Minimal Music ist eine Form von Kunstmusik, die begrenzte oder minimale musikalische Materialien verwendet. In der westlichen Kunstmusiktradition zählen die amerikanischen Komponisten La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich und Philip Glass zu den Ersten, die kompositorische Techniken entwickeln, die einen Minimalansatz ausnutzen. Es entstand in der New Yorker Downtown-Szene der 1960er Jahre und wurde zunächst als eine Form der experimentellen Musik angesehen, die New York Hypnotic School genannt wird. Als Ästhetik ist sie durch eine nicht-narrative, nicht-teleologische und nicht-gegenständliche Konzeption eines work in progress gekennzeichnet und stellt einen neuen Ansatz für die Aktivität des Musikhörens dar, indem sie sich auf die internen Prozesse der Musik konzentriert, denen Ziele oder Bewegung in Richtung dieser Ziele fehlen. Zu den hervorstechenden Merkmalen der Technik gehören Konsonantenharmonie, stetiger Puls (wenn nicht unbewegliche Drohnen), Stasis oder allmähliche Transformation und oft Wiederholung von musikalischen Phrasen oder kleineren Einheiten wie Figuren, Motiven und Zellen. Sie kann Merkmale wie einen additiven Prozess und eine Phasenverschiebung umfassen, was zu dem führt, was als Phasenmusik bezeichnet wurde. Minimale Kompositionen, die stark auf Prozesstechniken beruhen, die strengen Regeln folgen, werden üblicherweise unter dem Begriff Process Music beschrieben.

Die Bewegung bestand ursprünglich aus Dutzenden von Komponisten, obwohl nur fünf (Young, Riley, Reich, Glass und später John Adams) entstanden, um öffentlich mit der amerikanischen Minimal Music in Verbindung gebracht zu werden. In Europa zeigt die Musik von Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Howard Skempton, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt und John Tavener minimalistische Züge.

Wo der Begriff Minimal Music entsteht, ist unklar. Steve Reich hat vorgeschlagen, dass es Michael Nyman zuzuschreiben ist, eine Behauptung, die zwei Gelehrte, Jonathan Bernard und Dan Warburton, auch schriftlich gemacht haben. Philip Glass glaubt, dass Tom Johnson den Ausdruck geprägt hat.

Charakterisierung
Die genaue Charakterisierung dieses Musikstils ist wegen der großen stilistischen Vielfalt ebenso schwierig wie eine Abgrenzung gegen einen Postminimalismus. Es gibt eine Reihe von stilistischen Merkmalen:

sich wiederholende Strukturen, die unter anderem durch die Gegenüberstellung und ständige Wiederholung der kleinsten motivischen (melodischen, rhythmischen oder harmonischen) Zellen oder „Muster“ entstehen
stabile Harmonie, tonale musikalische Sprache mit vielen Konsonanzen
Additive und subtraktive Prozesse: Durch Hinzufügen oder Entfernen einzelner Noten der motivischen Zellen werden diese in ihrer rhythmischen Struktur verändert.
Phasenverschiebungen, Überlagerungen, Verschiebung der Betonung der motivischen Zellen in verschiedenen Stimmen erzeugen einen Klangteppich
Kontinuität und Vermeidung von Stressaufbau.
Tonfarbe und Dichte sind wenig verändert.
Es erweckt den Eindruck, Fragmente aus einem permanenten musikalischen Kontinuum zu hören.
Erweiterter Zeitbegriff: Neue Dimensionen in der Dauer der Stücke – von wenigen Sekunden oder Minuten bis zu Stunden, Tagen, Wochen
positive Funktion des Vergessens
Im Vergleich zur Kunstmusik hat Minimal Music eine eher geringe harmonische Komplexität: Minimal Music bewegt sich meist im Kontext einer modalen Tonalität und verwendet Dissonanzen nur sehr sparsam. Das rhythmische Element (oft polyrhythmisch) wird in Minimal Music stark betont, es ist sehr repetitiv: Ein einfaches Grundmuster (Pattern) wiederholt sich über längere Zeiträume mit nur geringen, oft kaum wahrnehmbaren Variationen, das Stück ergibt sich dann aus der einfachen Nebeneinanderstellung der Variationen. Wenn ein Muster gleichzeitig mit geringfügig unterschiedlichen Geschwindigkeiten gespielt wird, tritt der Effekt der Phasenverschiebung (Phasenverschiebung) auf.

Minimal Music hat als zeitgenössische Musik außerhalb der Popmusik (mit der es einige Interaktionen gibt) beachtliche Popularität erlangt, wenn auch nicht notwendigerweise im Publikum der traditionellen klassischen Musik.

