skulpturen und Malereien der Vergangenheit zu studieren. Daher wird dieser Stil oft als „antiklassisch“ bezeichnet und galt damals als natürliche Weiterentwicklung der Hochrenaissance.Die früheste experimentelle Phase des Manierismus, der für seine „antiklassischen“ Formen bekannt ist, dauerte bis etwa 1540 oder 1550. Marcia B. Hall, Professorin für Kunstgeschichte an der Temple University, bemerkt in ihrem Buch After Raphael, dass Raffaels vorzeitiger Tod den Beginn des Manierismus in Rom markiert.
In früheren Analysen wurde festgestellt, dass der Manierismus im frühen 16. Jahrhundert zeitgleich mit einer Reihe anderer sozialer, wissenschaftlicher, religiöser und politischer Bewegungen wie dem kopernikanischen Modell, dem Sack von Rom und der zunehmenden Herausforderung der protestantischen Reformation an die Macht auftrat der katholischen Kirche. Aus diesem Grund wurden die länglichen Formen und verzerrten Formen des Stils einst als Reaktion auf die idealisierten Kompositionen der Hochrenaissance interpretiert. Diese Erklärung für die radikale Stilverschiebung c. 1520 ist der wissenschaftlichen Gunst entgangen, obwohl die frühe manieristische Kunst immer noch scharf gegen Konventionen der Hochrenaissance steht; Die Zugänglichkeit und Ausgewogenheit, die Raphaels Schule von Athen erreichte, schienen junge Künstler nicht mehr zu interessieren.
Hohe maniera
Die zweite Periode des Manierismus unterscheidet sich gewöhnlich von der früheren, sogenannten „antiklastischen“ Phase. Nachfolgende Manieristen betonten intellektuelle Einfälle und künstlerische Virtuosität, Eigenschaften, die spätere Kritiker dazu gebracht haben, sie anzuklagen, in einer unnatürlichen und beeinflussten „Manier“ zu arbeiten. Maniera Künstler sahen zu ihrem älteren zeitgenössischen Michelangelo als ihr Hauptmodell; es war eine Kunst, Kunst zu imitieren, statt eine Kunst, die die Natur nachahmt. Der Kunsthistoriker Sydney Joseph Freedberg argumentiert, dass der intellektualisierende Aspekt der maniera art darin besteht, dass der Zuschauer diese visuelle Referenz bemerkt und schätzt – eine vertraute Figur in einer ungewohnten Umgebung zwischen „unsichtbaren, aber gefühlten Anführungszeichen“. Die Höhe des Kunstgriffs ist die Vorliebe des Maniera-Malers, ein Zitat absichtlich zu unterschlagen. Agnolo Bronzino und Giorgio Vasari stehen beispielhaft für diese Maniera-Linie, die von etwa 1530 bis 1580 dauerte. Die Maniera-Kunst basiert hauptsächlich auf Höfen und in intellektuellen Kreisen Europas und zeigt übertriebene Eleganz mit exquisiter Aufmerksamkeit für Oberfläche und Detail: Porzellanhäutige Gestalten liegen in einer geraden Linie temperiertes Licht, das den Betrachter mit einem kühlen Blick erkennt, wenn sie überhaupt Blickkontakt haben. Das Maniera-Subjekt zeigt selten viel Emotion und aus diesem Grund werden Arbeiten, die diesen Trend veranschaulichen, oft als „kalt“ oder „unnahbar“ bezeichnet. Dies ist typisch für den sogenannten „stilvollen Stil“ oder Maniera in seiner Reife.
