Moderne Poesie

Die modernistische Dichtung bezieht sich auf Gedichte, die vor allem in Europa und Nordamerika zwischen 1890 und 1950 in der Tradition der modernistischen Literatur geschrieben wurden, aber die Daten des Begriffes hängen von einer Reihe von Faktoren ab, einschließlich der Herkunft, der jeweiligen Schule, und die Voreingenommenheit des Kritikers, der die Daten festlegt. Der Kritiker / Poet CH Sisson bemerkte in seinem Essay Poetry and Sincerity, dass „die Moderne schon lange andauert. Nicht in der Erinnerung der Lebenden gab es jemals einen Tag, an dem junge Schriftsteller nicht in der Gefahr des Ikonoklasmus auftraten.“

Hintergrund
Obwohl es gewöhnlich mit der Bewegung der französischen Symbolisten begonnen hat und es künstlich mit dem Zweiten Weltkrieg endet, sind der Anfang und das Ende der Moderne selbstverständlich willkürlich. Dichter wie WB Yeats (1865-1939) und Rainer Maria Rilke (1875-1926) begannen in einer post-romantischen, symbolistischen Ader und modernisierten ihre poetische Sprache, nachdem sie von politischen und literarischen Entwicklungen beeinflusst worden waren. Der Imagismus erwies sich als radikal und wichtig und markierte einen neuen Ausgangspunkt für die Poesie. Einige denken, es begann in den Werken von Hardy und Pound, Eliot und Yeats, Williams und Stevens. Englischsprachige Dichter wie TS Eliot, Ezra Pound, Robert Frost, Basil Bunting („ein geborener Modernist“), Wallace Stevens und EE Cummings arbeiteten auch nach dem Zweiten Weltkrieg.

Das Konzept
Im Bereich der Kunst und Poesie charakterisiert Modernität, was in Kunst und Poesie „modern“ ist oder wird. Es verwandelt etwas Modernes in ein „künstlerisches“ Objekt oder umgekehrt.

Die Moderne ist jedoch nicht nur eine Bewegung oder eine literarische oder künstlerische Periode. Also, wie definiert man es?

Poesie ist die Kunst der rhythmischen Sprache, sie ist sowohl eine Sprache als auch eine ästhetische Annäherung. In der sogenannten „modernen“ Periode wird Ästhetik nicht mehr nur als das definiert, was als „schön“ definiert wird, sondern als etwas, das es wert ist, betrachtet zu werden, und das ein anderer Blick vergrößern, sublimieren kann. So will die Moderne, Sublimierung der Gegenwart, alle Elemente der Wirklichkeit berücksichtigen. Indem man die reale Gegenwart, nicht die idealisierte Gegenwart, wieder herstellt, erlangt man den künstlerischen Status. Die moderne Welt kehrt damit zur Poesie zurück. In der Art von Marcel Duchamps Ready-Made oder einigen von Francis Ponges Gedichten können alle Objekte poetisch werden.

Obwohl das erste zitierte historische Konzept von Walter Benjamin stammt, können wir daraus schließen, dass die großen Dichter von heute, wie Manoel de Barros in Brasilien, eine Poesie praktizieren, die sie noch immer in sich trägt Brasilianischer Modernismus, nicht in der Postmoderne, ein Begriff von mehr vager Definition, die nur als eine Periode (nach der Moderne) oder eine reaktive Tendenz zur Moderne (die eine kleine expressive Strömung im Bereich der Poesie, nicht einschließlich konfigurieren würde) definiert werden könnte wichtige Autoren, nicht einmal die wenigen Autoren von Äußerungen, die postmodern deklarierten, wie Charles Olson, dessen Gedichte allgemein als „telegraphisch“ bezeichnet werden (Konzept bereits im frühen 20. Jahrhundert, verbunden mit dem Futurismus), also in der Zeit der modernen Poesie Im Falle des US-Dichters, des ersten und wichtigsten Begründers des Begriffs Postmodernismus für Poesie nach der englischsprachigen poetischen Moderne, benutzt er als Referenz für die Definition von Postmoderne Poesie die Poesie von Ezra Pound, die antike Elemente und Avantgarde verbindet. Wir stellen jedoch fest, dass die Einstellung, Tradition und Experimentieren zu vereinen, nicht so neu ist im Bereich der Poesie, die von Baudelaire aus konfiguriert wurde, beispielsweise aus der kastilischsprachigen Moderne des ersten Rubén Darío. Das heißt, die Tendenz zur Gründung und Synthese mit der alten besteht in der eigenen modernen Dichtung von Anfang an. Es gibt keine signifikante Antwort auf das Konzept der „Moderne“ in der Poesie, die wir nicht in absoluten Begriffen als evolutionäre Linie stellen könnten, und mit Poeten, die eindeutig Poesie der modernen Innovation praktizieren, wird die Postmoderne zu einem im Wesentlichen vagen Konzept für die poetischen Künste.

