Rückblick auf die Kunstbiennale Venedig 2013, Italien

Die 55. Internationale Kunstausstellung, die vom 1. Juni bis 24. November 2013 in den Giardini und im Arsenale der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wird. Die Ausstellung mit dem Titel „Il Palazzo Enciclopedico“ (Der enzyklopädische Palast) wurde im Zentralpavillon (Giardini) und im Arsenale als eine einzige Route angelegt, mit Werken aus dem letzten Jahrhundert und mehreren neuen Aufträgen.

88 Nationale Beteiligungen ausgestellt in den historischen Pavillons der Giardini, im Arsenale und in der Stadt Venedig. Unter diesen 10 Ländern nahmen zum ersten Mal an der Ausstellung teil: Angola, Bahamas, Königreich Bahrain, Republik Elfenbeinküste, Republik Kosovo, Kuwait, Malediven, Paraguay und Tuvalu.

„Der enzyklopädische Palast“ drückt den zunehmenden Wunsch aus, Künstler in eine historische Perspektive oder in einen Kontext gegenseitiger Affinitäten zu stellen, indem Verbindungen und Beziehungen sowohl zur Vergangenheit als auch zu anderen Künstlern der Gegenwart hervorgehoben werden. Die Aufmerksamkeit richtet sich zunehmend auf die Intensität der Beziehung zwischen dem Kunstwerk und dem Betrachter, der zwar von künstlerischen Gesten und Provokationen erschüttert, in der Kunst letztlich aber die Emotion des Dialogs mit dem Werk sucht, der hermeneutische Spannung, ein Begehren auslösen soll weitergehen. Das wird von der Kunst erwartet.

Die Biennale präsentiert nicht nur eine Liste zeitgenössischer Künstler, sondern möchte deren Schaffensdrang reflektieren und scheint die Frage noch weiter voranzutreiben: Was ist die Welt der Künstler? Das prospektive Interesse geht so weit, nach Beziehungen zu verschiedenen Welten zu suchen; So präsentiert die Ausstellung Werke zeitgenössischer Künstler, aber auch historische Werke, unterschiedliche Bezüge und Werke, die keinen Anspruch auf Kunstwerke erheben, aber dennoch die Reize bilden, die es uns ermöglichen, uns jenseits der Realität vorzustellen und zu träumen, eine andere Realität zu träumen.

Die Ausstellung ist inspiriert vom Modell eines utopischen Traums mit dem US-Patentamt, dem Enzyklopädischen Palast, einem imaginären Museum, das alles Weltwissen beherbergen sollte. Der Traum von einem universellen, allumfassenden Wissen taucht in der gesamten Kunst- und Menschheitsgeschichte auf, ein Bild der Welt zu schaffen, das ihre unendliche Vielfalt und ihren Reichtum einfängt. Heute, da die Menschen mit einer ständigen Informationsflut zu kämpfen haben, erscheinen solche Versuche umso notwendiger und noch verzweifelter.

Es ist eine Show über Obsessionen und über die transformative Kraft der Imagination. Die Ausstellung skizziert eine Weiterentwicklung von natürlichen Formen über Studien des menschlichen Körpers bis hin zur Kunst des digitalen Zeitalters und folgt dabei locker dem typischen Layout der Kuriositätenkabinette des 16. und 17. Jahrhunderts. Durch die vielen ausgestellten Beispiele von Kunstwerken und figurativen Ausdrücken, darunter Filme, Fotografien, Videos, Bestiarien, Labyrinthe, Performances und Installationen, entpuppt sich The Encyclopedic Palace als kunstvolle, aber fragile Konstruktion, eine ebenso phantastische wie delirierende mentale Architektur.

Die Ausstellung verwischt die Grenze zwischen professionellen Künstlern und Amateuren, Außenseitern und Insidern und verfolgt einen anthropologischen Zugang zum Studium von Bildern, wobei der Schwerpunkt auf den Bereichen des Imaginären und der Funktionen der Imagination liegt. Welcher Raum bleibt für innere Bilder – für Träume, Halluzinationen und Visionen – in einer Zeit, die von äußeren belagert wird? Und was nützt es, ein Bild von der Welt zu schaffen, wenn die Welt selbst immer mehr zu einem Bild geworden ist? Der enzyklopädische Palast ist eine Ausstellung, die einen Zustand veranschaulicht, den wir alle teilen: Wir selbst sind Medien, kanalisieren Bilder oder fühlen uns manchmal sogar von Bildern besessen.

Der enzyklopädische Palast
Über 150 Künstler aus mehr als 38 Ländern stellen zeitgenössische Kunstwerke, historische Artefakte und Fundstücke aus. Der Enzyklopädische Palast ist geräumig und bietet Platz für die Arbeit der Hochqualifizierten und Autodidakten, der Akademiker und der schwer einzuordnenden. Gionis Ausstellung schlägt eine Sammlung von Sammlungen vor, voll von Bestiarien und umfangreichen Sammelalben und totalisierenden Weltbildern. Es ist oft lehrreich und provokant, aber auch frustrierend.

Für eine Ausstellung mit rund 160 Künstlern ist sie stimmig und sorgsam gegliedert und webt eine Reihe von Refrains: die leidige Affäre des Surrealismus mit der Ethnographie und dem Unheimlichen.

Höhepunkte der Nationalpavillons
88 Pavillons, erste Teilnahme für 10 Länder: Angola, Bahamas, Königreich Bahrain, Republik Elfenbeinküste, Republik Kosovo, Kuwait, Malediven, Paraguay, Tuvalu und Heiliger Stuhl

Pavillon von Argentinien
Die Arbeiten von Adrián Villar Rojas entstammen einer Geschichte, die über die Gegenwart aus einer hypothetischen Zukunft spekuliert und eine politische Dimension der Fantasie entfaltet. Konzentriert auf dieses Ende der Welt – unseres – schlägt er vor, den Ort des Kunstschaffens als Zufluchtsort für Existenz, Leidenschaft und Sensibilität zu überdenken. Diese ortsspezifische Installation monumentaler Skulpturen basiert auf den Theorien der Multiversen, die besagen, dass viele verschiedene Universen nebeneinander existieren könnten; so könnten die großen Tonfiguren, die über den gesamten Raum der Artiglierie ausgestellt sind, als gleichzeitige Erscheinungen dieser alternativen Welten in unserer angesehen werden und die Aufmerksamkeit auf die anderen Wege lenken, die die Menschheit während ihrer Evolutionsgeschichte hätte gehen können.

Adrián Villar Rojas sieht seine Arbeit als Alternative zur traditionellen lateinamerikanischen Kunstproduktion, verbunden mit Einfachheit und Ready-made. Seine Arbeit besitzt einen ausgeprägten persönlichen Ton. Es verbindet formales Experimentieren mit der Konstruktion einer Erzählung, die es ihm erlaubt, über Kunst, ihre Erscheinungsformen und ihre Bedeutungen nachzudenken, als wäre es das Ende der Zeiten und das Ende der Welt. Er startet ehrgeizige und komplexe Projekte, die den Dialog mit den Werken seiner internationalen Kollegen auf gleichem Potenzial- und Risikoniveau führen wollen.

Pavillon von Angola
Auszeichnung mit dem Goldenen Löwen
Der Pavillon von Angola mit dem Titel „Luanda, Encyclopedic City“ präsentiert das fotografische Werk des angolanischen Künstlers Edson Chagas. In Anlehnung an das Gesamtthema der diesjährigen Internationalen Kunstausstellung „The Encyclopedic Palace“ konzentriert sich Chagas auf die Komplexität von Luanda, der Hauptstadt Angolas, und präsentiert eine Fotoserie „Found Not Taken“, die verlassene Objekte festhält, die in urbane Kontexte, die der Künstler ausgewählt hat. Luanda, Encyclopedic City ist eine Installation bestehend aus 23 großformatigen fotografischen Postern, die für die Interaktion mit der Öffentlichkeit geöffnet sind und dazu eingeladen werden, das Thema des Palastes Encyclopedic auch durch die Möglichkeit zu reflektieren, ihre eigene persönliche Enzyklopädie urban von Luanda zu schaffen.in einem angeregten Vergleich mit der in der Galleria des Palazzo Cini ausgestellten Sammlung antiker Kunst. Luanda, das aus dem Vorhandensein unvorhersehbarer Räume und der Koexistenz unversöhnlicher Programme entsteht: Stadt und Land, Infrastruktur und Wohnstätten, Müllhalden und öffentlicher Raum.

Diese Verschiebung und Neupositionierung eines Objekts fungiert als systematischer Katalogisierungsprozess, der neue Beziehungen zwischen dem Objekt und seinem Kontext herstellt. Die Fotografien, die in Stapeln in den Räumen des Palazzo Cini in Gegenüberstellung mit der klassischen Kunst und Architektur des Gebäudes präsentiert werden, untersuchen die Beziehungen zwischen Raum und Bildern sowie die Rolle von Imagination und Kreativität in der städtischen Umgebung.

Pavillon von Australien
Simryn Gills Terrain, die Gezeitenzone, die unsichere Zwischenzone, dieser sich verschiebende Ort an einem Strand, an dem das Meer eindringt, Muscheln und Krabben, Sandfliegen und sprießende Mangroven bedeckt und den Schutt von künstlichen Gütern auf die See bringt Handelsrouten, um sich dann wieder zurückzuziehen. Ihre Arbeit schlägt einen Verhandlungsraum zwischen dem Kleinen und dem Globalen, zwischen Natur und Industrie vor, da sie ein Verständnis der Vernetzung aller in einer Welt im Wandel offenbart.

Pavillon der Bahamas
Eine einzigartige multisensorische Umgebung mit Video-, Ton- und Neonlicht-Arbeiten. Die Ausstellung ist rund um das Thema Polarfinsternis konzipiert und erforscht das Gefühl von Vertreibung und Zugehörigkeit. Das Projekt vereint drei geografisch und kulturell unterschiedliche Orte: das Arsenale von Venedig, die Innenstadt von Nassau und den Nordpol. Indem er das national definierte Modell der National Pavilions der Biennale schwächt, fordert Strachan den Betrachter auf, seine eigenen Vorstellungen von Vertreibung und Zugehörigkeit zu einem bestimmten Ort zu hinterfragen.

Der Hauptausstellungsraum im Bahamian Pavilion präsentiert sich als eigenständige, umfassende Installation sowie als Sammlung einzelner Kunstwerke. Es zeigt eine 360-Grad-Videoinstallation mit vierzehn Monitoren, auf denen eine Dokumentation von Strachans Nachstellung der Polarexpedition von Peary und Henson von 1909 abgespielt wird, sowie eine Audioinstallation und drei Neonlichtskulpturen, die die Themen Zugehörigkeit und Vertreibung durch eine Reihe von Aussagen. Die drei Lichtskulpturen mit dem Titel Here and Now zeigen die Sätze „Ich gehöre hier“, „Du gehörst hier“ und „Wir gehören hier“. Mit dieser Installation zielt Strachan darauf ab, die unsichtbaren Verschiebungen in Kulturen, physischen Umgebungen und erzählten Geschichten über Raum und Zeit zu thematisieren.im Zuge der Globalisierung und Fortschrittsnarrative.

Pavillon von Bahrain
Unter dem Titel „In A World of Your Own“ präsentiert der Pavillon des Königreichs Bahrain die Arbeit von Mariam Haji, Waheeda Malullah und Camille Zakharia in einem lockeren kuratorischen Rahmen, verbunden durch die subjektive Erforschung von Kultur und Selbst, die im Mittelpunkt steht ihrer Kunstpraktiken. Unter Betonung der Bedeutung der Identität untersucht der Pavillon den Ausdruck von Innerlichkeit und privater Bedeutung dieser Künstler.

Pavillon von Belgien
EIN BAUMFÄLLT: Berlinde De Bruyckere fand einen Baum in Frankreich und verschiffte ihn nach Belgien, wo sie ihn in Wachs umgestaltete. Sie liegt im belgischen Pavillon, ist wie ein menschlicher Körper mit Verbänden geflickt und wird von einem mit Stoff in Used-Optik bespannten Oberlicht zart beleuchtet. De Bruyckere hat eine neue ortsspezifische Installation konzipiert, die auf ihrem bestehenden Oeuvre aufbaut, ihre Kraft aber aus Verbindungen zum historischen Kontext Venedigs bezieht. Ihre Skulpturen erforschen Leben und Tod, Tod im Leben, Leben im Tod, Leben vor dem Leben, Tod vor dem Tod auf die intimste und verstörendste Weise. Sie bringen Erleuchtung, aber die Erleuchtung ist ebenso dunkel wie tiefgründig.

