Öffentliche Kunst ist Kunst in allen Medien, die mit der Absicht geplant und ausgeführt wurden, öffentlich inszeniert zu werden, in der Regel außerhalb und für alle zugänglich. Öffentliche Kunst ist in der Kunstwelt von Bedeutung, unter Kuratoren, Auftraggebern und Praktikern von öffentlicher Kunst, für die es eine Arbeitspraxis der Ortsspezifität, des Engagements der Gemeinschaft und der Zusammenarbeit bedeutet. Öffentliche Kunst kann jede Kunst umfassen, die in einem öffentlichen Raum ausgestellt wird, einschließlich öffentlich zugänglicher Gebäude, aber oft ist es nicht so einfach. Vielmehr ist die Beziehung zwischen Inhalt und Publikum, was die Kunst sagt und für wen, genauso wichtig, wenn nicht wichtiger als der physische Ort.
Institutionelle Definition
In der institutionellen Definition bezieht sich Kunst im öffentlichen Raum auf die im Allgemeinen mehrjährigen Leistungen von Künstlern – Skulptur, möglicherweise monumentale Architektur, Malerei -, die geplant und ausgeführt wurden, um im öffentlichen Raum präsentiert zu werden: hauptsächlich im Freien und für alle zugänglich, manchmal aber auch in Gebäuden für die Öffentlichkeit zugänglich. Die Denkmäler und Statuen sind vielleicht die ältesten und sichtbarsten Formen von öffentlich anerkannter Kunst, aber der Begriff kann die städtischen Möbel und alle Initiativen umfassen, die den städtischen Raum verschönern sollen.
Aus institutioneller Sicht ist zwischen dauerhaften Erfolgen und kurzlebigen Handlungen zu unterscheiden. Bei ersteren handelt es sich um Investitionen, bei letzteren um Betriebskosten. in frankreich gibt es den begriff der öffentlichen kunst nicht im recht, die für die vergänglichkeit bestimmten öffentlichen mittel werden unter der Überschrift kulturelle aktion eingeordnet. Öffentliche Kunst bedeutet in Quebec nach dem Gesetz materielle Errungenschaften, die ausdauernd sind oder nicht.
Für den öffentlichen Raum bestimmte Werke bestehen häufig aus langlebigen und pflegeleichten Materialien, um die Auswirkungen von Elementen und Vandalismus zu vermeiden. Einige Werke, vorübergehend, können aus kurzlebigen Materialien bestehen. Mehrjährige Arbeiten werden manchmal in die Schaffung und Renovierung von Gebäuden und Grundstücken und allgemeiner in städtebauliche Prozesse integriert.
Institutionelle öffentliche Kunst wird mit Erlaubnis oder in Zusammenarbeit mit den Eigentümern und öffentlichen Verwaltern des Nachbarraums eingerichtet.
Umfang
Cher Krause Knight erklärt: „Die Öffentlichkeit der Kunst beruht auf der Qualität und dem Einfluss ihres Austauschs mit dem Publikum. Kunst erweitert in der Öffentlichkeit die Möglichkeiten für das Engagement der Gemeinschaft, kann aber keine besonderen Schlussfolgerungen verlangen.“ Sie führt soziale Ideen ein, lässt aber Raum für die Öffentlichkeit In den letzten Jahren hat die öffentliche Kunst zunehmend an Umfang und Anwendung zugenommen – sowohl in andere breitere und herausfordernde Bereiche der Kunstform als auch in ein viel breiteres Spektrum dessen, was als unser „öffentliches Reich“ bezeichnet werden könnte. Solche kulturellen Interventionen wurden oft als Reaktion auf die kreative Einbindung des Gefühls einer Gemeinschaft für „Ort“ oder „Wohlbefinden“ in der Gesellschaft durchgeführt.
Denkmäler, Gedenkstätten und staatsbürgerliche Statuen sind vielleicht die älteste und offensichtlichste Form der amtlich anerkannten öffentlichen Kunst, obwohl man sagen könnte, dass die architektonische Skulptur und sogar die Architektur selbst weiter verbreitet sind und die Definition von öffentlicher Kunst erfüllen. Unabhängige Kunstwerke, die ohne offizielle Genehmigung erstellt und installiert wurden, sind in fast jeder Stadt allgegenwärtig. Es wird auch in natürlichen Umgebungen installiert und kann Werke wie Skulpturen enthalten oder von kurzer Dauer sein, wie z. B. ein prekäres Gesteinsgleichgewicht oder ein kurzlebiges Auftreten von farbigem Rauch. Einige wurden unter Wasser installiert.
Ständige Arbeiten werden manchmal in die Architektur und Landschaftsgestaltung integriert, um Gebäude und Grundstücke zu schaffen oder zu renovieren. Ein besonders wichtiges Beispiel ist das Programm, das in der neuen Stadt Milton Keynes, England, entwickelt wurde. Öffentliche Kunst ist nicht auf physische Objekte beschränkt. Tanz, Straßentheater und sogar Poesie haben Befürworter, die sich auf Kunst im öffentlichen Raum spezialisiert haben.
Einige Künstler, die in dieser Disziplin arbeiten, nutzen die Freiheit, die ein Außengelände bietet, um sehr große Werke zu schaffen, die in einer Galerie nicht realisierbar wären, zum Beispiel Richard Longs dreiwöchiger Spaziergang mit dem Titel „Der Weg ist der Ort der Linie“. In einem ähnlichen Beispiel schuf der Bildhauer Gar Waterman einen riesigen Bogen, der eine Stadtstraße in New Haven, Connecticut, überspannt. Zu den Werken der letzten dreißig Jahre, die den größten kritischen und populären Zuspruch fanden, zählen Werke von Christo, Robert Smithson, Dennis Oppenheim, Andy Goldsworthy, James Turrell und Antony Gormley, deren Werk auf seine Umgebung reagiert oder diese einbezieht.
Künstler, die Kunst im öffentlichen Raum machen, reichen von den größten Meistern wie Michelangelo, Pablo Picasso und Joan Miró über auf Kunst im öffentlichen Raum spezialisierte Künstler wie Claes Oldenburg und Pierre Granche bis zu anonymen Künstlern, die heimliche Interventionen vornehmen.
