Porträtgemälde

Porträtmalerei ist ein Genre in der Malerei, in dem die Absicht besteht, ein menschliches Subjekt darzustellen. Der Ausdruck „Porträtmalerei“ kann auch das tatsächlich gemalte Porträt beschreiben. Portraitisten können ihre Arbeit im Auftrag von öffentlichen und privaten Personen schaffen, oder sie werden durch Bewunderung oder Zuneigung für das Thema inspiriert. Porträts sind oft wichtige staatliche und familiäre Aufzeichnungen sowie Erinnerungen.

Historisch haben Porträtgemälde vor allem die Reichen und Mächtigen in Erinnerung gerufen. Im Laufe der Zeit wurde es jedoch üblich, dass bürgerliche Gönner Porträts ihrer Familien und Kollegen in Auftrag gaben. Porträts werden heute immer noch von Regierungen, Unternehmen, Gruppen, Clubs und Einzelpersonen in Auftrag gegeben. Neben der Malerei können Porträts auch in anderen Medien wie Radierung, Lithographie, Fotografie, Video und digitalen Medien hergestellt werden.

Geschichte:
Antike Welt
Die Wurzeln von Portraiture sind wahrscheinlich in prähistorischen Zeiten gefunden, obwohl nur wenige dieser Werke bis heute erhalten sind. In der Kunst der alten Zivilisationen des Fruchtbaren Halbmonds, besonders in Ägypten Darstellungen von Herrschern und Göttern sind reichlich vorhanden. Die meisten davon wurden jedoch in einer sehr stilisierten Art und Weise und meistens im Profil, gewöhnlich auf Stein, Metall, Ton, Gips oder Kristall, ausgeführt. Die ägyptische Porträtmalerei legte relativ wenig Wert auf Ähnlichkeit, zumindest bis zur Zeit von Echnaton im 14. Jahrhundert vor Christus. Portraitmalerei von Honoratioren in China geht wahrscheinlich auf über 1000 v. Chr. zurück, obwohl von diesem Alter keine überlebte. Bestehende chinesische Porträts gehen auf etwa 1000 n. Chr. Zurück

Aus literarischen Quellen wissen wir, dass die altgriechische Malerei Porträts umfasste, oft sehr genau, wenn man den Lobeshymnen der Schriftsteller Glauben schenken will, aber keine gemalten Beispiele. Geformte Köpfe von Herrschern und berühmte Persönlichkeiten wie Sokrates überleben in einiger Quantität und zeigen, wie die individualisierten Büsten hellenistischer Herrscher auf Münzen, dass griechische Porträts eine gute Ähnlichkeit erreichen können und Subjekte mit relativ wenig Schmeichelei dargestellt werden – Sokrates Porträts zeigen, warum er hatte den Ruf, hässlich zu sein. Die Nachfolger Alexanders des Großen begannen mit der Hinzufügung seines Kopfes (als eine vergöttlichte Gestalt) zu ihren Münzen und benutzten bald ihre eigenen.

Die römische Porträtmalerei übernahm die Tradition der Porträtmalerei sowohl der Etrusker als auch der Griechen und entwickelte eine sehr starke Tradition, verbunden mit ihrer religiösen Verwendung von Ahnenporträts sowie der römischen Politik. Die wenigen gemalten Überreste in den Fayum Porträts, dem Grab von Aline und dem Severan Tondo, alle aus Ägypten unter römischer Herrschaft, sind eindeutig provinzielle Inszenierungen, die eher griechische als römische Stile widerspiegeln, aber wir haben eine Fülle von gemeißelten Köpfen, darunter viele individualisierte Porträts aus bürgerlichen Gräbern und tausende Arten von Münzporträts.

Mittelalter
Die meisten frühmittelalterlichen Porträts waren Donatorenporträts, zunächst überwiegend aus Päpsten in römischen Mosaiken, und illuminierte Handschriften, etwa ein Selbstporträt der Schriftstellerin, Mystikerin, Wissenschaftlerin, Illuminatorin und Musikerin Hildegard von Bingen (1152). Wie bei den zeitgenössischen Münzen gab es kaum einen Versuch eines Gleichnisses. Steingräber-Denkmäler breiteten sich in der Romanik aus. Zwischen 1350-1400 begannen säkulare Figuren in Fresken und Tafelbildern wieder aufzutauchen, wie in Meister Theoderichs Karl IV., Der Treue erhielt, und Porträts wurden wieder zu klaren Gleichnissen. Gegen Ende des Jahrhunderts entstanden die ersten Ölporträts zeitgenössischer Menschen, die auf kleinen Holztafeln gemalt wurden Burgund und Frankreich, zuerst als Profile, dann in anderen Ansichten. Das Wilton Diptychon von ca. 1400 ist eines von zwei erhaltenen Tafelportraits von Richard II. Von England , der früheste englische König, für den wir zeitgenössische Beispiele haben. Führende frühniederländische Meister des Porträts waren Jan van Eyck, Robert Campin und Rogier van der Weyden. Porträts von Spendern wurden als Gegenwart gezeigt oder nahmen an den wichtigsten heiligen Szenen teil, die gezeigt wurden, und in privateren Gerichtsbildern erschienen sogar Themen wie die Jungfrau Maria.