Aus diesen und anderen Gründen konnten wir unter Verwendung einer noch immer akzeptierten und den anderen Künsten nahestehenden Terminologie die moderne Poesie als die gesamte Poesie der historischen Avantgarde definieren sowie all jene Poesie, die ihre wesentlichen Merkmale zuerst ans Licht brachte, außer den modernistischen Tendenzen oder Zeitgenossen, die ohne den Primat der Avantgarde oder jener Tendenzen, die ihn hervorbrachten, nicht existieren könnten, den Begriff des „bloß Zeitgenössischen“ von der Idee der Moderne ausgenommen. Der Leitgedanke der Definition der modernen Poesie ist daher Poetry of Avantgarde in ihrem historischen Sinn, unterscheidet sich von dem Gefühl des „ständigen Bruches“ von Octavio Paz gegeben.

Es ist daher zu beachten, dass Moderne und Moderne nicht unbedingt synonym sind. Zumindest gibt es nur einen Modernismus, der Modernismus nennt sehr unterschiedliche Bewegungen zwischen ihnen in Kastilisch (19. Jahrhundert), Englisch und Portugiesisch (20. Jahrhundert) zum Beispiel, während in Frankreich, wie wir gesagt haben, in der Französisch Vorsymbolist Baudelaire als ein Wahrzeichen der modernen Poesie. Es gibt daher eine Unstimmigkeit zwischen Daten und Konzepten. Aus verschiedenen Gründen sagen manche dann, dass die Moderne in der Dichtung nicht mit der Avantgarde endet, sondern in den 1960er oder 1970er Jahren. Oder sogar, dass dies bis heute anhält.

In jedem Fall, Symbolismus und dergleichen, durch seine Betonung der Empfindungen und / oder Erforschung des Unbewussten (weil wir es mit Impressionismus und Expressionismus und Surrealismus in Verbindung bringen können) und durch eine größere Tendenz der Abstraktion und auch durch die formalen Innovationen (weil wir können es mit anderen, konstruktivistischeren Avantgarden in Verbindung bringen). Der Symbolismus, der seine Wurzeln in Baudelaires Poesie hat, wird zum Markenzeichen einer neuen Poesie in Europa, die Avantgarde und Modernismus bringen würde. Andere innovative Dichter sind in anderen Teilen der Welt aufgetreten, wie Souzândrade, Emily Dickinson in den Vereinigten Staaten, aber ihre Werke hatten keine Auswirkungen und hatten keine unmittelbare historische Kontinuität in dem, was sie in ihrer Ästhetik hervorbrachten. Es ist interessant zu bemerken, dass Souzândrade zur brasilianischen Romantik gehört, und dass poetische Theoretiker wie Octavio Paz und Ferreira Gullar den Anfang der evolutionären Linie der modernen Dichtung, in einem weiten Sinne, genau in der Romantik darstellen. Nicht so einflussreich, aber einflussreich, um vom portugiesischen Dichter Fernando Pessoa (in der Person von Álvaro de Campos) praktisch kopiert zu werden, ist die nicht einreihbare Poesie akzentuierter oraler Töne mit dem freien Vers des amerikanischen Dichters Walt Whitman, der ideologisch zur Romantik gehört , seit dem Jahr 1855, mit Blättern des Grases, eine andere Quelle im Ursprung der modernen Poesie darstellend.

