Räume des 20. Jahrhunderts, erster Sektor, Nationalgalerie für moderne und zeitgenössische Kunst in Rom

Die Ausstellung „Time is Out of Joint“ in der Nationalgalerie für moderne und zeitgenössische Kunst in Rom bietet einen Diskurs über die Zeit, ihre Beständigkeit, Unbeständigkeit und ihren sich ständig ändernden Zustand, um den Raum der Galerie herauszufordern und zu renovieren, der neue Interpretationen ermöglicht der Kunst als je zuvor.

Ein verzerrtes Zeitgefühl mit Kunst aus dem späten 19. Jahrhundert, Kunst aus der Mitte des 20. Jahrhunderts und Kunst aus dem 21. Jahrhundert, die nicht zusammen zu gehören scheinen. Alles hat eine Beziehung; Sei es mit den Künstlern, dem Thema, den Bewegungen, in denen die Kunst produziert wurde, oder nur durch die Ästhetik.

In jedem Raum gibt es Kunstwerke mit unterschiedlichen Medien, die Sie über die Beziehung der Stücke nachdenken lassen, und es ist schwierig, da die meisten Beziehungen nicht offensichtlich sind. An einem Ort, an dem Kunst aus verschiedenen Zeiträumen und Kunstbewegungen in einem Raum zusammengefügt werden, kommen sie in einem leeren Raum zusammen, in dem die Wände und das Dekor keine Veranlagung oder Ermächtigung für die Kunst haben. Auf diese Weise kann das Publikum darüber nachdenken, warum sie alle zusammengesetzt sind.

An den weißen Wänden heben sich diese Teile auf die eine oder andere Weise hervor, sei es Farbe, Maßstab, Rahmen oder das Umgehen eines Teils, das an einem Ort platziert wurde, um jeden Winkel zu betrachten und mit ihm zu interagieren. Die Interaktion zwischen Kunst und Publikum, nicht durch Berühren, sondern durch Bewegung, Geräusche oder provokative Bilder, um sie zum Stoppen und Nachdenken zu bringen. Was anders sein könnte, sind die Wandetiketten, da sie nur den Künstler, den Objekttitel und das Datum enthalten und nicht das verwendete Material oder woher es stammt.

Raum 1
Rom 1911 Jahr des 50. Jahrestages
Dieser Raum, der eine Einführung in das neue Jahrhundert bietet, und die folgenden Räume sind der großen internationalen Ausstellung gewidmet, die 1911 anlässlich des fünfzigsten Jahrestages der Vereinigung Italiens in Rom stattfand. Bei dieser Gelegenheit wurde der Palazzo delle Belle Arti als ständiger Sitz der Galerie errichtet und das Gebiet Roms zwischen dem Valle Giulia und der Viale Mazzini urbanisiert. Außerdem wurde die Risorgimento-Brücke (die erste Stahlbetonbrücke in Rom) gebaut, um die neue zu verbinden Bereiche.

Raum 2
Rom 1911 das Jahr des 50. Jahrestages
Es ist ein Raum, der aus einem Zwischengeschoss stammt. Sie können ihn erreichen, indem Sie die Treppe vom vorherigen Raum hinaufsteigen. Er ist selten für die Öffentlichkeit zugänglich.

Immer noch der Ausstellung von 1911 gewidmet, aber ausländischen Künstlern vorbehalten.

Raum 3
Rom 1911 das Jahr des 50. Jahrestages

Ein weiterer Raum, der der Ausstellung von 1911 gewidmet ist, scheint neben ausländischen Künstlern zwei Werke des römischen Ferruccio Ferrazzi (1891 – 1978) das Thema Arbeit zu haben.

Raum 4
Divisionisten des 20. Jahrhunderts
Der Korridor mit Blick auf den Balla-Raum ist den Divisionisten des ersten Jahrzehnts des 20. Jahrhunderts gewidmet. In Boccioni, Russolo und Cominetti gibt es ein Omen des Futurismus.

Raum 5
Armando Spadini
Der Raum ist dem Florentiner Maler Roman durch Adoption und anderen gewidmet, die in ihrem Gemälde über postimpressionistische Echos berichten.

