Theatralische szenische Malerei umfasst weitreichende Disziplinen, die nahezu den gesamten Bereich der Malerei und Handwerkstechniken umfassen. Ein erfahrener Landschaftsmaler (oder Landschaftsmaler) wird Fähigkeiten in der Landschaftsmalerei, figurativen Malerei, Trompe l’Oeil und Faux Finishing haben und vielseitig in verschiedenen Medien wie Acryl-, Öl- und Temperafarben sein. Der Maler könnte auch in dreidimensionalen Fähigkeiten wie Bildhauerei, Gips und Vergoldung durchgeführt werden.

Der szenische Maler unterwirft seine Fähigkeiten dem Theaterdesigner. In einigen Fällen malen Designer ihre eigenen Arbeiten.

Die Techniken und das Spezialwissen des szenischen Malers reproduzieren ein Bild in einem größeren Maßstab von einem Designer-Maquette, vielleicht mit begleitenden Fotografien und Original-Forschung, und manchmal mit Farb- und Stilproben.

Malerische Farbe
Scenic Farbe wurde traditionell von dem Maler mit Pigmentpulverfarbe, einem Bindemittel und einem Medium gemischt. Das Bindemittel haftet das Pulver an sich selbst und an der Oberfläche, auf der es aufgetragen wird. Das Medium ist ein Verdünner, der es ermöglicht, die Farbe leichter zu verarbeiten und beim Trocknen der Farbe zu verschwinden. Heute ist es üblich, Marken von gebrauchsfertiger szenischer Farbe zu verwenden, oder Pigment, das in einem Medium suspendiert ist, dem ein Bindemittel hinzugefügt wird.

Ursprünge und Geschichte
Die theatralische Malerei ist wahrscheinlich so alt wie das europäische Theater selbst, das im antiken Griechenland im 6. Jahrhundert v. Chr. Erbaut wurde. Chr.

Plinius der Jüngere und Vitruv berichteten um diese Zeit von Gemälden in Theatern und römischen Arenen.

Feste, gemalte Bühnendekorationen in Form von leinenbezogenen Rahmen hinter einer architektonisch unveränderten Bühnenfront wurden in der Renaissance beispielsweise in der perspektivischen Bühne des Teatro Olimpico verwendet. In dieser Bühnenform nutzte man die hohe Kunst der perspektivischen Darstellung der Renaissance-Künstler, um den Betrachter die Illusion einer räumlichen Bühnenkulisse zu täuschen. Hier wurden Bühnenpassagen zwischen der vorderen und hinteren Bühne mit bemalten Stoffen auf Holzrahmen versehen, um die räumliche Wirkung einer Perspektive für den Betrachter zu vervollständigen. Sowohl in der Renaissance als auch im Barock wurden antike Schmuckelemente wiederentdeckt, aufwendig gestaltet und funktional erweitert.

Die bevorzugte zentrale Perspektive der Malerei seit der Renaissance wurde in die nun unaufhaltbare rasante Entwicklung der Bühnendekoration eingearbeitet. Als Folge wird Filippo Bunelleschi (1377-1446) auch der Pionier der Theatermalerei genannt. Das Ergebnis waren großformatige Gemälde, die den zeitgenössischen Ölgemälden in Technik und Perfektion in nichts nachstehen. Der Zweck dieser zentralen Fluchtpunktperspektive war die Illusion eines Fluchtpunktes in der Unendlichkeit, der beispielsweise oft eindrucksvolle Schluchten darstellte und in ihrer Wirkung übertraf.

Zu Beginn des Barocks entwickelte Giovanni Battista Aleotti 1606 mobile Freilichtaufnahmen, um die Bühnendekoration veränderbar zu machen. Diese starren dekorativen Elemente wurden natürlich mit szenischen, szenischen oder architektonischen Darstellungen gemalt. Auch für die Transformation des Bühnendesigns wurden Telari – die den alten Periakten nachempfunden waren – verwendet. Diese dreiseitigen, vertikalen Prismenbauteile konnten von der Vorderseite her als homogene Oberfläche nebeneinander gefühlt werden, was durch eine Umdrehung eine schnelle und unkomplizierte Änderung des Bühnenbildes ermöglichte.

Gemalte Dekorationsteile
Maltechniken
Da der Theatermaler eine Vielzahl von Vorhängen auf der Bühne malt, sind seine Techniken ebenso vielfältig und spezifisch wie die Materialien und anderen Materialien, an denen er arbeiten muss.