Eigenschaften und Entwicklung

Der Dadaismus von Hugo Ball im Cabaret Voltaire, stellvertretend für den Schock der Avantgarde, (1916)
Die Betonung der Sensation durch die Symbolisten wird zur ersten Auseinandersetzung mit der imitativen Kunst in der Poesie, die die Wirkung der technologischen Innovationen der Zeit auf die menschliche Sensibilität widerspiegelt. Wenn in den plastischen Künsten das Aufkommen des Modernen mit der Erfindung der Fotografie zusammenhängt, die die Künstler dazu zwingt, sich anderen Formen abstrakterer Wirklichkeitsdarstellungen zuzuwenden, so ist es aus einer neuen Art, die Realität einzufangen, dass die Moderne in der Poesie begründet ist . Aus dieser Betonung, aus Baudelaires Korrespondenzen, wird eine Poesie entstehen, die die Psyche und die menschlichen Gefühle aus der konkreten Welt interpretiert. Auf unterschiedliche Weise wird ein solches Konzept in der Poesie von Arthur Rimbaud, Lautréamont und den Surrealisten einerseits und Mayakovsky, Ezra Pound, TS Eliot, den Imagern und Objektivisten andererseits präsent sein.

Mit dem Expressionismus, der zuerst in Malerei und Theater auftaucht, wird die innere Realität wichtiger als die äußere Realität. Um 1910, in Deutschland, hauptsächlich durch die Herausgabe der ersten Ausgabe der Zeitschrift Der Sturm, begann die expressionistische Art der Kunstproduktion die deutschen Dichter zu beeinflussen. Darüber hinaus beginnen sie, Grammatik zu dekonstruieren, indem sie synthetische Sprache und Neologismen verwenden. Trotz dieser radikalen Neuerungen verwenden einige expressionistische Sprüche immer noch Metriken und sogar Sonett.

Ein Jahr zuvor, im Jahr 1909, kommt das erste Manifest von Marinetti futuristisch und drückt seine Liebe für die Maschine und mit Gewalt aus, aber auch durch die Bewegung, die die Absicht hervorbrachte, das bewegte Bild durch Worte einzufangen. Eine solche Intention würden die sogenannten Würfel-Futuristen Russen ab 1912 erfüllen, die ihren bekanntesten Dichter Vladimir Maiakówski hatten. Für die Futuristen ergab die Metrik keinen Sinn mehr, und Reim und Rhythmus waren Konzepte, die sich stark von den üblichen unterschieden, wie in Mayorakovskys theoretischem Buch Wie man Verse sieht.

Während der gesamten Neuzeit wurden in der Lyrik andere Merkmale wie Fragmentierung und / oder Vereinfachung der Sprache erzeugt. Um die Sprache des Gedichts zu vereinfachen, verwenden wir den freien Vers und die Annäherung an die Mündlichkeit, zuerst nur in ihrem Rhythmus, Eigenschaften, die bereits seit 1855 in der Dichtung mit dem Dichter Walt Whitman, einem Dichter, der noch einige erhalten hat, verwendet wurden Merkmale der Romantik, eine zeitgenössische Bewegung, wie ein bestimmter Patriotismus.
Die Ablehnung vordefinierter Formen des Schreibens ist eine Konstante in der modernen Dichtung, selbst wenn diese (in einer milderen Form der Moderne, wie Imagism of Ezra Pound) die letzten Elemente des „Klassischen“ oder Gelehrte in der Herstellung von Gedichten erforscht ). Eine solche Zurückweisung des sogenannten „Passadismus“ in Brasilien wurde gewöhnlich durch künstlerische Manifeste zum Ausdruck gebracht, mit dem Ziel, die Ideen einer Bewegung zu propagieren. Die Bewegungen und / oder Reklame seiner Ästhetik waren von jeher von zentraler Bedeutung für die gesamte Moderne, so dass diese Art von Haltung auch zu einem Charakteristikum der Moderne in Bezug auf Dichter wurde: die Haltung des Dichters beginnt oft zu zählen, um den literarische Arbeit selbst. Diese Merkmale sind jedoch nicht ausschließlich für die Avantgarde oder die moderne Dichtung, da seit dem Naturalismus von Zola die Manifeste und die Sorge um die persönliche Haltung des Dichters seit der Romantik entstanden sind.