Raum 6
Rom 1911, Klimt und Klima der Sezessionsschule
Der Raum ist einem der Juwelen der Galerie gewidmet: Gustav Klimt, Die drei Zeitalter der Frauen, 1905.

Gekauft auf der Romausstellung 1911 nach unterschiedlichem Druck auf den Direktor der Galleria Ugo Fleres, der sie nicht kaufen wollte. „Es ist eines der Meisterwerke des österreichischen Meisters und beispielhaft für seinen Stil: poetisch für die symbolischen Bilder, musikalisch in der rhythmischen Kadenz der Linien und in der Symphonie der Farben, so akribisch wie ein Goldschmiedewerk im Kontext des Gold- und Silberlatten in der Oberfläche der Farben, die von der Transparenz eines Schleiers zur glasartigen Härte eines Emails übergehen. Die Arbeit wird zitiert in: Argan, L’arte Moderna 1770/1970, 1970 Sansoni; und in Mary Hollingswrth, L ‚Kunst in der Geschichte der Menschheit, 1997 Giunti.

Raum 7
Balla: die Debüts und die Erfahrung der Divisionisten
Ballas Gemälde in der Galerie sind mit einigen Ausnahmen das Ergebnis der Spende der Töchter des Künstlers (1984). In diesem Raum finden wir den Divisionist Balla. In diesen Jahren wurde sein Studio von Boccioni, Severini und Sironi besucht.

Raum 8
Bella Epoque Porträt
Im Raum befinden sich Werke weltlicher Porträtmalerei des ersten Jahrzehnts des Jahrhunderts. Giovanni Boldini, Porträt von M.lle Lanthelme, 1907.

Die Schauspielerin, Liebhaberin von Alfred Edwads, einer hochfinanzierten Persönlichkeit und Inhaberin von Zeitungen, darunter Le Matin, ist vertreten. Er fiel von der Yacht ins Wasser und starb unter unklaren Umständen. In hellem Schwarz gekleidet, auf dunklem Hintergrund, sind die Schleife an Taille und Gesicht rosa, die Hand an der Seite, der stetige Blick eines fast dreisten Sicherheitsdienstes. Beispiel für Pariser Weiblichkeit. Aus: Katalog der Boldini-Ausstellung, die 2005 in der Galerie stattfand. Giovanni Boldini, Porträt der Marquise Casati, 1911-13.

Die Tochter eines wohlhabenden lombardischen Industriellen, Ehefrau des Marquis Camillo Casati, von dem sie sich 1914 offiziell trennte. Von 1906 bis 1938 war sie die Geliebte und inspirierende Muse von Gabriele D’Annunzio, die sie Corè nannte, und machte sie zur Protagonistin in „Vielleicht das ja, vielleicht auch nicht. „Luisa Amman, das ist der wahre Name, konnte einen echten Kult um ihre legendäre, exzentrische, mysteriöse Person schaffen. Immer originell, sehr elegant, magnetisch, zentralisierend, Patronin der Künstler (Sarah Bernhardt), Sammler auch seiner Porträts, die Künstlern und Fotografen in Auftrag gegeben wurden. Die Marquise traf und beherbergte Boldini, die sie „La Divina“ nannte. Aus: Ausstellungskatalog über Boldini in Gnam im Jahr 2005.

Paolo Troubetzkoy, meine Frau, 1911. „Witzige Darstellung eines damaligen Models. Aus einer russischen Adelsfamilie stammend, brachte es die letzten Echos der lombardischen Scapigliatura ins neue Jahrhundert.“ Aus: Palma Bucarelli, Nationalgalerie für moderne Kunst, 1973 State Polygraphic Institute.

Raum 9
Die Zeit der Avantgarden
Der Saal ist den historischen Avantgarden gewidmet, die sich in den ersten dreißig Jahren des 20. Jahrhunderts etabliert haben und in realen Bewegungen artikuliert sind, die konzeptionell miteinander verbunden und vorbereitend miteinander verbunden sind. Sie sind: Expressionismus (Die Bruke 1905, nicht in der Galerie vorhanden / Fauves 1905), Kubismus 1907 / Futurismus 1910, Abstraktionismus (Der Blaue Reiter 1911 / Neoplastizismus 1917), Dada 1920er Jahre, Metaphysik 1917 (siehe Raum De Chirico) und Surrealismus 1930 (siehe Sammlung Arturo Schwarz).

