Bewertung zu LA Art Show 2020, Kalifornien, USA

Die LA Art Show, die umfassendste internationale Ausstellung für zeitgenössische Kunst in Amerika, eröffnet am 5. Februar 2020 im Los Angeles Convention Center offiziell die Kunstsaison 2020 der Stadt 25-jähriges Jubiläum. Die LA Art Show ist das unvergleichliche internationale Kunsterlebnis mit 123 Galerien, Museen und gemeinnützigen Kunstorganisationen aus der ganzen Welt, die Malerei, Skulptur, Arbeiten auf Papier, Installation, Fotografie, Design, Video und Performance ausstellen.

Als größte und am längsten laufende Kunstmesse in LA markiert dieses Jahr einen Meilenstein sowohl für die LA Art Show als auch für die gesamte LA Art Community. Während die LA Art Show ihr 25-jähriges Jubiläum feiert, bereitete sich Los Angeles auf das größte Kunst- und Kulturprogramm in der Geschichte der Stadt vor, das es mit New York, der amtierenden Kunsthauptstadt der USA, aufnehmen kann.

Ausgehend von der Darstellung der kulturell reichen Komposition von Los Angeles veranstaltet die LA Art Show ihre 25. Ausstellung, indem sie den Einfluss der lateinamerikanischen und asiatischen Kunst in all ihren facettenreichen Formen feiert. Strahlende Präsentationen werden von einer Vielzahl von Galerien zum Leben erweckt, die die künstlerische Sphäre von Los Angeles als vollständig zugänglichen Raum des Ausdrucks formen. Die Tradition und das Prestige der LA Art Show sind in der Stadt und ihrer Umgebung bereits voll gefestigt und machen sie zu einer der wichtigsten amerikanischen Messen für zeitgenössische Kunst.

An der Ausgabe 2020 nahmen Galerien aus mehr als 20 Ländern teil und präsentierten kulturelle Angebote, die durch ihre hohe Qualität überraschten. Der Respekt, den die Vereinigten Staaten der europäischen Kunst entgegenbringen, führte dazu, dass die Messe ihr in diesem Jahr zum ersten Mal einen besonderen Raum durch den sogenannten „Europäischen Pavillon“, in dem sich Galerien des alten Kontinents trafen, widmete seinen Standort für die amerikanische Öffentlichkeit.

Walker Fine Art lassen das Publikum einen Blick in eine Welt werfen, die komplett von MC Escher gezeichnet wurde. Die MC Escher Experience bietet die maßgefertigten Möbel des Künstlers zu einer Fotokabinen-Installation, die es dem Betrachter ermöglicht, selbst zu einem Höhepunkt in MC Eschers Selbstporträt zu werden. Eine Zusammenarbeit zwischen Taiji Terasaki, DIVERSEartLA und dem Japanisch-Amerikanischen Nationalmuseum erweitert die thematische Reise mit der Installation TRANSCENDIENTS: Heroes at Borders, die wirkungsvolle Persönlichkeiten hervorhebt, die aktiv gegen Diskriminierung kämpfen. Aussteller und aufstrebende Talente aus der ganzen Welt nutzen die LA Art Show als Epizentrum für das tiefgreifende Kunst-Ökosystem.

Das Performance-Stück „Diversity Walks and Talks“, kuratiert von Miss Artworld, lässt die Teilnehmer die Bedeutung von Vielfalt erklären und eine Rolle ihrer Antworten begleitet den Laufsteg. Miss Artworld interpretiert den hochintensiven Glanz und Glamour, der dem Paradigma eines stereotypen Los Angeles eng folgt, neu und kontextualisiert es, um seine vielfältigen Wurzeln zu ehren.

Los Angeles hat sich zu einem globalen Epizentrum für Kunst und Kultur entwickelt, mit einem ausgeprägten, verwobenen multikulturellen Einfluss, der einzigartig für die Stadt ist. Vielfalt ist unsere Stärke und Kunst ist am wirkungsvollsten, wenn sie alle Grenzen umfasst oder überschreitet. Während LA zur Weltklasse-Destination für Kunst aufsteigt, ist die LA Art Show weiterhin führend mit innovativen Programmen und einzigartigen Erlebnissen für ein wachsendes Sammlerpublikum.

Die LA Art Show schafft eine der größten internationalen Kunstmessen in den Vereinigten Staaten und bietet Sponsoren, ihren ausgewählten Gästen und VIP-Kunden ein aufregendes, umfassendes Insider-Kunsterlebnis. Die Show zieht eine Elite aus nationalen und internationalen Galerien, renommierten Künstlern, hoch angesehenen Kuratoren, Architekten, Designprofis sowie anspruchsvollen Sammlern an.

Mehr als 180.000 Quadratmeter Ausstellungsfläche sind den prominenten Galerien von heute gewidmet. Diese nationalen und internationalen Galerien kuratieren über ihre Stände hinaus Sonderausstellungen, die an der Spitze der aufkeimenden zeitgenössischen Kunstbewegung stehen. Die Messe bietet ein außergewöhnliches Spektrum an Arbeiten und Erlebnissen in spezialisierten Bereichen.

LA Art Show 2020
Die LA Art Show 2020 schafft eine der größten internationalen Kunstmessen in den Vereinigten Staaten und bietet Sponsoren, ihren ausgewählten Gästen und VIP-Kunden ein aufregendes, umfassendes Insider-Kunsterlebnis. Die Show zieht eine Elite aus nationalen und internationalen Galerien, renommierten Künstlern, hoch angesehenen Kuratoren, Architekten, Designprofis sowie anspruchsvollen Sammlern an.