In Kapstadt, Südafrika, präsentiert das Africa Centre das Infecting the City Public Art Festival. Sein kuratorisches Mandat ist es, eine einwöchige Plattform für öffentliche Kunst zu schaffen – sei es visuelle oder performative Kunstwerke oder künstlerische Interventionen -, die den Stadtraum aufrütteln und den Nutzern der Stadt ermöglichen, die Stadtlandschaften auf neue und unvergessliche Weise zu betrachten. Das Infecting the City Festival ist der Ansicht, dass Kunst im öffentlichen Raum für jedermann frei zugänglich sein sollte.
Kunstgeschichte im öffentlichen Raum
In den 1930er Jahren wird die Produktion der nationalen Symbolik, die von Denkmälern des 19. Jahrhunderts impliziert wird, durch langfristige nationale Programme mit Propagandazielen reguliert (Federal Art Project, USA; Kulturamt, Sowjetunion). Programme wie der New Deal von Präsident Roosevelt förderten die Entwicklung der öffentlichen Kunst während der Weltwirtschaftskrise, wurden jedoch mit Propagandazielen betrieben. New-Deal-Kunstförderungsprogramme sollen den nationalen Stolz auf die amerikanische Kultur fördern und gleichzeitig verhindern, dass die schwankende Wirtschaft, auf der diese Kultur aufgebaut ist, in Angriff genommen wird. Obwohl problematisch, haben New Deal-Programme wie FAP die Beziehung zwischen Künstler und Gesellschaft verändert, indem sie Kunst für alle Menschen zugänglich gemacht haben. Das New-Deal-Programm Art-in-Architecture (AiA) entwickelte Prozent für Kunstprogramme, eine Struktur zur Finanzierung der öffentlichen Kunst, die bis heute genutzt wird. Dieses Programm gab ein halbes Prozent der gesamten Baukosten aller Regierungsgebäude, um zeitgenössische amerikanische Kunst für diese Struktur zu erwerben. AiA hat dazu beigetragen, das Prinzip zu festigen, dass öffentliche Kunst in den USA wirklich im Besitz der Öffentlichkeit sein sollte. Sie begründeten auch den Wunsch nach ortsspezifischer öffentlicher Kunst. Frühe öffentliche Kunstprogramme sind zwar manchmal problematisch, bilden jedoch die Grundlage für die aktuelle öffentliche Kunstentwicklung.
Dieser Begriff der öffentlichen Kunst veränderte sich in den 1970er Jahren radikal, als Folge der Forderungen der Bürgerrechtsbewegung an den öffentlichen Raum, des Bündnisses zwischen Stadterneuerungsprogrammen und künstlerischen Interventionen Ende der 1960er Jahre und der Überarbeitung des Begriffs der Skulptur. Öffentliche Kunst erlangt in diesem Zusammenhang einen Status, der über die bloße Dekoration und Visualisierung offizieller nationaler Geschichten im öffentlichen Raum hinausgeht und somit Autonomie als Form der Standortkonstruktion und Intervention im Bereich öffentlicher Interessen erlangt. Öffentliche Kunst wurde viel mehr über die Öffentlichkeit. Dieser Perspektivwechsel ist auch auf die Stärkung der städtischen Kulturpolitik in den gleichen Jahren zurückzuführen, beispielsweise auf den in New York ansässigen Public Art Fund (1977) und mehrere städtische oder regionale Percent for Art-Programme in den USA und in Europa. Außerdem, Die Neuorientierung des öffentlichen Kunstdiskurses von einer nationalen auf eine lokale Ebene steht im Einklang mit der ortsspezifischen Wende und den kritischen Positionen gegenüber institutionellen Ausstellungsräumen, die seit den 1960er Jahren in der zeitgenössischen Kunstpraxis auftauchen. Der Wille, eine tiefere und sachdienlichere Verbindung zwischen der Produktion des Kunstwerks und dem Ort, an dem es sichtbar gemacht wird, herzustellen, führt zu unterschiedlichen Orientierungen. 1969 wurde Wolf Vostells Stationärer Verkehr in Köln hergestellt.
Landkünstler entscheiden sich für groß angelegte prozessorientierte Interventionen in abgelegenen Landschaftssituationen. Das Spoleto Festival (1962) schafft ein Freilichtmuseum für Skulpturen in der mittelalterlichen Stadt Spoleto, und die deutsche Stadt Münster startet 1977 eine kuratierte Veranstaltung, die alle 10 Jahre Kunst in öffentlichen städtischen Orten bringt (Skulptur Projekte Münster). In der Gruppenausstellung When Attitudes Become Form wird die Ausstellungssituation im öffentlichen Raum durch die Interventionen von Michael Heizer und Daniel Büren erweitert; Das architektonische Ausmaß zeigt sich sowohl in der Arbeit von Künstlern wie Donald Judd als auch in Gordon Matta-Clarks vorübergehenden Eingriffen in entlassene städtische Gebäude.
Öffentliche Umweltkunst
Zwischen den 1970er und 1980er Jahren tauchen in öffentlichen Kunstpraktiken Gentrifizierungs- und ökologische Probleme auf, sowohl als Auftragsmotiv als auch als kritischer Fokus der Künstler. In Projekten wie Wheatfield – A Confrontation (1982) der amerikanischen Künstlerin Agnes Denes, as wird das individuelle, romantische Rückzugselement, das in der konzeptuellen Struktur der Land Art und ihrem Willen, die städtische Umwelt wieder mit der Natur zu verbinden, zum politischen Claim sowie in Joseph Beuys ‚7000 Oaks (1982). Beide Projekte konzentrieren sich auf die Steigerung des Umweltbewusstseins durch einen umweltfreundlichen Stadtgestaltungsprozess, bei dem Denes in der Innenstadt von Manhattan und Beuys in einem Guerilla- oder Gemeinschaftsgarten 7000 Eichen gepflanzt und Basaltblöcke in Kassel gepflanzt werden Mode. In den vergangenen Jahren, Zu den Programmen für eine grüne Stadterneuerung, die darauf abzielen, verlassene Grundstücke in Grünflächen umzuwandeln, gehören regelmäßig öffentliche Kunstprogramme. Dies ist der Fall bei High Line Art, 2009, einem Auftragsprogramm für die High Line, das aus dem Umbau eines Teils der Eisenbahn in New York City stammt. und vom Gleisdreieck, 2012, einem Stadtpark, der aus dem teilweisen Umbau eines Berliner Bahnhofs hervorgegangen ist und seit 2012 eine Freilichtausstellung zeitgenössischer Kunst beherbergt.