Expressionismus 1905 formulierte eine Gruppe junger Maler in Dresden mit der Absicht, die Sprache der Kunst zu erneuern, ein reales Programm und erhielt den Namen Die Brucke, das heißt Die Brücke, der Weg in die Zukunft, verstanden als Erneuerung von Kunst. Die Künstler dieser Gruppe glauben, dass jedes Werk die Komposition des Betrachters irgendwie beeinflussen kann und genau um die Öffentlichkeit für die Probleme der sozialen Realität zu sensibilisieren, stellen sie häufig Themen dar, die sich auf das Leben der am stärksten benachteiligten Klassen beziehen, indem sie schematische Formen und gewalttätige Farben verwenden dass sie großes Drama und Spannung vermitteln. Die Bilder unterliegen einer heftigen Verformung, die die psychologische Spannung des Künstlers zum Ausdruck bringt. 1911 löste sich die Gruppe auf, sie waren Teil davon: Ernest Kirchner, Emil Nolde, Max Pechstein und andere. Der deutsche Expressionismus ist auch eine literarische Strömung.

In Frankreich, ebenfalls 1905, manifestiert sich die Fauves-Gruppe, das heißt Le Belve. Die Aufmerksamkeit der Künstler richtet sich hauptsächlich auf die Farbe, auf den breiten und vollmundigen Pinselstrich und nicht auf das, was dargestellt wird. Hauptexponenten sind: Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, André Derain und Kees Van Dongen. 1907 löste sich die Gruppe auf.

Kubismus Die wichtigste Avantgarde-Bewegung des Jahrhunderts: Pablo Picasso und Georges Braque waren ihre Gründer in Frankreich im Jahr 1907. Sie beginnen mit dem Studium der Realität, brechen sie jedoch auf und bauen sie dann in einer bestimmten Reihenfolge auf der Leinwand auf, die abbricht die Unterscheidung zwischen den Figuren, den Objekten und dem Raum, in den sie eingefügt werden. Sie kamen zum Kubismus, nachdem sie sich mit Cezannes geometrischen Formen und der afrikanischen primitiven Skulptur befasst hatten, die Matisse bekannt gemacht hatte. Der Begriff Kubismus wurde 1908 von der Presse geprägt, nachdem einige Gemälde von Braque ausgestellt wurden, in denen die Häuser auf kleine Würfel reduziert wurden: „Case all’Estaque“ (hügeliges Relief in Südfrankreich) 1908, heute in Bern. Für Apollinaire „ist Kunst mit Kubismus nicht mehr Nachahmung, sondern Denken“ (von Apollinaire, kubistische Maler, 1911).

Futurismus 1909 wird in Italien und Frankreich (am 20. Februar auf Figaròof Paris) das Futurismus-Manifest (Marinetti) veröffentlicht, das sich mit Literatur, Theater und Kino befasst. 1910 folgte er dem Manifest der futuristischen Malerei und 1912 dem der Architektur. Sie unterschreiben das technische Manifest der futuristischen Malerei: Boccioni, Carrà, Russolo, Balla und Severini. Der futuristische Traum ist es, die Vergangenheit zu zerstören, nur die Zukunft kann existieren, und wir müssen danach streben, uns ständig erneuern und die von der Tradition auferlegten Regeln aufgeben. Bilder, Töne und Worte können nur in einer Welt neu sein, die zunehmend von Maschinen erneuert wird und sich kontinuierlich und schnell verändert. Die Darstellung von Bewegungseffekten ist daher die Grundlage futuristischer Malerei und Skulptur. Aus dem Manifest: „Ein laufendes Pferd hat nicht vier Beine, sondern zwanzig …“.