Dieses innovative, außergewöhnliche kulturelle Umfeld zieht Führungskräfte und Vorstandsmitglieder südkalifornischer Unternehmen, Vertreter der Staats-, Bezirks- und Kommunalverwaltung sowie Führungskräfte der kulturellen Institutionen der Region an. Die Teilnehmer sind Trendsetter, Influencer und Alpha-Konsumenten, die in allen Bereichen ihres Lebens das Neueste und Beste suchen und fordern – Kunst, Design, Essen, Technologie und Reisen sind besondere Leidenschaften.

Für 2020 ist die LA Art Show geehrt, mit Kulturinstitutionen wie The Broad, LACMA, UCLA Chicano Studies, MOLAA, Danubiana Museum (Bratislava, Slowakei), Arte Al Limite (Chile), La Neomudejar Museum (Madrid, Spanien), PSJM . zusammenzuarbeiten Collective (Kanarische Inseln) und Art Museum of the Americas (Washington DC).

Modern + Contemporary – Der größte Programmbereich der LA Art Show, Modern + Contemporary, zeigt das breite Spektrum zeitgenössischer Malerei, Illustration, Skulptur und mehr aus Galerien in Los Angeles, dem pazifischen Raum und Ländern auf der ganzen Welt.

Core – Core ist ein kuratierter Raum für Galerien, die auf der ganzen Welt als wegweisend in der zeitgenössischen Kunst anerkannt sind. Die hier präsentierten Galerien bilden, inspirieren und begeistern die eifrigen Sammler der Welt mit den gefragtesten Stimmen auf dem Markt.

Europäischer Pavillon – Zum ersten Mal in unserer Geschichte freuen wir uns, einen neuen Pavillon für europäische Galerien präsentieren zu können. Der brandneue Europäische Pavillon präsentiert kuratierte Exponate, die verschiedene Bewegungen und stilistische Entwicklungen hervorheben.

Roots – ROOTS ehrt die Stimmen und Bewegungen, die zuvor entstanden sind, und ist ein spezieller Ausstellungsraum für Galerien, die historische Werke und zeitgenössische Künstler präsentieren, die diesen Traditionen folgen.

Works On Paper – Works on Paper ist ein spezieller Ausstellungsraum für die Präsentation von Fotografien und anderen Werken, die nicht auf herkömmlicher Leinwand verarbeitet wurden.

Project Space – Die aus der ganzen Welt stammenden Aussteller im Project Space präsentieren eine breite Palette von Ideen und Talenten in Form von Einzelausstellungen, die von den teilnehmenden Galerien präsentiert werden.

Design LA Art – Design LA Art dient als kuratierter Raum, um prominente internationale Designgalerien zu präsentieren. Design LA Art bietet einen Kunstmarkt für sammelbares zeitgenössisches Design und funktionale Kunst, der die besten Design-, Kunst-, Schmuck-, Architektur- und Einrichtungsgegenstände präsentiert, die neben den heute führenden globalen modernen und zeitgenössischen Galerien präsentiert werden.

DIVERSEartLA – DIVERSEartLA nutzt die Position der Stadt am pazifischen Rand und ist ein spezieller Programmbereich, der sich der Förderung der kreativen Energie internationaler Sammler, Künstler, Kuratoren, Museen und gemeinnütziger Organisationen widmet, indem er sie direkt mit dem Publikum in Los Angeles verbindet. Vielfalt und Inklusion sind weiterhin unsere wichtigsten Mandate, während wir nachdenken und uns freuen. DIVERSEartLA nutzt die Position der Stadt am pazifischen Rand und ist ein spezieller Programmbereich mit über 35.000 Quadratfuß, der der Förderung der kreativen Energie internationaler Sammler, Künstler, Kuratoren, Museen und gemeinnütziger Organisationen gewidmet ist, indem sie direkt mit dem Publikum in Los Angeles verbunden werden.

Featured Exhibitions – Featured Exhibitions, die über die Grenzen der Standflächen hinausgehen, schaffen immersive Erlebnisse, um das Publikum durch zum Nachdenken anregende Kunstwerke, Performances und andere Ausstellungen der teilnehmenden Galerien zu begeistern und Werke hervorzuheben, über die in den kommenden Jahren gesprochen wurde.

Tinte – Die Kunstausstellung 2020 in LA zeigte während der gesamten Messe eine vielfältige und umfassende Palette panasiatischer Tuschemalereien mit Künstlern aus Japan und China, die außerhalb Asiens selten in dieser Größenordnung zu sehen sind. Die Tuschemalerei entstand in Ostasien als Tradition der Verwendung von schwarzer Tinte auf Kohlebasis und kalligraphischen Pinselmaltechniken. Tusche ist im Osten ebenso gleichbedeutend mit Malerei wie Öl im Westen.

Ausstellungen

Die Werke von MC Escher
Eschers Werk erforscht die Schnittstelle von Kunst, Mathematik, Wissenschaft und Poesie und hat Generationen von Künstlern, Architekten, Mathematikern, Musikern und Designern gleichermaßen fasziniert und erstaunt. Walker Fine Art hat über 40 Jahre lang die größte Sammlung von Escher-Werken der Welt zusammengestellt und präsentiert das „Seltene vom Seltenen“ auf der 25. jährlichen LA Art Show.