Renaissance
Die Renaissance markiert einen Wendepunkt in der Geschichte der Porträtmalerei. Teilweise aus Interesse an der Natur und teilweise aus Interesse an den klassischen Kulturen des antiken Griechenlands und Roms, wurden Porträts – sowohl gemalte als auch gemeißelte – in der Renaissancegesellschaft eine wichtige Rolle gespielt und als Objekte und als Darstellungen von irdischem Erfolg geschätzt Status. Die Malerei erreichte im allgemeinen eine neue Ebene des Gleichgewichts, der Harmonie und der Einsicht, und die größten Künstler (Leonardo, Michelangelo und Raphael) galten als „Genies“, die weit über den Rang eines Kaufmanns hinaus an die geschätzten Diener des Hofes und der Kirche gingen.

Viele Innovationen in den verschiedenen Formen des Porträts entstanden während dieser fruchtbaren Periode. Die Tradition der Porträtminiatur begann, die bis in das Zeitalter der Fotografie populär blieb und sich aus den Fähigkeiten der Maler der Miniaturen in illuminierten Handschriften entwickelte. Englisch: www.db-artmag.de/2003/8/e/2/63.php Besonders beliebt waren Profilporträts, die von antiken Medaillons inspiriert waren Italien zwischen 1450 und 1500. Medaillen, mit ihren zweiseitigen Bildern, inspirierten auch eine kurzlebige Mode für zweiseitige Malereien früh in der Renaissance. Klassische Skulpturen, wie der Apollo Belvedere, beeinflussten auch die Auswahl von Posen, die von Renaissance-Porträtisten verwendet wurden, Posen, die im Laufe der Jahrhunderte verwendet wurden.

Nordeuropäische Künstler führten den Weg in realistische Porträts weltlicher Themen. Der größere Realismus und Detailreichtum der Künstler des Nordens während des 15. Jahrhunderts war teilweise auf die feineren Pinselstriche und Effekte zurückzuführen, die mit Ölfarben möglich sind, während die italienischen und spanischen Maler noch Tempera verwendeten. Zu den frühesten Malern, die Öltechnik entwickelten, gehörte Jan van Eyck. Ölfarben können mehr Textur und Stärken erzeugen und effektiver geschichtet werden, wobei immer dickere Schichten übereinander gelegt werden (von Malern als „Fett übermager“ bezeichnet). Außerdem trocknet Ölfarben langsamer, so dass der Künstler Veränderungen leicht vornehmen kann, z. Antonello da Messina war einer der ersten Italiener, die Öl ausnutzten. Trainiert in Belgien er hat sich eingelebt Venedig um 1475, und hatte großen Einfluss auf Giovanni Bellini und die norditalienische Schule. Während des 16. Jahrhunderts verbreitete Öl als ein Medium in der Popularität überall Europa und ermöglicht eine prächtigere Wiedergabe von Kleidung und Schmuck. Beeinflusst wurde die Qualität der Bilder auch durch den Wechsel von Holz zu Leinwand Italien in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts und verbreitete sich nach Nordeuropa im nächsten Jahrhundert. Canvas ist besser knacken als Holz, hält Pigmente besser und braucht weniger Vorbereitung – aber es war anfangs viel knapper als Holz.

Schon früh verließen die Nordeuropäer das Profil und begannen Porträts von realistischem Volumen und Perspektive zu produzieren. In dem Niederlande , Jan van Eyck war ein führender Porträtist. Die Arnolfini-Hochzeit (1434, Nationalgalerie, London ) ist ein Wahrzeichen der westlichen Kunst, ein frühes Beispiel für ein abendfüllendes Paarportrait, das in reichen Farben und exquisiten Details hervorragend bemalt ist. Aber ebenso wichtig ist die neu entwickelte Technik der Ölmalerei von van Eyck, die die Kunst revolutionierte und überall verbreitete Europa .

Führende deutsche Porträtkünstler, darunter Lucas Cranach, Albrecht Dürer und Hans Holbein der Jüngere, die alle die Ölmalereitechnik beherrschen. Cranach war einer der ersten Künstler, die lebensgroße Auftragswerke malten, eine Tradition, die von nun an populär war. Zu dieser Zeit, England hatte keine Porträtmaler der ersten Reihe, und Künstler wie Holbein waren von englischen Gönnern gefragt. Sein Gemälde von Sir Thomas More (1527), seinem ersten wichtigen Gönner in England , hat fast den Realismus einer Fotografie. Holbein machte seinen großen Erfolg Gemälde der königlichen Familie, einschließlich Heinrich VIII. Dürer war ein herausragender Zeichner und einer der ersten großen Künstler, der eine Serie von Selbstporträts schuf, darunter ein Vollgesichtsgemälde. Er hat auch seine Selbstportraitfigur (als Zuschauer) in mehreren seiner religiösen Bilder platziert. Dürer begann im Alter von dreizehn Jahren Selbstporträts zu machen. Später würde Rembrandt diese Tradition verstärken.