In den 1980er Jahren wurden auch Skulpturenparks als kuratierte Programme institutionalisiert. Während die ersten öffentlichen und privaten Skulpturenausstellungen und -sammlungen unter freiem Himmel aus den 1930er Jahren darauf abzielen, einen geeigneten Rahmen für großformatige skulpturale Formen zu schaffen, die in Museumsgalerien nur schwer zu zeigen sind, werden Erfahrungen wie Noguchis Garten in Queens, New York (1985) Geben Sie die Notwendigkeit einer dauerhaften Beziehung zwischen dem Kunstwerk und seinem Standort an.
Diese Linie entwickelt sich auch in Donald Judds Projekt für die Chinati Foundation (1986) in Texas, das sich für den dauerhaften Charakter von großtechnischen Anlagen einsetzt, deren Zerbrechlichkeit bei der Verlagerung des Werks zerstört werden kann. Der Prozess, der 1985 von Richter Edward D. Re beauftragt wurde, den Tilted Arc des amerikanischen Künstlers Richard Serra zu lokalisieren, eine monumentale Intervention, die vom „Art-in-Architecture“ -Programm für Manhattans Federal Plaza in Auftrag gegeben wurde, trägt ebenfalls zur Debatte über öffentliche Kunststätten bei -Spezifität. In seiner Verteidigungslinie für den Prozess behauptet Richard Serra: „Tilted Arc wurde für einen bestimmten Standort in Auftrag gegeben und entworfen: Federal Plaza. Es handelt sich um eine ortsspezifische Arbeit, die nicht verlagert werden darf. Die Arbeit zu entfernen heißt, die Arbeit zu zerstören. “ Der Versuch um Tilted Arc zeigt, welche wesentliche Rolle die Ortsspezifität in der öffentlichen Kunst spielt. Außerdem, Eines der Argumente, die Richter Edward D. Re in den Prozess eingebracht hat, ist die Intoleranz der Benutzergemeinschaft des Federal Plaza gegenüber Serras Intervention und die Unterstützung der Kunstgemeinschaft, vertreten durch das Zeugnis des Kunstkritikers Douglas Crimp. In beiden Fällen positioniert sich das Publikum als wesentlicher Faktor der künstlerischen Intervention im öffentlichen Raum. In diesem Zusammenhang umfasst die Definition von öffentlicher Kunst künstlerische Projekte, die sich mit öffentlichen Themen befassen (Demokratie, Staatsbürgerschaft, Integration). partizipative künstlerische Aktionen unter Einbeziehung der Gemeinschaft; künstlerische Projekte, die von einer öffentlichen Einrichtung, im Rahmen von Percent for Art oder von einer Gemeinde in Auftrag gegeben und / oder finanziert wurden. Re ist die Intoleranz der Benutzergemeinschaft des Federal Plaza gegenüber Serras Intervention und die Unterstützung der Kunstgemeinschaft, vertreten durch das Zeugnis des Kunstkritikers Douglas Crimp. In beiden Fällen positioniert sich das Publikum als wesentlicher Faktor der künstlerischen Intervention im öffentlichen Raum. In diesem Zusammenhang umfasst die Definition von öffentlicher Kunst künstlerische Projekte, die sich mit öffentlichen Themen befassen (Demokratie, Staatsbürgerschaft, Integration). partizipative künstlerische Aktionen unter Einbeziehung der Gemeinschaft; künstlerische Projekte, die von einer öffentlichen Einrichtung, im Rahmen von Percent for Art oder von einer Gemeinde in Auftrag gegeben und / oder finanziert wurden. Re ist die Intoleranz der Benutzergemeinschaft des Federal Plaza gegenüber Serras Intervention und die Unterstützung der Kunstgemeinschaft, vertreten durch das Zeugnis des Kunstkritikers Douglas Crimp. In beiden Fällen positioniert sich das Publikum als wesentlicher Faktor der künstlerischen Intervention im öffentlichen Raum. In diesem Zusammenhang umfasst die Definition von öffentlicher Kunst künstlerische Projekte, die sich mit öffentlichen Themen befassen (Demokratie, Staatsbürgerschaft, Integration). partizipative künstlerische Aktionen unter Einbeziehung der Gemeinschaft; künstlerische Projekte, die von einer öffentlichen Einrichtung, im Rahmen von Percent for Art oder von einer Gemeinde in Auftrag gegeben und / oder finanziert wurden. Die Definition von öffentlicher Kunst umfasst künstlerische Projekte, die sich mit öffentlichen Themen befassen (Demokratie, Staatsbürgerschaft, Integration). partizipative künstlerische Aktionen unter Einbeziehung der Gemeinschaft; künstlerische Projekte, die von einer öffentlichen Einrichtung, im Rahmen von Percent for Art oder von einer Gemeinde in Auftrag gegeben und / oder finanziert wurden. Die Definition von öffentlicher Kunst umfasst künstlerische Projekte, die sich mit öffentlichen Themen befassen (Demokratie, Staatsbürgerschaft, Integration). partizipative künstlerische Aktionen unter Einbeziehung der Gemeinschaft; künstlerische Projekte, die von einer öffentlichen Einrichtung, im Rahmen von Percent for Art oder von einer Gemeinde in Auftrag gegeben und / oder finanziert wurden.
Neue öffentliche Kunst in den 1990er Jahren: Anti-Denkmäler und Denkmalpraktiken
In den neunziger Jahren erfordert die klare Abgrenzung dieser neuen Praktiken von früheren Formen der künstlerischen Präsenz im öffentlichen Raum alternative Definitionen, von denen einige spezifischer sind (Kontextkunst, relationale Kunst, partizipative Kunst, dialogische Kunst, gemeinschaftsbasierte Kunst, Aktivist) Kunst), andere umfassender, wie „New Genre Public Art“.