Die Erfahrung von MC Escher erstreckt sich über seine gesamte Karriere und umfasst selten gesehene Lithographien, Holzschnitte, Gravuren und Mezzotints sowie die ikonischen Möbel des Künstlers. Viele davon wurden zum ersten Mal in Kalifornien gezeigt. Die Besucher der LA Art Show haben nicht nur die Möglichkeit, die Arbeit des Künstlers aus der Nähe zu sehen, sondern auch Escher zu werden. Eine spezielle Fotokabine stellt sein ikonisches Sphären-Selbstporträt mit Ihnen in der Spiegelung nach.

Rock J. Walker setzt sich seit Jahren auf Kunstmessen und Ausstellungen in den USA und weltweit für die Arbeit des berühmten niederländischen Grafiker MC Escher ein. Als Besitzer einer der weltweit größten Sammlungen von Eschers komplizierten Grafiken – eine Sammlung, die selbst den enthusiastischsten Escher-Fan vor Überraschungen strotzt – hat Walker sich bemüht, den Künstler nicht nur in der Öffentlichkeit beliebt zu halten, sondern auch zu demonstrieren Substanz und Tiefe des Werkes in den Augen der Kunstwelt.

Bilderstürmer: Kazu Hiro
KAZU HIRO ist ein zeitgenössischer hyperrealistischer Bildhauer, der in Los Angeles lebt und arbeitet. Nachdem Kazu 25 Jahre als Maskenbildner für Spezialeffekte in Hollywood gearbeitet hatte, verlagerte er 2012 seinen Fokus entscheidend und widmete sich halbvoll der Kunstskulptur. Kazu Hiro gewann dieses Jahr in Los Angeles einen Oscar für das beste Make-up und Hairstyling für seine Arbeit an dem Film Bombshell.

Unter Verwendung von Harz, Platin-Silikon und vielen anderen Materialien konstruiert Kazu dreidimensionale Porträts im Maßstab zweifacher Lebensgröße. Kazu hat im Laufe seiner Karriere zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter einen Oscar der Oscar-Verleihung im Jahr 2018 für seine Arbeit im Film „Darkest Hour“, in der er dem guten Freund, Schauspieler Gary Oldman half, Winston Churchill zu porträtieren. Kazu Hiros neueste hyperreale Porträtskulptur wurde auf der LA Art . enthüllt Zeigen Sie am Stand der Copro Gallery. Am Eingang der Ausstellung zeigt Kazu eine Retrospektive einiger seiner früheren Arbeiten. Für Sammler besteht auch die Möglichkeit, mit jedem Stück Fotos zu machen – Kazu war zu festgelegten Zeiten anwesend.

3.11 Requiem und Erweckung: Sogen Chiba
Sogen Chibas Werk 3.11 Requiem and Revival transkribiert Zeitungsberichte über das Große Erdbeben in Ostjapan. Chiba hat für die aktuelle Ausstellung eine neue Arbeit dieser Reihe geschaffen. Da wir jetzt sieben Jahre nach dem 3/11 sind, verblassen unsere Erinnerungen an das Ereignis. Wir versuchen, die Erinnerungen an unvorstellbare Katastrophen festzuhalten und überlegen, wie wir sie überwinden können. Chiba selbst stammt aus dem von der Katastrophe betroffenen Distrikt Ishinomaki und hat seinen unbeugsamen Geist genutzt, um über das Unglück hinauszugehen und sich selbst herauszufordern, Werke und Bilder zu schaffen, die nur in Kalligraphie ausgedrückt werden können.

Neun Jahre sind seit dem Großen Erdbeben in Ostjapan und den damit verbundenen Katastrophen vergangen, und während die Erholung und Revitalisierung in den Katastrophengebieten weitergeht, gibt es auch Hinweise auf Verwitterung in diesen Gebieten. Inmitten dieser Umstände konfrontieren sich diese Arbeiten mit der Frage, was nur durch zeitgenössische Kalligraphie ausgedrückt werden kann. Chiba selbst ist ein Überlebender der Katastrophe und integriert in diese Werke starke Botschaften für die Menschen im Katastrophengebiet. Seine Hoffnung ist, dass diese Ausstellung einem noch breiteren Publikum ermöglicht, diese Werke zu sehen, zu kennen und zu fühlen. Chibas neue Arbeit ist hier enthalten. Eine Richtung, die in der Avantgarde-Kalligraphie eingeschlagen wird, ist, wie in dieser Arbeit zu sehen, das Ablegen der Charakternatur jedes Charakters, wodurch jeder Betrachter die Definition des Werks selbst in Betracht zieht.

Taylor Camp: Rand des Paradieses
John Wehrheims Fotografien aus den 1970er Jahren zeigen eine Gemeinschaft, die ohne Regeln Ordnung schaffte und den Materialismus für die Heilkraft der Natur ablehnte. 1969 flohen dreizehn Hippies – Flüchtlinge aus Campus-Unruhen, Kriegsprotesten und Polizeibrutalität – auf die abgelegene hawaiianische Insel Kauai. Es dauerte nicht lange, bis dieser kleine Stamm von Männern, Frauen und Kindern verhaftet und zu 90 Tagen Zwangsarbeit verurteilt wurde, weil er kein Geld und kein Zuhause hatte. Der Inselbewohner Howard Taylor, Bruder der Schauspielerin Elizabeth, rettete die Gruppe und lud sie ein, auf seinem freien Land am Meer zu campen – und ließ sie dann ohne Einschränkungen, Vorschriften oder Aufsicht allein.

