Ein Selbstporträt ist eine Darstellung eines Künstlers, der von diesem Künstler gezeichnet, gemalt, fotografiert oder geformt wurde. Obwohl Selbstporträts seit frühester Zeit entstanden sind, lassen sich Künstler erst ab der Frührenaissance in der Mitte des 15. Jahrhunderts häufig als Hauptthema oder als wichtige Charaktere in ihrer Arbeit identifizieren. Mit besseren und billigeren Spiegeln und dem Aufkommen des Tafelportraits versuchten viele Maler, Bildhauer und Druckgrafiker eine Art Selbstportrait. Das Porträt eines Mannes in einem Turban von Jan van Eyck von 1433 ist wohl das früheste bekannte Selbstporträt. Er malte ein separates Porträt seiner Frau, und er gehörte zu der sozialen Gruppe, die begonnen hatte, Porträts zu machen, die unter wohlhabenden Niederländern schon häufiger vorkamen als südlich der Alpen. Das Genre ist ehrwürdig, aber erst in der Renaissance, mit zunehmendem Reichtum und Interesse am Individuum als Subjekt, wurde es wirklich populär.

Typen
Ein Selbstporträt kann ein Porträt des Künstlers sein, oder ein Porträt, das in einem größeren Werk enthalten ist, einschließlich eines Gruppenporträts. Viele Maler sollen Darstellungen von bestimmten Personen, einschließlich sich selbst, in Gemälden in religiösen oder anderen Arten von Kompositionen enthalten haben. Solche Gemälde waren nicht dazu gedacht, die wirklichen Personen als sich selbst darzustellen, aber die Tatsachen wären damals dem Künstler und Gönner bekannt gewesen und hätten sowohl einen Diskussionspunkt als auch eine öffentliche Prüfung der Fähigkeiten des Künstlers geschaffen.
In den frühesten erhaltenen Beispielen der Selbstdarstellung des Mittelalters und der Renaissance wurden historische oder mythische Szenen (aus der Bibel oder der klassischen Literatur) unter Verwendung einer Anzahl von realen Personen als Modelle, oft einschließlich des Künstlers, dargestellt, die dem Werk eine Mehrfachfunktion als Porträt geben, Selbstbildnis und Geschichte / Mythenmalerei. In diesen Arbeiten erscheint der Künstler gewöhnlich als ein Gesicht in der Menge oder Gruppe, oft an den Rändern oder Ecken der Arbeit und hinter den Hauptteilnehmenden. Rubens Die vier Philosophen (1611-12) ist ein gutes Beispiel. Dies gipfelte im 17. Jahrhundert mit den Werken von Jan de Bray. Viele künstlerische Medien wurden verwendet; neben Gemälden waren Zeichnungen und Drucke besonders wichtig.

In dem berühmten Arnolfini-Porträt (1434) ist Jan van Eyck wahrscheinlich eine von zwei Figuren, die in einem Spiegel zu sehen sind – eine überraschend moderne Einbildung. Das Van-Eyck-Bild könnte Diego Velázquez dazu inspiriert haben, sich selbst als Maler darzustellen, der Las Meninas (1656) schuf, wie der Van Eyck im Palast in Madrid hing, in dem er arbeitete. Dies war eine weitere moderne Blüte, da er als Maler (zuvor in der offiziellen königlichen Porträtmalerei nicht gesehen) auftrat und in der Nähe der Familiengruppe des Königs stand, die die vermeintlichen Hauptthemen des Gemäldes waren.

In einem der frühesten erhaltenen Kinder-Selbstporträts stellt sich Albrecht Dürer 1484 als 13-jähriger Junge naturalistisch dar. In späteren Jahren tritt er als Kaufmann im Hintergrund der biblischen Szenen und der Malerei auf als Christus.

Leonardo da Vinci mag im Alter von 60 Jahren um 1512 ein Bild von sich selbst gezeichnet haben. Das Bild wird oft einfach als Da Vincis Erscheinung wiedergegeben, obwohl das nicht sicher ist.