Abstraktionismus Abstrakte Kunst beginnt 1910, als Kandinsky ein Aquarell aus farbigen Flecken in Kombination mit Stiftmarken aufführt: „Ohne Titel“, 1910 Paris, Museum of Modern Art. 1911 gründete Vasili Kandinskijand Franz Marc in Monaco die Bewegung Der Blaue Reiter, „Der Blaue Ritter“, die wie die Kubisten behauptet, dass das Bild nicht die Natur darstellen muss, um zu kommunizieren, Empfindungen, Emotionen, Ideen werden durch Farben geweckt. Linien, von den Lichtern, unabhängig davon, was sie bedeuten. Mit dem Abstraktionismus will die Kunst innere, spirituelle Inhalte kommunizieren; er will die Realität nicht interpretieren, Kunst wird zum Ausdruck des psychologischen Lebens des Einzelnen. Diese Bewegung kann als lyrischer Abstraktismus definiert werden. Andere wichtige Vertreter sind Paul Klee und August Macke. Für Klee: „Der Künstler arbeitet irrational“.

1917 verbreitete sich in Holland die Neoplastizität in der Zeitschrift „De Stijl“ des Malers Piet Mondrian. Mondrians Gemälde basieren fast zwanghaft auf horizontalen und vertikalen Linien, die Sektoren kompakter Farben trennen, ohne Nuancen, fast immer Primärfarben: Rot, Gelb, Blau. Mondrian neigt dazu, jede subjektive Interpretation zu eliminieren und jedes Kompositionsproblem so zu lösen, als würde es das bauen Beweis eines Satzes.

Russische Avantgarde Nachdem russische Künstler etwas über Kubismus und Futurismus gelernt haben, schaffen sie avantgardistische künstlerische Bewegungen von internationaler Bedeutung. Rassismus. Es wurde von den Ehepartnern Larianov gegründet und definiert sich als Synthese von Kubismus und Futurismus. Es zeichnet sich durch bissige und dynamische Linien aus, ähnlich wie Lichtstrahlen, kombiniert mit sehr lebendigen Farben.

Suprematismus. Mondrians ähnliche Forschung wurde 1915 von Kasimir Malewik gegründet, in dem zum ersten Mal ein Kunstwerk nur aus geometrischen Formen besteht.

Konstruktivismus. Es wurde 1915 von Vladimir Evgrafovič Tatlin gegründet und bietet eine sozial engagierte Kunst. Das bevorzugte Forschungsgebiet ist Industriedesign und Architektur. Di Tatlin ist das nie realisierte Projekt des „Modells für das Denkmal für die Dritte Internationale“ 1919-20.

Raum 10
Sammlung Schwarz – Werke Dada
Die Arbeiten in diesem und im nächsten Raum sind das Ergebnis einer privaten Spende aus dem Jahr 1997. Die Bewegung wurde 1916 in Zürich geboren, wo Künstler und Intellektuelle bei Ausbruch des Ersten Weltkriegs Zuflucht gesucht hatten, da die Schweiz ein neutrales Land war. Drei Jahre zuvor hatte Duchamp „Das Fahrradrad“ geschaffen. Ausgehend von dem Wunsch, mit der Gesellschaft und Kultur zu brechen, die zum Krieg geführt haben, haben diese Künstler eine Bewegung geschaffen, die gegen alle Regeln verstößt, auch gegen die der Sprache und Kunst. Das Passwort lautet „nichts“, das gleiche Wort Dada, sagt Tzara , bedeutet nichts. Marcel Duchamp sieht er eine Welt voller Massenobjekte. Um diese Geschmackskonformität zu bekämpfen, nimmt er diese Objekte und stellt sie aus, wie im Fall des Urinals, genannt Brunnen und signierter Mutt, das 1917 in New York vorgestellt wurde.

Raum 11
Sammlung Schwarz – Surrealismus
Das Zimmer befindet sich im Zwischengeschoss über dem vorherigen Zimmer. Der Surrealismus oder die höhere Realität ist eine literarische und künstlerische Bewegung, die den irrationalen Teil des Menschen neu bewertet hat, dh die Welt des Unbewussten, der Vorstellungskraft, des Traums, der psychischen Impulse, des tiefsten Teils unseres Geistes, von dem wir sind nicht bewusst. Für den Dichter André Breton, der das erste Manifest veröffentlichte, muss der Surrealismus das Denken „automatisch“ ohne Kontrolle der Vernunft ausdrücken. Das künstlerische Schaffen wird so unmittelbar, automatisch und in der Lage, jeden inneren Herzschlag oder jede psychische Schwingung zu registrieren. Die surrealistische Kunst basiert auf der psychoanalytischen Forschung von Sigmund Freud. Sie sympathisieren mit den radikalsten Bewegungen dieser Jahre. Die erste Gruppenausstellung fand 1925 in Paris mit Man Ray, Arp, Masson, Picasso,