Bald fanden Wellen von Hippies, Surfern und unruhigen Vietnam-Tierärzten ihren Weg in dieses Baumhausdorf, in dem Kleidung optional und topffreundlich ist, am Ende der Straße an der Nordküste der Insel. 1977 verurteilte die Regierung das Dorf, um einem State Park Platz zu machen. Innerhalb weniger Jahre eroberte der Dschungel das Taylor Camp zurück und hinterließ nur Asche und Erinnerungen an „die besten Tage unseres Lebens“.

Karma: Das Bild des Mondkrugs als Inbegriff des Lebens: Choi Young Wook
Choi Young Wook bemalt seit vielen Jahren das Mondglas der Chosun. Das Bild des Mondglases füllt fast die gesamte Leinwand aus, die auf den ersten Blick aussieht, als hätte der Maler es in einer hyperrealistischen Technik ausgeführt. Aus diesem Grund kategorisieren einige Betrachter oder Kritiker seine Arbeit schnell als Hyperrealismus, aber diese Interpretation ist falsch. Seine Arbeit ist keine objektive Darstellung des Bildes in einem hyperrealistischen Stil, sondern eher subjektiv. Die Darstellung des Bildes des Mondkrugs ist lediglich im Stil der figurativen Beschreibung gekleidet. Das einzige kritische Kriterium, um seine Arbeit als hyperrealistisch zu interpretieren, ist der Hinweis auf die Beschreibung der Oberflächenrisse am Topf,und dies rührt von dem Missverständnis her, dass das Bild von Haarrissen auf der glasierten Porzellanoberfläche den echten Riss auf der Oberfläche darstellt.

Von Ästhetik und Volkssprache: Baua Devi (Meisterkünstler der Mithila-Malerei)
Diese Ausstellung zeigt Werke von Baua Devi, einem Meisterkünstler des Mithila- oder Madhubani-Malstils in Indien. Die Madhubani-Maltradition spielte 2012 eine Schlüsselrolle bei den Umweltschutzbemühungen in Indien, wo im Bundesstaat Bihar häufig abgeholzt wurde. Lokale Bäume wurden im Namen der Entwicklung gefällt.

Der Hauptgrund für die Erhaltungsbemühungen war, dass die Bäume traditionell mit Götterformen und anderen religiösen und spirituellen Bildern geschmückt sind. Diese Anerkennung der kulturellen und ästhetischen Bedeutung der Bäume bewahrte sie vor dem Fällen. Madhubani-Gemälde zeigen meist Menschen und ihre Verbindung zur Natur sowie Szenen und Gottheiten aus den alten Epen. Im Allgemeinen wird kein Platz leer gelassen; die Lücken werden durch Gemälde von Blumen, Tieren, Vögeln und sogar geometrischen Mustern gefüllt.

Das Maisprojekt: Eric Johnson
Das „Maize Project“ stellt abstrakt eine hüttenstangenartige Struktur dar. In der Kultur der Ureinwohner Amerikas ist der Lodgepfahl ein Versammlungsort und der Titel und die Form der Skulptur beziehen sich auf einen Abschnitt einer Maiskolbenähre. Für Johnson spielt dies auf sein Erbe der amerikanischen Ureinwohner an und ist auch ein Aufruf, das Bewusstsein für die Themen Welthunger, alternative Kraftstoffe und die komplizierte Beziehung von Mais zu unserer Nahrungsversorgung zu schärfen.

Das Stück besteht aus mehr als 300 einzeln gegossenen Polyesterharz-Einheiten, „Kernen“, wie er sie nennt. Die Kerne wurden in Johnsons Studio mit Unterstützung verschiedener Künstler, Freunde und Community-Mitglieder hergestellt. Das Gemeinschaftsprojekt dauerte mehrere Jahre. Die Teilnehmer wurden eingeladen, Harzfarben auszuwählen, die Reihenfolge der Gießvorgänge zu bestimmen und kleine Gegenstände oder Botschaften in die Kerne einzubetten. Die individuelle Anpassung reicht von unbeschwert (Süßigkeitenmais) bis hin zu tiefgründigen (Babyzähne eines verlorenen Kindes).

ALPHACUBE: Lorenzo Marini
ALPHACUBE ist das neue Kunstprojekt von Lorenzo Marini, kuratiert von Sabino Maria Frassà. Mit ALPHACUBE stellt der Künstler das zeitgenössische Kunstparadigma des White Cube als beste Form der Vermittlung seiner Nutzung und Verständlichkeit buchstäblich auf den Kopf. Lorenzo Marini stellt dieses Paradigma auf den Kopf und macht den „White Cube“ zum Gehäuse, zum Äußeren des Kunstwerks. Die Arbeit ist vollständig im Inneren des Kubus enthalten und skizziert einen neuen, immersiven Raum, der von künstlerischer Brillanz belebt wird.