Verbreitung von Manierismus
Die Städte Rom, Florenz und Mantua waren manieristische Zentren in Italien. Die venezianische Malerei verfolgte einen anderen Kurs, den Tizian in seiner langen Karriere vertrat. Eine Reihe der frühesten manieristischen Künstler, die während der 1520er Jahre in Rom arbeiteten, flohen nach dem Fall Roms 1527 aus der Stadt. Als sie sich auf der Suche nach Arbeit über den Kontinent ausbreiteten, verbreitete sich ihr Stil in ganz Italien und Nordeuropa. Das Ergebnis war der erste internationale künstlerische Stil seit der Gotik. Andere Teile Nordeuropas hatten nicht den Vorteil eines solchen direkten Kontakts mit italienischen Künstlern, aber der manieristische Stil machte sich durch Drucke und illustrierte Bücher bemerkbar. Europäische Herrscher kauften unter anderem italienische Werke, während nordeuropäische Künstler weiterhin nach Italien reisten und zur Verbreitung des manieristischen Stils beitrugen. Einzelne italienische Künstler, die im Norden arbeiteten, brachten eine Bewegung hervor, die als der Nordmanierismus bekannt ist. Franz I. von Frankreich zum Beispiel wurde mit Bronzino Venus, Amor, Torheit und Zeit vorgestellt. Der Stil ging in Italien nach 1580 zurück, als eine neue Generation von Künstlern, darunter die Brüder Carracci, Caravaggio und Cigoli, den Naturalismus wiederbelebte. Walter Friedlaender bezeichnete diese Zeit als „Anti-Manierismus“, so wie die frühen Manieristen in ihrer Reaktion auf die ästhetischen Werte der Hochrenaissance „antiklassisch“ waren.
Außerhalb von Italien setzte sich der Manierismus bis ins 17. Jahrhundert fort. In Frankreich, wo Rosso für den Hof von Fontainebleau arbeitete, ist es als „Henry-II-Stil“ bekannt und hatte einen besonderen Einfluss auf die Architektur. Weitere wichtige kontinentale Zentren des nördlichen Manierismus sind der Hof Rudolfs II. In Prag sowie Haarlem und Antwerpen. Der Manierismus als stilistische Kategorie wird weniger häufig in den visuellen und dekorativen Künsten Englands angewandt, wo eher native Etiketten wie „Elizabethan“ und „Jacobean“ verwendet werden. Der Artisan Manierismus des 17. Jahrhunderts ist eine Ausnahme, die auf eine Architektur angewendet wird, die auf Musterbüchern beruht und nicht auf bestehenden Präzedenzfällen in Kontinentaleuropa.
Besonders bemerkenswert ist der flämische Einfluss in Fontainebleau, der die Erotik des französischen Stils mit einer frühen Version der Vanitas-Tradition verband, die die holländische und flämische Malerei des 17. Jahrhunderts dominieren würde. Zu dieser Zeit war der „pittore vago“, eine Beschreibung von Malern aus dem Norden, die in Frankreich und Italien in die Werkstätten eintraten, um einen wirklich internationalen Stil zu schaffen.
Skulptur
Wie in der Malerei war die frühe italienische manieristische Skulptur weitgehend ein Versuch, einen ursprünglichen Stil zu finden, der die Errungenschaften der Hochrenaissance, die in der Bildhauerei im wesentlichen Michelangelo bedeuteten, übertraf, und ein großer Teil des Kampfes dafür wurde in Kommissionen ausgetragen andere Orte auf der Piazza della Signoria in Florenz, neben Michelangelos David. Baccio Bandinelli übernahm das Projekt von Hercules und Cacus vom Meister selbst, aber es war wenig populärer als es jetzt ist, und boshaft verglichen von Benvenuto Cellini zu „einem Sack Melonen“, obwohl es eine lang anhaltende Wirkung in hatte offenbar Reliefpaneele auf dem Sockel von Statuen. Wie andere Werke von ihm und anderen Manieristen entfernt es weit mehr des ursprünglichen Blocks, als Michelangelo getan hätte. Cellinis Bronze-Perseus mit dem Kopf der Medusa ist sicherlich ein Meisterwerk, das mit acht Blickwinkeln gestaltet ist, ein weiteres manieristisches Merkmal und im Vergleich zu den Davids von Michelangelo und Donatello künstlich stilisiert ist. Der berühmte Gold- und Emailsalzkeller (1543), ursprünglich Goldschmied, war seine erste Skulptur und zeigt sein Talent von seiner besten Seite.
