Musik der Philippinen

Zu den philippinischen Musikrichtungen gehören Musikaufführungen auf den Philippinen oder Filipinos, die in verschiedenen Genres und Stilrichtungen komponiert wurden. Die Kompositionen sind oft eine Mischung aus verschiedenen asiatischen, spanischen, lateinamerikanischen, amerikanischen und einheimischen Einflüssen.

Die philippinische Musik ist eine Mischung aus europäischen, amerikanischen und einheimischen Klängen. Beeinflusst von der Musik der Philippinen 377 Jahre lang Erbe der kolonialen Spanien, Western Rock and Roll, Hip-Hop und populäre Musik aus den Vereinigten Staaten, Volksmusik der Bevölkerung Austronesian und Indo-Malayan Musik Gamelan.

Urmusik
Eine Reihe von Aufnahmen von Musik, die vor Ort gespielt wird, ist Urmusik. Es muss nicht wiederholt werden und muss nur einmal durchgeführt werden.

Einheimische Musik
Bemerkenswerte Volksliedkomponisten schließen den nationalen Künstler für die Musik Lucio San Pedro ein, der das berühmte „Sa Ugoy ng Duyan“ verfasste, das sich an die liebevolle Berührung der Mutter zu ihrem Kind erinnert. Ein weiterer großer Komponist, der als patriotischer Komponist Antonio Buenaventura bekannt ist.

Gong Musik
Die philippinische Gong-Musik lässt sich in zwei Typen einteilen: den flachen Gong, der allgemein als Gangsà bekannt ist und von den Gruppen in der Cordillera-Region gespielt wird, die von den islamischen und animistischen Gruppen auf den südlichen Philippinen gespielt werden.

Kulintang bezieht sich auf ein zerschlagenes Gong-Gong-Instrument, das auf den südlichen Inseln der Philippinen gespielt wird, zusammen mit seinen vielfältigen Begleit-Ensembles. Verschiedene Gruppen haben unterschiedliche Arten, den Kulintang zu spielen. Zwei Hauptgruppen scheinen in der Kulintang-Musik aufzufallen. Dies sind die Maguindanaon und die Maranaw. Das Kulintang-Instrument selbst konnte entweder auf die Einführung von Gongs nach Südostasien aus Indien vor dem 10. Jahrhundert zurückgeführt werden oder, wahrscheinlicher, auf die Einführung von bonged Gong-Gongs aus Java über Indien im 15. Jahrhundert. Dennoch ist das Kulintang-Ensemble die am weitesten fortgeschrittene Form der Musik vor dem späten 16. Jahrhundert und das Vermächtnis der Europäer auf dem philippinischen Archipel.

Die Tradition der Kulintang-Ensemblemusik selbst ist regional und geht auf die Gründung der heutigen Philippinen, Indonesiens und Malaysias zurück. Es geht über Religion hinaus, mit buddhistischen, hinduistischen animistischen und christlichen ethnischen Gruppen in Borneo, Flores und Sulawesi, die kulintangan spielen; und muslimische Gruppen, die in Mindanao, Palawan und auf dem Sulu-Archipel das gleiche Musikgenre spielen. Es ist entfernt mit den Gamelan-Ensembles von Java und Bali verbunden, ebenso wie mit den musikalischen Formen in Festland-Südostasien, hauptsächlich wegen der Verwendung für die gleichen bucked-Racked-Gong-Glocken, die sowohl melodisch als auch perkussiv spielen.

Hispanisch beeinflusste Musik
Spanien beherrschte die Philippinen 333 Jahre lang, und der Einfluss der Spanier in der philippinischen Kultur ist allgegenwärtig. Dieser Einfluss kann leicht in der Volks- und traditionellen Musik gesehen werden, besonders in den Regionen Tagalog und Visayan, wo der spanische Einfluss am größten war.

Rondalla Musik
Die Rondalla ist ein traditionelles Streichorchester, das zweizeilige, mandolinartige Instrumente wie Banduria und Laud umfasst; Eine Gitarre; ein Kontrabass; und oft eine Schlagzeugtrommel. Die Rondalla hat ihren Ursprung in der iberischen Rondalla-Tradition und wird verwendet, um mehrere spanisch beeinflusste Liedformen und Tänze zu begleiten.