ALPHACUBE erhebt sich im Raum wie etwas Fremdes, sowohl formal als auch inhaltlich: Während die Faszination des Künstlers für Dadaismus und Futurismus offensichtlich ist, die er neu interpretiert und aktualisiert, ist auch nicht zu leugnen, dass der Fokus der Installation auf keine ästhetische Befriedigung, sondern ein sozialer und kultureller Anreiz. Das formale Ergebnis ist daher eine faszinierende und – wir können es genauso gut zugeben – äußerst attraktive und verführerische Installation, die buchstäblich „in sich“ eine Kritik an unserer heutigen Kommunikation und Interaktion verbirgt: zu viel Information, die Kommunikation wegfegt, denn welche Sprache selbst geboren wurde.

Happening: Ryan Schude
Ein besonderer Ausstellungsstand mit Fotografien von Ryan Schude. Schude ist bekannt für seine großformatigen Einzelbild-Tableaus, die voller raffinierter Action sind – Surrealismus und Americana vermischen sich mit einem Hauch von zeitgenössischem Humor. In diesem neuesten Werk vermischen sich Schudes Sujets mit monumentalen Außenwelten. Oft aus einer erhöhten Perspektive betrachtet, werden Naturgewalten Teil der offenen Erzählung jedes Charakters.

Schude wurde international und national in Ausstellungen und Publikationen vorgestellt, darunter auf dem Cover der Norman Rockwell-Ausgabe des Smithonian-Magazins. Kürzlich arbeitete er mit Laura Miner an einem Tableau Vivant für das San Francisco Museum of Modern Art, das die Mitarbeiter und ihre außerhalb des Museums geschaffenen Kunstwerke als Subjekte der Erzählung hervorhob. Dieses Projekt ist Teil einer größeren Serie von Fotografien von Personen in Institutionen als Dokumentation eines ‚Happening‘ im fotografischen Prozess.

Programme

DIVERSEartLA
DIVERSEartLA hat es sich zum Ziel gesetzt, einige der wichtigsten lokalen und internationalen Kunstinstitutionen, Museen und gemeinnützigen Organisationen für einen gehobenen und durchdachten Dialog zusammenzubringen. Für 2020 wurde der kuratorische Schwerpunkt von Marisa Caichiolo für DIVERSEartLA erweitert, um die Kunstinstitutionen und Kunstsammler zu umfassen und zu feiern, die die blühende Kunstgemeinschaft von LA unterstützen.

DIVERSEartLA wurde erweitert, um die Kunstinstitutionen und Kunstsammler zu begrüßen und zu feiern, die LAs neueste und größte Iteration der Kunstgemeinschaft unterstützen und um eine starke Konversation über eine Vielzahl von Veranstaltungen und Programmen zu schaffen. Dies dient als Plattform und Ressource für Best Practices und Führung im Bereich Diversity, einschließlich ALLER Gemeinden in Los Angeles.

Die Gemeinden von Los Angeles spiegeln eine beeindruckende Vielfalt ethnischer Hintergründe wider, und die ikonische natürliche Umgebung ist ebenso vielfältig und weitläufig. Um diese einzigartige Artenvielfalt zu ehren, konzentrieren wir uns auf die Vertretung zeitgenössischer Künstler aus der ganzen Welt als Teil jeder Institution. Die Bedeutung des diesjährigen kuratorischen Schwerpunkts sollte weiterhin der Förderung und dem Lernen von Organisationen gewidmet sein, die Inklusion und Vielfalt unterstützen.

Dieses Jahr freuen wir uns, das 25-jährige Jubiläum der LA Art Show mit einer großartigen Veranstaltung zu feiern, die die weitläufigen natürlichen Lebensräume und die kulturelle Vielfalt von LA widerspiegelt, sowie DIVERSEartLA als einen wesentlichen Bestandteil, um Museen und Kulturinstitutionen zu Modellen für pluralistische Gemeinschaften zu machen. Es gibt nichts Wichtigeres als Inklusion in einem Moment, in dem die politische und soziale Kultur der USA durch Spaltung definiert ist.

Pyramiden von Gronk
Für sein neues Werk „Pyramids“ hat der LA-Künstler Gronk die Opernbühne, die er ursprünglich 2013 für Peter Sellars Adaption von Purcells Semi-Oper „The Indian Queen“ (1695) entworfen und bemalt hatte, neu gestaltet. Diese Arbeit verband Purcells fantasievolle Vorstellungen von the Conquest mit aktuellen Themen zu Immigration und Autoritarismus.Während der LA Art Show malte Gronk auf einem lebensgroßen Nachbild einer Theaterbühne und ermöglichte den Besuchern einen Blick hinter die Kulissen seiner künstlerischen Praxis als sowie des Bühnenbaus der Performance- und Medienkultur. Anders als bei einer Theateraufführung wurde das Bühnenbild erst nach Ende der Ausstellung und dem Weggang des Publikums fertiggestellt. Anstatt ein fertiges Werk zu sehen, konnten die Besucher mit dem Künstler interagieren,Teilnahme am Prozess der Schaffung eines „politischen Theaters“ für unseren gegenwärtigen Moment. Auf dem Programm stehen ein Dialog zwischen Gronk und Peter Sellars sowie eine improvisierte Performance, die beide den von „Pyramids“ geschaffenen Theaterraum nutzen.

Ich sehe dich, ich werde gesehen: Über die Auswirkungen der Vielfalt
Dieser Raum hat seinen Titel einer Rede der Pädagogin und ehemaligen Black Panther-Parteimitglied Ericka Huggins vor der American Alliance of Museums.