Im Italien , Masaccio führte den Weg zur Modernisierung des Freskos durch eine realistischere Perspektive. Filippo Lippi ebnete den Weg für schärfere Konturen und gewundene Linien und sein Schüler Raphael erweiterte den Realismus in Italien auf einem viel höheren Niveau in den folgenden Jahrzehnten mit seinen monumentalen Wandmalereien. Während dieser Zeit wurde das Verlobungsbild populär, eine besondere Spezialität von Lorenzo Lotto. In der Frührenaissance waren Porträts in der Regel klein und manchmal mit Schutzdeckeln versehen, die mit Scharnieren oder Rutschen versehen waren.

In der Renaissance wollten vor allem der florentinische und der Mailänder Adel realistischere Darstellungen ihrer selbst. Die Herausforderung, überzeugende Voll- und Dreiviertelansichten zu schaffen, stimulierte das Experimentieren und die Innovation. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi und Leonardo da Vinci und andere Künstler erweiterten ihre Technik entsprechend und fügten traditionellen religiösen und klassischen Themen Porträtkunst hinzu. Leonardo und Pisanello gehörten zu den ersten italienischen Künstlern, die ihren weltlichen Porträts allegorische Symbole hinzufügten.

Eines der bekanntesten Porträts in der westlichen Welt ist Leonardo da Vincis Gemälde mit dem Titel Mona Lisa, benannt nach Lisa del Giocondo, einem Mitglied der Familie Gherardini Florenz und Toskana und die Frau des reichen Florentiner Seidenhändlers Francesco del Giocondo. Das berühmte „Mona Lisa Lächeln“ ist ein hervorragendes Beispiel für die subtile Asymmetrie eines Gesichts. In seinen Notizbüchern rät Leonardo zu den Qualitäten des Lichts in der Porträtmalerei:

Ein sehr hohes Maß an Anmut im Licht und im Schatten wird den Gesichtern derjenigen hinzugefügt, die in den Türen von Räumen sitzen, die dunkel sind, wo die Augen des Betrachters den Schattenbereich des Gesichts durch die Schatten des Raumes verdeckt sehen, und den beleuchteten Teil des Gesichts mit der größeren Helligkeit sehen, die die Luft ihm gibt. Durch diese Zunahme der Schatten und Lichter wird dem Gesicht eine größere Erleichterung gegeben.

Leonardo war ein Schüler von Verrocchio. Nachdem er Mitglied der Gilde der Maler geworden war, begann er, unabhängige Aufträge anzunehmen. Aufgrund seiner breit gefächerten Interessen und in Übereinstimmung mit seinem wissenschaftlichen Geist ist seine Ausgabe von Zeichnungen und Vorstudien immens, obwohl seine fertige künstlerische Leistung relativ klein ist. Zu seinen weiteren denkwürdigen Porträts zählten die Adeligen Ginevra de ‚Benci und Cecilia Gallerani.

Raffaels überlieferte Auftragsporträts sind weitaus zahlreicher als die von Leonardo und zeigen eine größere Vielfalt an Posen, Beleuchtung und Technik. Anstatt revolutionäre Innovationen hervorzubringen, hat Raffaels große Leistung darin bestanden, die sich entwickelnden Strömungen der Kunst der Renaissance zu stärken und zu verfeinern. Er war besonders Experte im Gruppenbild. Sein Meisterwerk der Schule von Athen ist eine der wichtigsten Fresken der Gruppe, die in Gestalt der antiken Philosophen die Werke von Leonardo, Michelangelo, Bramante und Raffael selbst enthält. Es war nicht das erste Gruppenbild von Künstlern. Jahrzehnte zuvor hatte Paolo Uccello ein Gruppenbild gemalt, darunter Giotto, Donatello, Antonio Manetti und Brunelleschi. Als er in Erscheinung trat, wurde Raphael ein beliebter Porträtist der Päpste. Während viele Renaissancekünstler eifrig Porträtaufträge annahmen, lehnten einige Künstler sie ab, vor allem Raffaels Rivalen Michelangelo, der stattdessen die großen Aufträge der Sixtinischen Kapelle übernahm.