Harana und Kundiman
Die Harana und Kundiman sind beliebte lyrische Lieder aus der spanischen Zeit und werden üblicherweise in Balzritualen verwendet. Die Harana ist in der mexikanisch-spanischen Tradition verwurzelt und basiert auf den rhythmischen Mustern der Habanera. Der Kundiman hat indes vorkolonialen Ursprung aus den Tagalophon-Teilen des Landes, verwendet einen dreifachen Meter-Rhythmus und ist dadurch gekennzeichnet, dass er in einer Molltonart beginnt und in der zweiten Hälfte zu einer Dur-Tonart wechselt.

In den 1920er Jahren wurden Harana und Kundiman immer populärer, nachdem Künstler wie Atang de la Rama, Jovita Fuentes, Conching Rosal, Sylvia La Torre und Ruben Tagalog sie einem breiteren Publikum vorgestellt hatten.

Tinikling
Der Tinikling ist ein Tanz aus Leyte, bei dem zwei einzelne Darsteller Bambusstangen schlagen, um sie zu schlagen, zu klopfen und auf dem Boden zu gleiten, in Koordination mit einem oder mehreren Tänzern, die über und zwischen die Pole treten. Dies ist einer der kultigeren philippinischen Tänze und ähnelt anderen südostasiatischen Bambustänzen.

Cariñosa
Die Cariñosa (bedeutet „liebende“ oder „liebevolle“), ist der nationale Tanz und ist Teil der María Clara Suite von philippinischen Volkstänzen. Es ist bemerkenswert für den Gebrauch des Fächers und des Taschentuches, um romantische Gesten zu verstärken, die durch das Paar ausgedrückt sind, das den traditionellen Balztanz durchführt. Der Tanz ähnelt dem mexikanischen Jarabe Tapatío und ist mit den Tänzen Kuracha, Amenudo und Kuradang in den Regionen Visayas und Mindanao verwandt.

Original Pilipino Musik
Original Pilipino Musik, heute eher original Pinoy Musik, original philippinische Musik oder OPM, bezieht sich ursprünglich nur auf philippinische Popsongs, insbesondere auf Balladen, wie sie nach dem Zusammenbruch ihres Vorgängers, dem Manila Sound der späten 1970er Jahre, populär waren.

Zwischen den 1950er, 1960er Jahren und vor den 1970er Jahren entstanden unter anderem Sylvia La Torre, Diomedes Maturan, Ric Manrique Jr., Ruben Tagalog, Helen Gamboa, Vilma Santos, Edgar Mortiz, Carmen Camacho.

In den 1970er Jahren waren beliebte Künstler Nora Aunor, Tirso Cruz III, Pilita Corrales, Eddie Peregrina, Ramón Jacinto, Victor Wood und Asin. Die größeren kommerziellen philippinischen Popmusik-Künstler waren Claire Dela Fuente, Didith Reyes, Riccos Puno, Ryan Cayabyab, Basil Valdez, Celeste Legaspi, Hadschi Alejandro, Rey Valera, Freddie Aguilar, Imelda Papin, Eva Eugenio, Marco Sison, Nonoy Zuniga, Leah Navarro, Aschenputtel, Tillie Moreno, Ric Segreto, Janet Basco, Freunde (Filipino Band), Hotdog, VST & Co. und viele andere.

Zwischen den 1980ern und den 1990ern wurde OPM von Künstlern wie Regine Velasquez, Pops Fernandez, APO Wandergesellschaft, Kuh Ledesma, José Mari Chan, Dingdong Avanzado, Rodel Naval, Janno Gibbs, Ogie Alcasid, Joey Albert, Lilet, Martin Nievera geleitet , Manilyn Reynes, Lea Salonga, Kristina Paner, Rachel Alejandro, Raymond Lauchengco, JoAnne Lorenzana, Francis Magalona, ​​Sharon Cuneta, Sheryl Cruz, Keno, Lou Bonnevie, Zsa Zsa Padilla und Gary Valenciano, unter vielen anderen.

In den 1990er Jahren, berühmte Künstler gehören Eraserheads, The Company (Vokalgruppe), April Boy Regino, Smokey Mountain, Rivermaya, Jaya, Agot Isidro, Dessa (philippinische Sängerin), Isabel Granada, Vina Morales, Donna Cruz, Jolina Magdangal, Jessa Zaragoza , Ariel Rivera, Südgrenze, Carol Banawa, AfterImage, Seite A, Andrew E., Lani Misalucha, Ella May Saison, Joey Ayala, Viktoria (Sängerin), April Boys, Color It Red, Roselle Nava und Blakdyak, unter vielen anderen.