Kurze Geschichte
Das Wort „minimal“ wurde vielleicht 1968 erstmals von Michael Nyman in Bezug auf Musik verwendet, der „aus der Unterhaltung von Charlotte Moorman und Nam June Paik an der ICA“ ein Rezept für das erfolgreiche ‚Minimal-Music‘ Happening abgeleitet hat enthalten eine Aufführung von Springen von Henning Christiansen und eine Reihe von nicht identifizierten Performancekunststücken. Nyman erweiterte später seine Definition von Minimal Music in seinem 1974 erschienenen Buch Experimental Music: Cage and Beyond. Tom Johnson, einer der wenigen Komponisten, die sich selbst als minimalistisch bezeichnen, behauptet auch, er sei der erste, der das Wort als neuer Musikkritiker für The Village Voice verwendet hat. Er beschreibt „Minimalismus“:

Die Idee des Minimalismus ist viel größer als viele Menschen realisieren. Es umfasst definitionsgemäß jede Musik, die mit begrenzten oder minimalen Materialien arbeitet: Stücke, die nur wenige Noten verwenden, Stücke, die nur wenige Wörter Text verwenden, oder Stücke, die für sehr begrenzte Instrumente geschrieben wurden, wie antike Becken, Fahrradräder, oder Whiskygläser. Es enthält Stücke, die ein grundlegendes elektronisches Rumpeln für eine lange Zeit aufrechterhalten. Es enthält Stücke ausschließlich aus Aufnahmen von Flüssen und Bächen. Es enthält Stücke, die sich in endlosen Kreisen bewegen. Es enthält Stücke, die eine unbewegliche Wand aus Saxophon-Sound bilden. Es beinhaltet Stücke, die sehr lange brauchen, um sich schrittweise von einer Art Musik zu einer anderen zu bewegen. Es enthält Stücke, die alle möglichen Tonhöhen zulassen, solange sie zwischen C und D liegen. Es enthält Stücke, die das Tempo auf zwei oder drei Noten pro Minute verlangsamen.

Schon 1965 hatte die Kunsthistorikerin Barbara Rose La Monte Youngs Traummusik, Morton Feldmans charakteristisch sanfte Dynamik und verschiedene unbenannte Komponisten „alle, mehr oder weniger, John Cage zu verdanken“ als Beispiele für „Minimal Art“ genannt verwendete nicht ausdrücklich den Ausdruck „Minimal Music“.

Die prominentesten minimalistischen Komponisten sind John Adams, Louis Andriessen, Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley und La Monte Young. Andere, die mit diesem kompositorischen Ansatz in Verbindung gebracht wurden, sind Michael Nyman, Howard Skempton, John White, Dave Smith und Michael Parsons. Unter den afroamerikanischen Komponisten wurde die minimalistische Ästhetik von Figuren wie dem Jazzmusiker John Lewis und dem multidisziplinären Künstler Julius Eastman umarmt.

Die frühen Kompositionen von Glas und Reich sind etwas streng, mit wenig Verzierungen auf dem Hauptthema. Dies sind Werke für kleine Instrumentalensembles, zu denen die Komponisten oft gehörten. Bei Glass bestehen diese Ensembles aus Orgeln, Bläsern – insbesondere Saxophonen – und Vokalisten, während Reichs Werke eher auf Mallet- und Percussion-Instrumente setzen. Die meisten von Adams ‚Werken sind für traditionellere klassische Instrumente geschrieben, einschließlich vollem Orchester, Streichquartett und Solo-Klavier.

Die Musik von Reich and Glass wurde von Kunstgalerien und Museen gefördert, die in Zusammenarbeit mit Minimalisten der visuellen Kunst wie Robert Morris (in Glass), Richard Serra, Bruce Nauman und dem Filmemacher Michael Snow (in Reichs Performern) zu sehen waren Fall).

Frühe Entwicklung
Die Musik von Moondog aus den 1940er und 1950er Jahren, die auf Kontrapunkten basierte, die sich statisch über stete Impulse in oft ungewöhnlichen Taktarten entwickelten, beeinflusste sowohl Philip Glass als auch Steve Reich. Glass hat geschrieben, dass er und Reich Moondogs Arbeit „sehr ernst genommen und verstanden und geschätzt haben, viel mehr als das, was wir bei Juilliard ausgesetzt waren“.

Eine der ersten minimalistischen Kompositionen war November 1959 von Dennis Johnson. Ein Werk für Soloklavier, das etwa sechs Stunden dauerte, zeigte viele Merkmale, die mit dem Minimalismus in Verbindung gebracht werden sollten, wie diatonische Tonalität, Phrasenwiederholung, additive Verarbeitung und Dauer. La Monte Young schreibt dieses Stück als Inspiration für sein eigenes Hauptwerk, das gut abgestimmte Klavier.