Kunst im öffentlichen Raum fungiert auf diese Weise als soziale Intervention. In den 1970er Jahren setzten sich die Künstler voll und ganz mit bürgerlichem Aktivismus auseinander, und viele verfolgten einen pluralistischen Ansatz für die öffentliche Kunst. Dieser Ansatz entwickelte sich schließlich zum „neuen Genre Public Art“, das von Suzanne Lacy als „sozial engagierte, interaktive Kunst für ein vielfältiges Publikum mit Verbindungen zu Identitätspolitik und sozialem Aktivismus“ definiert wird. Anstatt wie bisherige Kunst im öffentlichen Raum gesellschaftliche Fragen metaphorisch zu erörtern, wollten die Praktiker des „neuen Genres“ Marginalisierungsgruppen explizit stärken, und dies unter Wahrung ihrer ästhetischen Anziehungskraft. Die Kuratorin Mary Jane Jacob von „Sculpture Chicago“ entwickelte im Sommer 1993 eine Ausstellung mit dem Titel „Culture in Action“, die sich an Prinzipien der öffentlichen Kunst des neuen Genres orientierte. sich besonders mit Publikum zu beschäftigen, das normalerweise nicht an traditionellen Kunstmuseen teilgenommen hat. Culture in Action war zwar umstritten, führte jedoch neue Modelle der Bürgerbeteiligung und der interventionistischen öffentlichen Kunst ein, die über das „neue Genre“ hinausgingen.
Frühere Gruppen nutzten Kunst im öffentlichen Raum auch als Mittel zur sozialen Intervention. In den 1960er und 70er Jahren schuf das Künstlerkollektiv Situationist International eine Arbeit, die „die Annahmen des Alltags und seiner Institutionen in Frage stellte“, durch körperliche Intervention. Ein weiteres Künstlerkollektiv, das sich für soziale Intervention interessiert, Guerilla Girls, wurde in den 1980er Jahren gegründet und besteht bis heute. Ihre öffentliche Kunst entlarvt latenten Sexismus und arbeitet daran, männliche Machtstrukturen in der Kunstwelt zu dekonstruieren. Gegenwärtig befassen sie sich auch mit Rassismus in der Kunstwelt, Obdachlosigkeit, AIDS und Vergewaltigungskultur, alles soziokulturelle Themen, die die größere Welt erlebt.
In den Worten der Künstlerin Suzanne Lacy ist „New Genre Public Art“ „visuelle Kunst, die sowohl traditionelle als auch nicht-traditionelle Medien nutzt, um mit einem breiten und diversifizierten Publikum über Themen zu kommunizieren und zu interagieren, die für ihr Leben unmittelbar relevant sind“. Ihre Position impliziert das Nachdenken über die Bedingungen für die Beauftragung öffentlicher Kunst, die Beziehung zu ihren Nutzern und in größerem Umfang eine unterschiedliche Interpretation der Rolle des Publikums. In der institutionellen Kritikpraxis von Künstlern wie Hans Haacke (seit den 1970er Jahren) und Fred Wilson (seit den 1980er Jahren) entspricht die Publizität des Werkes der Sichtbarkeit für die Öffentlichkeit und im öffentlichen Raum kontroversen öffentlichen Themen wie diskriminierende Museumspolitik oder illegale Körperschaften.
Das Sichtbarmachen von öffentlichen Anliegen im öffentlichen Raum ist auch die Grundlage der Anti-Denkmal-Philosophie, deren Ziel es ist, die Ideologie der offiziellen Geschichte abzubauen. Einerseits werden intime Elemente in den öffentlichen Raum eingeführt, die normalerweise institutionellen Erzählungen gewidmet sind, wie zum Beispiel in der Arbeit von Jenny Holzer, Alfredo Jaars Projekt Es usted feliz? / Sind Sie glücklich? und Felix Gonzales-Torres ‚Plakatbilder. Zum anderen, indem auf die Inkongruenzen bestehender öffentlicher Skulpturen und Denkmäler hingewiesen wird, wie beispielsweise in den Videoprojektionen von Krzysztof Wodiczko auf städtische Denkmäler oder im Bau von Gegendenkmälern (1980er Jahre) und Claes Oldenburgs Lippenstift (Aufsteigend) auf Raupenketten (1969) -1974), ein gigantisches Hybrid-Pop-Objekt – ein Lippenstift – dessen Basis eine Raupenspur ist. Letztere ist eine großformatige Skulptur, die vom Verband der Architekturstudenten der Yale University in Auftrag gegeben wurde und sich auf dem Campus vor dem Denkmal für den Ersten Weltkrieg befindet. Im Jahr 1982 war Maya Lin eine leitende Studentin der Architektur in Yale , schloss den Bau des Vietnam Veterans Memorial ab und listete 59’000 Namen amerikanischer Staatsbürger auf, die im Vietnamkrieg starben. Lin wählt für diese Arbeit, die Namen der Toten aufzulisten, ohne irgendwelche Bilder zu produzieren, um den Verlust zu veranschaulichen, wenn nicht durch das Vorhandensein eines Schnittes – wie einer Verletzung – im Boden des Aufstellungsortes. Der Schnitt und die Standort- / Nichtstandortlogik werden in zeitgenössischen Gedenkstätten seit den 1990er Jahren als wiederkehrendes Bild erhalten bleiben. Zu dieser Zeit vollendete ein leitender Student der Architektur in Yale den Bau des Vietnam Veterans Memorial und listete 59’000 Namen amerikanischer Staatsbürger auf, die im Vietnamkrieg starben. Lin wählt für diese Arbeit, die Namen der Toten aufzulisten, ohne irgendwelche Bilder zu produzieren, um den Verlust zu veranschaulichen, wenn nicht durch das Vorhandensein eines Schnittes – wie einer Verletzung – im Boden des Aufstellungsortes. Der Schnitt und die Standort- / Nichtstandortlogik werden in zeitgenössischen Gedenkstätten seit den 1990er Jahren als wiederkehrendes Bild erhalten bleiben. Zu dieser Zeit vollendete ein leitender Student der Architektur in Yale den Bau des Vietnam Veterans Memorial und listete 59’000 Namen amerikanischer Staatsbürger auf, die im Vietnamkrieg starben. Lin wählt für diese Arbeit, die Namen der Toten aufzulisten, ohne irgendwelche Bilder zu produzieren, um den Verlust zu veranschaulichen, wenn nicht durch das Vorhandensein eines Schnittes – wie einer Verletzung – im Boden des Aufstellungsortes. Der Schnitt und die Standort- / Nichtstandortlogik werden in zeitgenössischen Gedenkstätten seit den 1990er Jahren als wiederkehrendes Bild erhalten bleiben.