Im Venedig Um 1500 dominieren Gentile Bellini und Giovanni Bellini die Porträtmalerei. Sie erhielten die höchsten Aufträge von den führenden Beamten des Staates. Bellinis Porträt des Doge Loredan gilt als eines der schönsten Porträts der Renaissance und zeigt eindrucksvoll die Beherrschung der neu entstandenen Techniken der Ölmalerei durch den Künstler. Bellini ist auch einer der ersten Künstler in Europa um ihre Arbeit zu unterschreiben, obwohl er sie selten datierte. Später im 16. Jahrhundert übernahm Tizian die gleiche Rolle, insbesondere indem er die Vielfalt der Posen und Sitzungen seiner königlichen Untertanen erweiterte. Tizian war vielleicht der erste große Kinderporträtist. Nachdem Tizian der Pest erlegen war, wurden Tintoretto und Veronese zu führenden venezianischen Künstlern und halfen beim Übergang zum italienischen Manierismus. Die Manieristen trugen viele außergewöhnliche Porträts bei, die den materiellen Reichtum und die elegant komplexen Posen betonen, wie in den Werken von Agnolo Bronzino und Jacopo da Pontormo. Bronzino machte seinen Ruhm, die Medici-Familie bildend. Sein gewagtes Porträt von Cosimo I de ‚Medici, zeigt den strengen Herrscher in der Rüstung mit einem aufmerksamen Auge, das zu seiner äußersten Rechten geschaut ist, in scharfem Kontrast zu den meisten königlichen Gemälden, die ihre Sitzenden als freundliche Souveräne zeigen. El Greco, der in Venedig Zwölf Jahre lang ging er nach seiner Ankunft in eine extremere Richtung Spanien , betont seine „innere Vision“ des Dargestellten bis zu dem Punkt, an dem die Realität der physischen Erscheinung abnimmt. Eine der besten Porträtisten Italiens des 16. Jahrhunderts war Sofonisba Anguissola aus Cremona, die ihre Einzel- und Gruppenporträts mit neuen Komplexitätsstufen füllte.

Gerichtsportrait in Frankreich begann, als der flämische Künstler Jean Clouet seine opulente Ähnlichkeit mit Franz I. von Frankreich um 1525. König Franz war ein großer Förderer von Künstlern und ein habgieriger Kunstsammler, der Leonardo da Vinci einlud, in seinen späteren Jahren in Frankreich zu leben. Die Mona Lisa blieb drin Frankreich nach Leonardo starb dort.

Barock und Rokoko
Während der Barock- und Rokokozeit (17. und 18. Jahrhundert) wurden Porträts zu noch wichtigeren Aufzeichnungen über Status und Position. In einer Gesellschaft, die zunehmend von säkularen Führern an mächtigen Höfen dominiert wurde, waren Bilder opulent gekleideter Figuren ein Mittel, um die Autorität wichtiger Individuen zu bestätigen. Die flämischen Maler Sir Anthony van Dyck und Peter Paul Rubens zeichneten sich bei dieser Art der Porträtmalerei aus, während Jan Vermeer Porträts hauptsächlich aus dem Mittelstand, bei der Arbeit und im Innenbereich produzierte. Rubens ‚Porträt von sich und seiner ersten Frau (1609) in ihrer Hochzeitskleidung ist ein virtuoses Beispiel für das Paarportrait. Rubens ‚Ruhm ging weit über seine Kunst hinaus – er war Höfling, Diplomat, Kunstsammler und erfolgreicher Geschäftsmann. Sein Atelier war eines der umfangreichsten seiner Zeit und beschäftigte neben Porträtaufnahmen auch Spezialisten für Stilleben, Landschafts-, Tier- und Genreszenen. Van Dyck trainierte dort für zwei Jahre. Karl I. von England beschäftigte zunächst Rubens, dann importierte er van Dyck als Hofmaler, ritterte ihn und verlieh ihm den höfischen Status. Van Dyck passte nicht nur Rubens ‚Produktionsmethoden und kaufmännische Fähigkeiten an, sondern auch seine eleganten Manieren und sein Aussehen. Wie berichtet wurde: „Er ging immer prächtig gekleidet, hatte eine zahlreiche und galante Equipage, und hielt einen so edlen Tisch in seiner Wohnung, dass wenige Prinzen nicht mehr besucht wurden, oder besser served.“ Im Frankreich Ähnlich dominierte Hyacinthe Rigaud als bemerkenswerter Chronist des Königtums die Portraits von fünf französischen Königen.

Eine der Innovationen der Kunst der Renaissance war die verbesserte Wiedergabe von Gesichtsausdrücken, um verschiedene Emotionen zu begleiten. Insbesondere der niederländische Maler Rembrandt erforschte die vielen Ausdrucksformen des menschlichen Gesichts, insbesondere als einer der führenden Selbstporträtisten (von denen er zu Lebzeiten über 60 malte). Dieses Interesse am menschlichen Gesicht förderte auch die Schaffung der ersten Karikaturen, die der Carracci Academy zugeschrieben wurden, die Ende des 16. Jahrhunderts in Bologna, Italien, von Malern der Familie Carracci geführt wurde (siehe Annibale Carracci).