Raum 12
Die Rückkehr zu den archaischen Werten eines ländlichen Italiens
Der Raum ist wie folgt jenen Künstlern gewidmet, die sich zwischen den beiden Weltkriegen der künstlerischen Bewegung „plastische Werte“ angeschlossen haben, zuerst und dann „zwanzigstes Jahrhundert“. Die Rückkehr zur Ordnung wird als Wiederherstellung der Tradition verstanden und will die Wiederherstellung der primitivistischen (Giotto) und Renaissance-Tradition.

Plastische Werte Es handelt sich um eine italienische Kunstbewegung, die mit der von Mario Broglio (1918-22) gegründeten Zeitschrift verbunden ist und Künstler mit unterschiedlichem Hintergrund in ihren Reihen willkommen heißt: Carrà, Morandi, De Chirico, Soffici und die Bildhauer Melli und Martini. Er veröffentlichte Monographien über italienische Künstler und ausländische Künstler und Bewegungen. Während die Zeitschrift eine wichtige informative Funktion hatte, war die Bewegung klar auf den Aufruf zur Ordnung ausgerichtet und hob die Werte der Form hervor, die sich auf die Tradition des fünfzehnten Jahrhunderts beziehen.

Die italienische Kunstbewegung Novecento, charakteristischer Ausdruck der aus dem Ersten Weltkrieg hervorgegangenen nationalen Kultur, sanktionierte den Verzicht auf die Ideale der Avantgarde, um in einem nationalistischen Schlüssel die Prinzipien der „Rückkehr zur Ordnung“ zu erarbeiten: die primitivistische (Giotto) und Renaissance-Tradition, das Studium des Formvolumens, dessen Prämissen bereits in Valori Plastici und in der metaphysischen Malerei von Carrà und De Chirico zu finden sind. Es war gleichbedeutend mit dem literarischen und musikalischen 20. Jahrhundert. Seine Geburtsurkunde stammt aus dem Jahr 1922 mit der Ausstellung einer ersten Gruppierung (Bucci, Funi, Malerba, Oppi, Sironi, Dudreville und Marussig) in der Pesaro-Galerie in Mailand. Für die Biennale 1924 hoffte sie in der Präsentation Margherita Sarfatti auf eine breiterer Einsatz von Kräften.

Raum 13
Plastische Werte, magischer Realismus,
20. Jahrhundert

Raum 14
Die Luft von Paris
Der Raum ist Giorgio De Chirico und der Metaphysik gewidmet, aus dem Griechischen jenseits der physischen, der von ihm und Carrà 1917 in Ferrara konzipierten künstlerischen Bewegung. Im Gegensatz zum Futurismus dominiert in den Gemälden der Metaphysik die absolute Stille. Die Szenen werden von seltsamen Mannequins anstelle von Lebewesen bevölkert: Der Raum, der immer in der Perspektive definiert ist, ist unwirklich, erscheint durch Konstruktionen oder Landschaftselemente in einer nicht realen Reihenfolge begrenzt, um an Träume zu denken. In unmöglichen Szenarien werden die Objekte absurd angefahren und projizieren vergrößerte und sich abzeichnende Schatten. Die metaphysische Welt ist leer und unbewohnt. Neben De Chirico und Carrà waren Giorgio Morandi, Alberto Savinio (der Bruder von De Chirico) und Filippo de Pisis weitere Vertreter.

Raum 15
Große nationale Strömungen in den dreißiger Jahren
Der Saal ist den repräsentativsten Künstlern der dreißiger Jahre gewidmet, die der künstlerischen Bewegung des 20. Jahrhunderts zuzuschreiben sind. Sie können als die „offiziellen“ Künstler des damaligen Regimes angesehen werden.

Auf den kurzen Seiten des Saals zeugen zwei große Werke von der Kunst, die der Faschismus für die Dekoration öffentlicher Gebäude benötigt. Sie lassen sich nicht auf die Bewegung des 20. Jahrhunderts zurückführen, sondern können im Hinblick auf das kulturelle und politische Klima der Zeit als Werke der Umgehung betrachtet werden. Sie sind offen in Dissense arbeitende Werke in Bezug auf das Regime, die die Methoden des Expressionismus anwenden, die bereits in der Avantgarde-Halle gesehen wurden.