In den letzten Jahren haben Initiativen zur Diversifizierung des Personals von Kunstmuseen beträchtliche Verbreitung gefunden. Obwohl noch mehr Arbeit nötig ist, hat der Ruf nach mehr Vielfalt die Kunstwelt durchdrungen. In Los Angeles ist The Broad durch sein innovatives Diversity Apprenticeship Program (DAP) eine führende Institution in dieser Arbeit. Als bezahlte Vollzeitlehre in Kunsthandhabung und Vorbereitung auf Unterrepräsentierte im Museumspersonal verändert die DAP die Demografie und verändert die Gerechtigkeitslandschaft im Museumsbereich.

Die Geburt des Niemands
Die Geburt des Niemands besteht aus monumentalen Großskulpturen. Sie repräsentieren eine ganze Reihe von negativen Emotionen, die Menschen in ihrem Leben zu verbergen versuchen, wie Bösartigkeit, Minderwertigkeitskomplexe und ungesundes Selbstbewusstsein. Der Künstler studierte in Bratislava an der Akademie der Bildenden Künste und Design in Bratislava und in Prag an der Akademie der Bildenden Künste. Frešo gehört zu den bemerkenswertesten Persönlichkeiten der zeitgenössischen Kunst in der Region der ehemaligen Tschechoslowakei, Europa. Seine Arbeit und sein allgemeiner Zugang zur Kunst sind eher untypisch, spiegeln aber gleichzeitig die Situation in Gesellschaft und Kultur wider.

Die Künstlerin kreiert anspruchsvolle Konzepte und Projekte, die sie als scheinbar schlichte geschlossene „Kunstwerke“ präsentieren. Er ist in seinen Werken oft kritisch und drückt seine Verachtung gegenüber der Kunstszene selbst und ihren Prozessen aggressiv aus, jedoch mit einem leichten, humorvollen und verspielten Unterton. Eines der faszinierendsten Elemente seines Schaffens ist der scheinbare Kontrapunkt der Betonung eines riesigen, grandiosen EGO verbunden mit einer Geste in Kombination mit entwaffnender selbstironischer Demut. Seine Fähigkeit, dunkle Seiten seiner Seele zu offenbaren oder zu stolpern und sie ungeachtet der Konsequenzen in die Welt zu werfen, verschiebt die Konzepte des Autors zu breiteren Wahrnehmungsmöglichkeiten der Gründe seines Werkes. Viktor Frešo interessiert sich für direkte, effiziente, visuelle Werkzeuge.Er schafft einen gewissen Raum zwischen Aktion-Reaktion und den Bedingungen des schnellen Erkennens von Beziehungen zwischen dem Ausdruck von mir und dem Hinweis anderer.

Aus dem Süden
Die Künstlerin präsentiert Schwarz-Weiß-Porträts aus zwei Städten im Süden Chiles. Ähnlich wie im Roman A Tale of Two Cities von Charles Dickens wird eine Stadt (London) als gesetzestreu und geordnet beschrieben, analog der Darstellung des Künstlers in Punta Arenas, und wird einer politisch stark aufgewühlten Stadt (Paris) gegenübergestellt, die wie González Valparaíso sieht. Wie der Künstler beschreibt: „Die Stadt ist für mich auf den ersten Blick gewalttätig, vielleicht mit dem Charakter, der sich selbst gemacht hat. Es ist nicht geplant, es besetzt nur die von der Natur hinterlassenen Räume, wie Pflanzen in einem verlassenen Garten.“

In der Liceo-Reihe von González feiert er die individuellen Leistungen jedes Schülers und sieht gleichzeitig die Früchte der harten Arbeit von Familien, Lehrern und Freunden. Sie wurden in einer Zeit suspendiert, die Jugend und Hoffnung definiert. Diese Schülerportraits in Schuluniform, in langen Liceo-Fluren und in Werkstätten in Berufsuniformen erinnern an eine hoffnungsvolle Vergangenheit. Es ist, als ob González die Vorfahren beschwören würde, die an diese Küsten kamen, um Träume zu erfüllen und zu gedeihen. Wie Alfred Döblin zu August Sanders deutschen Volksporträts schrieb: Sie sind ein maximaler Ausdruck der gemeinsamen Anstrengungen einer sozialen Schicht, deren größte Leistung die Zähmung der Individualität ist. Er fügt hinzu, dass es ihr Wunsch war, erfolgreich zu sein, der sie an diesen Punkt gebracht hat.und die Zugehörigkeit zu diesem Ort hielt sie letztendlich als Menschen zurück.

Dactiloscopia Rosa: Videokunst und QUEER-Konstruktionen
Die Ausstellung bestand aus Archivmaterialien, Dokumentationen und Lehren aus dem transfeministischen/queeren Archiv des Museums, didaktischen Materialien aus den Konstruktionen sozialer Bewegungen, die es schafften, die soziale Perspektive, die in den 70er, 80er und 90er Jahren auf die LGTBQ-Community bestand, zu passieren Spanien unter der Franco-Diktatur, das audiovisuelle Material ist eine Zusammenstellung von Demonstrationen, Feiern und Aktivismen, Vintage-Poster. Die erste Version dieser Installation außerhalb des Museums La Neomudejar war 2018 im Matadero Space in Madrid, parallel zur Weltstolzfeier in der Stadt.