Gruppenporträts wurden in der Barockzeit, vor allem im Barockzeitalter, in großer Zahl produziert Niederlande . Anders als im übrigen Europa erhielten die niederländischen Künstler keine Provisionen von der Calvinist Kirche die solche Bilder verboten hatte oder von der Aristokratie, die praktisch nicht existent war. Stattdessen kamen Kommissionen von Bürger- und Wirtschaftsverbänden. Der holländische Maler Frans Hals verwendete fließende Pinselstriche lebhafter Farben, um seine Gruppenporträts zu beleben, einschließlich derjenigen der Bürgerwächter, denen er angehörte. Rembrandt profitierte stark von solchen Aufträgen und von der allgemeinen Wertschätzung der Kunst durch bürgerliche Auftraggeber, die Porträtmalerei sowie Stillleben- und Landschaftsmalerei unterstützten. Darüber hinaus florierten die ersten bedeutenden Kunst – und Händlermärkte Holland zu dieser Zeit.

Mit viel Nachfrage konnte Rembrandt mit unkonventionellen Kompositionen und Techniken experimentieren, etwa mit Helldunkel. Er zeigte diese Innovationen, die von italienischen Meistern wie Caravaggio, vor allem in seiner berühmten Nachtwache (1642), entwickelt wurden. Die Anatomie Lektion von Dr. Tulp (1632) ist ein weiteres schönes Beispiel für Rembrandts Beherrschung der Gruppenmalerei, bei der er die Leiche in helles Licht taucht, um die Aufmerksamkeit auf das Zentrum des Gemäldes zu lenken, während Kleidung und Hintergrund zu Schwarz verschmelzen die Gesichter des Chirurgen und der Studenten fallen auf. Es ist auch das erste Gemälde, das Rembrandt mit seinem vollen Namen signierte.

Im Spanien , Diego Velázquez malte Las Meninas (1656), eines der berühmtesten und rätselhaftesten Gruppenporträts aller Zeiten. Es erinnert an den Künstler und die Kinder des spanischen Königshauses, und offensichtlich sind die Sitter das Königspaar, das nur als Spiegelbild zu sehen ist. Zunächst als Genremaler bekannt, avancierte Velázquez schnell zum Hofmaler Philipps IV., Der sich in der Kunst des Porträts besonders durch die Erweiterung der Komplexität von Gruppenporträts auszeichnete.

Rokoko-Künstler, die sich besonders für reiche und komplizierte Ornamente interessierten, waren Meister des raffinierten Porträts. Ihre Aufmerksamkeit auf die Details von Kleidung und Textur erhöhte die Wirksamkeit von Porträts als Testamente für weltlichen Reichtum, wie François Bouchers berühmte Porträts von Madame de Pompadour in gewellten Seidenkleidern beweisen.

Die ersten bedeutenden einheimischen Porträtmaler der britischen Schule waren die englischen Maler Thomas Gainsborough und Sir Joshua Reynolds, die sich auch darauf spezialisierten, ihre Themen auf eine auffällige Weise zu kleiden. Gainsboroughs Blue Boy ist eines der berühmtesten und anerkanntesten Porträts aller Zeiten, gemalt mit sehr langen Pinseln und dünner Ölfarbe, um den schimmernden Effekt des blauen Kostüms zu erzielen. Gainsborough war auch für seine aufwendigen Hintergrundeinstellungen für seine Themen bekannt.

Die beiden britischen Künstler hatten entgegengesetzte Meinungen über die Verwendung von Assistenten. Reynolds beschäftigt sie regelmäßig (manchmal nur 20 Prozent des Gemäldes selbst), während Gainsborough selten tat. Manchmal zog ein Klient ein Versprechen des Künstlers, ebenso wie Sir Richard Newdegate vom Porträtisten Peter Lely (van Dycks Nachfolger in Berlin) England ), der versprach, dass das Porträt „von Anfang bis Ende mit meinen eigenen Händen zeichnen“ wäre. Anders als die von den flämischen Meistern angewandte Genauigkeit fasste Reynolds seine Herangehensweise an die Porträtmalerei folgendermaßen zusammen: „Die Anmut und, wie wir hinzufügen können, die Ähnlichkeit, besteht eher darin, die allgemeine Luft zu nehmen, als die genaue Ähnlichkeit jedes Merkmals zu beobachten . “ Auch prominent in England war William Hogarth, der es wagte, konventionelle Methoden zu missbrauchen, indem er Humor in seine Porträts einführte. Sein „Selbstporträt mit Mops“ ist eindeutig mehr eine humorvolle Interpretation seines Haustiers als ein selbstgefälliges Bild.

Im 18. Jahrhundert gewannen Malerinnen vor allem im Bereich der Porträtmalerei an Bedeutung. Bemerkenswerte Künstlerinnen sind die französische Malerin Élisabeth Vigée-Lebrun, die italienische Pastellkünstlerin Rosalba Carriera und die Schweizer Künstlerin Angelica Kauffman. Auch während dieses Jahrhunderts, vor der Erfindung der Fotografie, wurden Miniaturportraits – mit unglaublicher Präzision gemalt und oft in Gold oder emaillierten Medaillons gehüllt – hoch geschätzt.