Pavillon von Bosnien und Herzegowina
The Garden of Delights ist ein stark sozial engagiertes Kunstwerk, das aus mehreren historischen Perspektiven und mit starken Konnotationen aus dem gesellschaftspolitischen, ethischen, wirtschaftlichen und kulturellen Kontext der osteuropäischen Gesellschaft Wirkungen erzielen möchte. Das Projektensemble besteht aus drei miteinander verbundenen kleineren Ensembles, einem Marmortriptychon, einem Videoclip und einer Installation, und der Künstler als sein Schöpfer positioniert sich als Aktivist, dessen Praxis und Produktion sich auf ganz spezifische Weise als Modell durchsetzen und so mögliches Engagement aus der lokalen Gemeinschaft, dh der Umwelt.

Die Idee hinter dem Gesamtprojekt von The Garden of Delights ist die der ungezügelten Sehnsüchte der Menschen, der persönlichen Wahrheiten unter der kollektiven Absurdität der Zeitgenossenschaft, wie sie in ganz Bosnien wahrgenommen wird. Das Projekt use Wissen der globalen Welt, aktuell und relevant, gefiltert durch den lokalen Kontext, schafft einen neuen, klaren künstlerischen Einblick, der das gesamte Ensemble maßgeblich bestimmt.

Pavillon von Kanada
Shary Boyle, die für ihren kühnen Einsatz von Fantasy-Fiktionen zur Erforschung menschlicher psychologischer und emotionaler Zustände bekannt ist, arbeitet in einer Reihe von Medien, darunter Performance, Skulptur, Film und immersive Installationen, und setzt in ihrer Praxis ein hohes Maß an Handarbeit ein. Sie erforscht Kunstgeschichte, populäre Überlieferungen und antike Mythologien, um eine einzigartige Symbolsprache zu schaffen. Boyles Arbeit wird von Sorgen über Klassen- und Geschlechterungerechtigkeit angetrieben. Ihre Arbeit umfasst Hybridität in all ihren Formen und fordert die traditionellen Grenzen zwischen Mensch und Tier, Leben und Tod, Mann und Frau heraus. Von der Skulptur bis zur Projektion übersetzt sie ihre persönliche Vision von Sexualität, Beziehungen und menschlicher Verletzlichkeit durch eine poetische und humane Linse.Boyle kreiert auch immersive multisensorische Performances und hat mit Musikern wie Peaches, Feist, Christine Fellows und Doug Paisley zusammengearbeitet.

Pavillon von Chile
Im Chile-Pavillon taucht alle 3 Minuten aus dem Wasser eine perfekte Nachbildung der Giardini mit den 28 Nationalpavillons auf. Besucher, die den Arsenalraum betreten, treffen auf einen mit Lagunenwasser gefüllten Pool und sehen nur die Reflexionen des Wassers an den Wänden. Alfredo Jaar konzentriert sich direkt auf das ungewollte hierarchische und exklusive Modell der internationalen Kunstausstellung; eine, die aufgrund ihrer frühen Ausgaben seit Jahren unverändert praktiziert wird. „venezia, venezia“ zeigt das Jaar, das die Gesamtheit des Giardini-Geländes und die heutige Architektur des Geländes in Form eines Modells im Maßstab 1:60 nachbildet. Mit dem Bau der Nachbildung der Pavillons und ihrer umgebenden Natur schafft der Künstler eine Utopie, in der wir sehen, wie der Archetyp in ein Becken aus trübem, grünem Wasser eintaucht,und dann wieder auftauchen, wie ein Geist aus der Geschichte.

Alfredo Jaar ist Künstler, Architekt, Filmemacher und Dozent, dessen umfassendes Engagement für Kunst in unterschiedlichen kulturellen, politischen und öffentlichen Kontexten ihn dazu geführt hat, in den letzten drei Jahrzehnten einige der tiefgreifendsten und zum Nachdenken anregenden Werke zu schaffen. Das Projekt ist in erster Linie eine Kritik des nationalen Pavillonmodells der Biennale und kein Spiegelbild des physischen Untergangs der Stadt unter den grünen Fluten der venezianischen Lagune. Das Foto von Fontana ist eigentlich ein Symbol für Hoffnung und Erneuerung, eine Botschaft nicht nur, dass die Biennale den Zeitgeist nachholen muss, sondern dass die Kultur insgesamt ein Umdenken erfordert.

Pavillon von China
Der China-Pavillon beschäftigt sich mit dem Thema „Verklärung“, mit besonderem Fokus auf der Überbrückung der Kluft zwischen Leben und Kunst, der Transformation des Lebens in Kunst, des Alltäglichen in Kunstwerke oder Kunstperformance, von Nicht-Kunst in Kunst. sieben chinesische künstler erforschen diesen begriff der veränderung mit unterschiedlichen medien und themen – aus himmlischen perspektiven.

Neben dem Geist des „Zusammenflusses von Träumen und Bildern des Menschen“, den das Thema der Biennale „Der enzyklopädische Palast“ vertritt, enthält „Verklärung“ auch geographische, räumliche und grafische Konzepte wie Position, Lage und Diagrammposition, tragen und symbolisieren die Charakteristika der Zeit in ihrer Konnotation, die die Merkmale der zeitgenössischen internationalen Gemeinschaft widerspiegelt: nicht nur in China, sondern auch in den Veränderungen der Welt durch die Globalisierung. Gleichzeitig soll „Transfiguration“ Innovation, Initiative und Kreativität bieten, diese in den entwicklungsbedingten Wandel einordnen und die kulturelle und ideologische Vielfalt der heutigen Welt in einer Ausstellung mit anderen Ländern der Welt präsentieren.Es soll die Vielfalt sowie die Divergenz und Konvergenz unterschiedlicher Kulturen, künstlerischer Praktiken und Bildwelten in Zeiten der Globalisierung und Internationalisierung der Kunstwelt zeigen.

Pavillon von Dänemark
Der dänische Pavillon zeigt eine Mehrkanal-Videoinstallation und eine architektonische Intervention des dänischen Künstlers Jesper Just. Besucher werden von einer Backsteinmauer begrüßt, die das Äußere des Gebäudes umgibt und alle dazu zwingt, durch eine einzige Tür auf einer Seite einzutreten. Im Inneren zieren fünf Filmprojektionen unterschiedlicher Größe verschiedene Wände und Räume des Innenraums, deren Ton und Bild ineinander überfließen und so neue Erzählerlebnisse schaffen. Die Projektionen zeichnen die ineinander verwobenen Geschichten von drei Männern in einer einzigen Stadt nach. Das abgebildete städtische Zentrum ist in Wirklichkeit ein Vorort von Hangzhou, China, der als nahezu exakte Nachbildung von Paris mit Eiffelturm gebaut wurde. Jesper präsentiert diese Stadt einfach so, als wäre sie das „echte“ Paris, mit französischen Schauspielern,während es aufgrund bestimmter kultureller Stereotypen der Stadt, die es gibt, ein wenig Mehrdeutigkeit gibt. Es war jedem klar, dass Proportion und Maßstab etwas daneben liegen.

Pavillon von Finnland
„Falling Trees“ vereint die Einzelausstellungen der finnischen Künstlerinnen Terike Haapoja und Antti Laitinen zu einem gartenähnlichen Ganzen, das sowohl den Nordischen Pavillon als auch den finnischen Alvar Aalto Pavillon übernimmt. Der konzeptionelle Ausgangspunkt der Ausstellung ‚Falling Trees‘ geht von einem unerwarteten Ereignis auf der Biennale Arte 2011 aus, als ein großer Baum auf den Aalto-Pavillon fiel, ihn zerschmetterte und die damalige Ausstellung verkürzte. Diese kontingente Begegnung zwischen Kunst und Natur war der erste Ton für einen kuratierten Kuratierungsprozess und spiegelt sich im folgenden Ensemble der beiden einzigartigen Shows wieder. 2013 verwandelt Terike Haapoja den Nordischen Pavillon durch umfassende architektonische Gesten in ein Forschungslabor.

Die Ausstellungen bilden einen besonderen Wissensgarten; eine, bei der das Wissen nicht direkt vom Baum gepflückt werden kann, wie in botanischen Gärten oder Zoos nach Klassifizierung. In diesem Garten bedeutet Wissen geteilte, offene und konkrete Teilhabe und Anerkennung des Wirkens der Natur und ihrer unterschiedlichen Arten. An diesem Ort finden Technik und Wissenschaft ihren Platz als Werkzeuge zur Untersuchung der Grundfragen des Lebens und der Kunst – Erinnerung, unser Verhältnis zur Natur und Sterblichkeit. Das Projekt zeigt Arbeiten aus Videos und Fotografien, Installationen und Performances, bei denen kompromisslose Konzeptualität und absurder Humor auf der von der finnischen Natur geschaffenen Bühne aufeinandertreffen. Die Künstler fordern uns heraus, unsere menschlichen Dimensionen aus einer neuen Perspektive zu betrachten,obwohl sie auf sehr unterschiedliche Weise und mit unterschiedlichen Ergebnissen funktionieren. Ihre Arbeiten zeigen die Kontingenz in den Grundlagen unseres täglichen Lebens und bereichern gleichzeitig die Möglichkeiten unserer Vorstellungskraft.

Pavillon von Frankreich und Deutschland
Mit dem Titel „Ravel Ravel Unravel“, bestehend aus zwei Filmen. jeder bildschirm ist auf die linke hand eines berühmten pianisten ausgerichtet: louis lortie und jean-efflam bavouzet. In diesen Filmen setzt Anri Sala seine Erforschung von Raum und Klang sowie der stummen Sprache des Körpers fort. Er bietet eine Erfahrung, die auf Unterschied und Gleichheit basiert, in einer ehrgeizigen Arbeit, die seine Experimente in der Klangverräumlichung weiter vorantreibt. Das Werk spricht den Intellekt des Betrachters ebenso an wie seinen Körper, schafft ein kraftvolles körperliches und emotionales Erlebnis, das den Betrachter in seine Musik eintauchen lässt.

Das erste von zwei Werken mit dem Titel Ravel Ravel, das den zentralen Raum des Deutschen Pavillons einnimmt, besteht aus zwei Filmen, die sich jeweils auf die linke Hand eines berühmten Pianisten konzentrieren: Louis Lortie und JeanEfflam Bavouzet. Beide Interpreten wurden von Anri Sala eingeladen, um Ravels Konzert zu spielen, begleitet vom Orchestre National de France unter der Leitung von Didier Benetti. In den angrenzenden Räumen werden zwei weitere Filme unter dem Einzeltitel Unravel präsentiert. Chloé, eine DJ, wird alleine gefilmt, mischt jede der beiden Interpretationen und versucht, die beiden Versionen des Konzerts durch ihre einzigartige Interpretation zu vereinen.

Pavillon von Großbritannien
Der Titel „English Magic“ spiegelt die Wurzeln eines Großteils von Jeremy Dellers Werk wider und konzentriert sich auf die britische Gesellschaft, ihre Menschen, Ikonen, Mythen, Folklore und ihre kulturelle und politische Geschichte. Deller rahmt diese Instanzen zeitgemäß, aber auch originalgetreu ein und webt eine fast psychedelische Erzählung; zwischen Fakt und Fiktion, real und eingebildet schwebend. Deller befasste sich mit Ereignissen aus der Vergangenheit, Gegenwart und einer vorgestellten Zukunft und arbeitete mit einer Vielzahl von Mitarbeitern zusammen, darunter Archäologen, Musiker, Vogelschutzgebiete, Gefangene und Maler.

Einen großen Teil seiner Ausstellung bildete English Magic, eine neue Filmarbeit von Jeremy Deller. Der Film vereint viele der Ideen hinter den Arbeiten im Pavillon und zeigt visuelle und thematische Elemente, die Dellers Interesse an der vielfältigen Natur der britischen Gesellschaft und ihrer breiten kulturellen, gesellschaftspolitischen und wirtschaftlichen Geschichte widerspiegeln.

Pavillon von Griechenland
Entitle „History Zero“, bestehend aus einem Film mit drei Episoden sowie einem Text- und Bildarchiv, untersucht die Rolle des Geldes bei der Gestaltung menschlicher Beziehungen. Die begleitende Auswahl an Archivmaterialien Alternative Currencies An Archive And A Manifesto liefert Beispiele und Belege für alternative nicht-monetäre Austauschsysteme und konzentriert sich auf die Fähigkeit solcher Modelle, die homogenisierende politische Macht der gemeinsamen Währung zu untergraben oder in Frage zu stellen, und die Möglichkeiten in denen Gemeinschaften in Bezug auf den Warenaustausch in schwierigen Zeiten funktionieren.