Terry Riley schrieb 1960 ein Streichquartett in reinem, nicht abgelenktem C-Dur [Klarstellung benötigt] Im Jahr 1963 machte Riley zwei elektronische Werke mit Tape Delay, Mescalin Mix und The Gift, die die Idee der Wiederholung in den Minimalismus injiziert. Im Jahr 1964 machte Riley’s In C überzeugende Texturen durch die geschichtete Aufführung wiederholter melodischer Phrasen. Die Arbeit wird für jede Gruppe von Instrumenten und / oder Stimmen bewertet. 1965 und 1966 produzierte Steve Reich drei Werke – It’s Gonna Rain und Come Out für Tonband und Piano Phase für Live-Performer -, die die Idee der Phasenverschiebung einführten oder es erlaubten, zwei identische Phrasen oder Sound-Samples mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten zu wiederholen langsam aus der Phase geraten. Ab 1968 mit 1 + 1 schrieb Philip Glass eine Reihe von Arbeiten, die den additiven Prozess (Form basierend auf Sequenzen wie 1, 1 2, 1 2 3, 1 2 3 4) in das Repertoire minimalistischer Techniken einbezog; Diese Werke enthalten zwei Seiten, Musik in Quitten, Musik in Gegensätzlicher Bewegung und andere. Glass wurde von Ravi Shankar und indischer Musik beeinflusst, als ihm eine Filmmusik-Transkription von Ravi Shankar in die westliche Notation übertragen wurde. Er erkannte, dass die Zeit im Westen wie eine Scheibe Brot geteilt ist; Indische und andere Kulturen nehmen kleine Einheiten und reihen sie zusammen.

Stil
Laut Richard E. Rodda basiert „minimalistische“ Musik auf der Wiederholung sich langsam verändernder gewöhnlicher Akkorde [Akkorde, die zu mehr als einer Tonart diatonisch sind, als auch Triaden, entweder nur Dur oder Dur und Moll – siehe: gemeinsamer Ton ] in stetigen Rhythmen, oft überlagert mit einer lyrischen Melodie in langen, wogenden Phrasen … verwendet sich wiederholende melodische Muster, konsonante Harmonien, motorische Rhythmen und ein bewusstes Streben nach klanglicher Schönheit. “ Timothy Johnson hält fest, dass minimale Musik als Stil in erster Linie in der Form fortlaufend ist, ohne disjunkte Abschnitte. Eine direkte Folge davon ist eine ununterbrochene Textur, die aus ineinandergreifenden rhythmischen Mustern und Impulsen besteht. Es ist zusätzlich durch die Verwendung von hellen Klangfarben und eine energische Art und Weise gekennzeichnet. Ihre harmonischen Klänge sind ausgesprochen einfach, meist diatonisch, bestehen oft aus vertrauten Triaden und Septakkorden und sind in einem langsamen harmonischen Rhythmus dargestellt. Johnson stimmt jedoch nicht mit Rodda überein, indem er feststellt, dass das wichtigste Merkmal der Minimal Music das völlige Fehlen ausgedehnter Melodielinien ist. Stattdessen gibt es nur kurze melodische Segmente, die die Organisation, Kombination und individuelle Charakteristik kurzer, sich wiederholender rhythmischer Muster in den Vordergrund drängen.

In der populären Musik
Minimale Musik hat die Entwicklung der Popmusik beeinflusst. Die experimentelle Rockband The Velvet Underground hatte eine Verbindung mit der New Yorker Downtown-Szene, aus der Minimal Music hervorging, die in der engen Zusammenarbeit von John Cale und La Monte Young verwurzelt war. Letzteres beeinflusste Cales Arbeit mit der Band. Terry Rileys Album A Rainbow in Curved Air (1969) wurde in der Ära der Psychedelia und Flower Power veröffentlicht und wurde das erste minimalistische Werk mit Crossover-Erfolg, das für Rock- und Jazzpublikum attraktiv war. Der Musiktheoretiker Daniel Harrison prägte den Smiley Smile (1967) der Beach Boys, eine experimentelle Arbeit des „protominimal rock“, und erklärte: „[The album] kann beinahe als ein Werk der Kunstmusik in der westlichen klassischen Tradition betrachtet werden Die musikalische Sprache des Rock kann mit jener verglichen werden, die atonale und andere nichttraditionelle Techniken in diese klassische Tradition einführte. “ Die Entwicklung spezifischer experimenteller Rockgenres wie Krautrock, Space Rock (aus den 1980ern), Noise Rock und Post-Rock wurde von Minimal Music beeinflusst.