In dem Vereinigte Staaten John Singleton Copley, der in der kultivierten britischen Manier geschult war, wurde zum führenden Maler von Groß- und Miniaturporträts, wobei seine hyperrealistischen Bilder von Samuel Adams und Paul Revere besonders geschätzt wurden. Copley ist auch bemerkenswert für seine Bemühungen, Porträts mit der akademisch verehrten Kunst der Historienmalerei zu verschmelzen, die er mit seinen Gruppenporträts berühmter Militärs versuchte. Ebenso berühmt war Gilbert Stuart, der über 1000 Porträts malte und vor allem für seine Porträtfotografie bekannt war. Stuart malte über 100 Repliken von George Washington allein. Stuart arbeitete schnell und verwendete sanftere, weniger detaillierte Pinselstriche als Copley, um die Essenz seiner Themen einzufangen. Manchmal machte er mehrere Versionen für einen Kunden, so dass der Dargestellte seinen Favoriten auswählen konnte. Bekannt für seine rosigen Wangenklänge schrieb Stuart: „Fleisch ist wie keine andere Substanz unter dem Himmel. Es hat all die Fröhlichkeit des Seiden-Mercer-Ladens ohne seinen Glanz des Glanzes und die ganze Weichheit des alten Mahagonis, ohne seine Traurigkeit.“ Andere prominente amerikanische Porträtisten der Kolonialzeit waren John Smibert, Thomas Sully, Ralph Graf, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale und Rembrandt Peale.

19. Jahrhundert
Im späten 18. Jahrhundert und frühen 19. Jahrhundert setzten neoklassische Künstler die Tradition fort, Motive in der neuesten Mode darzustellen, was für Frauen bis dahin durchscheinende Kleider bedeutete, die von antiken griechischen und römischen Kleidungsstilen abgeleitet waren. Die Künstler verwendeten gerichtetes Licht, um die Textur und die einfache Rundung von Gesichtern und Gliedmaßen zu definieren. Die französischen Maler Jacques-Louis David und Jean-Auguste-Dominique Ingres zeigten sowohl in dieser zeichnerischen Technik als auch in ihrem scharfen Charakter Virtuosität. Ingres, ein Schüler Davids, zeichnet sich durch seine Porträts aus, in denen hinter dem Motiv ein Spiegel abgebildet ist, um eine Rückansicht des Motivs zu simulieren. Sein Porträt von Napoleon auf seinem kaiserlichen Thron ist eine Tour de Force der königlichen Portraits. (siehe Galerie unten)

Romantische Künstler, die in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts arbeiteten, malten Porträts von inspirierenden Leitern, schönen Frauen und bewegten Themen mit lebhaften Pinselstrichen und dramatischer, manchmal launischer Beleuchtung. Die französischen Künstler Eugène Delacroix und Théodore Géricault malten besonders schöne Porträts dieser Art, besonders schneidige Reiter. Ein bemerkenswertes Beispiel des Künstlers der romantischen Periode in Polen , der ein Reiterportrait übte, war Piotr Michałowski (1800-1855). Bemerkenswert ist auch Géricaults Serie von Porträts von Geisteskranken (1822-1824). Der spanische Maler Francisco de Goya malte einige der suchendsten und provozierendsten Bilder dieser Zeit, darunter La maja desnuda (um 1797-1800), sowie berühmte Hofporträts von Karl IV.

Die realistischen Künstler des 19. Jahrhunderts, wie Gustave Courbet, schufen objektive Porträts von Menschen der unteren und mittleren Klasse. Courbet zeigte seine Romantik und malte mehrere Selbstportraits, die sich in unterschiedlichen Stimmungen und Ausdrücken zeigten. Andere französische Realisten schließen Honoré Daumier ein, der viele Karikaturen seiner Zeitgenossen produzierte. Henri de Toulouse-Lautrec zeichnete einige der berühmten Künstler des Theaters auf, darunter Jane Avril, die sie in Bewegung brachten. Der französische Maler Édouard Manet war ein bedeutender Übergangskünstler, dessen Werk sich zwischen Realismus und Impressionismus bewegt. Er war ein Porträtist von herausragender Einsicht und Technik, wobei sein Gemälde von Stéphane Mallarmé ein gutes Beispiel für seinen Übergangsstil war. Sein Zeitgenosse Edgar Degas war in erster Linie ein Realist und sein Gemälde Porträt der Bellelli-Familie ist eine aufschlussreiche Darstellung einer unglücklichen Familie und eines seiner schönsten Porträts.

Im Amerika , Thomas Eakins regierte als der erste Porträtmaler, der den Realismus auf eine neue Ebene der Offenheit brachte, insbesondere mit seinen zwei Portraits von Chirurgen bei der Arbeit, sowie mit denen von Athleten und Musikern in Aktion. In vielen Porträts wie „Portrait of Mrs Edith Mahon“ vermittelt Eakins kühn die unvorteilhaften Gefühle von Trauer und Melancholie.