In den 2000er und 2010er Jahren zählen Sarah Geronimo, Julie Anne San Jose, Angeline Quinto, Jonyn Viray, Kitchie Nadal, Barbie’s Cradle, Kiz Tandingan, Aisa Seguerra, Toni Gonzaga, Nina, Yeng Constantino, Piolo Pascual, Jovit Baldivino , KZ Tandingan, Nyoy Volante, Spongecola, Jenniyl Mercado, Kim Chiu, Mark Bautista, Christian Bautista, Charice, Jed Madela, Erik Santos, Parokya Ni Edgar, Kamikazee, Sam Milby, Abra, James Reid, Sheryn Regis und Gloc-9, unter vielen anderen.

Underground-Bands entstanden und mit ihnen waren ihre Vorstellungen von Idealismus und Selbstdarstellung. Der berühmte Texter von Circle’s End, Geno Georsua, landete als melodramatischer Expressionist an der Spitze. Bassist Greg Soliman von UST Pendong versteht den Titel als bester Bassist der Underground-Musik.

Von Anfang an stand OPM in Manila, wo Tagalog und Englisch die dominierenden Sprachen sind. Andere ethnolinguistische Gruppen wie Visayan, Bikol und Kapampangan wurden, obwohl sie in ihrer Muttersprache Musik machten, selten als OPM anerkannt. Zu den ungewöhnlichen Fällen gehört der Bisrock (Visayan Rockmusik) Song „Charing“ der Band Davao, 1017. Multikulturalismus-Befürworter und -Föderalisten verbinden die Diskrepanz oft mit der Tagalog-zentrischen kulturellen Hegemonie von Manila. Nachdem sie erfolgreich ein Subgenre des philippinischen Rocks geschaffen haben, das sie „Bisrock“ nennen, haben die Visayans bei weitem die größte Sammlung moderner Musik in ihrer Muttersprache, mit großartigen Beiträgen der Visayan-Bands Phylum und Missing Filemon. Eine Band namens Groupies ‚Panciteria aus Tacloban, einer Winaray-sprechenden Stadt, veröffentlichte 2009 auf Soundclick.com ein frei herunterladbares MP3-Album mit 13 Tagalog-Songs und nur einem sehr kurzen Song in der Cebuano-Sprache.

Im Anschluss sind die Kapampangans. Das Debüt-Musikvideo von „Oras“ („Time“) von Tarlac City-based Kapampangan Band Mernuts eingedrungen MTV Pilipinas, so dass es das erste Kapampangan Musikvideo, um die Reihen der anderen Mainstream-Filipino-Musikvideos beizutreten. RocKapampangan: Die Geburt des philippinischen Kapampangan Rocks, ein Album mit modernen Remakes von Kapampangan Folk-Exemporen-Songs von verschiedenen Kapampangan-Bands wurde ebenfalls im Februar 2008 ins Leben gerufen und wurde regelmäßig über den Kapampangan-Kabelkanal Infomax-8 und über eines der größten FM-Radio von Central Luzon gespielt Stationen, GVFM 99.1. Inspiriert von dem, was die Einheimischen „Kapampangan kulturelle Renaissance“ nennen, hat die in Angeles City geborene Ballade Ronnie Liang Kapampangan-Übersetzungen von einigen seiner populären Songs wie „Ayli“ (Kapampangan-Version von „Ngiti“) und „Ika“ (Kapampangan-Version von „Ikaw“) für sein neu gepacktes Album.

Trotz des wachsenden Lärms für nicht-Tagalog und nicht-englische Musik und die größere Repräsentation von anderen philippinischen Sprachen, ist die lokale philippinische Musikindustrie, die in Manila zentriert ist, nicht in der Lage Investitionen in andere Standorte zu wagen. Einige ihrer Hauptgründe sind die Sprachbarriere, die geringe Marktgröße und die soziokulturelle Betonung des Regionalismus auf den Philippinen.