Kleine Bronzefiguren für Sammlerschränke, oft mythologische Motive mit Aktdarstellungen, waren eine populäre Renaissanceform, in der Giambologna, ursprünglich Flämisch, aber in Florenz beheimatet, in der späteren Hälfte des Jahrhunderts überragte. Er schuf auch lebensgroße Skulpturen, von denen zwei in die Sammlung auf der Piazza della Signoria eintraten. Er und seine Anhänger ersannen elegante langgestreckte Beispiele der Figura serpentinata, oft aus zwei ineinander verschlungenen Figuren, die aus allen Blickwinkeln interessant waren.
Frühe Theoretiker
Giorgio Vasari
Giorgio Vasaris Ansichten über die Kunst des Malens zeichnen sich durch das Lob aus, das er seinen Künstlerkollegen in seinem mehrbändigen Werk „Lives of the Artists“ schenkt: er glaubte, dass die Perfektion in der Malerei Raffinesse, Erfindungsreichtum (invenzione), ausgedrückt durch virtuose Technik, erfordere. und Witz und Studium, die in der fertigen Arbeit erschienen, alle Kriterien, die den Intellekt des Künstlers und die Sensibilität des Schirmherrn betonten. Der Künstler war nun nicht mehr nur ein gelerntes Mitglied einer örtlichen Lukasgilde. Jetzt nahm er neben Gelehrten, Dichtern und Humanisten seinen Platz am Hof ein, in einem Klima, das Wertschätzung für Eleganz und Komplexität förderte. Das Wappen von Vasaris Medici-Gönnern erscheint auf der Spitze seines Porträts, ganz so, als wäre es das des Künstlers. Die Umrahmung des Holzschnittbildes von Vasaris Leben der Künstler würde in einem englischsprachigen Milieu „Jacobean“ heißen. Michelangelos Medici-Gräber inspirieren die anti-architektonischen „architektonischen“ Merkmale an der Spitze, den papierartig durchbrochenen Rahmen, die Satyr-Akte an der Basis. Als bloßer Rahmen ist es extravagant: Manierist, kurz gesagt.
Gian Paolo Lomazzo
Eine weitere literarische Figur aus dieser Zeit ist Gian Paolo Lomazzo, der zwei Arbeiten – eine praktische und eine metaphysische – schuf, die die selbstbewusste Beziehung des manieristischen Künstlers zu seiner Kunst bestimmten. Sein Trattato dell’arte della pittura, scoltura et architettura (Mailand, 1584) ist zum Teil ein Leitfaden für zeitgenössische Konzepte des Anstandes, die die Renaissance teilweise aus der Antike, aber aus dem Manierismus erbte. Lomazos systematische Kodifizierung der Ästhetik, die typisch für die formalistischen und akademischen Ansätze des späten 16. Jahrhunderts ist, betonte eine Übereinstimmung zwischen den Funktionen des Interieurs und der Art der gemalten und gemeißelten Dekore, die geeignet wären. Ikonographie, oft verschlungen und abstrus, ist ein prominenteres Element in den manieristischen Stilen. Seine weniger praktische und metaphysischere Idea del tempio della pittura (Der ideale Tempel der Malerei, Mailand, 1590) bietet eine Beschreibung in Anlehnung an die Theorie der „vier Temperamente“ der menschlichen Natur und Persönlichkeit, die die Rolle der Individualität in Urteil und Kunst definiert Erfindung.
Einige manieristische Künstler
Jacopo da Pontormo
Jacopo da Pontormos Joseph in Ägypten zeigt, was in der Renaissance als inkongruente Farben und ein unzusammenhängender Umgang mit Raum und Zeit betrachtet wurde.
Rosso Fiorentino und die Schule von Fontainebleau
Rosso Fiorentino, der 1530 ein Schüler von Pontormo im Atelier von Andrea del Sarto gewesen war, brachte Florentiner Manierismus nach Fontainebleau, wo er einer der Begründer des französischen Manierismus des 16. Jahrhunderts wurde, bekannt als die „Schule von Fontainebleau“ .