Pavillon des Irak
Unter dem Titel „Welcome to Iraq“ präsentiert das Projekt irakische Künstler, die im Irak leben und arbeiten, auf einer internationalen Kunstplattform. Die 11 Künstler, die an der Ausstellung teilnahmen, wurden auch zur Eröffnungswoche der Ausstellung eingeladen, wo sie neue Ideen aus der internationalen Kunstszene sowie aus dem reichen Erbe der Stadt schöpften. Dank dieser viel beachteten Ausstellung wurden viele der Künstler eingeladen, ihre Arbeiten in führenden globalen Galerien, Messen und Festivals zu präsentieren.

Die Ausstellung umfasst Arbeiten des Karikaturisten Abdul Raheem Yassir, der mit trockenem Humor soziales und politisches Chaos und Korruption thematisiert; Jamal Penjweny aus Sulaymaniyah, der eine Fotoserie mit dem Titel Saddam is Here zeigt, die Iraker an alltäglichen Orten zeigt, die ein Porträt des ehemaligen Diktators über ihren eigenen Gesichtern halten; und Cheeman Ismaeel, eine von zwei ausgewählten Künstlerinnen, die Haushaltsgegenstände durch kunstvolle Dekorationen personalisiert.

Pavillon von Irland
„The Enclave“ ist eine Mehrkanal-Filminstallation, die Richard Mosses Arbeiten zeigt, die 2012 im Osten der Demokratischen Republik Kongo produziert wurde. Der Künstler nutzt die räumliche Struktur des irischen Pavillons voll aus. Die Enklave wurde auf mehreren Bildschirmen präsentiert, die in der größeren abgedunkelten Kammer installiert waren. Die Bildschirme hängen von den Dachsparren, jeder berührt eine Säule. Indem Sie jeden Bildschirm neben einer Säule platzieren, um die Architektur zu aktivieren, arbeiten Sie damit, anstatt sich den Säulen zu widersetzen, die schwer zu umgehen sind. Die Screens sind von beiden Seiten einsehbar und bilden eine Art skulpturales Labyrinth im Raum. Der Betrachter muss sich räumlich aktiv an dem Stück beteiligen und sich entsprechend der Betonung des Werkes auf Ton und Bild durch die Kammer bewegen.

Die Enklave wechselt die Stilrichtungen und wechselt zwischen dem Anthropologischen, dem Metaphorischen, dem Lyrischen, dem Surrealismus und dem Absurden. Das Stück handelt vom Realen (im lacanischen Sinne) und vom Reel (wie in der Wochenschau). Es ist ganz anders als Richard Mosses frühere Fotografien aus dem Kongo, einfach weil Film und Standfotografie so extrem unterschiedliche Tiere sind. Bewegte Bilder treffen sofort das Herz, ähnlich wie Musik, während Stillfotografie nachdenklicher, endloser, aber weniger nahe ist. Die Enklave ist zutiefst viszeral, manchmal erschreckend.

Pavillon von Israel
„The Workshop“ von Gilad Ratman basiert auf einer fiktiven Untergrundreise einer kleinen Gemeinschaft von Israel nach Venedig. Das Projekt dokumentiert die Reise einer Gemeinschaft von Menschen von Israel nach Venedig durch eine nichtlineare Präsentation von Video, Installation, Sound und einer physischen Intervention in das Gewebe des Pavillons selbst. Ihre epische Reise beginnt in den Höhlen Israels, schlängelt sich durch tückische unterirdische Gänge, bevor sie den Boden des israelischen Pavillons durchbricht. Bei ihrer Ankunft verwandelt die Gruppe den Pavillon in eine Werkstatt und formt sich selbst aus Ton, den sie aus Israel transportiert hat. reflektiert die Biennale als utopisches Modell der Konnektivität von Nationen.

In Tonbüsten, die von gutturalen Stimmaufnahmen begleitet werden, schlägt die Workshop-Veranstaltung der Gruppe eine Rückkehr in eine vorsprachliche Phase der frühen menschlichen Gesellschaft vor. Als wiederkehrendes Thema in seiner Arbeit untersucht Ratman hier die Spannung zwischen universellen Mustern menschlichen Verhaltens einerseits und der Trennung von Sprache, Nationalität oder Regierung andererseits. „The Workshop“, die Videos und der Sound, bieten dem Betrachter ein Spiegelbild eines Ereignisses, das an diesem Ort stattgefunden hat. Dabei erschafft das Werk eine fiktive, aber wahre Geschichte. Ratman zeigt eine Welt, in der der Transit über Landesgrenzen hinweg in versteckten Netzwerken stattfinden kann: frei, unentdeckt und unidentifiziert. In kleinen Gemeinschaften in einer utopischen, vorsozialen und sogar vorsprachlichen Phase tätig zu sein,wie diejenigen, die in Ratmans Werk wiederkehren, ist von wesentlicher Bedeutung.

Pavillon von Italien
Der Italienische Pavillon präsentiert eine ideale Reise durch die italienische Kunst von heute, eine Route, die von Identitäten, Geschichte und Landschaften – real und imaginär – erzählt und die Komplexität und Schichten erforscht, die die künstlerischen Wechselfälle des Landes charakterisieren. Ein Porträt neuerer Kunst, gelesen als Themen- und Haltungsatlas im Dialog mit historischem Erbe und Zeitgeschehen, mit lokaler und internationaler Dimension. Ein übergreifender Dialog von Korrespondenzen, Ableitungen und Unterschieden zwischen gefeierten Maestros und Künstlern späterer Generationen. Eine ungewöhnliche Topographie, die eine Neubewertung einiger grundlegender Bahnen in der jüngeren italienischen Kunst, eine Nachverfolgung vergessener Pfade, die Heilung von kultureller Amnesie ermöglicht und einsamen Autoren eine neue Sichtbarkeit verleiht. Die Ausstellung gliedert sich in sieben Räume, sechs Räume und einen Garten,die jeweils das Werk zweier Künstler beherbergen, die aufgrund der Affinität ihrer jeweiligen Poetik und ihres gemeinsamen Interesses an Themen, Ideen und Praktiken zusammengeführt werden.

Sieben Binome rund um das Projekt: Körper/Geschichte, Ansicht/Ort, Klang/Stille, Perspektive/Oberfläche, Vertraut/Fremd, System/Fragment und Tragödie/Komödie. In einem Dialog zwischen Künstler und Künstler, Raum und Raum präsentiert die Ausstellung meist eigens für diesen Anlass geschaffene Werke – zwölf von vierzehn – und bietet eine Plattform zur Reflexion über die Eigenheiten und Widersprüche der italienischen Kultur und gibt das zurück Lebenswichtige Komplexität unserer neueren Kunst, die aus Intuitionen und Widersprüchen entsteht, in denen das Spiel des Umgekehrten eines ihrer grundlegenden Elemente ist, und damit den Status von Originalität und internationaler Bedeutung behauptet, den sie verdient.

Pavillon von Japan
Der Titel „Abstract Speaking – Sharing Uncertainy and Collective Acts“ von Koki Tanaka untersuchte die greifbaren und emotionalen Nachwirkungen des massiven Erdbebens und Tsunamis, das Japan 2011 heimsuchte. Die Ausstellung zeigt ein Japan, das sich noch immer von dem massiven Erdbeben, Tsunami und nachfolgende Nuklearunfälle von 2011. Die Arbeit versucht, die Schwierigkeit anzugehen, die Probleme und den Schmerz anderer wahrzunehmen und zu teilen. Sein Installationsplan machte den Japan-Pavillon zu einer Plattform für den interaktiven Austausch früherer oder fiktiver Erfahrungen nach der Katastrophe durch unterschiedliche Aufgaben. Konkret brachten diese Aufgaben die Teilnehmer in ungewöhnliche Situationen und veranlassten sie, mit atypischen Umständen umzugehen.

Beispiele für ausgedachte Katastrophenübungen waren, dass eine Gruppe von Menschen so leise wie möglich gemeinsam die Nottreppe eines Hochhauses hinabsteigt; mit Taschenlampen in der Hand durch die nächtlichen Straßen gehen; ein „kollektiver Akt“, der die Evakuierung eines Gebäudes in völliger Dunkelheit nachahmt; und das Rekonstruieren eines einzelnen Keramikstücks aus den Scherben mehrerer zerbrochener. Dies zielte darauf ab, die Zusammenarbeit zwischen Restauratoren bei ihren Versuchen, ein Objekt wieder aufzubauen, darzustellen, und fungiert als Metapher für die Herausforderungen beim Aufbau einer neuen Gesellschaft nach dem Beben. Mehrere Personengruppen wurden aufgefordert, sich gemeinsam mit diesen Umständen auseinanderzusetzen, und ihre Bemühungen wurden durch neun Video- und Fotoarbeiten dokumentiert. Durch diese GruppeninteraktionenTanaka untersuchte, wie wir uns durch unsere eigene Perspektive in die Erfahrungen anderer einfühlen. Durch Videoaufnahmen, fotografische Installationen und interaktive Gruppenerfahrungen drückte Tanaka die Gefühle einer sich erholenden und widerstandsfähigen Nation aus.

Pavillon des Kosovo
Petrit Halilaj brings together mementos from collaborators, family members and creates a shelter for them within the Pavilion, evoking both his personal anxieties and the fraught history of his homeland. Petrit Halilaj’s artistic practice is driven by a constant search of what reality is and how reality might be represented through art. His memories of a rural childhood, his personal experience of war, destruction, exodus and displacement are the very basis of his reflections on life and the human condition. His work frames his constant migrations between Kosovo, Berlin and Italy whilst his particular brand of nostalgia is restorative rather than reflective. Open up channels of communication with the public and to overcome the gaps in his link to the world of Runik, his home town, building bridges between different phases of his life.

Die Arbeit von Petrit Halilaj ist besonders persönlich und beschwört die Geschichte und Kultur des Kosovo durch eine vielfältige Sammlung persönlicher Gegenstände. Zu diesem Zweck verwendet Halilaj in seinen Werken den Gedanken der Nostalgie mit großer Wirkung. Er kombiniert diese klangvollen Objekte mit surrealen Beschwörungen der Natur, die im Kosovo-Pavillon in einem Unterschlupf aus Zweigen und Ästen Ausdruck findet, als ein Fremdkörper, der aus einer unterbewussten und vergessenen Epoche oder einem Territorium in eine Umgebung gewandert ist, die nicht weniger ist als eine berühmte Ikone der kulturellen und künstlerischen Errungenschaften der historischen westlichen Welt. Die Einbeziehung zweier Kanarienvögel, die einst im Atelier des Künstlers lebten, ist eine weitere Geste der mehrdeutigen Symbolik, die typisch für Halilajs Werk ist.

Pavillon von Litauen und Zypern
Betiteln Sie „oO“, das Projekt widersetzt sich auf sehr selbstbewusste Weise nationalen Grenzen; durch Co-Working, Co-Produktion und Co-Beauftragung einer Veranstaltung, die in einem unsicheren Wirtschaftsklima vielleicht nicht für möglich gehalten wurde. oO fordert den Betrachter auf, die Darstellung zu verstehen, zu kategorisieren und neue und mögliche Organisationsformen vorzuschlagen. Verteilt über die Etagen des Palazzettos wirkt die Schau wie eine Schatzsuche angelegt und lädt den Besucher ein, sich frei im Raum zu bewegen. In eigenwilligem Stil möchten Künstler und Kurator, dass Sie den Anfang und das Ende der Show gleichzeitig schmecken. Die Ausstellung ist wirklich unerwartet, da sie sich mit unwahrscheinlichen Orten und Kunstwerken entfaltet: Ein Staubsaugerroboter wandert herum und Suzuki Landie- und Honda Chaly-Motorräder stapeln sich an den Wänden.Schwarz-Weiß-Bilder von Turnerinnen werden diesen Installationen gegenübergestellt und fügen sich perfekt in den Raum ein.

Pavillon von Neuseeland
Unter dem Titel „Front Door Out Back“ wurden die Arbeiten von Bill Culbert im großen Gebäude verteilt, auf Böden, Wänden, Decken und Außenbereichen. Der Künstler hebt diese Objekte aus ihrem gewöhnlichen Kontext, indem er mit einer Fülle von Leuchtstoffröhren eine skulpturale Verschmelzung dieser Stücke bildet und die Besucher durch die Höfe, Räume und Gänge von la pietà führt, indem er seine Skulpturen umströmt und oft physisch überschneidet. Wenn man durch das Gelände von la pietà geht, sieht man, wie sich jedes der Werke des Dükers entfaltet und die Qualitäten des Geländes von la pietà ausspielt. Das Projekt soll der Umgebung Energie und Einfachheit verleihen, die Räume und Passagen, die normalerweise unbewohnt bleiben, entzünden und sie in lebendige Lebensräume verwandeln.