Der erste Songwriting-Wettbewerb des Landes, das Metro Manila Popular Music Festival, wurde 1977 ins Leben gerufen und von der Popular Music Foundation der Philippinen ins Leben gerufen. Zu dieser Zeit waren viele prominente Sänger und Songwriter zu hören. Es fand jährlich sieben Jahre lang statt, bis es 1985 eingestellt wurde. Es wurde 1996 als „Metropop Song Festival“ wiederbelebt, das noch sieben Jahre dauerte, bevor es 2003 wegen des Rückgangs seiner Popularität eingestellt wurde. Eine weitere Variante des Festivals war der Himig-Handog-Wettbewerb, der im Jahr 2000 begann und von der ABS-CBN Corporation und ihrer Tochtergesellschaft, dem Musiklabel Star Records, betrieben wurde. Fünf Wettbewerbe wurden bisher in den Jahren 2000 bis 2003 ausgetragen und 2013 schließlich wieder aufgenommen. Im Gegensatz zu seinen Vorgängern hat der Wettbewerb verschiedene Themen, die die Art der Liedeinträge widerspiegeln, die jedes Jahr als Finalisten ausgewählt werden. 2012 wurde das Philippine Popular Music Festival ins Leben gerufen und soll sich vom ersten Songwriting-Wettbewerb inspirieren lassen.

Popmusik
OPM Pop wurde regelmäßig in der Live-Bandszene gezeigt. Gruppen wie Neocolours, Side A, Introvoys, The Teeth, Yano, True Faith, Passage und Freestyle popularisierte Songs, die deutlich den sentimentalen Charakter von OPM Pop widerspiegeln.

Im neuen Jahrtausend bis zu den 2010er Jahren, berühmte philippinische Popmusik-Künstler wie Sarah Geronimo, Erik Santos, Yeng Constantino, Mark Bautista, KZ Tandingan und Christian Bautista, unter vielen anderen.

Chormusik
Chormusik ist zu einem wichtigen Bestandteil der philippinischen Musikkultur geworden. Es geht auf die Chöre der Kirchen zurück, die in früheren Zeiten in der Messe gesungen haben. In der Mitte des 20. Jahrhunderts entstanden Chorgruppen, die im Laufe der Zeit immer populärer wurden. Neben Kirchen haben Universitäten, Schulen und lokale Gemeinschaften Chöre gegründet.

Philippine Chor Arrangeure wie Robert Delgado, Fidel Calalang, Lucio San Pedro, Eudenice Palaruan unter anderem haben in den großen Repertoires der Chöre schöne Arrangements von OPM, Volkslieder, patriotische Lieder, neue Lieder, Liebeslieder und sogar ausländische Lieder aufgenommen.

Die Philippine Madrigal Singers (ursprünglich die Universität der Philippinen Madrigal Singers) ist eine der bekanntesten Chorgruppen nicht nur auf den Philippinen, sondern auch weltweit. Mit internationalen Wettbewerben wurde die Gruppe zu einer der eindrucksvollsten Chorgruppen des Landes. Weitere preisgekrönte Chorgruppen sind unter anderem die Universität von Santo Tomas Singers, die philippinischen Meistersinger (Botschafter der ehemaligen adventistischen Universität der Philippinen), die UP Singing Ambassadors und der UP Concert Chorus.

Rockmusik
Die Vereinigten Staaten besetzten die Inseln von 1898 bis 1946 und führten amerikanischen Blues, Volksmusik, R & B und Rock & Roll ein, die populär wurden. In den späten 1950er Jahren adaptierten einheimische Künstler den Tagalog-Text für nordamerikanische Rock’n’Roll-Musik, was zu den grundlegenden Ursprüngen des philippinischen Rocks führte. Die bemerkenswerteste Errungenschaft im philippinischen Rock der 1960er Jahre war der Hit „Killer Joe“, der die Gruppe Rocky Fellers vorantrieb und Platz 16 der amerikanischen Radiocharts erreichte.

Bis in die 1970er Jahre begannen populäre Rockmusiker auf Englisch zu schreiben und zu produzieren. In den frühen 1970er Jahren begann die Rockmusik mit lokalen Sprachen zu schreiben, mit Bands wie der Juan Dela Cruz Band, die zu den ersten populären Bands gehörten. Das Mischen von Tagalog und englischen Texten wurde auch populär im selben Lied verwendet, in Songs wie „Ang Miss Universe Ng Buhay Ko“ („Die Miss Universum von My Life“) von der Band Hotdog, die den Manila Sound innovieren half. Die Mischung der beiden Sprachen (bekannt als „Taglish“), die in den Philippinen auf der Linguistic Speech üblich ist, wurde als mutiger Schachzug gesehen, aber der Erfolg von Taglish in populären Songs, einschließlich Sharon Cunetas erstem Hit „Mr. DJ“ , hat die Barriere für immer gebrochen.