Wir müssen uns daran erinnern, dass viele Strömungen der Moderne in der Dichtung weniger radikal sind als die Vorschläge der historischen Avantgarden, die mit dem Futurismus begonnen haben, in der Literatur, in ihrer Ablehnung der Vergangenheit. Als Beispiel können wir neben der Poesie der oben genannten Imager die Poesie, genannt Modernist, in kastilischer Sprache, die in Amerika mit Rubén Darío im späten neunzehnten Jahrhundert initiiert wurde, noch immer mit dem Parnassianismus, aber auch mit den meisten, in Verbindung bringen innovative Aspekte der Poesie der französischen Symbolisten. Auch Darío benutzte den Neologismus bereits. Wenn sie sich den 1920er Jahren nähern, entstehen Bewegungen, die auf das reagieren, was sie in dieser Poesie nur als Zierpflanzen ansahen, und Avantgarden wie der Kreationismus des chilenischen Huidobro und der Ultraísmo von Guillermo de Torre und Borges. In Portugal nähert sich Cesário Verde dem Impressionismus in seinem ästhetischen und Baudelaire und antizipiert Fortschritte der portugiesischen Poesie des zwanzigsten Jahrhunderts. Als die Moderne in Portugal endlich aufflammte und durch die Schaffung des Magazins Orpheu im Jahr 1915 gestärkt wurde, tauchte sie mit den gleichen Eigenschaften auf wie Cesário Verde, gemischt mit neuen kubistischen und futuristischen Tendenzen. Einige Dichter, wie Fernando Pessoa, die der Generation von Orpheu angehören, schreiben manchmal auch eine Poesie von klassischen Akzenten, wie die Horaz-Oden von Ricardo Reis, und können nicht als modern betrachtet werden. Sein Heteronym Álvaro de Campos wird jedoch auf den Seiten der portugiesischen Futuristenzeitschrift (1917) erscheinen, die sich einigen kubistischen / futuristischen Formen der Komposition und modernistischen Ideologie verschrieben haben.

Von den zwanziger Jahren bis zum Zweiten Weltkrieg dominiert der Surrealismus, indem er einen gewissen ideologischen Primitivismus erforscht und die Kenntnis des Unbewussten vertieft, die in der Poesie des Symbolismus beginnt und vom Expressionismus gefolgt wird, der sich vom formalen Experimentalismus der ersten Avantgarde entfernt. Aus dem Dadaismus (einer anderen unter den ersten avantgardistischen Tendenzen), der den totalen Irrationalismus der Sprache predigte, konzentriert sich der Surrealismus auf semantische Fragen, die sich später hauptsächlich auf den Marxismus beziehen und von vielen als Endpunkt betrachtet werden von Avantgarden und moderner Poesie.

Natürlich kann dieses Datum kein Konsens sein. In Brasilien, wie wir wissen, begann der Modernismus erst in den 1920er Jahren, zur Zeit der Modern Art Week, durch den Einfluss der europäischen Avantgarden. Einige formale Merkmale vorausgesetzt, sollte jedoch beachtet werden, dass Elemente der Synthese von Kubisten, Futuristen und Expressionisten in fast allen großen brasilianischen modernistischen Dichtern mit einer großen Reaktion gegen romantische Beredsamkeit und eine bestimmte Art charakteristischer parnassianischer Formalismus anwesend waren. Ein gewisser Primitivismus wurde seit seiner Entstehung gesucht, und die sprachliche „Abweichung“ wird von fast allen als Möglichkeit zur Schaffung einer „brasilianischen Sprache“ in der Literatur geschätzt, die die neuen Dichter dieser Phase allen kanonischen Poesien vor der Avantgarde entgegenstellt. Gärten. Ofree oder prosaische Verse und das Prosagedicht werden mehr gebraucht als der metrische Vers. Viele dieser Merkmale sind heute noch weit verbreitet. Es ist schwierig, das Ende der Moderne in Brasilien zu finden.