Eine andere Denkmalstrategie besteht darin, sich auf den Ursprung des Konflikts zu konzentrieren, der für die Opfer verantwortlich ist: In dieser Zeile schlägt Robert Filliou in seinem Commemor (1970) vor, die europäischen Länder ihre Denkmäler austauschen zu lassen; Esther Shalev-Gerz und Jochem Gertz errichteten 1983 in Hamburg ein Denkmal gegen den Faschismus. Andere, wie Thomas Hirschhorn, bauen in Zusammenarbeit mit lokalen Gemeinschaften prekäre Anti-Denkmäler, die Denkern gewidmet sind, wie Spinoza (1999), Gilles Deleuze (2000) und Georges Bataille (2002).
Kuratierte öffentliche Kunstprojekte
In dieser Linie eröffnen der Künstler Francois Hers und der Vermittler Xavier Douroux 1990 das Protokoll „Nouveaux commanditaires“, das auf dem Grundsatz basiert, dass der Beauftragte die Benutzergemeinschaft ist, die in Zusammenarbeit mit einem Kurator-Vermittler im Rahmen des Projekts arbeitet mit dem künstler. Das Nouveaux Commanditaires-Projekt erweitert die Idee der Ortsspezifität in der öffentlichen Kunst auf eine gemeinschaftsbasierte, was die Notwendigkeit einer „kuratierten“ Verbindung zwischen den Praktiken, die den Gemeinschaftsraum erzeugen, und der künstlerischen Intervention impliziert. Dies ist der Kontext der Erfahrungen des Doual’art-Projekts in Douala (Kamerun, 1991), basierend auf einem Auftragssystem, das die Community, den Künstler und die beauftragende Institution bei der Realisierung des Projekts zusammenbringt.
Auf der anderen Seite wurde der Begriff „ortsspezifisch“ in den neunziger Jahren im Lichte der Verbreitung kuratierter öffentlicher Kunstprogramme im Zusammenhang mit Biennalen und anderen kulturellen Veranstaltungen überarbeitet. Insbesondere zwei Veranstaltungen bilden den kontextuellen und theoretischen Hintergrund nachfolgender öffentlicher Kunstprogramme: Orte mit Vergangenheit; Eine normale Situation annehmen und in überlappende und mehrfache Ablesungen vergangener und gegenwärtiger Zustände umwandeln. Der erste, Orte mit Vergangenheit, versucht, die Gegenüberstellung von „Stadtstandorten und Skulpturen“ in einem projektorientierten kuratorischen Kontext zu erproben. Ebenso stellt On Taking on… eine Verbindung zwischen Ortsspezifität und projektorientierter Kultur her, verbindet aber gleichzeitig programmatisch bereits im Titel unterschiedliche urbane und historische Realitäten und Erzählungen mit neuen Formen künstlerischer Intervention. Während On Taking on… sich gleichzeitig mit der Ortsspezifität der künstlerischen Intervention und der Ausstellung befasst, greift Places with a Past den Trend der öffentlichen Kunstsammlungen in einem Museum ohne Wandmode auf und erneuert ihn. Letzterer Punkt wird sich in den 1990er und 2000er Jahren zeitgleich mit der Verbreitung von Biennalen und kulturellen Veranstaltungen und als Folge von Stadtmarketingstrategien im Kontext des „Bilbao-Effekts“ und der nach der Eröffnung entstehenden „Zielkultur“ entwickeln des Guggenheim-Museums in Bilbao.
Ein spezifischer Trend in städtischen Sammlungen öffentlicher Kunst entwickelt sich im Zusammenhang mit neuen Politiken in der öffentlichen Beleuchtung. Asien und das höchste Wandgemälde der Welt, von dem deutschen Künstler Hendrik Beikirch, zeigen eine einfarbige Palette eines Fischers, der einen bedeutenden Teil der koreanischen Bevölkerung repräsentiert. Es wurde von Public Delivery organisiert und 2013 in Busan, Korea, gemalt.
Online-Dokumentation
Parallel zur Entwicklung webbasierter Daten entstanden in den 1990er und 2000er Jahren Online-Datenbanken lokaler und regionaler öffentlicher Kunst. Öffentliche Online-Kunstdatenbanken können regional oder national oder selektiv sein (beschränkt auf Skulpturen oder Wandgemälde). Einige nationale Online-Datenbanken, wie das Archiv für amerikanische Kunst des Smithsonian American Art Museum, enthalten möglicherweise öffentliche Kunstwerke in ihren Datenbanken, klassifizieren diese jedoch nicht als solche.
Öffentliche Online-Kunstdatenbanken
Im Jahr 2006 erstellte das Public Art in Public Places-Projekt als eine der ersten Nichtregierungsorganisationen eine umfangreiche Online-Datenbank für Kunst im öffentlichen Raum für ein großes geografisches Gebiet – die Regionen Los Angeles, Südkalifornien und Hawaii. Dieses Projekt ist aktiv und die Datenbank enthält alle Formen permanenter (nicht temporärer) öffentlicher Kunst (einschließlich Skulpturen, Wandbilder, Statuen, Kunst der Transitstation sowie Denkmäler, Denkmäler, Wahrzeichen und Touristenattraktionen, die Merkmale oder Komponenten öffentlicher Kunst enthalten).
Inaktive Online-Projekte
Von 1992-1994 finanzierte Heritage Preservation das Umfrageprojekt Save Outdoor Sculpture !, dessen Akronym SOS! verweist auf das internationale Morsecode-Notsignal „SOS“. Dieses Projekt dokumentierte mehr als 30.000 Skulpturen in den Vereinigten Staaten, die in der SIRIS-Datenbank verfügbar gemacht wurden. Dieses Projekt ist nicht mehr aktiv.
Seit 2009 dokumentiert WikiProject Public Art Kunst im öffentlichen Raum auf der ganzen Welt. Während dieses Projekt erste Aufmerksamkeit von der akademischen Gemeinschaft erhielt, stützte es sich hauptsächlich auf studentische Beiträge. Sein Status ist derzeit unbekannt.