Philippinische Rockmusiker fügten Folkmusik und andere Einflüsse hinzu und trugen so zum Durchbruch von Freddie Aguilar im Jahr 1978 bei. Aguilars „Anak“ („Child“), seine Debütaufnahme, ist die kommerziell erfolgreichste philippinische Aufnahme und war in ganz Asien und Europa beliebt und wurde von Sängern weltweit in zahlreiche Sprachen übersetzt. Asin brach auch in der gleichen Zeit in die Musikszene ein und war populär.

Folk Rock wurde zur philippinischen Protestmusik der 1980er Jahre und Aguilars „Bayan Ko“ („Mein Land“) wurde während der EDSA Revolution 1986 als Hymne populär. Zur gleichen Zeit lehnte eine Gegenkultur den Aufstieg politisch orientierter Texte ab. In Manila entwickelte sich eine Punkrock-Szene, die von Bands wie Betrayed, The Jerks, Urban Bandits und Contras angeführt wurde. Der Einfluss der neuen Welle wurde auch in diesen Jahren spürbar, angeführt von The Dawn.

In den 1980er Jahren entstanden Asin (Band), Sampaguita (Sänger), Coritha, Florante, Mike Hanopol und Heber Bartolome.

In den 1990er Jahren entstanden Eraserheads, die von vielen philippinischen Staatsbürgern als die Nummer Eins der philippinischen Aufnahmeszene angesehen werden. Im Zuge ihres Erfolges entstand eine Reihe einflussreicher philippinischer Rockbands wie True Faith (Band), Yano, Siakol, Teeth (Band), Parokya ni Edgar und Rivermaya, von denen jede den Einfluss einer Vielzahl von Musikern mischt Rock Subgenres in ihren Stil.

Filipino Rock in den 2000er Jahren hat sich auch entwickelt, um etwas Hard Rock, Heavy Metal und Alternative Rock wie Razorback, Wolfgang, Greyhoundz, Slapshock, Queso, Bamboo, Kamikazee, Franco, Urbandub und die progressiven Bands Paradigm, Fuseboxx, Earthmover und Eternal Now aufzunehmen .

In den 2010er Jahren entstanden verschiedene unsignierte Akte verschiedener Subgenres aus einem anderen Rockformat: der Independent Music. Indie-Acts wie Autotelic, Bullet Dumas, Ang Bandang Shirley, Cheats, BP Valenzuela, She’s Only Sixteen, The Ransom Collective, Oh, Flamingo !, Sud, Jensen und The Flips, MilesErlebnis, Toms Geschichte, Ben & Ben, IV of Spades, Clara Benin und Reese Lansangan unter anderem.

In den letzten Jahren sind Rockfestivals entstanden, und es ist eine jährliche Veranstaltung für einige Rock / Metal-Enthusiasten. Ein großes Ereignis ist der Pulp Summer Slam, bei dem lokale Rock / Metal-Bands und internationale Bands wie Lamb of God, Anthrax, Death Angel und Arch Enemy aufgetreten sind.

Das neo-traditionelle Genre in der philippinischen Musik gewinnt ebenfalls an Popularität, wobei Künstler wie Joey Ayala, Grace Nono, Bayang Barrios und Pinikpikan einen relativen kommerziellen Erfolg ernten, während sie die traditionellen musikalischen Klänge vieler indigener Stämme auf den Philippinen nutzen.

HipHop
Filipino Hip-Hop ist Hip-Hop-Musik, die von philippinisch-philippinischen Musikern sowohl auf den Philippinen als auch in Übersee gespielt wird, insbesondere von Filipino-Amerikanern. Es ist bekannt, dass die Philippinen seit den frühen 1980er Jahren die erste Hip-Hop-Musikszene in Asien hatten, hauptsächlich aufgrund der historischen Verbindungen des Landes mit den Vereinigten Staaten, wo Hip-Hop entstand. Rap-Musik, die auf den Philippinen veröffentlicht wurde, ist in verschiedenen Sprachen wie Tagalog, Chavacano, Cebuano, Ilocano und Englisch erschienen. Auf den Philippinen werden Francis M, Gloc-9, Abra (Rapper), Michael V. und Andrew E. als die einflussreichsten Rapper des Landes genannt, da sie die ersten Rap-Alben veröffentlichen. Dann kamen die weiblichen Rapper MC Lara und Lady Diane.

Andere Genres
Eine Reihe anderer Genres erfreut sich wachsender Beliebtheit in der philippinischen Musikszene, einschließlich einer Reihe alternativer Gruppen und Stammesbands, die das kulturelle Bewusstsein der philippinischen Inseln fördern.