Die Beispiele eines reichen und hektischen dekorativen Stils in Fontainebleau verbreiteten den italienischen Stil weiter durch das Medium der Gravuren, nach Antwerpen und von dort in ganz Nordeuropa von London nach Polen. Manieristisches Design wurde auf Luxusgüter wie Silber und geschnitzte Möbel erweitert. Ein Gespür für angespanntes, kontrolliertes Gefühl, das sich in ausgefeilter Symbolik und Allegorie ausdrückt, und ein Ideal weiblicher Schönheit, das durch längliche Proportionen gekennzeichnet ist, sind Merkmale dieses Stils.
Agnolo Bronzino
Manieristische Porträts von Agnolo Bronzino zeichnen sich durch heitere Eleganz und Liebe zum Detail aus. Als Ergebnis haben Bronzinos Sitter eine Distanziertheit und eine emotionale Distanz zum Betrachter projiziert. Es gibt auch eine virtuose Konzentration darauf, das genaue Muster und den Glanz von reichen Textilien zu erfassen.
Alessandro Allori
Alessandro Alloris (1535-1607) Susanna und die Älteren (unten) zeichnet sich durch eine latente Erotik und bewusst brillante Stilleben in einer überfüllten, verzerrten Komposition aus.
Tintoretto
Tintorettos Letztes Abendmahl (unten) konzentriert sich auf Licht und Bewegung und bringt das Bild zum dramatischen Leben. Anders als traditionellere Ansichten des Letzten Abendmahls zeigt Tintoretto den Himmel, der sich in den Raum öffnet, und die Engel, die in Ehrfurcht stehen, im Einklang mit der alten katholischen Maxime: „Wenn die Engel neidisch wären, würden sie die Eucharistie beneiden.“
El Greco
El Greco versuchte religiöse Gefühle mit übertriebenen Charakterzügen auszudrücken. Nach der realistischen Darstellung der menschlichen Gestalt und der Beherrschung der Perspektive, die im Klassizismus der Hochrenaissance erreicht wurde, begannen einige Künstler, die Proportionen in einem unzusammenhängenden, irrationalen Raum für emotionale und künstlerische Effekte bewusst zu verzerren. El Greco ist immer noch ein zutiefst origineller Künstler. El Greco wurde von modernen Gelehrten als Künstler so individuell charakterisiert, dass er keiner konventionellen Schule angehört. Zu den wichtigsten Aspekten des Manierismus in El Greco gehören die „saure“ Palette, die langgezogene und gequälte Anatomie, die irrationale Perspektive und das Licht sowie die obskure und beunruhigende Ikonographie.
Benvenuto Cellini
Benvenuto Cellini schuf 1540 den Cellini Salz- und Goldschmelzkeller mit Poseidon und Amphitrite (Wasser und Erde), die sich in unbequemen Positionen und mit verlängerten Proportionen befanden. Es gilt als ein Meisterwerk der manieristischen Skulptur.
Joachim Wtewaël
Joachim Wtewael (1566-1638) malte bis zu seinem Lebensende im Stil des nördlichen Manierismus, ignorierte die Ankunft des Barock und machte ihn zum vielleicht letzten bedeutenden manieristischen Künstler, der noch arbeitete. Seine Themen waren große Szenen mit Stilleben in der Art von Pieter Aertsen und mythologische Szenen, viele kleine Kabinettgemälde, die wunderschön auf Kupfer ausgeführt wurden, und die meisten mit Nacktheit.
Giuseppe Arcimboldo
Giuseppe Arcimboldo (auch Arcimboldi genannt) ist bekannt für seine Porträts, die er aus einer Stilllebenkomposition herstellte
Manieristische Architektur
Die manieristische Architektur zeichnete sich durch visuelle Tricks und unerwartete Elemente aus, die die Normen der Renaissance in Frage stellten. Flämische Künstler, von denen viele nach Italien gereist waren und dort von manieristischen Entwicklungen beeinflusst waren, waren verantwortlich für die Ausbreitung manieristischer Tendenzen nach Europa nördlich der Alpen, auch in die Architektur. Während dieser Zeit experimentierten die Architekten mit der Verwendung architektonischer Formen, um solide und räumliche Beziehungen zu betonen. Das Renaissance-Ideal der Harmonie weicht freieren und phantasievolleren Rhythmen. Der bekannteste Architekt des manieristischen Stils und ein Pionier der Laurentianischen Bibliothek war Michelangelo (1475-1564). Ihm wird zugeschrieben, den riesigen Orden zu erfinden, einen großen Pilaster, der sich von der Unterseite bis zur Spitze einer Fassade erstreckt. Er benutzte dies in seinem Entwurf für das Campidoglio in Rom.