Viele avantgardistische Dichter und modernistische Tendenzen, darunter in Brasilien, wie beispielsweise Cassiano Ricardo, schrieben weiterhin Gedichte, die bis in die 1960er Jahre eindeutig modern waren. Das hätte ausgereicht, um die Dichtung der Moderne viel länger als im Zweiten Weltkrieg zu verorten. Darüber hinaus begannen in den 1950er Jahren auch einige spätere Gedichtbände, wie die Beat Generation in den USA, konkrete Poesie in Brasilien und sogar die Dichter der Sprache (die Avantgarde-Gruppe der amerikanischen Poesie der 1960er und 1970er Jahre). praktisch nichts generelle und formale Begriffe, die nach Meinung mehrerer wichtiger Autoren als nicht-modernistisch eingestuft werden könnten, mit einer Kontinuität in der Bruchtradition der Avantgarden des beginnenden 20. Jahrhunderts. Andere Dichter, wie der Amerikaner EE Cummings und der Brasilianer Manoel de Barros, haben die von anderen modernen Dichtern initiierten Erfahrungen auf die Spitze getrieben. Manoel de Barros etwa taucht die Poesia Pau Brasil und Anthropophages in seine Poesie ein und klassifiziert seine Poesie sogar als primitive Avantgarde. Beide Dichter erforschen Aspekte der gesprochenen oder mündlichen Sprache, wenn auch unterschiedlich. Manoel de Barros verwendet „die natürliche neologische Sprache“, die Oswald de Andrade in der brasilianischen Moderne gepredigt hat, und nähert sich manchmal dem Surrealismus. Cummings erforscht „die Mikrorhythmen der Sprache“ durch erfinderische typografische Bereitstellung. Solche Verfahren des amerikanischen Dichters, nur als Illustration moderner Eigenschaften, wären vor den Avantgarden und einigen ihrer Vorläufer, wie dem Symbolisten Mallarmé, undenkbar. Mallarmé hatte in dem Buch Un coup de dés jamais n’abolira le hasard den Vers in der Konstruktion des Gedichts durch eine „prismatische Unterteilung“ ersetzt.

Angesichts dessen wäre es nicht absurd, als moderne Poesie zu gelten, die in der Poesie oft als postmodern eingestuft wird (angesichts der Schwierigkeit, sie zu definieren), die etwas konfiguriert hat, was einige die zweite Avantgarde genannt haben, die in den 1950er Jahren entstanden wäre überspannen die 1960er, 1970er und vielleicht sogar heute. Teil der zweiten Schneide, nach denen, die den Begriff befürworten, die Beat Poesie selbst, die konkrete Poesie, die visuelle Poesie, das Gedicht / Prozess und Sonoristas Experimente in der Poesie (die aus Futurismus, Dadaismus und das Werk von Kurt Schwitters entstehen) . In dem Wort Revolution, hier zitierte Arbeit, sagt Jerome Rothenberg: „Die neuen Gruppen, die Mitte der 1950er Jahre auftraten (Black Mountain, Beats, Schule von New York, tiefes Bild, konkrete Poesie, zufällige Prozesse usw.), reexirierten die Idee von einer Avantgarde, mit fast völliger Gleichgültigkeit gegenüber akademischen Grenzen. „Alle diese Tendenzen erforschen eine Definition von Poesie, die der üblichen Unterscheidung zwischen Genres entgeht, die grafische, räumliche, Annäherung an Musik oder Intervention und Performance schätzt. Die Wurzeln dieser Ausdrucksformen liegen bereits im Dadaismus, im Futurismus und im annähernden Denken des Surrealismus Antonin Artauds, und wir können immer noch denken, dass die Verdünnung der Grenzen zwischen den literarischen Gattungen bereits in dem von manchen praktizierten Gedicht in Prosa enthalten war Romantiker und perfektioniert von den gleichen Baudelaire.

Wenn wir die formalen Merkmale der modernen Dichtung beurteilen, wird es schwierig, Aussagen über ihr Ende zu machen. Die einzige unbestreitbare Tatsache ist, dass die Poesie zwischen dem späten neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhundert erschüttert wurde, was viel einfallsreichere und vielfältigere Formen des Schreibens von Poesie ermöglicht hat, wie wir es bis zum einundzwanzigsten Jahrhundert sehen. Von den Avantgarden aus begannen die sogenannten modernen Dichter zu bestimmen, welche Traditionen für die Dichtung gelten.

Die Moderne erneuert so das Genre der Poesie.

Entstehung von Parnassus
Parnassus lässt sich in einer Idee zusammenfassen: Kunst für Kunst, weil sie Schönheit als einziges Interesse der Poesie fördert. Es war Théophile Gautier, der 1830 in seinem Vorwort zu Mademoiselle de Maupin das Prinzip der Kunst für die Kunst ins Leben rief, wo wir sagen können: „Es gibt nichts wirklich Schönes, was nutzlos ist“.