Die Realisten wichen in den 1870er Jahren vor allem den Impressionisten. Manche Impressionisten, zum Teil aufgrund ihrer mageren Einkommen, stützten sich auf Familie und Freunde, um sie zu modellieren, und malten intime Gruppen und Einzelfiguren entweder im Freien oder in lichtdurchfluteten Räumen. Bekannt für ihre schillernden Oberflächen und reichen Farbtupfer sind impressionistische Porträts oft entwaffnend intim und ansprechend. Die französischen Maler Claude Monet und Pierre-Auguste Renoir schufen einige der populärsten Bilder einzelner Sitter und Gruppen. Die amerikanische Künstlerin Mary Cassatt, die ausgebildet und gearbeitet hat Frankreich , ist heute noch beliebt für ihre einnehmenden Bilder von Müttern und Kindern, wie Renoir. Paul Gauguin und Vincent van Gogh, beide Post-Impressionisten, malten aufschlussreiche Porträts von Menschen, die sie kannten, die in Farbe schwangen, aber nicht unbedingt schmeichelhaft waren. Sie werden gleichermaßen, wenn nicht sogar mehr für ihre kraftvollen Selbstporträts gefeiert.

John Singer Sargent überspannte auch den Wandel des Jahrhunderts, aber er lehnte den offenen Impressionismus und Postimpressionismus ab. Er war der erfolgreichste Porträtmaler seiner Zeit, mit einer meist realistischen Technik, die oft mit der brillanten Verwendung von Farbe verschmilzt. Er war ebenso geeignet für Einzel- und Gruppenporträts, besonders für Familien der Oberschicht. Sargent wurde in geboren Florenz , Italien an amerikanische Eltern. Er studierte in Italien und Deutschland , und in Paris . Sargent gilt als der letzte große Exponent der britischen Porträttradition beginnend mit van Dyck. Ein weiterer prominenter amerikanischer Porträtist, der im Ausland ausgebildet wurde, war William Merritt Chase. Die amerikanische Gesellschaftsmalerin Cecilia Beaux, die „weibliche Sargent“ genannt, wurde von einem französischen Vater geboren, studierte im Ausland und erlangte Erfolge mit traditionellen Methoden. Ein anderer Porträtist im Vergleich zu Sargent für seine üppige Technik war der in Italien geborene Pariser Künstler Giovanni Boldini, ein Freund von Degas und Whistler.

Der in Amerika geborene Internationalist James Abbott McNeill Whistler war gut mit europäischen Künstlern verbunden und malte auch einige außergewöhnliche Porträts, am bekanntesten sein „Arrangement in Grau und Schwarz, Die Mutter des Künstlers“ (1871), auch bekannt als „Whistler’s Mother“. Auch bei seinen Porträts wollte Whistler wie bei seinen tonalen Landschaften den Betrachter auf die harmonische Anordnung von Form und Farbe in seinen Bildern konzentrieren. Whistler verwendete eine gedämpfte Palette, um seine beabsichtigten Effekte zu erzeugen, wobei er die Farbbalance und weiche Töne betonte. Wie er sagte, „wie Musik ist die Poesie des Klangs, so ist die Malerei der Sicht, und der Gegenstand hat nichts mit der Harmonie von Klang oder Farbe zu tun.“ Form und Farbe standen auch bei Cézannes Porträts im Mittelpunkt, während die Porträts von André Derain und Henri Matisse noch extremere Farb- und Pinselstrich-Techniken dominierten.

Die Entwicklung der Fotografie im 19. Jahrhundert hatte einen wesentlichen Einfluss auf die Porträtmalerei und verdrängte die frühere Camera Obscura, die zuvor auch als Malhilfe diente. Viele Modernisten strömten in die Fotostudios, um ihre Porträts zu machen, einschließlich Baudelaire, der, obwohl er die Fotografie zum „Feind der Kunst“ proklamierte, sich von der Offenheit und Macht der Fotografie angezogen fühlte. Indem sie eine billige Alternative zur Verfügung stellte, verdrängte die Fotografie viel von der niedrigsten Stufe der Porträtmalerei. Einige realistische Künstler, wie Thomas Eakins und Edgar Degas, waren von der Kamerafotografie begeistert und fanden es als eine nützliche Hilfe für die Komposition. Von den Impressionisten an, fanden Porträtmaler eine unzählige Anzahl von Möglichkeiten, das Porträt neu zu interpretieren, um effektiv mit der Fotografie konkurrieren zu können. Sargent und Whistler wurden unter anderem dazu angeregt, ihre Technik zu erweitern, um Effekte zu erzielen, die die Kamera nicht erfassen konnte.