Ebenso hat der Jazz eine Wiederbelebung der Popularität erfahren. Erste Impulse gaben WDOUJI (Witch Doctors of Underground Jazz Improvisation) mit ihrer preisgekrönten Independent-Veröffentlichung „Ground Zero“, die 2002 von den inzwischen verstorbenen N / A Records vertrieben wurde und dem Tots Tolentino-geführten Buhay Jazz-Quartett im Jahr davor . Dies eröffnete den Weg für spätere Versuche, von denen die philippinische Jazz-Supergroup Johnny Alegre Affinity, deren gleichnamiges Debütalbum 2005 unter Londoner Candid Records veröffentlicht wurde, am auffälligsten ist. Mon David hat auch die Runde der Las Vegas Music Circuit gemacht. Unter den weiblichen Darstellern war Mishka Adams der prominenteste. Eine neuere Entwicklung ist die Verschmelzung von gesprochenem Wort und Jazz und auch mit Rock, die hauptsächlich Radioactive Sago Project zugeschrieben wird. Andere bemerkenswerte Namen sind in letzter Zeit Bob Aves mit seinem ethno-infusierten Jazz, The Jazz Volunteers und Akasha, die fast die Hälfte des 11-jährigen Bestehens der legendären Jazz-Jams in der Freedom Bar prägten. Heute finden Jazz-Jams im Untergrund in einer Bar namens TAGO Jazz Bar statt, die sich in der Main Avenue in Cubao befindet. Neuere Jazzgruppen entstanden in der lokalen Jazzszene, namentlich Swingersyndicate, die im Post-Bop- und Modern-Trad-Jazz Pionierarbeit leisteten, und Camerata Jazz, bekannt für ihre philippinischen Jazz-Arrangements und den Sound.

Pinoy Neuheit Lieder wurden in den 1970er Jahren bis Anfang der 1980er Jahre populär. Populäre Neuheit Sänger um diese Zeit waren Reycard Duet, Fred Panopio und Yoyoy Villame. Novelty Pop Acts in den 1990ern und 2000ern waren Michael V., Bayani Agbayani, Masculados, Vhong Navarro, Sexbomb Girls, Joey de Leon („Itaktak Mo“), Viva Hot Babes und Willie Revillame.

Bossa Nova und Latino-Musik ist seit den 1970er Jahren beliebt. Darsteller wie Annie Brazil waren in den 1970er Jahren aktiv, während in letzter Zeit Sitti für ihre Bossa Nova Cover von populären Liedern begeisterte Kritiken erhielt.

Während es in Baguio City vor langer Zeit eine blühende Underground-Reggae- und Ska-Szene gab, wurden die Genres erst vor kurzem im Mainstream akzeptiert. Acts wie Brownman Revival, Put3ska, Roots Revival von Cebu und The Brown Outfit Bureau von Tarlac City waren maßgeblich an der Popularisierung der so genannten „Island Riddims“ beteiligt. Es gibt auch ein aufkeimendes Mod-Revival, angeführt von Juan Pablo Dream und einer großen Indie-Pop-Szene.

Elektronische Musik begann Mitte der 1990er Jahre im Untergrund von Manila, angeführt von Koryphäen wie Manolet Dario vom Konsortium. Im Jahr 2010 begannen lokale Künstler, selbst Elektropop-Songs zu kreieren. Ab sofort werden die meisten elektronischen Songs in Werbespots verwendet. Der einzige Radiosender, der bisher nur elektronische Musik spielt, ist 107,9 U Radio. Die 2010er begannen auch den Aufstieg von Indie-Elektronik-Produzenten, DJs und Künstlern mit Somedaydream, Borhuh, Kidwolf, Zelijah, John Sedano, MVRXX, MRKIII, Bojam, CRWN, NINNO, Kidhrones und Jess Connelly.

Volksmusik der Philippinen
Die Volksmusik der Philippinen als Volksmusik anderer Länder spiegelt das Leben gewöhnlicher Menschen wider, die normalerweise in Städten und nicht in Städten leben. Wie andere indigene Musik in Asien, sind die meisten der einheimischen Musik der Philippinen mit der Umwelt verbunden. Im Gegensatz dazu verwenden die meisten von ihnen eine diatonische Skala anstelle einer pentatonischen Skala.