Es ist dann Leconte de Lisle, der in den Fußstapfen Gautiers schreibt, ein Vorwort zu seinem Gedicht antik zu schreiben, wo er eine übermäßige Bedeutung des Lyrismus unter den Romantikern anprangert und eine „Formregeneration“ wünscht: Verweigerung der persönlichen Lyrik, moralische Neutralität und politische, unbeirrte, rigorose Verehrung strikter, Themen sind geprägt von der Obsession des Nichts, der Exotik und des Traditionalismus. „Es gibt also eine Evolution, eine Veränderung, eine Erneuerung der alten poetischen Merkmale, die Parnassus einzigartige Formen geben.

Prosa: Symbol der Moderne
Die Moderne ist gekennzeichnet und manchmal durch Prosa Poesie symbolisiert.

Traditionell dem Vers gegenüber, behält die Prosa durch das innere Spiel der Struktur, des Rhythmus und des Klangs tiefe Spuren der Dichtung. Aber vor allem das in dem in ein poetisches Objekt umgewandelten Gedicht beschriebene Element scheint auf die Zugehörigkeit dieser Texte zur Gattung der Poesie hinzudeuten.

So „ist das Prosagedicht eine literarische Form, deren Wachstum mit der Ermächtigung des literarischen Feldes verbunden ist, von dem es eine ideale und ikonische Textmanifestation ist“

Bedeutung des modernen Lebens
Die Idee der Moderne erscheint mit der Entstehung von romantischen Dichtern. Das Ziel der Romantik war es, „zeitgenössisches Leben in die Literatur zu bringen“. Für Dichter und Romancier unterscheiden Stendhal und Nodier die Romantik vom Klassizismus, der laut Nodier „modern“ ist. In seinen Gedichten beschwört Lamartine auch die Probleme der Zeit: „Schande, die nicht singen kann, während Rom brennt“ (Antwort auf Nemesis, 1831). Für Baudelaire ist das „moderne Leben“ sehr wichtig: „Die Moderne ist das Vergängliche, das Flüchtige, das Kontingente, die Hälfte der Kunst, die andere Hälfte ist das Ewige und Unveränderliche“.

Darüber hinaus verwandelt die Moderne das Hässliche, das dennoch als unansehnlich definiert wird, in ein ästhetisches Objekt. So fordert die Poesie nicht die Kriterien der Schönheit heraus, sondern den Blick, der das menschliche Tor zur Welt darstellt.

Das Banale wird auch zum ästhetischen Objekt, denn die Moderne berücksichtigt alle Elemente der Realität. Jedes Objekt, ob außergewöhnlich oder banal, wird zum ästhetischen Objekt.

Natur der Moderne
Der Modernismus entstand mit seinen hartnäckigen Brüchen mit der unmittelbaren Vergangenheit, seinen verschiedenen Erfindungen, „neu gemacht“ mit Elementen aus zeit- und raumfernen Kulturen. Die Fragen der Unpersönlichkeit und Objektivität scheinen für die modernistische Poesie entscheidend zu sein. Die Moderne entwickelte sich aus einer Tradition des lyrischen Ausdrucks und betonte die persönliche Vorstellungskraft, Kultur, Emotionen und Erinnerungen des Dichters. Für die Modernisten war es wesentlich, sich von der rein persönlichen hin zu einer intellektuellen Aussage zu bewegen, die die Poesie über die Welt machen könnte. Selbst wenn sie zum Persönlichen zurückkehrten, wie TS Eliot in den Vier Quartetten und Ezra Pound in den Cantos, destillierten sie das Persönliche in eine poetische Textur, die universelle menschliche Bedeutung beanspruchte. Herbert Read sagte dazu: „Der moderne Dichter hat keine wesentliche Allianz mit regulären Schemata jeglicher Art. Er behält sich das Recht vor, seinen / ihren Rhythmus an seine / ihre Stimmung anzupassen, um sein / ihr Metrum im Verlaufe seines Fortschritts zu modulieren von der Suche nach Freiheit und Verantwortungslosigkeit (angedeutet durch die unglückliche Bezeichnung freier Vers) sucht er eine strengere Disziplin der genauen Übereinstimmung von Denken und Fühlen. “

Nach dem Zweiten Weltkrieg versuchte eine neue Generation von Dichtern die Bemühungen ihrer Vorgänger in Richtung Unpersönlichkeit und Objektivität zu widerrufen. In der englischen Sprache endet der Modernismus mit der Hinwendung zur konfessionellen Poesie unter anderem bei Robert Lowell und Sylvia Plath.