Die Ausstellung ist eine achtteilige Installation, die thematisch mit der häuslichen Welt verbunden ist, in der wir einen Durchlass sehen, der Möbel (von Stühlen, Kleiderschränken, Beistelltischen), bunte Waschmittelflaschen in Kombination mit seinem charakteristischen Medium, der Beleuchtung, verwendet, um ein ganz immersives Erlebnis für den Betrachter. die alltäglichen gegenstände sind zu einfachen arrangements komponiert, die ideen und vorstellungen des haushalts weiter betonen – die platzierung der plastikgefäße, die den boden des hauptraums des gebäudes bedecken, einen dichten teppich aus farbe und licht bieten oder das netzwerk aus stühlen und tischen nach unten kaskadierend, alles in Kombination mit einer Leuchtstoffröhrenbeleuchtung, die im Korridor des Veranstaltungsortes aufgehängt ist und an einen Kronleuchter erinnert.

Pavillon von Norwegen
Unter dem Titel „Beware of the Holy Whore: Edvard Munch, Lene Berg and the Dilemma of Emancipation“ umfasst das Projekt neben einem neu in Auftrag gegebenen Film von Lene Berg auch eine Reihe selten ausgestellter Werke von Edvard Munch, die immer um Emanzipation kreisen widersprüchlich, zwischen dem Reich der Freiheit und den Folgen der Isolation, die das Streben nach einem qualitativ anderen, „alternativen“ Leben oft begleiten. Der Film konzentriert sich auf drei verschiedene Charaktere, die über ihre Rollen als Opfer oder Täter in einer komplexen Situation befragt werden. Der Film erforscht die Interpretation menschlichen Verhaltens auf der Grundlage vorgefasster Konzepte und etablierter Normen. Wie die Ausstellung insgesamtDer Film präsentiert die Dekonstruktion einer Originalszene, die als Katalysator für eine Revision der Politik der Befreiung, des Geschlechterkampfes und des inneren Konflikts fungiert: das Dilemma der Emanzipation.

Der Impuls, am Rand zu agieren, nach außen einzubrechen oder nach innen den Kontext neu zu definieren, ist eine der zentralen Triebkräfte der Kunstgeschichte. Das Streben nach einer „neuen Sensibilität“ beinhaltet eine psychedelische, narkotische Befreiung von der Rationalität eines etablierten Systems sowie von der Logik, die versucht, dieses System zu verändern. Eine solche neue Sensibilität, die in der Kluft zwischen bestehender Ordnung und wahrer Befreiung liegt, könnte zu einer radikalen Transformation führen – und in dieser Verschiebung fungiert die Kunst als eine Technik, durch die die Realität aus ihrer Illusion, ihrer Nachahmung, ihrer Harmonie hin zu einem Materie noch nicht gegeben, noch zu realisieren. Die Ausstellung erforscht das Verhältnis von Kunst, ihrem sozialen Kontext und sich verändernden Geschlechterverhältnissen,sowohl im Zeitalter der Emanzipation, in dem Munch lebte, als auch heute.

Pavillon von Portugal
Die Trafaria Praia ist eine Lissaboner Fähre oder Cacilheiro, die 2011 außer Dienst gestellt wurde. Die Trafaria Praia wurde einst für den Hin- und Rücktransport von Passagieren über den Tejo genutzt und wurde in den schwimmenden Pavillon von Vasconcelos umgewandelt, der in der Nähe der Giardini in Venedig anlegte und herumsegelte die Lagune in regelmäßigen Abständen während der Biennale. Die Ausstellung thematisiert Gemeinsamkeiten zwischen Lissabon und Venedig, nämlich ihre reiche Seefahrtsgeschichte, die über Jahrhunderte dazu beigetragen hat, das Weltbild Europas zu erweitern.

Das großformatige Assisted Readymade besteht aus mehreren Ebenen von Artwork und Symbolik. Da ist zunächst das Boot selbst, das in Lissabon ein Symbol für die Arbeiter ist, die die Fähre über den Fluss zur Arbeit nutzen. Das Boot repräsentiert auch Lissabons Beziehung zu Venedig, „die sich durch Handel, Diplomatie und Kunst entwickelt hat … und untersucht drei grundlegende Aspekte, die sie teilen: Wasser, Navigation und das Schiff.“ Durch die Schaffung eines schwimmenden Pavillons deterritorialisiert Vasconcelos Territorium – und umgeht metaphorisch die Machtkämpfe, die so oft die internationalen Beziehungen kennzeichnen.“ Die Außenseite des Schiffes ist mit Azulejos, handbemalten Kacheln bedeckt, die die moderne Skyline von Lissabon darstellen enthält das Werk Valkyrie Azulejo.Der Raum ist von der Decke bis zum Boden mit Textilien in unterschiedlichen Blautönen verkleidet. Große, gehäkelte unregelmäßige Formen, die in LED-Leuchten gehüllt sind, dringen in den Raum ein und betonen die Beziehung des Körpers zum Raum. Es entsteht ein umfassendes Erlebnis und der Raum wurde mit dem Meeresgrund oder dem Bauch eines Wals verglichen.

Pavillon der Republik Korea
Unter dem Titel „To Breath: Bottari“ verwandelt Seungduk Kim den koreanischen Pavillon in einen Ort transzendentaler Erfahrung. Umgang mit Fragen des Körpers, des Selbst und anderer sowie der Beziehung von ‚Yin‘ und ‚Yan‘ zu Leben und Tod. Seungduk Kim hat das gesamte Innere des Nationalpavillons mit einer durchscheinenden Folie umhüllt, die die gebaute Umwelt von der Natur trennt. die haut beugt das tageslicht und überschüttet die innere struktur mit lichtspektren, deren intensität der regenbögen auf wände und boden reflektiert wird. Diese Metamorphose steht in direkter Übereinstimmung mit der Bewegung der Sonne, die über das Gebäude auf- und untergeht und den natürlichen Schwankungen der Sonne nachempfunden ist.

„To Breathe: bottari“ zelebriert die Doppelexistenz von Klang und Lautlosigkeit und die Realität der Dunkelheit als Erweiterung von Licht und Licht als Teil der Dunkelheit. die Hierarchie des visuellen Wissens gegenüber dem „Ungesehenen“ in Frage stellend, werden in den atmenden Bottari entgegengesetzte Pole als Teil desselben Ganzen behandelt. Die Künstlerin möchte das Publikum einladen, einen besonderen Moment und ein besonderes Empfinden ihres Körpers zu betrachten und ein Bewusstsein für die Bedingungen menschlichen Wissens und Unwissenheit und ihrer Psychologie in Raum und Zeit zu erfahren. Dies ist der „Gedanke der Totalität“, den sie in ihrer bisherigen Praxis verfolgt, um die zivilisatorischen Bedingungen dieser Ära zu hinterfragen.

Pavillon von Russland
Die Installation von Vadim Zakharov hat das Ober- und Untergeschoss des Russischen Pavillons vereint. Das Thema der Installation dreht sich um den antiken griechischen Mythos von Danaë. In der zentralen Halle des Pavillons wurde in die Decke des unteren Ausstellungsraums ein großes quadratisches Loch gebohrt und im Obergeschoss um das Loch herum ein Altargeländer mit Kissen zum Knien gebaut. Wenn der Besucher nach unten blickt, kann er begreifen und fühlen, dass wir in einem einzigartigen Materialisierungsprozess des Mythos anwesend sind. Durch das riesige Loch im Boden fällt der Besucher in einen anderen semantischen und poetischen Raum, in den goldene Münzen von einer Pyramidendecke fliegen. Unten sehen wir Frauen mit Regenschirmen, die sie davor schützen, von den Münzen getroffen zu werden. Die untere Halle kann nur von Frauen besucht werden.Dabei geht es nicht um Sexismus, sondern folgt lediglich der Logik der anatomischen Konstruktion des Mythos. Das Männliche kann nur von oben hereinfallen, in Form von goldenem Regen. Die untere Ebene des Pavillons ist eine „Höhlenmutter“, die Ruhe, Wissen und Erinnerung intakt hält.

Der griechische Mythos von der Befruchtung von Danaë wird zahlreichen Lesarten unterzogen: Ein herabstürzender Goldregen verweist auf die Verführung Danas als Allegorie für menschliche Begierde und Gier, aber auch auf den verderblichen Einfluss des Geldes. Durch seine künstlerische Inszenierung lässt Zakharov diesen antiken Mythos eine zeitgenössische zeitliche Dimension finden. Über die Pavillonräume hinweg verdichten sich philosophische, sexuelle, psychologische und kulturelle Fragmente zu einer theaterhaften Gesamtkomposition. Das Projekt hat skulpturale und bildliche Elemente und lädt die Besucher zur aktiven Teilnahme ein, um den materiellen Warenfluss als fortlaufenden Prozess zu gewährleisten. In dieser Performance in fünf Akten präsentiert Zakharov die Bedeutung der Verkörperung von Mythen für eine Gesellschaft, die ihnen keinen Glauben mehr verleiht.Es ist an der Zeit, unsere Grobheit, Lust, Narzissmus, Demagogie, Falschheit, Banalität und Gier, Zynismus, Raub, Spekulation, Verschwendung, Völlerei, Verführung, Neid und Dummheit zu bekennen.

Pavillon von Serbien
Unter dem Titel „Nothing Between Us“ finden Vladimir Peric und Miloš Tomic einen besonderen Weg, einige Teile der Sammlungen zu präsentieren, die sie im Laufe der Jahre durch obsessives Anhäufen verschiedener gebrauchter Objekte zusammengetragen haben. Perics Installationen im Pavillon bilden ein sehr präzise konzipiertes und eigens für den Raum des Pavillons bestelltes Ensemble. Es umfasst verschiedene Teile mehrerer seiner Sammlungen, besteht jedoch hauptsächlich aus dem Museum of Childhood. Tomics Werke sind vielmehr Videotagebücher seiner Recherchen über ein breites Spektrum spontaner, unkonventioneller, amateurhafter, schlichter, unschuldig unprätentiöser und sogar naiv arroganter Versuche, eine Art Musik außerhalb der akzeptierten Kanonen professioneller Musikproduktion zu machen.All diese dokumentarischen Aufnahmen von zutiefst anarchischem Inhalt, die an die Traditionen der Antikunst vor dem Blick des Betrachters erinnern, sind nur Ausgangspunkte und authentische Rohmaterialien, die dem Projekt eine besondere Lebendigkeit verleihen.

Vladimir Peric formt den Inhalt in allegorische Assemblagen um, die Geschichten von den Orten und Schauplätzen erzählen, an denen sie gesammelt wurden, und die jetzt verlorenen Zeiten erzählen, als ihre Elemente eine praktische Funktion im Leben ihrer ehemaligen Besitzer hatten. Die Idee ist, das Thema Gegenwart und die Position, die Künstler mit ihren Werken in der Ausstellung einnehmen, zu hinterfragen. Diese gesammelten Objekte werden zu minimalistischen Installationen, deren Elemente nach sich wiederholenden Schemata geordnet sind und deren individuelle Merkmale im Spiel optischer Täuschungen verschwinden. Die Arbeit von Miloš Tomic präsentiert formale Aspekte. Abweichend von jeder stabilen etablierten Ordnung die scheinbar außer Kontrolle geratene Natur. Tomic verschiebt ständig die Anwendungsgebiete von beruflichen Fähigkeiten und Kenntnissen,um verschiedene ungeplante, unerwartete und sogar unerwünschte Dinge zu ermöglichen, die die Erfindung neuer Arbeitsstrategien und -methoden erfordern.

Pavillon von Spanien
Lara Almarcegui verwandelte den Spanischen Pavillon in eine Sammlung von Trümmern und anderen Fundstücken aus Ödland als Untersuchung des Prozesses der urbanen Transformation. Das Projekt untersucht den Prozess der urbanen Transformation als Folge des wirtschaftlichen, politischen und gesellschaftlichen Wandels. Almercegui konzentriert sich auf Ödland, moderne Ruinen in Städten und versucht, auf diese urbanen Räume aufmerksam zu machen, die unserem Bewusstsein oft entgehen. Sie konzentriert sich insbesondere auf die Untersuchung der oft übersehenen Elemente, die einen Ort ausmachen – die modernen Ruinen und städtischen Brachen, aus denen sie bestehen; sie deckt Beziehungen zwischen den von ihr ausgegrabenen und untersuchten Stätten mit ihrer Vergangenheit auf und bewertet ihre mögliche Zukunft.