Sherburne (2006) hat vorgeschlagen, dass bekannte Ähnlichkeiten zwischen minimalen Formen elektronischer Tanzmusik und amerikanischer Minimalmusik leicht zufällig sein könnten. Ein Großteil der Musiktechnologie, die in der Dance-Musik verwendet wird, wurde traditionell für Loop-basierte Kompositionsmethoden entworfen, was erklären könnte, warum bestimmte stilistische Merkmale von Stilen wie minimaler Techno ähnlich wie Minimal Art Musik klingen. Eine Gruppe, die sich der amerikanischen Minimaltradition bewusst war, ist der britische Ambient-Act The Orb. Ihre Produktion „Little Fluffy Clouds“ von 1990 enthält eine Probe aus Steve Reichs Arbeit Electric Counterpoint (1987). Eine weitere Bestätigung von Steve Reichs möglichem Einfluss auf elektronische Tanzmusik kam mit der Veröffentlichung des Remix-Tributalbums 1999, das Neuinterpretationen von Künstlern wie DJ Spooky, Mantronik, Ken Ishii und Coldcut unter anderem enthielt.

Serialität
Überraschenderweise beeinflusst auch Anton Webern, ein Schüler Arnold Schönbergs und Mitglied der Zweiten Wiener Schule, die minimalistische Bewegung. Insbesondere auf La Monte Young, der die statischen Abschnitte der Sechs Bagatellen für Streichquartett (1913) und die Sinfonie op. (1928) als Werke, die stark zum Übergang von Serialismus und Minimalismus beigetragen haben. Die Tatsache, dass Webern auch einen großen Einfluss auf den Post-Serialismus hat, der sich gleichzeitig in Europa entwickelt, aber mit radikal unterschiedlichen musikalischen Vorstellungen, wird von Musikwissenschaftlern manchmal als „paradox“ bezeichnet.

Die amerikanische Avantgarde
John Cage hat einen großen Einfluss in den Geburtsjahren des Minimalismus. Der wichtigste Komponist der Avantgarde und experimentellen Musik in den Vereinigten Staaten, seine Ideen haben direkte oder indirekte Auswirkungen auf die Arbeit der Minimalisten. Einige Stücke von Cage scheinen mit dem Minimalismus verwandt zu sein, einschließlich seiner ersten Kompositionen, oder dem berühmten 4’33 „von 1952, der minimalsten Komposition, da er nur aus Stille komponiert wurde. Cage ist jedoch sehr kritisch gegenüber Minimalismus und seine bevorzugte Technik ist Unbestimmtheit (oder Nicht-Intentionalität), das heißt, der Gebrauch von Zufälligkeit. In den Arbeiten oder im Prozess der Zusammensetzung selbst, wird vom Minimalisten stark abgelehnt.

Nicht-westliche Musik
In den 1950er und 1960er Jahren entdeckte Westeuropa und die Vereinigten Staaten nicht-westliche Musik. Diese Musik, die im Allgemeinen auf Modi basiert, wird einen Einfluss auf alle minimalistischen Komponisten haben.

La Monte Young, der an der Westküste lebte, entdeckte 1957 auf dem UCLA-Campus indische Musik. Als besonders herausragend nennt er Ali Akbar Khan (Sarod) und Chatur Lal (Tabla). Indische Musik wird Young entscheidend beeinflussen, insbesondere die Entdeckung von Tampoura, die er mit Pandit Prân Nath lernt. Die Rolle der Tampoura-Hummel fasziniert Young und schiebt sein Interesse auf langlebige Sounds. Young erkennt auch den Einfluss der japanischen Musik und insbesondere Thegagaku. Dieser Einfluss wird in dem Stück ausgeübt, das als Geburtsurkunde des Minimalismus, Trio für Streicher (1958) betrachtet wird.

Terry Riley entdeckt während seines Aufenthalts in Europa die nicht-westliche Musik, insbesondere die marokkanische Musik und die indische Musik, über La Monte Young. Er arbeitet auch mit Pran Nath für das Album Music from Mills (1986) zusammen.

Jazz
Der Jazz ist für den Minimalisten von großer Bedeutung. Alle erkennen den Einfluss und insbesondere den modalen Jazz von John Coltrane, dem Free Jazz und Ornette Coleman.