Der Raum ist dem Neorealismus gewidmet, einer kulturellen Bewegung, die in der Zeit des politischen Engagements des Widerstands geboren wurde und sich mit dem sozialen Aspekt und vor allem mit dem harten, aber würdigen Leben der Demütigen befasst, dessen Sprache für die Massen verständlich ist. Neorealismus wird in der Literatur mit Pavese, Vittorini, Fenoglio, Pratolini ausgedrückt; und im Kino mit Rossellini (Autor von Rome Open City), Visconti (Autor von La terra trema) und De Sica (Autor von Bicycle Thieves und Sciuscià).

Raum 17
Der Krieg in Nachkriegserinnerung – Korridor und Zentralgericht

Raum 18
Neue Front, Neorealismus, Postkubismus
Der Raum repräsentiert die künstlerische Forschung der unmittelbaren Nachkriegszeit.

Raum 19
Evolution und Landungen der abstrakten Kunst
Dieser Raum ist auch den vielen künstlerischen Stimmen der italienischen Nachkriegszeit gewidmet, in denen Künstler in Rom tätig sind.

Raum 20 (vorübergehend geschlossen)
Nicht figurative Skulptur in den fünfziger und sechsten Jahren

Nationalgalerie für moderne und zeitgenössische Kunst in Rom
Die Nationalgalerie für moderne und zeitgenössische Kunst, auch bekannt als La Galleria Nazionale, ist eine Kunstgalerie in Rom, Italien. Es wurde 1883 auf Initiative des damaligen Ministers Guido Baccelli gegründet und widmet sich der modernen und zeitgenössischen Kunst.

Es beherbergt die umfassendste Sammlung italienischer und ausländischer Kunst vom 19. Jahrhundert bis heute. Unter Gemälden, Zeichnungen, Skulpturen und Installationen sind die fast 20.000 Werke der Sammlung Ausdruck der wichtigsten künstlerischen Strömungen der letzten zwei Jahrhunderte, vom Neoklassizismus bis zum Impressionismus, vom Divisionismus bis zu den historischen Avantgarden des frühen 20. Jahrhunderts Futurismus und Surrealismus, der auffälligste Kern italienischer Kunst zwischen den 1920er und 1940er Jahren, von der Bewegung des 20. Jahrhunderts bis zur sogenannten römischen Schule.

Die Nationalgalerie für moderne und zeitgenössische Kunst bewahrt die gesamte Sammlung internationaler und italienischer Kunst vom 19. bis zum 21. Jahrhundert auf, die aus 20.000 Kunstwerken besteht, darunter Gemälde, Zeichnungen, Skulpturen und Installationen, und repräsentiert die wichtigsten künstlerischen Bewegungen der letzten zwei Jahrhunderte . Vom Neoklassizismus bis zum Impressionismus, Divisionismus und historischen Avantgarden des frühen 20. Jahrhunderts, Futurismus, Surrealismus, die bemerkenswerteste Werkgruppe der 20er bis 40er Jahre, von der Novecento-Bewegung bis zur sogenannten Scuola Romana, vom Pop Kunst für Arte Povera, zeitgenössische Kunst und Künstler aus unserer Zeit und mehr sind in der Sammlung und im Raum der La Galleria Nazionale vertreten und ausgestellt.

Das neue Galerielayout wurde im Oktober 2016 auf der Grundlage eines Originalprojekts eingeweiht, das durch die Reduzierung der Anzahl der ausgestellten Werke den nicht chronologischen Leseschlüssel für die Hauptausstellung „Time is out of Joint“ einführt. Neben der neuen Raumaufteilung werden der Zugangsbereich zu den als „Begrüßungsbereich“ bezeichneten Dienstleistungen, die Bibliothek und die Sala delle Colonne neu definiert. Unter Beibehaltung des institutionellen Namens der Nationalgalerie für moderne und zeitgenössische Kunst erhält die Galerie in ihrer Mitteilung einen neuen Namen: „The National Gallery“.