Der spanische Pavillon besteht aus zwei Teilen: Die Installation am Veranstaltungsort Giardini spricht direkt an das 1922 von Javier de Luque erbaute Gebäude; es ist eine Intervention, die ihr gesamtes Inneres einnimmt. man trifft auf überwältigende, hoch aufragende Berge aus verschiedenen Baumaterialien, Zementschutt, Dachziegeln und zu Kies zerschmetterten Ziegeln, die der Art und Menge entsprechen, die von den Arbeitern für den Bau des Veranstaltungsortes verwendet wurde, was einen direkten Zugang praktisch unmöglich macht. in den anderen Nebenräumen finden sich kleinere, weniger schwere Hügel, die jeweils nach Material (Sägemehl, Glas und eine Mischung aus Eisenschlacke und Asche) unterteilt sind.

Pavillon des Heiligen Stuhls
Der Vatikan-Pavillon hat ein Thema gewählt, das für die Kultur und die kirchliche Tradition grundlegend ist. Es ist auch eine Inspirationsquelle für viele, deren Werke die Kunstgeschichte geprägt haben: die Geschichte, die im Buch Genesis erzählt wird. Konkret wurden die ersten elf Kapitel ausgewählt, da sie dem Mysterium der Ursprünge des Menschen, der Einführung des Bösen in die Geschichte und unserer Hoffnung und unseren Zukunftsprojekten nach der Verwüstung, die symbolisch durch die Sintflut dargestellt wird, gewidmet sind. Weitreichende Diskussionen über die Vielfalt der Themen dieser unerschöpflichen Quelle führten zur Auswahl von drei Themenfeldern, mit denen sich die Künstler auseinandergesetzt haben: Creazione (Schöpfung), De-Creazione (Unschöpfung) und der Neue Mensch oder Ri-Creazione ( Erholung).

Das Thema der Schöpfung konzentriert sich auf den ersten Teil der biblischen Erzählung, wenn der schöpferische Akt durch das Wort und den Hauch des Heiligen Geistes eingeleitet wird und eine zeitliche und räumliche Dimension und alle Lebensformen einschließlich des Menschen erzeugt werden. Unkreation hingegen lädt uns ein, uns auf die Entscheidung zu konzentrieren, durch Formen ethischer und materieller Zerstörung, wie die Erbsünde und den ersten Mord (Kain und Abel), gegen Gottes ursprünglichen Plan zu verstoßen, und lädt uns ein, über die „Unmenschlichkeit“ des Menschen.“ Die daraus resultierende Gewalt und Disharmonie lösen einen Neuanfang für die Menschheit aus, der mit dem strafenden/reinigenden Ereignis der Flut beginnt. In dieser biblischen Geschichte, dem Konzept der Reise und den Themen Suche und Hoffnung,dargestellt durch die Gestalt Noahs und seiner Familie und dann durch Abraham und seine Nachkommenschaft, führen schließlich zur Bezeichnung eines Neuen Menschen und einer erneuerten Schöpfung, in der eine tiefgreifende innere Veränderung der Existenz neue Bedeutung und Lebendigkeit verleiht.

Pavillon der Türkei
Ali Kazmas Videos konzentrieren sich auf die Themen Arbeit und Produktion, er glaubt, dass sich die Welt mit hoher Geschwindigkeit entwickelt hat, dass die Welt zu einer Datenautobahn geworden ist, dass sie mobil ist usw., aber Ali Kazma wollte die Menschen daran erinnern, dass wir immer noch sind in einer Welt leben, in der es solche Arbeiten wie Stempelpapier gibt. Kazmas Werk untersucht die mechanischen Eigenheiten verschiedener Berufe, von der Tierpräparation bis zur Studiokeramik, von der Süßwarenherstellung bis zur Arbeit türkischer Notare. Seine Arbeiten leiten aus rituellen, sich wiederholenden täglichen Aufgaben Vorstellungen über Arbeit und die Bedeutung von Ökonomie ab und werfen Fragen nach der gesellschaftlichen Organisation und dem Wert menschlichen Handelns auf.

Pavillon der Vereinigten Staaten von Amerika
Unter dem Titel „Triple Point“ reagiert die Arbeit von Sarah Sze direkt auf die beauftragten Orte, verändert durch radikale Maßstabsverschiebungen den Blick auf Raum und Architektur, besetzt mit ihren großformatigen maßstabsgetreue Eingriffe. Den „Triple Point“ erlebt man sofort im Hof, wo rechts vom Haupteingang des Pavillons der „Gleaner“ auf- und absteigt. zu einem außenraum verschmelzen, der sich erst später vollständig offenbart, lenkt seine lage den zugang zum innenraum auf eine ehemalige ausgangstür links der eingangsrotunde, wo sie auf die behelfsbauten von sze treffen, die assemblagen unvollendet wirken,aber vor allem in Erinnerung an Modelle, Maschinen und Einrichtungen wie Labor, Planetarium, Sternwarte und Pendel.

Eine Reihe miteinander verbundener Arbeiten hat ihre Ausstellung nach außen erweitert, um das Äußere, den Zugang und den Ausgang zu umfassen, sich mit dem neoklassischen Design auf einer anderen Ebene auseinanderzusetzen und seinen palladianischen Ordnungssinn herauszufordern. Der Grundriss des US-Pavillons lädt die Besucher typischerweise durch einen zentralen Eingang in eine Rotunde ein. Von hier aus sind die vier Galerien jedoch geteilt (zwei befinden sich auf beiden Seiten des gewölbten Foyers), sodass man sich entscheiden muss, in welche Richtung man gehen möchte, und dann zurückgehen, um die anderen Räume zu sehen. Um ein intuitiveres Erlebnis zu schaffen, hat Sze den Hauptzugang geschlossen und die Besucher zur Seite des Gebäudes geleitet, um sie von links zu betreten, um sie auf logische Weise durch das Gebäude zu bewegen. man schlängelt sich durch die Reihe scheinbar grober, aber kalkulierter Installationen,aus einer sammlung von objekten, die sze in venedig gefunden und gesammelt hat, das versuch des künstlers, eine sehr fragile persönliche ordnung in ein ungeordnetes universum einzuschreiben.

Begleitende Ereignisse
Gemeinnützige nationale und internationale Institutionen präsentieren ihre Ausstellungen und Initiativen an verschiedenen Orten der Stadt.

25%: Katalonien in Venedig
Cantieri Navali, Organisation: Institut Ramon Llull
Acht Arbeitslose werden ausgewählt, die das breiteste gesellschaftliche Spektrum repräsentieren (ein Senegalese ohne Papiere, eine junge und hochqualifizierte Architektin, eine wissenschaftliche Forscherin und ein Arbeiter in den Fünfzigern…) und alle werden von Francesc Torres fotografiert während einer Zeit des Zusammenlebens mit der Künstlerin, die ihren Alltag dokumentiert. Neben den visuellen Dokumenten ihres Alltags fertigt Torres von jedem von ihnen ein offizielles Porträt. Nach dieser ersten Phase, in der die Routinetätigkeiten und die wirtschaftliche Situation aller Charaktere dokumentiert wurden, macht der Filmemacher Mercedes Álvarez Dreharbeiten, in denen jeder Charakter seine Meinung zur Rolle der Kunst in ihrem Leben äußert. So werden die acht Arbeitslosen zu aktiven Themen der Ausstellung.

Ein fernes Flüstern – PEDRO CABRITA REIS
Palazzo Falier, Organisation: Direção-Geral das Artes
Pedro Cabrita Reis, einer der führenden portugiesischen Künstler seiner Generation, zeigt eine In-situ-Intervention mit dem Titel A Remote Whisper, die die gesamte 700 m² große Ausstellungsfläche des „Piano Nobile“ des Palazzo Falier umfasst. Ein fernes Flüstern geht durch die Räume, umhüllt Wände, Türen und Böden mit Aluminiumröhren, Leuchtstoffröhren und Kabeln wie Zeichnungen im Raum. Es ist ein semi-prekärer, roher, aber fast architektonischer Bau, der Fragmente von Werken aus seinem einst von ihm verlassenen Atelier, dokumentarisches Material, Fotos sowie Zeichnungen und Gemälde neben in der Stadt gefundenem Strandgut integriert.

About Turn: Neufundland in Venedig, Gill & Peter Wilkins
Galleria Ca‘ Rezzonico, Organisation: Terra Nova Art Foundation
About Turn: Newfoundland in Venice, Gill & Peter Wilkins präsentiert neue Werkgruppen von Gill und Peter Wilkins, zeitgenössischen Künstlern aus Neufundland, Kanada. Die Ausstellung wird durch komplementäre Erkundungen profaner Erzählungen angetrieben. Die Arbeit, die Video, Fotografie und Malerei umfasst, spielt geschickt innerhalb der Grenzen von Abstraktion und Erzählung; das Erkennbare und das Immaterielle. Gills Arbeiten verbinden eine vorgetäuschte Naivität mit formaler Kontrolle, die aus dem Familienleben und flüchtigen Träumen herausgelöst ist. Wilkins‘ Bilder verbinden historische und zeitgenössische Kunst und verwenden subtile, destillierte Abstraktionen von Dauer und Form.

Ai Weiwei – Disposition
Zuecca Project Space/Complesso delle Zitelle, Organisation: Zuecca Project Space
Die einzige große neue Einzelausstellung des Künstlers im Jahr 2013 wurde an zwei Orten präsentiert: dem Zitelle-Komplex, der Heimat des Zuecca Project Space, und der Kirche Sant’Antonin. Ai Weiwei präsentiert Straight, das erste Projekt, das mit den langen Stahlbewehrungsstäben entwickelt wurde, die aus den Schulen stammen, die während des Erdbebens in Sichuan 2008 eingestürzt waren. Diese Arbeit, die erstmals im Hirshhorn Museum in Washington DC präsentiert wurde, wird hier in größerem Maßstab in Zuecca Projektraum. Seine zweite Arbeit mit dem Titel SACRED ist eine neue ortsspezifische Präsentation für die Biennale von Venedig in der Kirche Sant’Antonin, die einen unmittelbaren Eindruck von der Dramatik eines Ereignisses vermittelt, das die widersprüchliche Entwicklung des zeitgenössischen Chinas unterstreicht.

Kunst und Wissen – Der Geist des Ortes in den 5 Platonischen Körpern
Biblioteca Nazionale Marciana, Organisation: van der Koelen Foundation for Arts and Science
Im Monumental Room der renommierten Biblioteca Nazionale Marciana (San Marco Square) zeigt Lore Bert 5 Spiegelskulpturen in einer Papierumgebung zusammen mit 11 großformatigen Arbeiten in einer Ausstellung mit dem Titel Kunst und Wissen – Der Geist des Ortes in den 5 Platonischen Körpern . Die 5 Platonischen Körper repräsentieren 5 Elemente: Erde, Wasser, Feuer, Luft und Universum. Lore Bert hat an der Akademie der Bildenden Künste in Berlin studiert. Sie hat über 200 Ausstellungen und 125 Umgebungen in mehr als 26 Ländern auf der ganzen Welt organisiert, darunter 40 persönliche Ausstellungen in Museen. Mehrere Publikationen, darunter 38 Monographien, dokumentieren ihr Werk, das in mehreren internationalen Sammlungen ausgestellt ist.

Zurück zu Zurück zu Biennale – Freie Meinungsäußerung
Campo Sant’Agnese, Organisation: Associazione Eventi d’arte e d’architettura
Zeitgenössische Kunst von der Nachkriegszeit bis heute hat die vielen und unterschiedlichen Arten des Selbstausdrucks theoretisiert und erklärt. Schriftsteller sind eine phänomenale, künstlerische Bewegung, die aus der Asche der stark urbanisierten Gesellschaften entstanden ist, in der Peripherie als Ghetto gilt und in der Bürger sein bedeutet, die Stadt als eine große Palette zu sehen, mit der man seine Vorstellung von Realität interpretieren kann. Das Projekt Back to Back to Biennale ist ein kulturelles Event, das aus einer bestimmten kollektiven und generationenbezogenen Sichtweise durch Performances gekennzeichnet ist, die die KünstlerInnen liefern, ohne jeglichen Filter aus kuratorischer oder thematischer Sicht, es gibt Freiheit des Ausdrucks, wie der Untertitel behauptet.

Bart Dorsa. Katja
Dorsoduro 417, Organisation: Moskauer Museum für Moderne Kunst (MMOMA)
Bart Dorsa. Katya ist eine Ausstellung von Kollodium- und Silberglas-Fotoplatten und Bronzeskulpturen, die in einem speziell organisierten dunklen Raum präsentiert werden. Das Projekt erzählt die intime Geschichte eines russischen Mädchens, das der amerikanische Künstler in Moskau entdeckt hat. Katyas Weg vom streng orthodoxen Klosterleben, in dem sie 10 Jahre im Alter von 3 bis 13 Jahren verbrachte, bis in die Moskauer U-Bahn wird auf ihrer Haut, ihrem Gesicht und ihrem Körper aufgezeichnet. Ihre Form wurde auf Glas und in Bronzeskulpturen gedruckt, um Katyas Reise und den Archetyp der mythischen Kreuzung zu beschreiben, der ein Hauptthema von Dorsas Werk ist.