Die Improvisation ist für Terry Riley ebenso wichtig wie für La Monte Young. Letzterer ist Saxofonist und hat Erfahrung mit Jazz als Instrumentalist, der hauptsächlich während seiner Schulzeit und seiner Studienzeit ausgeübt wird. In Los Angeles spielte er in großen Bands und in kleinen Gruppen, vor allem mit Eric Dolphy, Don Cherry, Billy Higgins, und plante, sich dem Jazz zu widmen. Der Einfluss des Jazz ist in seinen Werken deutlich zu erkennen, besonders sein Sopranino-Saxophon spielt sein Interesse an Formen der Improvisation. Riley ist Pianist und hat mit Wally Rose Ragtime studiert und spielt seinen Lebensunterhalt während seines Studiums an der Universität und während seines Aufenthalts in Frankreich. Riley ist auch von John Coltrane beeindruckt, der unter anderem das Sopransaxophon lernte.

Für Steve Reich ist Jazz ebenfalls ein wichtiger Einflussfaktor. Reich ist Schlagzeuger und spielte in Jazzgruppen an der High School und der Cornell University. Es war extrem beeinflusst von John Coltrane, würde sehr oft im Konzert sehen, und nennt Albums My Favourite Things und Africa / Brass als besonders wichtig. Für Reich ist es undenkbar, dass seine Musik ohne Jazz möglich war, vor allem der Rhythmus, die Flexibilität und der melodische Sinn des Jazz, der ihm grundlegende Einflüsse zu sein scheint.

Anders als seine Kollegen sah Philip Glass, exklusiveres Training für klassische Musik, Jazz nicht als einen seiner Einflüsse, obwohl er anerkennt, dass er vom Free Jazz von Ornette Coleman und John Coltrane fasziniert war.

Einflüsse und Position in Neuer Musik
Minimal Music beinhaltet Einflüsse aus der asiatischen (vor allem indischer und indonesischer, insbesondere Gamelan) und afrikanischer Musik (besonders ihrer polyrhythmischen), der Notre Dame Schule des 12./13. Jahrhunderts. Century, (Free) Jazz und bestimmte Formen von Rock (Psychedelic Rock). Sie ignoriert weitgehend die Konventionen der Komposition, wie sie in der westlichen (dh im wesentlichen europäischen) Kultur bisher vorherrschten, besonders die Konventionen der Avantgarde der 1950er und frühen 1960er Jahre, besonders jener der damals dominierenden seriellen Musik. Daher wird es oft als Antithese zum Serialismus verstanden. Sie wird von Vertretern dieser Richtung oft vehement abgelehnt, obwohl sich La Monte Young beispielsweise theoretisch auf Arnold Schönberg und Anton Webern bezieht. Oft wird es auch als postmoderne Musik bezeichnet. Ausgehend von Minimal Music entwickelte sich der Postminimalismus in den 1970er Jahren.

Einflüsse auf die Popkultur
Viele der heutigen Produzenten von Minimal Techno stehen auch in der Tradition der Minimal Music.

Der Gitarrist Dylan Carlson übertrug mit Earth Ideen von Minimal Music in den Kontext einer Rockband und gründete damit die Drone Doom.

Die minimalistische Bewegung
Die minimalistische Bewegung erschien in den 1960er Jahren mit den Werken von La Monte Young und Terry Riley, die als Vorläufer gelten. Steve Reich und Philip Glass werden ihre Ideen erweitern und Kompositionsprozesse vorschlagen, die sich als sehr erfolgreich erweisen werden.

Der Minimalismus betrifft jedoch nur einen Teil der Werke dieser Komponisten, und wir gehen davon aus, dass der allgemein definierte Minimalismus Mitte der 1970er Jahre endet. Ab diesem Zeitpunkt integrieren die Komponisten in der Tat reichhaltigere musikalische Elemente, mehr Melodie und Harmonie, sogar Kontrapunkt. Die Hinzufügung dieser Elemente, ohne mit ihrer vorherigen Arbeit zu entscheiden, bringt eine klare Entwicklung. Manchmal sprechen wir über Post-Minimalismus, besonders für John Adams. Philip Glass sagte ausdrücklich, dass der Minimalismus für ihn 1974 wegen seiner vollen Beteiligung am „Musiktheater“ aus dieser Zeit endet.

Persönlichkeiten, manchmal auch „minimalistische Mystiker“ genannt, wie Arvo Pärt, der in den späten 1970er Jahren auftrat, sind nicht die direkten Erben amerikanischer Repetitionen, sondern sind auch unter dem Banner des Postminimalismus oder allgemeiner Postmoderne enthalten.