Ost- und West-Integration
Wie die Landschaft des Landes ist die indigene Musik der Philippinen ein Produkt ihrer bunten Geschichte. Die einheimische Musik der Philippinen wurde von der Art von Kultur beeinflusst, die sie jemals gesehen hat, und es ist keine Überraschung, dass sie so gut ist wie Musik in China oder Indien, wie es nach Europa klingt.

Als Menschen, die damit arbeiten und sie benutzen, kann die indigene Musik der Philippinen als westlich oder nicht-westlich betrachtet werden, und obwohl es in jeder Kategorie andere Spaltungen gibt, zeigt sie immer noch die Zivilisation einer Gruppe. Durch Volksmusik ist es gut zu sehen, dass Filipinos tiefen Glauben an Gott, enge Familien und umweltfreundlich haben.

Vokalmusik
Der Musikgesang ist nach wie vor die wichtigste Form der Musik, die auf den Philippinen ethnisch gruppiert ist. Und obwohl es auch Musicals zum Tanzen gibt, ist die Musik immer noch am besten von den Akademischen Filipinos organisiert.

Laut dem Buch Philippinische Literatur: Volkslieder von Mauricia Borromeo können die indigenen Lieder des Landes als Western -, Mala – Psalmo – und Sekular – Lieder von indigenen Gruppen klassifiziert werden.

Erwecken Western
Laut Borromeo haben die indigenen Lieder der Philippinen im Westen Eigenschaften:

melodiyang madaling awitin,
Silabik und Vers,
einfache Form,
im Bürgermeister oder Minderjährigen,
mit Drehungen oder Wendungen,
und einfache Begleitung.
Melodiya
Westliche Musik beeinflusste das Volkslied der Philippinen durch Spanien. Da die Philippinen seit mehr als 300 Jahren der spanischen Besatzung unterworfen sind, ist es kein Wunder, dass ein Mensch Ähnlichkeiten in der Volksmusik dieser beiden Länder hören kann.

Diese Art von Musik findet man gewöhnlich bei den Einheimischen, die den christlichen Glauben annehmen, weil sie eine längere Beziehung zu den Spaniern hatten als nichtchristliche Gruppen.

Die Rundfunkmusik der Philippinen hat auch Dorothy Scarboroughs Prüfungen erlebt, die er sagte:

(auf Englisch)

Ein Lied, das als Notenblatt beginnt und dem Autor und Komponisten gehörig zugeschrieben wird, kann von Sängern, die es mündlich lernen und mündlich übertragen, zu Worten oder Musik oder beides verändert werden, um ein Volkslied zu werden. Die Tatsache, dass diese Musik als veröffentlichte Musik bekannt ist, macht keinen Unterschied. „… keine echte Volksmusik ist jemals das genaue Duplikat einer anderen Version, sogar des gleichen Liedes. Jede Version oder Variante hat ihren eigenen Wert.“ (Scarborough 1935: Vorwort)
(auf Tagalog)

Ein Lied beginnt als ein Stück Musik, das im Lob des Autors und des Komponisten ist, das wie Wörter oder Musik ersetzt werden kann, oder beides, von Sängern, die gelernt und in den Mund gebracht haben, der ein Volkslied zu sein scheint. Die Tatsache, dass überall, wo es als gedruckte Musik gelernt werden kann, keinen Unterschied macht. „… es gibt keine echte Volksmusik mit einer genauen Kopie irgendeiner Version, auch wenn es sich um dasselbe Lied handelt. Jede Version oder Variation hat ihre eigene Privatsphäre.“ (Scarborough 1935: Vorwort)
Es ist offensichtlich, dass Lieder wie Bisaya-Bisaya wie Matud Nila und gelegentlich auch als Volkslieder gelten, obwohl einige Passagen sagen, dass sie von Ben Zubiri und Nitoy Gonzales gemacht wurden.

Im Falle des Registers ist es leicht zu singen, auch wenn ein Sänger die Musik nicht studiert. Die meisten dieser Songs haben nur einen Registrierungsbereich zwischen sechs und elf Tönen, während das normale Standard-Stimmregister 14 Tone oder anderthalb Hafer ist.

Sie werden auch in einer nicht gestressten Weise gesungen und obwohl sie von Falsett, wie die alten, verwendet werden kann, kann sie auch unbenutzt sein. Wenn es Zeiten gibt, in denen diese Lieder Plagiate sind, werden viele von ihnen gut gesprochen, wie es in der populären Musik verwendet wird.