Bedwyr Williams: Der Sternenbote
Santa Maria Ausiliatrice (Ludoteca), Organisation: Cymru yn Fenis / Wales in Venedig
Wenn ein Dichter durch ein Mikroskop oder ein Teleskop schaut, sieht er immer dasselbe (Gaston Bachelard). Der Starry Messenger von Bedwyr Williams hat seinen Namen von einer von Galileo Galilei veröffentlichten Studie über seine Entdeckungen durch ein Teleskop. In einer Reihe von Räumen und Gängen in Santa Maria Ausiliatrice (Ludoteca) sinniert diese neue Arbeit über die Erforschung des unendlichen und winzigen Raums. Die Nachtwache eines Amateurastronomen oder die Suche eines Gläubigen in den polierten Galaxien des Terrazzobodens unter seinen Schuhen.

Atem
Torre di Porta Nuova
Shirazeh Houshiary präsentiert Breath, ein Vier-Kanal-Video, das erstmals 2003 konzipiert wurde, in einer remasterten Version und als Teil einer neuen und einzigartigen, ortsspezifischen Installation. In Breath (2013) erklingen die stimmungsvollen Gesänge buddhistischer, christlicher, jüdischer und islamischer Gebete von vier Videobildschirmen. Der Sound ist mit Bildern choreografiert, die den sich ausdehnenden und zusammenziehenden Atem der Sänger einfangen. Die Installation ist ein rechteckiges Gehäuse, das mit schwarzem Filz verkleidet ist und durch einen schmalen Durchgang in einen schwach beleuchteten weißen Innenraum gelangt. Auf Augenhöhe hängen vier Bildschirme, von denen die Gesänge der verschiedenen Traditionen in einem eindringlichen Refrain auf- und absteigen, anschwellen und sich verflüchtigen, der den Raum füllt und über jede seiner Wände durchdringt. Wo innen Einheit ist, ist außen Vielheit.

Kultur•Geist•Werden
Palazzo Mora, Organisation: Global Art Center Foundation
Culture•Mind•Becoming – eine Ausstellung einer Gruppe herausragender chinesischer Künstler – zielt darauf ab, die kulturelle Wirkung, Aneignung, Reflexion und Neuerfindung der chinesischen Kultur durch die Linse der Globalisierung gegenüberzustellen. In einer Zeit, in der Künstler im Allgemeinen über die individuelle Empirie als Hauptbestandteil ihrer künstlerischen Praxis nachdenken, sind die chinesischen Künstler nach dem Erwerb der Kenntnisse der westlichen Kunst zu ihrem kulturellen Erbe zurückgekehrt. Durch ständige Experimente und Weiterentwicklung schaffen sie eine gemeinsame Basis eines einzigartigen, kreativen Kontexts. Die chinesischen Künstler wurden an verschiedenen Stellen ihres Lebens mehr oder weniger von der westlichen Kultur beeinflusst. Sie leben in einer Gesellschaft vielfältiger Kultur und sind inspiriert, ihre gemeinsame Komponente neu zu definieren und neu zu erfinden – die östliche kulturelle Erfahrung,die sich durch künstlerische Präsentationen manifestiert.

Notfallpavillon: Wiederaufbau der Utopie
Teatro Fondamenta Nuove, Organisation: MAC (Museo de Arte Contemporaneo de Santiago de Chile); Fundacion CorpArtes
Vierzig Jahre sind vergangen. Wann begann sich die Welt zu verändern? War es 1973 oder 1989? Wann starb „Imagination in Power“, war es 1968 oder 2012? Oder war es am 1. Januar 2013?

Future Generation Art Prize @ Venedig 2013
Palazzo Contarini Polignac, Organisation:Victor Pinchuk Foundation; PinchukArtCentre
Der Future Generation Art Prize @ Venice präsentiert die zweite Ausgabe des ersten globalen Kunstpreises mit 21 Künstlern aus fast allen Kontinenten und 16 verschiedenen Ländern. 21 unabhängige Künstlerstatements, darunter die Hauptpreisträgerin Lynette Yiadom-Boakye und die Sonderpreisträger: Ryanne Tabet, Marwa Arsanios, Jonathas de Andrade, Micol Assaël und Ahmet Ögüt, bieten ein reichhaltiges Spektrum an künstlerischen Positionen, die bahnbrechende und zukünftige Tendenzen kartieren und entdecken einer neuen Künstlergeneration.

Glasstress, weißes Licht / weiße Hitze
Berengo Center for Contemporary Art and Glass, Organisation: LCF-London College of Fashion
Die eingeladenen Künstlerinnen und Künstler sind aufgefordert, auf das Thema Licht und Wärme, die Bestandteile des Feuers, das destruktive/kreative Element der Entstehung des Universums und die Urmaterie aus dem Chaos einzugehen. Die Energie der Sonnenstrahlen liefert das Licht und die Wärme, die für alle Lebensformen und das Überleben auf diesem Planeten unerlässlich sind. Licht und Wärme sind für die Glasherstellung von grundlegender Bedeutung – Licht ist ein wesentlicher Bestandteil unserer Wahrnehmung von Glas, während Wärme zur Formgebung benötigt wird.

Ich libri d’acqua
Monastero di San Nicolò, Organisation: EIUC – European Inter-University Centre for Human Rights and Democratization
In den Mittelpunkt seiner Arbeit hat Nocera oft einige entscheidende Aspekte im Zusammenhang mit grundlegenden Menschenrechten gestellt. Mit seinem Projekt I libri d’acqua richtete der Künstler sein Augenmerk auf die Migration als vollwertiges gesellschaftliches Phänomen. Im Mittelpunkt seines Gesprächs steht die menschliche Mobilität als Ausdruck der grundlegenden Bewegungsfreiheit und des Strebens nach Befreiung, die die Künstler als symbolische Reise darstellen. Die Bücher von Antonio Nocera sind Reisenotizbücher ohne Worte, ungeschriebene Geschichten, die aufeinander folgen, geschützt durch die Seiten und sich vor unseren Augen öffnen. Bücher scheinen als göttliche Gegenstände mythologischer Erinnerung aus dem Wasser zu springen

Imago Mundi
Fondazione Querini Stampalia, Organisation: Fondazione Querini Stampalia onlus
Die Ausstellung präsentiert die Sammlung, bestehend aus mehr als tausend kleinen Gemälden (alle im Format 10×12 cm), die Luciano Benetton auf Reisen um die Welt gesammelt hat. Die Sammlung zeigt die in Australien, Indien, Korea, USA und Japan erworbenen Werke. Diese Sammlung ähnelt in der Tat einem offenen Inventar, das dazu beitragen kann und zeigt, wie unterschiedlich die Art und Weise ist, wie die Welt von Künstlern gesehen, studiert und repräsentiert wird und wie ihre Erfahrungen uns helfen, den Reichtum zu verstehen, der in allem steckt, was anders und weit von der Welt entfernt ist Angebote zu unseren Interpretationen.

In Grimani. Ritsue Mishima Glashütte
Palazzo Grimani di Santa Maria Formosa, Organisation:Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Soprintendenza speciale per il patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo museale della città di Venezia e dei comuni della Gronda lagunareuna
In Grimani. Ritsue Mishima Glass Works ist die erste Ausstellung zeitgenössischer Kunst, die für die Räume eines Museums geschaffen wurde, das einst die Residenz einer mächtigen venezianischen Familie aus dem 16. Jahrhundert war. Die Glasarbeiten von Ritsue Mishima sind das Ergebnis langer Aufenthalte im Palast. Die seit 1989 in Venedig lebende Künstlerin drückt sich in der alten Handwerkskultur des Hochofens aus und Muranoglasmeister geben ihren Ideen Gestalt, wie die Bilder von Rinko Kawauchi bezeugen, denen ein Raum gewidmet ist, ermöglicht uns, eine poetische Vision der Geheimnisse der Glasbearbeitung und des Ofens zu sehen.

Tinte • Pinsel • Herz, XiShuangBanNa
Conservatorio di Musica Benedetto Marcello, Organisation: Museum of Contemporary Art, Shanghai
Ende 2012 wurde Simon Ma eingeladen, den Regenwald von XiShuangBanNa im Süden Chinas zu besuchen. Während Simon Ma sich der Ruhe des Regenwaldes hingab, staunte ich immer mehr über die Vormachtstellung der Natur. Während die Farben meiner täglichen Umgebung jeden Tag mehr in Richtung Grau verblassen, fühlten sich die Farben hier so lebendig und leuchtend an. Simon Ma beobachtete die bis zu 90 Meter hohen Bäume, vergleichbar mit den meisten Neubauten in chinesischen Städten. Um so groß zu werden, müssen diese Bäume extrem tiefe Wurzeln haben. Simon Ma erkannte damals, dass unsere Gesellschaft, um höhere Ziele zu erreichen, tiefer gehen und an ihren eigenen Traditionen festhalten muss. Die Blätter des Baumes bilden mit den Federn des Pfaus eine faszinierende Komposition.Mit seinem 100-Augen-Schwanz gilt er als Manifestation des himmlischen Phönix auf Erden. In der Tradition des Feng Shui wird es als das himmlische Tier des Südens Chinas bezeichnet, das Macht und Schönheit repräsentiert.

LAWRENCE WEINER: DIE GNADE EINER GESTE
Palazzo Bembo, Organisation: Written Art Foundation
THE GRACE OF A GESTURE, ein Kunstwerk von Lawrence Weiner, bildet das Herzstück einer Ausstellung, die von der Written Art Foundation organisiert und im Erdgeschoss des Palazzo Bembo nahe der Rialtobrücke präsentiert wird. Ein Bestandteil war die Installation von THE GRACE OF A GESTURE, die auf fünf der wichtigsten Verkehrsmittel Venedigs, den Vaporetti, zu sehen sind. Es transportiert das Werk durch den Canal Grande, das Arsenale, die Giardini und darüber hinaus. Die Arbeit wurde in zehn verschiedenen Sprachen gezeigt, die von Chinesisch über Japanisch bis hin zu Arabisch und Hebräisch reichen. In der Ausstellung im Palazzo Bembo waren weitere vier Werke von Weiner enthalten, die ursprünglich für seine Ausstellung Displaced im New York Dia Center for the Arts im Jahr 1991 geschaffen wurden.

In der Übersetzung verloren
Università Ca‘ Foscari, Organisation: Moskauer Museum für Moderne Kunst (MMOMA)
Lost in Translation ist eine groß angelegte Ausstellung von über hundert russischen zeitgenössischen Kunstwerken der letzten vier Jahrzehnte, die sich auf die historischen, politischen, sozialen und wirtschaftlichen Fragen im Zusammenhang mit dem Prozess der „Übersetzung“ eines Kunstwerks im Zeitalter von Globalisierung. Die Ausstellung präsentiert Werke, die für ein Publikum, das den „russischen Kontext“ nicht kennt, in dem sie geboren wurden und auf den sie sich beziehen, besonders schwer zu entziffern sind. Jedes Werk wird zusammen mit seiner „erweiterten Übersetzung“ ausgestellt, die die wesentlichen Hinweise aufzeigt und erläutert, die für ein besseres Verständnis der vermittelten Botschaft erforderlich sind.

„Lieb mich lieb mich nicht“
Tesa 100, Organisation: YARAT Contemporary Art Organisatio
Zeitgenössische Kunst aus Aserbaidschan und seinen Nachbarn
Produziert und unterstützt von YARAT, einer gemeinnützigen Organisation, die sich der Förderung des Verständnisses für zeitgenössische Kunst in Aserbaidschan und der Schaffung einer Plattform für aserbaidschanische Kunst im In- und Ausland verschrieben hat, bietet Love me, Love me not neue Perspektiven auf die vielfältigen und kulturell reiche Kultur Aserbaidschans und seiner Nachbarn. Derzeit herrscht in dieser Region gleichermaßen Neugier und Missverständnis; Die ausgestellten Werke geben einen Einblick in die Dynamiken jeder Nation, bringen vergessene oder unbekannte Aspekte der Geschichte ans Licht und zeigen die Weite der Vision und Kreativität, die innerhalb ihrer Grenzen spielt.