2012 startete Alfie Dennen das Big Art Mob-Projekt neu und konzentrierte sich von der Kartierung der öffentlichen Kunst des Vereinigten Königreichs auf die Kartierung der ganzen Welt. Zum Zeitpunkt des Starts waren über 12.000 Kunstwerke im öffentlichen Raum mit über 600 neuen Werken ab dem 09.05.2012 kartiert. Diese Datenbank-Website ist nicht mehr aktiv.
Interaktive Kunst im öffentlichen Raum
Einige Formen der Kunst im öffentlichen Raum sollen das Publikum zum Mitmachen anregen. Beispiele hierfür sind Kunst im öffentlichen Raum, die in praktischen Wissenschaftsmuseen wie dem architektonischen Mittelpunkt vor dem Ontario Science Center installiert wurde. Bei diesem fest installierten Kunstwerk handelt es sich um einen Brunnen, der gleichzeitig ein Musikinstrument (Hydraulik) ist, das die Öffentlichkeit jederzeit spielen kann. Die Öffentlichkeit interagiert mit der Arbeit, indem sie Wasserstrahlen blockiert, um Wasser durch verschiedene Geräusch erzeugende Mechanismen in der Skulptur zu drücken. Die Federation Bells in Birrarung Marr, Melbourne, ist ebenfalls eine öffentliche Kunstkreation, die als Musikinstrument fungiert. Die erste permanente große interaktive öffentliche Kunst wurde 1980 von dem Künstler Jim Pallas in Detroit, Michigan, mit dem Titel Century of Light, geschaffen.
Rebecca Krinkes Landkarte von Freude und Schmerz und was gesagt werden muss, lädt zur Beteiligung der Öffentlichkeit ein. In Maps malen Besucher Orte der Freude und des Schmerzes in Gold und Blau auf eine Karte der Partnerstädte. In What Needs to be Said schreiben sie Wörter und hängen sie an die Wand. Krinke ist anwesend und beobachtet die Art der Interaktion. Der niederländische Künstler Daan Roosegaarde untersucht die Natur des Publikums. Sein interaktives Kunstwerk Crystal in Eindhoven kann geteilt oder gestohlen werden. Kristall besteht aus Hunderten einzelner Salzkristalle, die aufleuchten, wenn man mit ihnen interagiert.
Aus einem breiteren Rahmen der Kunst und ihrer Beziehung zum Film und der Geschichte des Films; Weitere in Betracht zu ziehende Arten von „öffentlicher Kunst“ sind Medien- und Filmarbeiten im digitalen Kunstraum. Laut Ginette Vincendeau und Susay Hayward, die in ihrem Buch French Film: Texts and Contexts (Französischer Film: Texte und Kontexte), das an der Universität von London und an der European Higher Education in der Einführung in das Kino unterrichtet wurde, argumentieren, ist Film in der Tat eine Kunstform und dies auch hohe Kunst. Darüber hinaus lässt sich der Kontext von Film und öffentlichem Raum in der Geschichte der städtischen Gebiete und Denkmäler auf den Vater des Films, Georges Méliès, sowie auf die Brüder Lumière zurückführen, die das bewegte Bild erfanden, das 1896 allgemein als Film bezeichnet wurde ,
Digitale Kunst im öffentlichen Raum
Digitale Kunst im öffentlichen Raum und traditionelle Kunst im öffentlichen Raum nutzen neue Technologien für ihre Kreation und Präsentation. Was die digitale Kunst im öffentlichen Raum auszeichnet, ist ihre technologische Fähigkeit, explizit mit dem Publikum zu interagieren. Diese Methoden der öffentlichen Kunst unterscheiden sich von Kunstwerken der digitalen Gemeinschaft (die auch als „Social Engaged New Media Art“ oder „SENMA“ bezeichnet werden) darin, wie sie Beziehungen zum Publikum, zum Ort und zum Ergebnis herstellen. In gemeindebasierten digitalen Kunstwerken entstehen diese Probleme durch einen dialogischen Prozess und nicht durch eine explizite Vorgehensweise, ein Arbeiten oder eine Reihe von Beziehungen.
Prozent für Kunst
Kunst im öffentlichen Raum wird in der Regel mit Genehmigung und Zusammenarbeit der Regierung oder des Unternehmens in Auftrag gegeben oder erworben, die bzw. das den Raum besitzt oder verwaltet. Einige Regierungen fördern aktiv die Schaffung von Kunst im öffentlichen Raum, beispielsweise die Budgetierung von Kunstwerken in neuen Gebäuden, indem sie eine Richtlinie für Prozent für Kunst umsetzen. Normalerweise werden ein bis zwei Prozent der Gesamtkosten eines Stadtverbesserungsprojekts für Kunstwerke aufgewendet, die Höhe variiert jedoch stark von Ort zu Ort. Verwaltungs- und Wartungskosten werden manchmal abgebucht, bevor das Geld für Kunst ausgegeben wird (zum Beispiel in Los Angeles). Viele Lokalitäten haben „allgemeine Fonds“, die temporäre Programme und Aufführungen kultureller Art finanzieren, anstatt auf projektbezogenen Aufträgen zu bestehen. Die Mehrheit der europäischen Länder, Australien, Mehrere Länder in Afrika (darunter Südafrika und Senegal) und viele Städte und Bundesstaaten in den Vereinigten Staaten haben Prozent für Kunstprogramme. Der Prozentsatz für Kunst wird nicht für jedes Kapitalverbesserungsprojekt in Gemeinden mit Prozentsatz für Kunstpolitik verwendet.
Das erste Prozent-für-Kunst-Gesetz wurde 1959 in Philadelphia verabschiedet. Diese Anforderung wird auf verschiedene Arten umgesetzt. Die Regierung von Quebec hält an der Politik zur Integration von Kunst und Architektur fest, die das Budget für alle neuen öffentlich finanzierten Gebäude vorsieht, für die ungefähr 1% für Kunstwerke vorgesehen sind. New York City hat ein Gesetz, das vorschreibt, dass nicht weniger als 1% der ersten 20 Millionen Dollar plus nicht weniger als die Hälfte von 1% des Betrags von mehr als 20 Millionen Dollar für Kunstwerke in öffentlichen Gebäuden, die Eigentum von sind, bereitgestellt werden die Stadt. Die maximale Zuteilung für eine Provision in New York beträgt.