Post-Minimalismus und Postmoderne
Die musikalische Postmoderne ist eine Haltung der Zurückweisung gegen Isolation und hermetischen Post-Serialismus, postmoderne Komponisten behaupten, Vermischung und die Mischung bildet eine Collage Technik, Anleihen und das Zitat. Wo der Post-Serialismus mit Pierre Boulez eine „Neuauflage der Vergangenheit“ machen sollte, nimmt die Postmoderne diese als Referenz. So meint John Adams, dass seine Musik nicht von „… nicht nur Minimalismus, sondern auch von Alban Berg, Strawinsky, Rock’n Roll, arabischer Musik, jüdischer Musik usw.“ lebt. Die Rückkehr zu melodischen und tonalen Formen, der Gebrauch einer sich wiederholenden Sprache, der Rückgriff auf Collage und Zitat, in all diesen Merkmalen Minimalismus ist die radikalste Strömung der Postmoderne in ihrem Bruch mit dem Postserialismus.

Post-Minimalismus betrifft auch die minimalistischen Komponisten der ersten Stunde. Nach Drumming (1971) fügt Reich die Instrumentierung seiner Stücke hinzu und entwickelt seine rhythmischen und harmonischen Methoden zu mehr Komplexität. In gleicher Weise begann Philip Glass ab 1974 mit Kompositionen für „Musiktheater“ und Oper, wobei er sich vom Minimalismus, insbesondere dem Einsatz von Harmonien wie der Oper Einstein on the Beach (1976) entfernte, die diese Entwicklung kennzeichnet. Der Post Minimalismus Minimalismus zeichnet sich dadurch aus, dass er weniger radikal und experimentell ist.

Der „mystische Minimalist“
Diese Komponisten werden manchmal mit der minimalistischen Bewegung assoziiert und assoziiert, weil sie bestimmte Prinzipien der Komposition dieses Stils (Wiederholung, lange gehaltene Töne, Stille, eine gewisse Einfachheit) und einen christlichen oder spirituellen religiösen Einfluss, der offen in ihrem Leben und in ihrem Leben beansprucht wird, verwenden ihre Zusammensetzungen. Alan Hovhaness wird manchmal als Vorläufer dieses Trends gesehen, aber es sind vor allem der Estnische Arvo Pärt, der Pole Henryk Górecki und der Brite John Tavener, die allgemein mit den „mystischen Minimalisten“ in Verbindung gebracht werden. Im weiteren Sinne werden Giya Kancheli und Sofia Goubaïoulina manchmal auch in diesem Zweig des Minimalismus beibehalten.

Pärt und Góreckis Werke zeichnen sich durch die Verwendung von Tonalität aus, ein einfaches Musikmaterial, das oft in repetitiver Weise verwendet wird, und eine Komposition, die von mittelalterlichen Komponisten und Gregorianischem Choral beeinflusst ist. Beide, stark von der politischen und spirituellen Unterdrückung in ihrem Land unter kommunistischer Herrschaft beeinflusst, begannen in den 1960er Jahren in einem neoklassischen Stil zu komponieren, bevor sie sich dem Serialismus zuwandten, was ihre Zensur der Behörden zur Folge hatte. Pärt wendet sich dann einer Musik der Stille und der Kontemplation zu, indem er Für Alina (1976), Fratres (1977) und Spiegel im Spiegel (1978) komponiert, die Gründungswerke dieser inneren Bewegung des Minimalismus, die den Grundstein für einen spezifischen Stil legen dass er Tintinnabulum nennt. Dieser Stil zeichnet sich durch die gleichzeitige Verwendung von zwei Stimmen aus, ein Arpeggio auf einem Tonic Triad bekannt als „Tintinnabulante“ und das andere basiert auf einem diatonischen sich entwickelnden Bass. Sein Werk wendet sich dem fast ausschließlichen Schreiben geistlicher Musik zu, meist Choral, und entwickelt eine „Helligkeit der Lieder“. Górecki seinerseits macht seinen Übergang zwischen serieller Musik und sakralem Minimalismus 1976 vor allem mit der Niederschrift seiner Dritten Symphonie, die ein paar Jahre später in Westeuropa und den USA und seinem internationalen Ruf eine sehr hohe Bekanntheit erlangen wird.

Musikalische Beschreibung
Das Werk, das als minimalistische Musik eingestuft wird, ist weit entfernt von einer stilistischen Einheit oder identischen musikalischen Merkmalen. Obwohl eine Klassifizierung immer reduktiv ist, wird allgemein anerkannt, dass die Ästhetik minimalistischer Musik auf drei Merkmalen beruht:

eine Rückkehr zu einer „konsonanten“ Harmonie (sogar tonal oder modal in einigen Werken);
die Wiederholung von Sätzen, Figuren oder Musikzellen mit oder ohne kleine graduelle Variationen;
ein regelmäßiger Herzschlag.
Dies schließt jedoch Arbeiten mit sehr unterschiedlichen Profilen und die Verwendung verschiedener musikalischer Techniken ein. Auch die Werke so genannter minimalistischer Komponisten können nicht alle als minimalistisch betrachtet werden, insbesondere die neuesten Werke von Steve Reich und Philip Glass oder die frühen (oft nichtmusikalischen) Stücke von La Monte Young.