Verstand • Schlagen
Centro Ricerca Arte Contemporanea, Organisation: Nanjing Sanchuan Museum für moderne Kunst
„Geist“ bedeutet Denken und Bewusstsein im psychologischen Sinne und ist dasselbe wie das Gehirn, das eine riesige zentrale Drehscheibe zum Empfangen und Klassifizieren von Informationen ist. Der Zweck der Ausstellung besteht darin, den Geist als Behälter zu betrachten und auf das Denksystem auszudehnen und die Beziehung zwischen visueller Schöpfung und multidimensionaler Welt durch das „Herz“, das gemeinsame Informationsaufnahmeorgan der Menschheit und seine Schlagfrequenz, zu erforschen. Obwohl Wörter wie „Globalisierung“ und „Grenzüberschreitend“ usw. immer wieder verwendet wurden, werden wir die neuesten Werke und die Gedanken der Schöpfer aus ähnlichen Perspektiven analysieren, bevor wir passendere Wörter finden.

Nell’acqua capisco
Ateneo Veneto, Organisation: CIAC – Centro Internazionale per l’Arte Contemporanea Castello Colonna Genazzano; Die Hart-Stiftung
Wasser ist der Protagonist dieses Projekts, es erzählt uns die Beziehungen, Kommunikationen, Gefühle und Sehnsüchte, die sich durch dieses Element bewegen, um eine Stimmung auszudrücken. Wasser ist das gemeinsame Merkmal aller ausgestellten Werke, sein umherstreifender Klang versucht, Gefühle der Not zu verbergen, das Eintauchen ins Wasser kann ein Weg sein, die Außenwelt zu erholen. Darüber hinaus bedeutet Wasser, dass wir teilen, inklusive Botschaften interpretieren, Wasser gibt uns die Möglichkeit, ein Gemeinwohl in produktivere Elemente umzuwandeln. All dies wird durch die Werke von Künstlern erzählt, die einen originellen Dialog mit Wasser schaffen konnten, manchmal freudig, oft schmerzhaft, aber immer nachdenklich.

Lärm
Ex Magazzini di San Cassian, Organisation: De Arte Associazione
Einhundert Jahre nach The Art of Noise von Luigi Russolo reflektiert die Ausstellung Lärm als notwendige Bedingung und integralen Bestandteil jedes Kommunikationsprozesses. Die Aufgabe der Kunst besteht darin, den Teil der Kommunikation, der sich der Kodifizierung und dem Verständnis normalerweise entzieht, mit Bedeutung zu verdichten, um so zu einem wesentlichen Prinzip der Unbestimmtheit zurückzukehren. Durch die Annahme eines Modus Operandi, der auf dem Zuhören oder der Immersion basiert, stellen die für die Ausstellung ausgewählten KünstlerInnen die Prozessualität in eine privilegierte Position hinsichtlich der Forderungen nach Repräsentation, während sie im so genannten Irrtum eine wesentliche Voraussetzung für das Verständnis der Komplexität von complexity Existenz.

Sonst besetzt
Liceo Artistico Statale di Venezia, Organisation: Al Hoash
Ansonsten sind in Occupied zwei international renommierte palästinensische Künstler zu sehen, Bashir Makhoul und Aissa Deebi. Beide Künstler wurden innerhalb der Grenzen von 1948 geboren, am Rande eines anderen Staates in ihrer Heimat und außerhalb des besetzten Westjordanlandes und der Zentren der zeitgenössischen palästinensischen Kultur. Sie sind ausgewandert, um Bürger anderer Staaten zu werden, die in einer globalisierten Kunstwelt agieren. Sie betrachten sich immer noch als Palästinenser und suchen nach neuen Wegen, sich die Nation aus der Ferne vorzustellen. Kunst ist in der Lage, Kulturräume zu besetzen, die sonst unzugänglich oder unsichtbar sind. Anders Occupied beschreibt andere Möglichkeiten, sich die Nation außerhalb und jenseits des Konflikts vorzustellen; es ist daher ein Mittel des künstlerischen und kritischen Denkens durch die Deterritorialisierung Palästinas.

ÜBERSPIEL
Associazione Culturale Italo-Tedesca, Organisation: Associazione Culturale Italo-Tedesca di Venezia
OVERPLAY thematisiert interdisziplinär das Verhältnis von Kunst und Krise. Ausgehend von der historischen Bestandsaufnahme der Kunstgeschichte (Caporali, Correggio, Jordaens, Guardi, Rousseau, von Stuck, Schifano, Vedova, Santomaso) führt sie uns zur „Sinnkritikalität“, die in der Installation von Emiliano Bazzanella präsent ist, in der das iPad wird zum Unheimlichen endloser unbeantworteter Fragen, die von einer Software erzeugt werden, oder zu Fluchtversuchen, Rebellion, imaginärer Sublimierung und Rückverwandlung, die eine große Gruppe bedeutender zeitgenössischer Künstler charakterisieren.

Passage to History: Zwanzig Jahre La Biennale di Venezia und chinesische zeitgenössische Kunst
Nappa 89, Organisation: Museum of Contemporary Art, Chengdu
Das Jahr 2013 markiert den zwanzigsten Jahrestag der Teilnahme chinesischer zeitgenössischer Künstler an der Internationalen Kunstausstellung der Biennale di Venezia; es markiert auch zwanzig Jahre des wirtschaftlichen, kulturellen und künstlerischen Austauschs zwischen China und dem Westen. In dieser Zeit ist ein Wandel der akzeptierten Einstellungen gegenüber der chinesischen Kultur und ihrer internationalen Identität in der westlichen Welt sowie gegenüber Chinas Beitrag zur zeitgenössischen Kunst, insbesondere in der Malerei, zu verzeichnen. Daraus leitet sich das Thema Ausstellung, Übergang zur Geschichte ab? Tatsächlich können wir deutlich sehen, dass es das gemeinsame Engagement chinesischer zeitgenössischer Künstler und Kritiker im In- und Ausland sowie jener westlichen Kuratoren mit einer Leidenschaft für Kunst war, die diese kostbare Periode der chinesischen zeitgenössischen Kunstgeschichte ermöglicht haben.

PATO·MEN, CARLOS MARREIROS
Arsenale, Organisation: Büro für Bürger- und Kommunalangelegenheiten von Macau (IACM); Das Kunstmuseum von Macau (MAM)
Dieses Kunstinstallationsprojekt regt zum Nachdenken über Informationen und Wissen, ihre geordnete Anordnung oder nicht und ihre Manipulation an. Von Noah’s Arc bis zur Renaissance, von Giulio Camillos Theatre of Memory bis Steve Jobs‘ Theatre of Memory, wobei Marino Auritis Encyclopedic Palace die Ursache war. Mehrere Theater der Welt bestreiten die Ordnung im Global Theatre, und dennoch gibt es einen Platz für Ethik. PATO·MEN & Women sind eine Minderheit, aber dennoch in beträchtlicher Zahl. Sie sind seltsame Wesen, sehr ordentlich und witzig, fast hedonistisch, die Ethik praktizieren. Dieses Kunstinstallationsprojekt war im Wesentlichen in Schwarzweiß.

PERSÖNLICHE STRUKTUREN
Palazzo Bembo, Organisation: GlobalArtAffairs Foundation
Die Ausstellung präsentiert eine außergewöhnliche Kombination von Kunstwerken, die ein breites Spektrum individueller Ansätze zu den Themen Zeit, Raum, Existenz zeigt. Kunstwerke, die in jedem gegebenen Raum ein aufrichtiges starkes Statement setzen und gleichzeitig dazu beitragen, eine komplexe Gesamtausstellung zu schaffen. Jeder Raum sollte dem Betrachter einen Einblick in jedes präsentierte Kunstwerk, Projekt oder Idee aus der Sicht des Künstlers geben.

Perspektiven von John Pawson
Isola di San Giorgio Maggiore, Organisation: Swarovski Foundation
John Pawson enthüllt eine neue Perspektive der Basilica di San Giorgio Maggiore. Perspektiven bietet dem Besucher einen einzigartigen Blick auf die Schönheit von Andrea Palladios architektonischem Meisterwerk. Die Kombination aus einem konkaven Swarovskikristallmeniskus und einer größeren reflektierenden Halbkugel schafft ein dramatisches optisches Erlebnis, das neues Licht in das Innere der berühmten Benediktinerbasilika bringt. Die Mission der Swarovski Foundation, Kreativität und Innovation durch die Zusammenarbeit mit Architekten, Künstlern und Designern zu fördern, zeigt ihr Engagement für die künstlerische Gemeinschaft und darüber hinaus.

Rhapsodie in Grün
Istituto Santa Maria della Pietà, Organisation: China National Taiwan Museum
Im Jahr 1924, als George Gershwin seine Rhapsody in Blue schuf, goss Huang Tu-Shui (1895-1930), der erste modernistische chinesische Künstler aus Taiwan, seine Bronze In the Outskirts, die einen Ochsen und Kraniche darstellt, eine übliche Ansicht in südasiatischen Reisfeldern . Die Farbe Grün, die in der chinesischen Tradition semantisch mehrdeutig ist und im Bronzeguss fehlt, aber offensichtlich in Huangs Schöpfung enthalten ist, ist der Ausgangspunkt von Rhapsody in Green. Diese Ausstellung untersucht, wie die drei zeitgenössischen taiwanesischen Chinses-Künstler Kao, Tsan-Hsing (1945), Huang, Ming-Chang (1952) und Chou, Yu-Cheng (1976) künstlerisch auf die Farbe Grün reagieren. ein intersubjektiver oder konzeptioneller Ansatz, der uns an seinen RECHTEN Platz in unserem gegenwärtigen Lebensumfeld erinnert.

RHIZOMA (Generation im Warten)
Magazzino del Sale, Organisation: Edge of Arabia
Edge of Arabia ist eine unabhängige Kunstinitiative, die die Wertschätzung zeitgenössischer arabischer Kunst und Kultur mit besonderem Fokus auf Saudi-Arabien fördert. Ihre Ausstellung für die 55. Internationale Kunstausstellung der Biennale di Venezia, RHIZOMA (Generation in Waiting), kuratiert von Sara Raza und Ashraf Fayadh, lässt sich von einer jüngeren Generation saudischer Künstler inspirieren und umfasst bildende Kunst neben Technologie, Wissenschaft und Natur Philosophie. Kuratorin Sara Raza erklärt: „Der Titel und die Prämisse der Ausstellung eignen sich kuratorisch das Konzept eines Rhizoms an, des unterirdischen Stängels einer Pflanze, der Wurzeln seitlich statt nach oben schießt, als Metapher für die aktuelle Generation der blühenden Kunstszene Saudi-Arabiens.“

Salon Schweiz
Palazzo Trevisan degli Ulivi, Organisation: Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia
Der Salon Suisse ist das offizielle Begleitprogramm der Schweizer Beteiligung an der Internationalen Kunstausstellung der Biennale. Es umfasst Podiumsdiskussionen und Lesungen, aber auch experimentelle Formate wie audiovisuelle Performances, Reenactments und Performance Lectures. Die diesjährige Ausgabe widmet sich dem Erbe der europäischen Aufklärung in der zeitgenössischen Kunstwelt. Der Kurator des Salon Suisse, Jörg Scheller, hat internationale Theoretiker und Künstler zu einer multiperspektivischen Diskussion über Aufklärung eingeladen. Alle Veranstaltungen finden im historischen Palazzo Trevisan statt.

Schottland + Venedig 2013
Palazzo Pisani di Santa Marina, Organisation: Schottland + Venedig
Eine Ausstellung mit neuen Arbeiten von drei markanten Künstlern, die heute in Schottland arbeiten. Corin Sworn schafft Installationen, die die Art und Weise erkunden, wie Objekte zirkulieren, um Geschichten zu verbreiten und Geschichten zu schaffen. Duncan Campbell produziert Filme, die Archivmaterial mit seinem eigenen Filmmaterial kombinieren und die präsentierten Informationen hinterfragen. Hayley Tompkins stellt bemalte Objekte her, die vertraute, alltägliche Dinge verwandeln – wie Messer, Hämmer, Mobiltelefone oder Möbel. Die Ausstellung wird kuratiert und organisiert von The Common Guild, Glasgow. Scotland + Venice ist eine Partnerschaft zwischen Creative Scotland, British Council Scotland und den National Galleries of Scotland.