Vielfalt feiern
Um lokalen und internationalen LGBTQ+-Gemeinschaften auf der ganzen Welt zu gedenken, präsentiert das Museum of Latin American Art (MOLAA) in Zusammenarbeit mit dem weltbekannten argentinischen Künstlerduo Leo Chiachio & Daniel Giannone eine besondere Installation über Vielfalt und Stolz. Die Präsentation umfasst die 120 Fuß lange Textilflagge, MOLAAs Neuerwerbung „Californian Family in Six Colors 1“ und ein aufgezeichnetes Interview über ihren kreativen Prozess. Diese Kunstwerke wurden von den Künstlern von MOLAA geschaffen, wo mehr als 3.000 Mitglieder der Long Beach- und Los Angeles-Community an der Gestaltung der Flagge mitgewirkt haben.

Die Entstehung dieses Kunstwerks fand während der MOLAA-Residenz der Künstler zwischen März und Juni 2019 statt. Besucher und Community-Mitglieder waren eingeladen, am Aufbau des Kunstwerks mitzuwirken, indem sie ihre eigenen Botschaften über die Bedeutung von Vielfalt und Akzeptanz beisteuern . Das Banner wurde von über 100 Freiwilligen bei der Long Beach Pride Parade getragen und bei der Veranstaltung Pride im The Port in San Pedro, CA, ausgestellt. Das Museum hebt unterrepräsentierte Stimmen von Lateinamerikanern und Latinos in den USA und auf der ganzen Welt hervor. Diese Installation repräsentiert das Engagement von MOLAA für die Werte der Vielfalt und Inklusion für alle durch die Künste.

Die wahre Liebe zum Sammeln
Das AAL Magazine aus Chile bringt eine Ausstellung, die die Subjektivität des Sammelns in der zeitgenössischen Kunstwelt von heute untersucht. Es enthüllt das Geheimnis hinter der Sammelleidenschaft und konzentriert sich auf die Frage, was genau sie dazu bringt, sich in ein Kunstwerk zu verlieben. Sammler erkennen den Wert, den Künstler den Gemeinschaften bringen, und bringen sie anderen Kunstschaffenden und Kunstinstitutionen ins Licht.

Es ist kein Geheimnis, dass viele unserer Museumserlebnisse von visionären Sammlern geleitet werden, die entweder bedeutende Spenden geleistet oder neue Museen eröffnet haben, um ihre umfangreichen Kunstsammlungen auszustellen. Kunstsammler prägen die internationale zeitgenössische Kunstszene aufgrund der einzigartigen Entscheidungen und durchdachten Verbindungen zu anderen Kunstbegeisterten und Akteuren des Kunstmarktes.

Kunstsammler: Homeira Goldstein
Als Nachkomme der königlichen Qajar-Dynastie im Nahen Osten, ein Multitalent, das sich der Kreativität und Kunst verschrieben hat, und ein begeisterter Sammler zeitgenössischer Kunst, hat sich Homeira Goldstein einen unvergleichlichen Ruf als Verfechter nationaler und internationaler Künstler aufgebaut, die Kunst und Kultur im Großraum Los Angeles fördern. Als Vorstandsvorsitzende von TIME4ART war sie maßgeblich daran beteiligt, Künstlern die Möglichkeit zu geben, das öffentliche Publikum über traditionelle und innovative Orte wie Kunstzentren, Pop-up-Veranstaltungen, Freiflächen und Privathäuser zu erreichen.

Die Inspiration für die Arbeit von Timothy Tompkins ist die Reflexion sowohl physisch als auch metaphorisch einer relationalen Erzählung, die sich in Form und Farbe auflöst. Dieser Effekt versucht, die Schichten von Codes und Semiotik eines Bildes nachzuahmen und gleichzeitig den Betrachter zu einem erweiterten Dialog der Kontemplation und Konnotation von Inhalten aufzufordern. Darüber hinaus versuchen die Gemälde, die Einflüsse der zeitgenössischen Gesellschaft wie Konsumismus, Massenmedien und digitale Kultur zu reflektieren. Tompkins Interesse sowohl an der Sprache der Malerei als auch an zeitgenössischen Theorien der visuellen Kultur zieht ihn zu den Bildern, die von verschiedenen Medien produziert werden, als lose visuelle Verbindung zur Geschichte der Malerei und dem Einfluss des Mediums als visueller Kommunikator.

Ich werde..
Adriana Ramirez ist eine kolumbianische Konzeptkünstlerin. Ihre Arbeiten waren Teil von Biennalen, Ausstellungen in verschiedenen Teilen der Welt, die das Kollektiv zur Teilnahme an den meisten ihrer Installationen einluden. Diese Plattform hat eine Achse: Die Fähigkeit eines jeden zu entscheiden und sein eigenes Schicksal zu gestalten und damit die Verantwortung für die Zukunft der Gemeinschaft. Sie basiert auf zwei Prämissen: Die erste ist, dass wir nicht nur auf diese Welt kommen, um uns selbst zu kennen, sondern auch mit der Möglichkeit, uns selbst zu erschaffen; und zweitens ist jedes Individuum von einer sozialen Gruppe umgeben und lebt dank der Sprache zusammen.

Zu diesem Zweck lädt diese Plattform die Menschen ein, die Macht der Sprache zu erleben, um zukünftige Realitäten zu bauen, indem sie erklärt: Wenn man etwas BESTÄTIGT, wird Sprache verwendet, um die Realität zu beschreiben; es bedeutet, dass Wörter von der bereits existierenden Welt abhängen; zum Beispiel „Heute regnet es“. Auf der anderen Seite, wenn man etwas ERKLÄRT, wird die Sprache verwendet, um die Realität zu definieren, daher hängt unsere Welt von den ausgesprochenen Wörtern ab; B. „Heute höre ich zu, bevor ich spreche“.