20. Jahrhundert
Auch andere Künstler des frühen 20. Jahrhunderts erweiterten das Repertoire der Porträtmalerei in neue Richtungen. Der fauvistische Künstler Henri Matisse schuf kraftvolle Porträts mit nicht-naturalistischen, sogar grellen Farben für Hauttöne. Cézannes setzte in seinen Porträts auf stark vereinfachte Formen, um Details zu vermeiden und Farbzusammenstellungen zu betonen. Der einzigartige Stil des österreichischen Gustav Klimt setzte byzantinische Motive und Goldfarben auf seine denkwürdigen Porträts. Sein Schüler Oskar Kokoschka war ein bedeutender Porträtist der Wiener Oberschicht. Der berühmte spanische Künstler Pablo Picasso malte viele Porträts, darunter mehrere kubistische Darstellungen seiner Mätressen, in denen die Ähnlichkeit des Motivs stark verzerrt ist, um eine emotionale Aussage zu erzielen, die weit über die Grenzen der normalen Karikatur hinausgeht. Eine herausragende weibliche Porträtmalerin der Jahrhundertwende, verbunden mit dem französischen Impressionismus, war Olga Boznańska (1865-1940). Expressionistische Maler lieferten einige der eindringlichsten und überzeugendsten psychologischen Studien, die jemals produziert wurden. Deutsche Künstler wie Otto Dix und Max Beckmann schufen bemerkenswerte Beispiele für expressionistische Porträtkunst. Beckmann war ein produktiver Selbstportraitist und produzierte mindestens siebenundzwanzig. Amedeo Modigliani malte in seinem länglichen Stil viele Porträts, die den „inneren Menschen“ zugunsten strenger Studien von Form und Farbe abwerteten. Um dies zu erreichen, betonte er die normalerweise ausdrucksvollen Augen und Augenbrauen bis hin zu geschwärzten Schlitzen und einfachen Bögen.

Die britische Kunst wurde von den Vorticists vertreten, die Anfang des 20. Jahrhunderts bemerkenswerte Porträts malten. Der Dada-Maler Francis Picabia hat auf einzigartige Weise zahlreiche Porträts ausgeführt. Darüber hinaus haben Tamara de Lempickas Porträts die Art-Deco-Ära mit ihren stromlinienförmigen Kurven, satten Farben und scharfen Winkeln erfolgreich eingefangen. Im Amerika Robert Henri und George Bellows waren gute Porträtisten der 1920er und 1930er Jahre der amerikanischen Realistenschule. Max Ernst schuf mit seinem 1922er Gemälde „Alle Freunde zusammen“ ein Beispiel für ein modernes kollegiales Porträt.

Einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung der Porträtmalerei von 1930-2000 leisteten russische Künstler, die vor allem in den Traditionen der realistischen und figurativen Malerei arbeiteten. Unter ihnen sollten Isaak Brodsky, Nikolai Fechin, Abram Arkhipov und andere genannt werden.

Portraitproduktion in Europa (ohne Russland ) und das Amerika in den 1940er und 1950er Jahren allgemein abgelehnt, ein Ergebnis des zunehmenden Interesses an Abstraktion und nonfigurative Kunst. Eine Ausnahme bildete jedoch Andrew Wyeth, der sich zum führenden amerikanischen realistischen Porträtmaler entwickelte. Mit Wyeth ist der Realismus, obwohl offen, gegenüber den tonalen Qualitäten und der Stimmung seiner Bilder sekundär. Englisch: www.db-artmag.de/2003/12/e/1/113.php Dies zeigt sich treffend in seiner wegweisenden Gemäldeserie „Helga“, der größten Porträtsammlung eines einzelnen Künstlers (247 Studien seiner Nachbarin Helga Testorf, bekleidet und nackt, in wechselnder Umgebung, gemalt während der Ausstellung) der Zeitraum 1971-1985).

In den 1960er und 1970er Jahren gab es eine Wiederbelebung der Porträtmalerei. Englische Künstler wie Lucian Freud (Enkel von Sigmund Freud) und Francis Bacon haben kraftvolle Gemälde geschaffen. Bacons Porträts zeichnen sich durch ihre alptraumhafte Qualität aus. Im Mai 2008 wurde Freuds Portrait Benefits Supervisor Sleeping von Christie’s in London versteigert New York für 33,6 Millionen US-Dollar, Weltrekord für den Verkaufswert eines Gemäldes eines lebenden Künstlers. Viele zeitgenössische amerikanische Künstler wie Andy Warhol, Alex Katz und Chuck Close haben das menschliche Gesicht zu einem Schwerpunkt ihrer Arbeit gemacht. Warhols Gemälde von Marilyn Monroe ist ein ikonisches Beispiel. Close’s Spezialität waren riesige, hyperrealistische, wandgroße „Kopf“ -Porträts, die auf fotografischen Bildern basierten. Jamie Wyeth setzt in der realistischen Tradition seines Vaters Andrew fort und produziert berühmte Porträts, deren Themen von Präsidenten bis zu Schweinen reichen.