Stahlleben, Stillleben
Loggia del Temanza, Organisation: Centro Studi e Documentazione della Cultura Armena
Eine Frau blickt mit intensiver Energie durch das Leben und durch uns hindurch auf die andere Seite. Was ist auf der anderen Seite? Der Reststahl glänzt mit einer starken Redundanz; ein Rückstand, der nicht das Leben ermöglicht hat, das er hätte machen können. Ein kinematografischer Fluss durchzieht die Zeitlichkeit der Fotografie von Norayr Kasper, die der Nostalgie ebenso fern ist wie der Fotoreportage. Bei diesen Arbeiten geht es nicht um Verschwinden, sondern um Existenz. Steel-Lives, Still-Life ist eine Erzählung in palladianischer Leichtigkeit. Die Frau weiß auch, dass sie von einer Welt eingeklammert wurde, die ohne sie weitergegangen ist. Dies ist ein Stillleben, aber eines, das die Realität schockiert.

Der Traum von Eurasien. 987 Erfahrungsberichte: Die italienische Haltung
Palazzo Barbarigo Minotto, Organisation: Fondazione Antonio Mazzotta
Die Installation verkörpert zwei Aspekte: Omar Gallianis künstlerische Sprache, die auf die große italienische Renaissance-Tradition zurückgreift, und seine Fähigkeit, einen Dialog zwischen europäischen und asiatischen Kulturen herzustellen. Die zugrundeliegende Metapher für das Verständnis dieser neuen Konfiguration ist das Fraktal: Das Oval des eurasischen Gesichts stellt die Gesichter von Millionen dar, auf denen die Säule verwurzelt ist. Morphologische und kulturelle Vielfalt wird durch das Teilen eines neuen Wertes anerkannt, der aus der Vereinigung von Unterschieden resultiert. Zur Umsetzung des Projekts beziehen Künstler und Kuratoren in Synergie mit italienischen Firmen 987 Testimonials ein, deren Anwesenheit in Form von Fotos und Videomaterial dokumentiert wurde.

Der Canal Grande
Museo Diocesano, Organisation: China Grand Canal Antrag auf Welterbeliste Büro in Yangzhou; Internationale Künstlervereinigung West Lake.
Der Große Kanal von China, ein lebendiges Kulturerbe und Thema dieser begleitenden Ausstellung, wurde gegraben, um den Austausch von menschlichen und materiellen Ressourcen zu öffnen und führte zu einer enzyklopädischen Verbreitung von Kunst, Ideen und Kultur im Einklang mit der heutigen Globalisierung. Diese Ausstellung zeigt die Verschmelzung von zeitgenössischer chinesischer Kunst, Geschichte, Tradition und der materiellen Welt. In einer Erforschung der kulturellen und praktischen Bedeutung des Canal Grande beschäftigen sich chinesische Künstler mit komplementären Dichotomien wie von Menschenhand/natürlich, traditionell/zeitgenössisch, männlich/weiblich und materiell/spirituell.

Die intime Subversion von Ángel Marcos
Scuola di San Pasquale, Organisation: MUSAC-Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León; Junta de Castilla y León
„Wenn Sie die Richtung nicht ändern, können Sie dort landen, wo Sie hinwollen.“ Chinesisches Sprichwort. Was können wir tun? Diese Frage bildet den Grundkörper des Projekts, fügt aber eine Synthese hinzu: Möglicherweise müssen die Maßnahmen, die wir ergreifen können, um eine nachhaltige Zivilisation aufzubauen, mit unseren intimen Gefühlen und Gedanken verbunden sein, jenen Territorien des kreativen und affektiven Denkens, die mit Energie aufgeladen sind und von sehr schwerer Zerstörung. Wir wissen, was die Territorien in der Nähe von Besitztümern von sich geben können, sowie die Nachahmung der Geisteszustände für den Konsum; Versuchen wir es daher mit Zuneigung, denn wir haben keine andere Wahl.

Die Joycean-Gesellschaft
Spazio Punch, Organisation: Fondation Prince Pierre de Monaco
Dora Garcia ist die Gewinnerin des Internationalen Preises für zeitgenössische Kunst (PIAC) der Fondation Prince Pierre von Monaco für ihre Arbeit The Deviant Majority (2010), nominiert vom Kurator Agustin Perez Rubio. Für 2013 schlägt Garcia vor, eine neue Arbeit zu produzieren, The Joycean Society (2012-2013), die sie als dritte in einer Reihe betrachtet. Dieses Kunstwerk (Videoinstallation) wurde von Lesegruppen und Literaturclubs inspiriert, insbesondere von denen, die sich regelmäßig treffen, um die Werke von James Joyce laut vorzulesen. In dieser Arbeit beobachtet und dokumentiert die Künstlerin Momente, in denen Mitglieder einer Gemeinschaft versuchen, eine literarische Sprache in Beziehung zu den Erzählungen und Geschichten zu verstehen, die das Schreiben übersetzt.

Das Museum von allem
Serra dei Giardini Viale Giuseppe Garibaldi, Organisation: The Museum of Everything
Das Museum of Everything ist das weltweit erste Wandermuseum für ungeübte, ungewollte und unentdeckte Künstler unserer Zeit. Seit 2009 hat es über 500.000 Besucher zu seinen gefeierten Installationen in Großbritannien, Frankreich, Italien, der Türkei und Russland begrüßt. Das Museum of Everything arbeitet mit führenden Schriftstellern, Denkern, Kuratoren und Künstlern zusammen und ist der weltweit führende Verfechter der alternativen Kunstgeschichte des 19., 20. und 21. Jahrhunderts.

Dies ist nicht nur ein Pavillon
Palazzo delle Prigioni, Organisation: Taipei Fine Arts Museum of Chinese Taiwan
Indem sie die Identität des Fremden vorschlägt, manifestiert diese Ausstellung eine gemeinsame Sorge um die Dringlichkeit des Zusammenlebens in der heutigen Welt. Drei Projekte von Bernd Behr, Chia-Wei Hsu und Katerina Šedá + BATEŽO MIKILU erfassen die politischen Beziehungen zwischen Imagination und Realität und untersuchen, wie die in Subjektivierung bzw.

Thomas Zipp – Vergleichende Untersuchung zur Disposition der Kreisbreite
Palazzo Rossini-Revedin, Organisation: Arthena Foundation
Das Projekt des deutschen Künstlers Thomas Zipps bezieht sich sowohl auf The Width of a Circle von David Bowie, dessen Text mit Gleichnissen aus Nietsches Thus sprach Zarathrustra seine Beziehung zur „Teufelsdroge“ ausdrückt, als auch auf l’arc de circle, das metaphorisch Reaktionen bezeichnet ausgelöst bei hypnotisierten Patienten zu Hysterieforschungszwecken von Jean-Maria Charcot (1825-1983). Zipp installiert eine Version einer psychiatrischen Abteilung, die sich mit Hysterie und der Dualität (Schizophrenie) in einer Person beschäftigt – der Künstler ist Patient und Arzt zugleich. Zipp erforscht das Unbewusste, erforscht die Auswirkungen von Drogen, Heavy Metal, Philosophie, Religion und versteckte Aspekte der Psychiatrie und Psychoanalyse.

Übergänge
Dorsoduro 453, Organisation: Nuova Icona
Trotz ihrer unterschiedlichen Hintergründe, künstlerischen Medien und geografischen Trennung teilen die Kunstwerke von Victor Matthews und Paolo Nicola Rossini eine Auseinandersetzung mit dem Thema Transition und erzählen dabei ihre Geschichten. Beide Künstler hinterfragen universelle Themen wie Leben, Erinnerung, Traum und Unterbewusstsein, Realität, Zeit und Raum und den Übergang von einem Moment oder einer Idee zum nächsten. Vom gleichen Startpunkt aus erreichen beide jedoch sehr unterschiedliche Ziele. Diese beiden Künstler präsentieren den Blick auf ihre Realität, wie sie von ihnen intern wahrgenommen wird, und hinterfragen, wie man die Landschaften um uns herum wahrnimmt und was wir sehen. Sie fordern dieses Bild durch seinen Übergang heraus – externalisieren es durch ihre Malerei und Fotografie.

Vereinte Kulturnationen
Palazzo Bacchini delle Palme, Organisation: Tongli Academic Exchange Centre Foundation
United Cultural Nations wird von Mi Qiu gegründet. Dieser Begriff ist aus seinem täglichen Mantra zum Spaß und zum Ernst. Zeit und Ort in diesem Moment war nichts wichtig, obwohl schöne Menschen und sanfter Wein. Wir sind frei von materiellen und konkreten Gefühlen.

Universo Donna
Museo Storico Navale, Organisation: Marina Militare
Der Künstler hat viele Werke, auch religiöse Werke, für die italienische Marine fertiggestellt und einen künstlerischen Lehrplan entwickelt, der an der „Schule“ von Pericle Fazzini und Emilio Greco gebildet wurde, um den Mann durch „Körperlichkeit und Volumen“ dem Geheimnis des Lebens näher zu bringen. . Das Thema der Ausstellung, das die Künstlerin erreichen will, ist in der Tat „das Verständnis und die Beschreibung der Frauenseele durch Körperlichkeit und Volumen“.

Stimme des Ungesehenen: Unabhängige chinesische Kunst 1979/heute
Tesa alle Nappe 91, Organisation: Guangdong Museum of Art
Wer sind, wo sind sie und was machen jetzt die Künstler, die mit dem historischen Ereignis der Ausstellung zur „Mauer der Demokratie“ von Xidan 1979 in Peking den immer einflussreicheren Strom unabhängiger zeitgenössischer Kunst in China geboren haben? Diese Veranstaltung ist der bisher ehrgeizigste Versuch, diese Fragen umfassend zu beantworten, indem sie die Geschichte der chinesischen Kunst der letzten dreißig Jahre anhand der Werke der Künstler der Post-Avantgarde der 80er und 90er Jahre beleuchtet , die Bewegung der inoffiziellen oder unabhängigen chinesischen Kunst.

Wer ist Alice?
Spazio Lightbox, Organisation: National Museum of Contemporary Art, Korea
Wer ist Alice? ist eine thematische Sonderausstellung, die die ständige Sammlung des National Museum of Contemporary Art, Korea, präsentiert. Die Ausstellung präsentiert 30 Werke von 16 koreanischen Künstlern, die die Grenzen von physischem Raum und Zeit überschreiten und verschiedene Konzepte und Formen abdecken, die die Grenzen von „Realität und Nicht-Realität“ sowie „Träumen und Realem“ überschreiten. Das Publikum wird zur „Zeitreise“ durch die Raumzeit eingeladen, wie Alice im Wunderland, die einen plötzlichen Sprung in den Kaninchenbau wagte. Das Publikum träumt durch einen mysteriösen Raum der Realität und Imagination und wird zur Hauptfigur im „Schattenspiel“ seiner eigenen Geschichten.

‚Du (du).‘ – Lee Kit, Hongkong
Arsenale, Organisation:M+, Museum für visuelle Kultur; Hong Kong Arts Development Council
‚Du (du).‘ setzt seine Erkundung des Alltäglichen fort. Die Ausstellung besteht vollständig aus neuen Aufträgen und ist durch die Erinnerung an persönliche und kollektive Momente konzipiert. ‚You (you).‘ nimmt die universelle, aber nicht-existierende Entität, die durch den Titel angedeutet wird, als Ausgangspunkt und blickt auf den Begriff der Abwesenheit, um über die Konstruktion von Erinnerungen, Zeit und Orten nachzudenken. Lee integriert verschiedene Elemente wie Bewegtbild, vorgefertigte Objekte und Sound, um Spuren immaterieller Dialoge zu suggerieren und die Möglichkeit zu geben, die Textur des Alltäglichen zu beschwören.

Projekte
La Biennale organisierte auch Meetings on Art, eine Reihe von Vorträgen, Performances und Debatten, die in diesem Jahr durch ein Projekt von Marco Paolini bereichert wurde, einem der Künstler, die von Gioni eingeladen wurden, an der 55. Ausstellung teilzunehmen. Im Herbst finden vier unterschiedliche Kunstbegegnungen statt: Eine zum Mythos des Autodidakten Existence is Elsewhere; eine zur Anthropologie der Bilder und Kunstgeschichte, Image-Worlds; und einer in der Enzyklopädie und anderen Fantasien, Nichts ist süßer als alles zu wissen. Das letzte Treffen, Let’s Talk About Us, ist für den 24. November 2013, den Abschlusstag der 55. Internationalen Kunstausstellung, geplant.

Es wurden Bildungsaktivitäten organisiert, die sich an Einzelpersonen und Gruppen von Studenten aller Klassenstufen, an Universitäten und Akademien der bildenden Künste sowie an Fachleute, Unternehmen, Experten, Fans und Familien richteten. Diese Initiativen, die von einem ausgewählten Team von Ausstellungsführern durchgeführt werden, die von der Biennale di Venezia geschult wurden, zielen darauf ab, die Teilnehmer sowohl in Bildungsrouten als auch in Labors und kreativen Workshops aktiv einzubeziehen.