Schätzung und Stele
Den meisten westlichen Musikern kann ein klassischer Korridor zugewiesen werden, Sie haben vier Linien mit einem Leichentuch oder Lied, Sie haben vier Zeilen mit je 12 Silben. Und obwohl es nicht passt, enden die Linien in Assonanz.

Trotz der Ähnlichkeiten in spanischen Volksliedern verwendete die indigene Volksmusik der Philippinen keine langen Mellismen. Daher ist One Word for Every Note in dem Film The Sound of Music in philippinischen Volksliedern leicht zu sehen.

Die Charakteristiken des gemeinsamen indigenen Liedes aus den Philippinen sind ebenfalls charakteristisch für das Stropische, wo nur eine Melodie in allen Stadien verwendet wird. Es wird gut auf den Balladen aussehen, obwohl die so genannte modifizierte Strophie, wie das irische Lied „Red Is the Rose“, schwer zu finden ist. Der Dual-Modus wird auch häufig verwendet, obwohl ein einzelner Ton in allen Stufen einen anderen Refrain eines anderen Tons enthält.

Popularität
Im Gegensatz zu den Ländern Irlands, Ungarns und der Tschechischen Republik war es immer die nationale Identität der indigenen Musik von den Philippinen. Dies ist wahrscheinlich darauf zurückzuführen, dass jede Region ihre eigene Sprache hat.

Und obwohl es einige gibt, die versuchen, sich aus verschiedenen Sprachen zu sammeln, ist es niemandem gelungen, es auf der Grundschule zu unterrichten. Außer den Kinderliedern achtet indigene Musik nicht auf Klassenräume. Folglich ist es offensichtlich, dass die Volkslieder nur Kinderlieder sind.

Der Fernsehzugang hat auch dazu beigetragen, dass er schnell an Popularität verloren hat, da die Filipinos sofort die populäre Kultur aus Europa und den Vereinigten Staaten gesehen haben. Und obwohl viele Europäer gerne Musik hören, sind Filipinos immer in Gefahr, Volksmusik zu verlieren.

Einstellungsversuche
Es gab Anlässe in der indianischen Musik der Philippinen für fast alle von ihnen als das Herzstück der Musik. Unter den 300 Jahren spanischer Besetzung auf den Philippinen hat keine Volksmusikveranstaltung stattgefunden. Und obwohl es in der amerikanischen Ära Anlässe gegeben hat, hat es erst Ende des 20. Jahrhunderts stattgefunden, während europäische Romantiker die Bedeutung indigener Lieder sehen.

Während der amerikanischen Besetzung der Philippinen gab es Versuche, Volksmusik zu sammeln, aber es waren nur die letzten Jahre. Die erste Sammlung von Fr. Morice Vanoverberg im Jahr 1919 über die indigene Musik des Lepanto Igorot des Nordens. Das sind nur die einzigen Buchstaben in dieser Sammlung sind nicht die Töne.

Die Kollektion Filipino Folk Songs von Emilia Cavan gilt als die erste Kollektion mit einem Ton. Es wurde 1942 veröffentlicht. Aber die Sammlung von Norberto Romualdez in den 1950er Jahren bleibt die wichtigste dieser Disziplin. Es ist nach der Philippine Progressive Music Series benannt und hat sich auch zu einem Standard-Lehrbuch für Schulen entwickelt.

Leider waren die Amerikaner Romualdez ‚Assistenten und übersetzten die Buchstaben dieser Lieder aus den Originalsprachen ins Filipino und ins Englische. Dies ist aufgrund des Wunsches dieser Sammlung, die philippinischen patriotischen Gefühle zu bringen. Dies ist die Tatsache, dass die philippinische National Folklore, Philippinen Unser Heimatland und sogar die Philippinen, die Schöne, eine Adaption von America the Beautiful in der Liste der Lieder sind. Es hat auch einige Lieder aus den Volksliedern anderer Länder.

Kommerzielle Benutzung
Einige Rocksänger haben versucht, die Volkslieder sowohl in den 1970er Jahren als auch in den USA zu flechten. Dazu gehören die Sänger Joey Ayala, Bayang Barrios, Freddie Aguilar und die Salt-Gruppe.

Eine Reihe von ernsthaften Musikern hat es auch geflochten, aber niemandem ist es gelungen, es in die Charts zu bringen, wie es in den Vereinigten Staaten der Fall war. Heute reicht es nicht mehr aus, die populären Sänger zu gewinnen, und nur diejenigen, die Musik an Universitäten studieren, haben es gefördert.