Vor dem 20. Jahrhundert hatte der Begriff „Manierismus“ negative Konnotationen, aber er wird nun verwendet, um die historische Periode in allgemeineren nicht-wertenden Begriffen zu beschreiben. Manieristische Architektur wurde auch verwendet, um einen Trend in den 1960er und 1970er Jahren zu beschreiben, der darin bestand, die Normen der modernistischen Architektur zu brechen und gleichzeitig deren Existenz zu erkennen. In diesem Kontext schrieb der Architekt und Autor Robert Venturi „Manierismus für Architektur unserer Zeit, der eher konventionelle Ordnung als ursprünglichen Ausdruck anerkennt, aber die konventionelle Ordnung bricht, um Komplexität und Widersprüchlichkeit Rechnung zu tragen und dadurch Mehrdeutigkeit eindeutig zu erfassen.“
Renaissance Beispiele
Ein Beispiel für manieristische Architektur ist die Villa Farnese in Caprarola. in der zerklüfteten Landschaft außerhalb von Rom. Die Verbreitung von Graveuren während des 16. Jahrhunderts verbreitete manieristische Stile schneller als alle bisherigen Stile.
Die Ausstellungstürme im Schloss Colditz sind dicht mit ornamentalen „römischen“ Details verziert und veranschaulichen diesen nordischen Stil, der charakteristisch als isoliertes „Set Piece“ gegen unprätentiöse Volksmauern gilt.
Ab den späten 1560er Jahren wurden viele Gebäude in Valletta, der neuen Hauptstadt Maltas, von dem Architekten Girolamo Cassar im manieristischen Stil entworfen. Zu diesen Gebäuden gehören die St. John’s Co-Cathedral, der Großmeisterpalast und die sieben originalen Auberges. Viele von Cassars Gebäuden wurden im Laufe der Jahre, vor allem in der Barockzeit, verändert. In einigen Gebäuden, wie der Auberge d’Aragon und dem Außenbereich der St. John’s Co-Cathedral, ist jedoch immer noch der Großteil des ursprünglichen manieristischen Designs von Cassar erhalten.
Manierismus in Literatur und Musik
In der englischen Literatur wird der Manierismus gewöhnlich mit den Qualitäten der „metaphysischen“ Dichter identifiziert, von denen der berühmteste John Donne ist. Die geistreiche Sally eines Barockschriftstellers, John Dryden, gegen den Vers von Donne in der vorherigen Generation, bietet einen knappen Kontrast zwischen barocken und manieristischen Zielen in der Kunst:
Er beeinflußt die Metaphysik nicht nur in seinen Satiren, sondern auch in seinen Liebesversen, wo nur die Natur regieren soll; und verwirrt die Gedanken des schönen Geschlechts mit schönen Spekulationen der Philosophie, wenn er ihre Herzen engagieren und sie mit den Zärtlichkeiten der Liebe unterhalten sollte.:15 (Kursiv hinzugefügt)
Die reichen musikalischen Möglichkeiten in der Poesie des späten 16. und frühen 17. Jahrhunderts boten eine attraktive Grundlage für das Madrigal, das schnell zu einer herausragenden musikalischen Form der italienischen Musikkultur avancierte, wie Tim Carter sagte:
Das Madrigal, besonders in seiner aristokratischen Gestalt, war offensichtlich ein Vehikel für den „stilvollen Stil“ des Manierismus, mit Dichtern und Musikern, die in witzigen Einfällen und anderen visuellen, verbalen und musikalischen Tricks schwelgen, um den Kenner zu erfreuen.