Im Gegensatz dazu verlangt die Stadt Toronto, dass 1% aller Baukosten für Kunst im öffentlichen Raum ohne festgelegte Obergrenze vorgesehen werden (obwohl die Gemeinde und der Entwickler unter Umständen einen Höchstbetrag aushandeln können). Im Vereinigten Königreich liegt der Prozentsatz für Kunst im Ermessen der Kommunalbehörden, die ihn im Rahmen einer Vereinbarung nach § 106 umsetzen, die auch als „Planungsgewinn“ bezeichnet wird. In der Praxis ist er verhandelbar und erreicht dort selten einen vollen Prozentsatz von 1% ist überhaupt implementiert. In Irland gibt es ein Prozent für Kunstprogramme, das von vielen lokalen Behörden weitgehend umgesetzt wird.
Arts Queensland, Australien, unterstützt eine neue Politik (2008) für ‚art + place‘ mit einem von der Landesregierung bereitgestellten Budget und einem kuratorischen Beratungsausschuss. Es ersetzt das bisherige „Art Built-In“ 2005–2007. Canberra, Australien, hat von 2007 bis 2009 1 Prozent seines Capital Works-Programms (einschließlich der Jahre danach) für Kunst im öffentlichen Raum bereitgestellt. Der endgültige Betrag in Höhe von 778.000 US-Dollar wurde in den Jahren 2011 bis 2012 bereitgestellt.
Öffentliche Kunst und Politik
Öffentliche Kunst wurde oft zu politischen Zwecken eingesetzt. Die extremsten und am meisten diskutierten Manifestationen davon sind nach wie vor der Einsatz von Kunst als Propaganda in totalitären Regimen bei gleichzeitiger Unterdrückung von Meinungsverschiedenheiten. Die Annäherung an die Kunst in der Sowjetunion von Joseph Stalin und die Kulturrevolution von Mao Zedong in China stehen stellvertretend.
Die sprechenden Statuen Roms haben im 16. Jahrhundert eine Tradition des politischen Ausdrucks begonnen, die bis heute anhält. Öffentliche Kunst wird auch oft verwendet, um diese propagandistischen Wünsche politischer Regime zu widerlegen. Künstler verwenden Kultur-Jamming-Techniken, nehmen populäre Medien und interpretieren sie mit Anpassungen im Guerilla-Stil neu, um für die Öffentlichkeit relevante soziale und politische Themen zu kommentieren. Künstler nutzen Culture Jamming, um soziale Interaktionen mit politischen Anliegen zu ermöglichen, in der Hoffnung, die Art und Weise, wie Menschen mit der Welt umgehen, durch Manipulation der vorhandenen Kultur zu verändern. Das Adbusters-Magazin untersucht aktuelle soziale und politische Themen durch Kulturstörung, indem es beliebte Designkampagnen manipuliert.
In offeneren Gesellschaften finden Künstler öffentliche Kunst oft nützlich, um ihre Ideen zu fördern oder ein zensurfreies Mittel für den Kontakt mit den Zuschauern zu schaffen. Die Kunst kann absichtlich vergänglich sein, wie im Fall von temporären Installationen und Performance-Stücken. Solche Kunst hat eine spontane Qualität. Es wird charakteristisch in städtischen Umgebungen ohne Zustimmung der Behörden angezeigt. Mit der Zeit erreicht eine solche Kunst jedoch eine offizielle Anerkennung. Beispiele hierfür sind Situationen, in denen die Grenze zwischen Graffiti und „Guerilla“ – Kunst im öffentlichen Raum verwischt ist, wie die Kunst der frühen Werke von Keith Haring (ohne Erlaubnis von Werbeplakatträgern in der New Yorker U-Bahn ausgeführt) und die Arbeit von Banksy. Die nordirischen Wandgemälde und die in Los Angeles waren häufig Reaktionen auf Konfliktperioden.
Finanzierung
Für einige Autoren ist Kunst im öffentlichen Raum durch die Finanzierung des Staates oder der örtlichen Gemeinschaft definiert.
Für Autoren, die der Meinung sind, dass öffentliche Kunst an einem öffentlichen Ort installiert ist, kann die Finanzierung öffentlich, privat im Falle von Sponsoring oder im Falle eines öffentlichen Abonnements sein, wie dies bei der Installation von Gedenkstätten der Fall ist. Unternehmen können Kunst im öffentlichen Raum finanzieren und neue Kontroversen auslösen, beispielsweise im Zusammenhang mit der Installation von Fearless Girl gegen den Bullen an der Wall Street. In diesem beispielhaften und komplexen Fall haben die Kommunalbehörden nur eine regulatorische Funktion, während die Parteien die Gerichte um ein Schiedsverfahren ersuchen.
Einige Regierungen fördern aktiv die Schaffung von Kunst, ohne dass diese Ermutigung zwangsläufig zu einer öffentlichen Kunst im einen oder anderen Sinne führt. Die Verpflichtung, einen Prozentsatz der Baukosten eines neuen Gebäudes der Kunst zu widmen, verpflichtet die Projektträger nicht zur Finanzierung öffentlicher Kunst. Die Mittel sind privat und die Werke können in kollektiven, aber nicht öffentlichen Gebäudeteilen ausgestellt werden. Gleiches gilt für die Haushaltsbestimmungen für Kunst.
In einigen Ländern wird in der Regel 1% der Baukosten für die Kunst veranschlagt, die Beträge können jedoch je nach Standort stark variieren. In Frankreich wurde 1951 die Bereitstellung von 1% Kunst zur Finanzierung von Arbeiten im Zusammenhang mit dem öffentlichen Architekturschaffen eingeführt. In Quebec muss das Budget aller öffentlich finanzierten Gebäude seit den 1960er Jahren 1% für Kunst vorsehen. 9. In New York sollte mindestens 1% der ersten 20 Millionen US-Dollar (und ein halbes Prozent darüber hinaus) für Arbeiten in irgendeiner Form bereitgestellt werden öffentliches Gebäude im Besitz der Stadt. In Toronto schreibt das Gesetz vor, dass mindestens 1% des Baubudgets für Kunst im öffentlichen Raum vorgesehen ist. In Großbritannien liegt der Betrag im Ermessen der örtlichen Behörden.