Zwischen Theorie und Intuition
Die Pioniere des Minimalismus Monte Young und Terry Riley experimentieren mit einer Vielzahl von Kompositionstechniken. Der Monte Young produziert insbesondere eine Vielzahl von Werken: Stücke, die von Serialismus und Webern inspiriert sind, konzeptuelle Stücke, die John Cage nahe stehen, Improvisationsgruppen, die von indischer Musik und Jazz inspiriert sind, Stücke, die auf seiner formalen Erforschung der natürlichen Bereiche basieren. Terry Riley ist viel empirischer, er experimentiert mit Tonbändern und benutzt oft Improvisation.

Musikalische Merkmale

Rhythmus
Eine große Sorge unter den Minimalisten ist das Tempo. Die meisten Kompositionen haben eine regelmäßige Pulsation und werden durch Verschränkung von rhythmischen Grundeinheiten konstruiert. Diese rhythmischen Überlegungen sind bei Steve Reich besonders ausgeprägt und werden durch die Technik der Phasenverschiebung realisiert. Drumming (1971) ist der Höhepunkt von Reichs Faszination für den Rhythmus, ausgedrückt in Phasen. Bei Philip Glass ist die rhythmische Arbeit aus seinen ersten minimalistischen Stücken mit seinem additiven Kompositionsprozess vor allem in der 1 + 1 (1968) präsent.

Der Rhythmus ist das erste Element, das vom Minimalisten systematisch analysiert wird, bevor Harmonie und Melodie in die Zukunft wieder integriert werden.

Harmonie
Die ersten minimalistischen Werke sind atonal, Young’s Trio für Streicher (1958), Riley’s String Quartet (1960), obwohl die extrem langsame Entwicklung und die geringe Dichte von Noten eine Illusion des Tons erzeugen, die fast jede Bewegung unterdrückt. Selbst In C, das allgemein als das Werk der Rückkehr zur Tonalität betrachtet wird, ist nicht streng tonal, sondern eine atonale Komposition ohne Angabe von Panzerung, obwohl die Komposition weitgehend diatonisch ist.

Die allmähliche Aufgabe von Magnetbändern zugunsten akustischer Instrumente begünstigt die Entwicklung der Harmonie. In Steve Reich, aus der Piano Phase, wird zu Beginn der Arbeit ein tonales oder modales Profil erstellt, das aber nicht eindeutig ist. Die daraus resultierende Prozessdiatonik wird nicht a priori gewählt, sondern wird erfahrungsgemäß benötigt.

Registrierung und Dynamik
In Young und Riley spielt Bass eine Drone-Rolle, inspiriert von indischer Musik. Bei Steve Reich gibt es keinen Bass, und Höhen gehören im Allgemeinen zum mittleren Register (Piano Phase hat keine Bewertung unter Mi 4, Phasenmuster unter C 4). Der Mangel an geringen Produktmehrdeutigkeiten versucht Reich zu erhalten, ohne es genau zu definieren. Ebenso verwenden Minimalisten kein umfangreiches Gameplay, was in anderen zeitgenössischen Musikstilen sehr präsent ist.

Die Schattierungen variieren im Allgemeinen sehr wenig, wenn überhaupt. Der Schallpegel ist oft sehr hoch, zum Beispiel in einigen Stücken von La Monte Young und Glass, wo wir den Einfluss von Gestein wahrnehmen.

Ausführung
Erschwingliches Zuhören, sich wiederholende Musik scheint fälschlicherweise einfach durchzuführen. Reichs Dephasierungsprozesse erfordern eine starke Konzentration seitens der Instrumentalisten. Ähnlich berichtet Glass, dass mehrere Dirigenten bei unvorbereiteten Proben zu spät die Schwierigkeit seiner Partituren erreichten. 51. In Ermangelung der Noten des Komponisten sind Interpreten nicht immer leicht zu entziffern, was Erfindungsreichtum an mangelnder Information oder deren geringer Klarheit erfordert.