Lange Zeit – und immer noch – gab und gibt es Techniken, die unausgesprochen sind und zu den Berufsgeheimnissen der Theatermaler gehören und schwer zu erlernen sind; Damals sagten die Leute oft, „sie mussten mit ihren Augen gestohlen werden“. Techniken, die gut bekannt sind, sind auch Maltechniken, die häufig in der freien Kunst verwendet werden, wie Alla-Prima-Malerei (in einer Schicht gestrichen) und die Glasur-Technik (mehrschichtige Malerei). Letzteres wird sehr oft in der Theatermalerei verwendet; Nicht umsonst malt der Theatermaler seine riesigen „Leinwände“ auf dem Boden.

Die Lasurtechnik impliziert ein verdünntes Medium, wobei auch die unterste Farbschicht bis zuletzt durch weitere aufgetragene Farbschichten hindurch scheint.

Traditionell geschieht dies wie folgt: Das Motiv, das später die Aussicht als Gemälde schmücken sollte, wird zunächst mit Kohle gezogen – mittels Kohlestab (ein Stück Kohle auf dem langen Stab), der auf dem grundierten Gewebesubstrat steht. Der Kohlenstoffvorläufer wird dann mit einer verdünnten Farbe (oft ein Sepia- oder Braunton) gezogen; aber nicht nur die Konturen, sondern bereits umfangreiche Ausarbeitung. Hier können Sie bereits eine Plastizität des Gemäldes erzielen, indem Sie Bereiche überdecken, die mehrmals dunkler sein müssen. Dieser Prozess, der dazu dient, sein Vorzeichnen und „Festhalten“ der Lackoberfläche zu konkretisieren, wird als Sintern bezeichnet. Über das Sintern werden die Lackierungen dann glasiert, das Sintern ist noch zu sehen. Am Ende sind die Lichter und die Dunkelheit etwas undurchsichtiger. Im Zuge von großformatigen Gemälden, die hauptsächlich an Opernhäusern zu finden sind, empfiehlt es sich, die Kohlevorzeichnung mit einer sehr übergroßen Glasur mittels einer Spritzpistole zu fixieren. Bei dieser Verfahrenstechnik wird die körnige Struktur der Abformung, die auch in einem nachfolgenden transluzenten Gemälde erhalten bleibt, mit einem Sprühbild kombiniert, wenn mit einer Sprühpistole gearbeitet wird.

Der Theatermaler ist – neben seiner künstlerischen Fähigkeit – auch ein Nachahmungsmaler, aus Marmor, Stein, Holz, Rost, Patina usw. Für jede Nachahmung gibt es die verschiedenen Techniken und Tricks; Über Bierglasur zu Marmorstruktur „wickeln“ oder Kolzkörner „schlagen“. Hier wird jedoch der Fernwirkung, wie in allen theatralischen Gemälden, Priorität eingeräumt; weil der nächste Betrachter, der die Arbeit auf der Bühne betrachtet, normalerweise mindestens acht Meter entfernt sitzt.

Beruf und Tätigkeit
Der Beruf der Bühnenmalerei wird im Sprachgebrauch immer noch Theatermalerei genannt. Sein Ausbildungsweg wurde erst seit Februar 2000 in der ehemaligen Bundesrepublik offiziell anerkannt. Das Erlernen dieses Berufes erfolgt hauptsächlich im Rahmen einer Berufsausbildung und dauert in der Regel drei Jahre. Heute sind die meisten Ausbildungskurse im dualen System (dh schulbasiert und firmenbasiert) sowie in Einzelfällen nur operativ. In Deutschland gibt es drei renommierte Berufsschulen: eine in Berlin, eine in Essen und eine in Baden-Baden. Die einzige Universität in Deutschland, die Theatermalerei anbietet, befindet sich in Dresden. Sowohl für den Studiengang als auch für die meisten Ausbildungsbetriebe ist ein Portfolio künstlerischer Arbeiten als Bewerbung eine notwendige Voraussetzung. Bis heute existiert kein Master-Abschluss für den Ausbildungsweg; Alle Bühnenmaler sind entweder ungelernte, geschickte Gesellen oder Doktoranden.

Theatermaler werden meist an staatlichen und städtischen Schauspielhäusern und Opernhäusern beschäftigt, ihr Arbeitsplatz ist der Malraum. Es gibt jedoch immer mehr unabhängige Dekorationsfirmen oder Studios; in denen freiberufliche Bühnenmaler, aber auch Künstler oder Dekorationsmaler beschäftigt sind. Auch in Filmproduktionen werden Bühnenmaler eingesetzt, die das Set mit ihren Gemälden ausstatten.

Sammlungen
Größere Sammlungen historischer Theatermalerei sind in Deutschland im Meininger Theatermuseum (Dekorationen aus der Meininger-Tourneeperiode, 1874-1890) und im Ravensburger Konzerthaus (Dekorationen des Stuttgarter Hofmalers Wilhelm Plappert, 1902-1910) erhalten geblieben.