Ästhetik
Regierungen, die die Unterstützung der Bevölkerung suchen, haben die Produktion monumentaler Werke an öffentlichen Orten unter Verwendung traditioneller künstlerischer Konventionen und Verfahren gefördert, die ohne besondere Ausbildung zugänglich sind: Der mexikanische Muralismus ist das Ergebnis der mexikanischen Revolution. Die Regierungen des Ostblocks zwingen der öffentlichen Kunst den sozialistischen Realismus auf.
Bewegungen, die die Institutionen des künstlerischen Feldes in Frage stellen, haben ihrerseits auch die daraus entstehende Ästhetik in Frage gestellt, die Bruch und Neuheit begünstigt. Um die Wertschätzung eines Publikums zu erreichen, das keine Kunst sucht, verwenden sie am häufigsten zugänglichere und konventionellere Formen, in denen Comics, Pressebilder und Illustrationen allgemein veröffentlicht werden.
Umgekehrt können Regierungsinstitutionen durch ihre Einkaufspolitik und Präsentation versuchen, die Trends der zeitgenössischen Kunst der Öffentlichkeit näher zu bringen. Insgesamt spricht der Prozess der Vergabe einer öffentlichen Bestellung jedoch mehrere Bedenken an und betrifft mehrere Verwaltungsdienste. Die ästhetischen Kriterien unterscheiden sich je nach Verwendungszweck der Arbeiten, die auf öffentlichen Straßen installiert oder in einem Museum ausgestellt sind.
Einige Künstler nutzen die Präsentation im öffentlichen Raum, um großformatige Werke zu produzieren, die für eine klassische Ausstellung zu groß sind. Zum Beispiel ist der Pfad der Platz in der Reihe eine Arbeit von Richard Long, die aus einer dreiwöchigen Wanderung besteht. Gar Waterman schuf einen riesigen Bogen von 10 Metern Höhe und Länge, der eine Straße in New Haven überspannt. Künstler wie Christo und Jeanne-Claude, Robert Smithson, Andy Goldsworthy, James Turrell und Antony Gormley reagieren oder integrieren ihre Umgebung.
Kontroversen
Kunst im öffentlichen Raum erweist sich manchmal als umstritten. Dazu tragen eine Reihe von Faktoren bei: der Wunsch des Künstlers, die Vielfalt des Publikums, Fragen der angemessenen Verwendung öffentlicher Mittel, des Raums und der Ressourcen sowie Fragen der öffentlichen Sicherheit.
Das Heidelberger Projekt von Detroit war seit seiner Gründung im Jahr 1986 mehrere Jahrzehnte lang wegen seines grellen Aussehens umstritten.
Richard Serras minimalistisches Stück Tilted Arc wurde 1989 vom Foley Square in New York City entfernt, nachdem sich Büroangestellte beschwert hatten, dass der Arbeitsablauf durch das Stück gestört wurde. Eine öffentliche Gerichtsverhandlung entschied, dass die Arbeiten nicht weiter ausgestellt werden.
Der Apollo-Pavillon von Victor Pasmore in der englischen Neustadt Peterlee war ein Schwerpunkt für Kommunalpolitiker und andere Gruppen, die sich über die Verwaltung der Stadt und die Zuweisung von Ressourcen beschwerten. Künstler und Kulturschaffende führten eine Kampagne durch, um den Ruf der Arbeit mit dem Baltischen Zentrum für zeitgenössische Kunst wiederherzustellen. Sie beauftragten die Künstler Jane und Louise Wilson, 2003 eine Videoinstallation über das Stück zu erstellen.
House, ein großes Werk von Rachel Whiteread aus den Jahren 1993 bis 1994 in East London, wurde nach einigen Monaten vom Gemeinderat zerstört. Die Künstlerin und ihr Agent hatten nur vorübergehend die Erlaubnis für das Werk erhalten.
Der Ampelbaum von Pierre Vivant in der Nähe von Canary Wharf, ebenfalls in Ost-London, sorgte beim Bau im Jahr 1998 für einige Verwirrung bei den Autofahrern, von denen einige glaubten, sie seien echte Verkehrssignale. Sobald das Stück jedoch bekannter wurde, wurde es von einer Umfrage unter britischen Autofahrern zum beliebtesten Kreisverkehr des Landes gewählt.
Maurice Agis ‚Dreamspace V, ein riesiges aufblasbares Labyrinth in der Chester-le-Street, County Durham, tötete zwei Frauen und verletzte 2006 ein dreijähriges Mädchen schwer, als ein starker Wind seine Anlegestellen durchbrach und es 30 Fuß weit in die Straße trug Luft, in der dreißig Menschen gefangen sind.
16 Tonnen, Seth Wulsins umfangreiches Werk aus dem Jahr 2006 beinhaltet den Abbruch des Rohstoffs, mit dem er arbeitet, einem ehemaligen Gefängnis in Buenos Aires. Um die Genehmigung zur Durchführung des Projekts zu erhalten, musste Wulsin ein Netzwerk von lokalen, städtischen und nationalen Regierungsbehörden sowie ehemaligen Gefangenen des Gefängnisses, von Menschenrechtsgruppen und des Militärs engagieren.
Nachhaltigkeit
Kunst im öffentlichen Raum steht naturgemäß vor einer gestalterischen Herausforderung: Wie lassen sich die Bilder in ihrer Umgebung am besten aktivieren? Das Konzept der „Nachhaltigkeit“ entsteht als Reaktion auf die wahrgenommenen Umweltmängel einer Stadt. Nachhaltige Entwicklung, die von den Vereinten Nationen seit den 1980er Jahren gefördert wird, umfasst wirtschaftliche, soziale und ökologische Aspekte. Ein nachhaltiges öffentliches Kunstwerk würde Pläne zur Stadterneuerung und -zerlegung beinhalten. Nachhaltigkeit ist in vielen Umweltplanungs- und Ingenieurprojekten weit verbreitet. Nachhaltige Kunst ist eine Herausforderung, um auf die Bedürfnisse eines öffentlichen Raums einzugehen.