Das Wort Manierismus wurde auch verwendet, um den Stil der hochfliegenden und kontrapunktisch komplexen polyphonen Musik zu beschreiben, die im späten 14. Jahrhundert in Frankreich hergestellt wurde. Diese Periode wird heute gewöhnlich als ars subtilior bezeichnet.
Manierismus und Theater
Die frühe Commedia dell’Arte (1550-1621): Der manieristische Kontext von Paul Castagno behandelt den Einfluss des Manierismus auf das zeitgenössische professionelle Theater. Castagno war die erste Studie, die eine theatralische Form als Manierismus definierte und das Vokabular des Manierismus und Manieras verwendete, um die Verkörperung, übertrieben und effetto des merviglioso der comici dell’arte zu diskutieren. Siehe Teil II des obigen Buches für eine vollständige Diskussion der manieristischen Eigenschaften in der Commedia dell’arte. Die Studie ist weitgehend ikonographisch und zeigt einen malerischen Beweis dafür, dass viele der Künstler, die Commedia-Bilder malten oder druckten, tatsächlich aus den Werkstätten des Tages stammten und stark in der Maniera-Tradition verankert waren.
Die Preziosität in Jacques Callots winzigen Gravuren scheint eine viel größere Skala der Handlung zu belügen. Callots Balli di Sfessania (wörtlich: Tanz des Gesäßes) zelebriert die eklatante Erotik der Commedia, mit hervortretenden Phalli, Speeren, die mit der Vorfreude auf eine komische Riesenstimme aufgeworfen werden, und grob übertriebenen Masken, die das Bestialische mit dem Menschlichen vermischen. Die Erotik der Innamorate (Liebhaber) einschließlich des Entblößens von Brüsten oder übertriebener Verschleierung war in den Gemälden und Stichen der zweiten Schule von Fontainebleau, besonders jenen, die einen franko-flämischen Einfluss erkennen lassen, durchaus in Mode. Castagno zeigt ikonographische Verbindungen zwischen der Genremalerei und den Figuren der Commedia dell’arte, die zeigen, wie diese Theaterform in die kulturellen Traditionen des späten Cinquecento eingebettet war.
Commedia dell’arte, disegno interno und die Discordia concors
Wichtige Begleiterscheinungen existieren zwischen dem disegno interno, das den disegno esterno (äußere Gestaltung) in der manieristischen Malerei ersetzt. Diese Vorstellung, eine subjektiv subtile Sichtweise als übersteigende Natur oder etablierte Prinzipien (zum Beispiel Perspektive) zu projizieren, die Betonung vom Objekt zum Subjekt hin, betont nun die Ausführung, zeigt Virtuosität oder einzigartige Techniken. Diese innere Vision steht im Mittelpunkt der Commedia-Performance. Zum Beispiel im Moment der Improvisation drückt der Schauspieler seine Virtuosität aus, ohne formale Grenzen, Anstand, Einheit oder Text zu beachten. Arlecchino wurde Sinnbild für die manieristischen discordia concor (die Vereinigung der Gegensätze), in einem Moment würde er sanft und freundlich sein, dann, auf einem Groschen, ein Dieb werden, der mit seiner Batte heftig agiert. Arlecchino konnte in der Bewegung anmutig sein, nur im nächsten Takt, um ungeschickt über seine Füße zu stolpern. Von den äußeren Regeln befreit, feierte der Schauspieler die Vergänglichkeit des Augenblicks; so wie Cellini seine Auftraggeber blenden würde, indem er seine Skulpturen drapierte und sie mit Lichteffekten und einem Sinn für das Wunderbare enthüllen würde. Die Präsentation des Objekts wurde so wichtig wie das Objekt selbst.
Neo-Manierismus
Laut dem Kunstkritiker Jerry Saltz gehört „Neo-Manierismus“ (neuer Manierismus) zu einigen Klischees, die „das Leben aus der Kunstwelt herausquetschen“. Der Neo-Manierismus beschreibt die Kunst des 21. Jahrhunderts, die von Studenten entwickelt wird, deren akademische Lehrer „sie [zu] erschrecken, sanftmütig, nachahmend und gewöhnlich zu sein“.