Es könnte ein Monster in dir sein
PSJM präsentieren auf der LA ART SHOW 2020 dieselbe Performance, die sie für die 58. Marketing und Totalitarismus verbindend, präsentiert sich das Kollektiv mit der von Zizek theoretisierten Strategie der „Überidentifizierung“ ästhetisch, indem es sich die Strategien und Verführungsweisen des kapitalistischen Systems autoritär aneignet.

PSJM ist ein Team aus Kreation, Theorie und Management, das von Cynthia Viera (Las Palmas GC, 1973) und Pablo San José (Mieres, 1969) gebildet wurde. PSJM präsentieren sich als «Kunstmarke» und machen sich damit die Verfahren und Strategien des fortgeschrittenen Kapitalismus zu eigen, um ihre symbolischen Strukturen zu unterwandern. PSJM fungiert als Markenzeichen der Happening-Kunst, die sich mit Fragen des Kunstwerks auf dem Markt, der Kommunikation mit den Verbrauchern oder der Funktion als künstlerischer Qualität befasst, indem sie dem Kapitalismus des Spektakels entlehnte Kommunikationsmittel nutzt, um die Paradoxien seiner ungezügelten Entwicklung zu unterstreichen.

Diversity Walks und Talks
Die Performance „Diversity Walks and Talks“ lädt einzelne Verkünder der Kultur von LA ein, über den Laufsteg zu stolzieren, um ihre Einzigartigkeit zu feiern und die Vielfalt von LA zu präsentieren. Eine Vielzahl von Teilnehmern wurde vorab ausgewählt und befragt, was Vielfalt für sie bedeutet. Ihre Interviews werden während des Laufstegs entweder im Video- oder Audioformat abgespielt. Zuschauer werden auch live rekrutiert, um über den Laufsteg zu laufen. Ein Fotograf am Ende der Start- und Landebahn dokumentierte alle Personen und ihre Fotos wurden sofort an einer Start- und Landebahnwand angezeigt. Diese Performance ist, wie die Mode- und Promi-Kultur von LA, energiegeladen, schnelllebig und selbstbewusst.

Transcendients: Helden an Grenzen
TRANSCENDIENTS ist eine einzigartige Zusammenarbeit zwischen dem Künstler Taiji Terasaki und JANM, die HEROES AT BORDERS ehrt: Personen, die sich für diejenigen einsetzen und kämpfen, die an physischen und konzeptuellen Grenzen Diskriminierung, Vorurteilen und Ungleichheit ausgesetzt sind. Diese Helden, ob bekannt oder unbesungen, inspirieren ihre amerikanischen Landsleute, ihre Nachbarschaften und Gemeinschaften, die Regierungspolitik und den sozialen Wandel. Indem wir ihre Geschichten beleuchten, hoffen wir, Museumsbesucher über ihre Arbeit aufzuklären und einen Geist der Einheit und des Handelns zur Unterstützung von Demokratie und Gerechtigkeit für alle zu wecken.

Diese Ausstellung stellt wichtige Persönlichkeiten vor, die daran arbeiten, Grenzen zu überwinden und zu überwinden, die Diskriminierung, Ungleichheit und Intoleranz verstärken. Ob es sich um Menschen handelt, die für die Behebung von Menschenrechtsverletzungen und gegen einwanderungsfeindliche Gefühle und Aktionen kämpfen, Mitglieder der LGBTQ+-Gemeinschaft, die Gleichberechtigung suchen, Frauen, die auf gleiche Bezahlung drängen, oder religiöse Anhänger, die in Sicherheit beten wollen, diese Helden nutzen ihre persönlichen Erfahrungen, um Brücken des Verständnisses zu bauen, die uns im Kern unserer kollektiven Menschlichkeit verbinden. Es ist zwingend erforderlich, dass diejenigen, die an Freiheit, Fairness und soziale Gerechtigkeit glauben, ermutigt werden, die Kräfte der Demokratie und des menschlichen Anstands zu vereinen und zu unterstützen.

Filmfestival der Schönen Künste
Das Fine Arts Film Festival (FAFF) widmet sich der Präsentation der besten Filme der Welt über Kunst, Fotografie, Sammler und Künstler aller Medien in und außerhalb ihrer Studios, Galerien, Museen, öffentlicher Kunst und alternativer Kunsträume. Mit außergewöhnlich kreativen und wichtigen Filmen über Kunst, Künstler und die Kunstwelt aus Ländern auf der ganzen Welt.

Veranstaltungsort
Die LA Art Show liegt strategisch günstig im dynamischen Epizentrum der Stadt. Das LA Convention Center ist Südkaliforniens technologisch fortschrittlichster grüner Veranstaltungsort mit hohen Decken und viel Platz. Hier befinden sich die Grammy Awards, das Grammy Museum und ein beeindruckender Unterhaltungskomplex, der das Nokia Theatre, die Staples Center Arena, Top-Restaurants und das Ritz Carlton Hotel and Residences umfasst. Kunstmäzene fahren gerne nach Downtown LA, um das Beste in klassischer Musik (Disney Hall), Theater (Mark Taper und Ahmanson) und zeitgenössischer Kunst (MOCA, Art District) zu genießen.