Links zu bildender Kunst

Tanzen
Der Tanz, der von Natur aus immer eng mit den musikalischen Schöpfungen seiner Zeit verbunden war, entgeht nicht dem Einfluss minimalistischer Musik, besonders im Hinblick auf die Idee und den Gebrauch von Wiederholungen. Der Ursprung des Einflusses von minimalistischer Musik auf den Tanz ist gewissermaßen auf John Cages Zusammenarbeit mit dem amerikanischen Choreografen Merce Cunningham in den frühen 1950er Jahren zurückzuführen, als der moderne Tanz begann. Durch ihn traf Cunningham auch Morton Feldman, der für ihn 1968 Musik für seine innovative Choreographie als Melodie ohne Titel für Merce Cunningham komponierte. Außerdem bildete sich eine Gruppe mit Tänzern Simone Forti, Yvonne Rainer, Trisha Brown und den Komponisten Terry Riley und La Monte Young um Anna Halprin zwischen 1960 und 1962 zu Aufführungen einschließlich der Judson Church in New York. Dies ist jedoch Trisha Brown, die das Prinzip der Wiederholung und sukzessiven Anhäufung von choreografischen Bewegungen während dieser Zeit des modernen Tanzes weiter erforschen. Meredith Monk, die auch Tänzerin ist, schließt sich dieser Gruppe an, wo sie ihre musikalische Forschung und ihre choreographischen Kreationen in Performances kombinieren kann, die auf eine feinere Bewegung und eine gewisse spirituelle Trance ausgerichtet sind.

Plastische Künste
Minimalistische Komponisten pflegen enge Beziehungen zu Künstlern, insbesondere zu denen des aktuellen Minimalisten und der Konzeptkunst. Steve Reich und Philip Glass hatten sehr gute Freundschaften mit Richard Serra, Sol Le Witt, Bruce Nauman, Michael Snow oder Nancy Graves. Reich schreibt seinen Aufsatz Musik als gradueller Prozess (1968), der zusammen mit seinen plastischen Freunden im Whitney Museumin 1969 in den Katalog einer großen Minimalismusausstellung aufgenommen wird und in dem er mit Glass Konzerte gibt. Ein Werk wie Reichs Pendelmusik, in dem Serra, Nauman und Snow als Vollstrecker mitwirken, ist mehr eine Performance als eine Musik. Steve Reich erkennt eine „gemeinsame Position“ zwischen den Künstlern und ihren Kreationen, gekennzeichnet durch die Erscheinung „geometrisch und metaphorisch“ ihrer Arbeit, aber keine direkten wechselseitigen Einflüsse. Er sagt: „Wir waren nur in der gleichen Suppe schwimmen.“ Im Jahr 1977 beteiligten sich einige Künstler an einem Verkauf ihrer Werke, um Schulden aus der Installation von Einstein am Strand von Glas zu retten. Schließlich war Glass 1969 Richard Serras hauptberuflicher persönlicher Assistent. Glas verbindet seine Arbeit als Musiker nicht mit den Werken seiner befreundeten Künstler.

Anerkennung und Beliebtheit
Minimalismus wurde als experimenteller Strom geboren und entwickelte sich außerhalb der traditionellen Welt der klassischen Musik. Die ersten Konzerte finden hauptsächlich in Kunstgalerien oder Museen statt und müssen von den Komponisten selbst organisiert werden. Vor allem die Aufnahmen ermöglichen eine weite Verbreitung minimalistischer Musik, auch nach Europa, wo der Empfang eher gut ist. Darüber hinaus wird Europa dem Minimalisten seine ersten großen Anerkennungszeichen verleihen, mit Philip Glass den französischen Staat beherrschen und für Liebhaber zeitgenössischer Musik einen Diskografieerfolg mit uneingeschränktem Hörvermögen, mit dem von Steve Reich für das deutsche Label Edition der zeitgenössischen Musik.

Kritik und Analyse
Extrem starke Kritiker haben sich dem Minimalismus gegenüber geäußert, vor allem von Komponisten oder Musikwissenschaftlern, die der Avantgarde oder Philosophen nahestehen. Der amerikanische Komponist Elliott Carter hat wiederholt seine starke Ablehnung des Minimalismus und allgemeiner der Wiederholung in der Musik ausgedrückt, die als der Tod des Komponisten betrachtet wird. Es ist insbesondere eine Analogie mit Werbung, unaufgefordert, aufdringlich und wiederholt ad nauseum. Der faschistische Qualifikator wurde sogar explizit verwendet, ebenso wie der Vergleich der Verwendung von Wiederholung als Gehirnwäsche-Methode, wie sie in der Werbung oder den Reden Hitlers praktiziert wird.

Kritik am Minimalismus wird manchmal mit der Postmoderne verwechselt. Der Avantgarde-Komponist Brian Ferneyhough lehnt die postmoderne, kritische und vor allem John Adams ab, in der er eine Abwesenheit von Ethik im Zusammenhang mit der Nicht-Einbeziehung der Musikkultur verurteilte.