Im 17. Jahrhundert malte Rembrandt eine Reihe von Selbstporträts. In The Prodigal Son in the Tavern (c1637), einem der frühesten Selbstporträts mit Familie, enthält das Gemälde wahrscheinlich Saskia, Rembrandts Frau, eine der frühesten Darstellungen eines Familienmitglieds eines berühmten Künstlers. Familien- und Berufsgruppenbilder, einschließlich der Darstellung des Künstlers, wurden ab dem 17. Jahrhundert immer häufiger verwendet. Seit dem späten 20. Jahrhundert spielt Video eine zunehmende Rolle in der Selbstportraits und fügt der Dimension des Tons hinzu, so dass die Person mit ihrer eigenen Stimme zu uns sprechen kann.

Frauenmaler
Künstlerinnen sind namhafte Produzenten von Selbstporträts; Fast alle bedeutenden Malerinnen haben ein Beispiel hinterlassen, von Caterina van Hemessen bis hin zur produktiven Elisabeth Vigée-Lebrun und Frida Kahlo sowie Alice Neel, Paula Modersohn-Becker und Jenny Saville, die sich nackt malten. Vigée-Lebrun malte insgesamt 37 Selbstporträts, von denen viele Kopien von früheren, zum Verkauf gemalten, waren. Bis zum 20. Jahrhundert waren Frauen in der Regel nicht in der Lage, den Akt zu zeichnen, was es für sie schwierig machte, große Figurenkompositionen zu malen, was viele Künstler dazu brachte, sich auf Porträtarbeiten zu spezialisieren. Künstlerinnen haben historisch eine Reihe von Rollen innerhalb ihrer Selbstportraits verkörpert. Am häufigsten ist der Künstler bei der Arbeit, der sich im Akt des Malens zeigt oder zumindest einen Pinsel und eine Palette hält. Häufig fragt sich der Betrachter, ob die getragenen Kleidungsstücke die sind, in denen sie normalerweise gemalt sind, da die aufwendige Natur vieler Ensembles eine künstlerische Entscheidung war, ihre Kunst im Detail zu zeigen.

Antike
Bilder von Künstlern bei der Arbeit sind in der antiken ägyptischen Malerei und Skulptur und auch auf antiken griechischen Vasen begegnet. Eines der ersten Selbstporträts wurde 1365 v. Chr. Vom Hauptbildhauer Bak des Pharao Echnaton angefertigt. Plutarch erwähnt, dass der altgriechische Bildhauer Phidias in der „Amazonenschlacht“ am Parthenon eine Reihe von Charakteren in sich aufgenommen hat, und es gibt klassische Referenzen zu gemalten Selbstportraits, von denen keine überlebt hat.

Asien
Porträts und Selbstporträts haben in Asien eine längere Geschichte als in Europa. Viele in der Gelehrtentradition sind ziemlich klein und stellen den Künstler in einer großen Landschaft dar und illustrieren ein kalligraphisches Gedicht über seine Erfahrung der Szene. Eine andere Tradition, die mit dem Zen-Buddhismus verbunden ist, hat lebhafte halbkarikatisierte Selbstporträts hervorgebracht, während andere den Konventionen des formalen Porträts näher stehen.

Europäische Kunst
Die illuminierten Manuskripte enthalten eine Reihe scheinbarer Selbstportraits, insbesondere jene von Saint Dunstan und Matthew Paris. Die meisten zeigen entweder den Künstler bei der Arbeit oder präsentieren das fertige Buch entweder einem Spender oder einer heiligen Figur oder verehren eine solche Figur. Man nimmt an, dass Orcagna sich selbst als Figur in einem Fresko von 1359 malte, […] das zumindest nach Ansicht von Kunsthistorikern – Vasari eine Reihe solcher Traditionen aufzeichnet – eine übliche Praxis von Künstlern ist. [Zitat benötigt] Für frühere Künstler, mit keinem anderen Porträt zu vergleichen, sind diese Beschreibungen notwendigerweise ziemlich spekulativ. Zu den frühesten Selbstporträts gehören auch zwei Fresken von Johannes Aquila, einer in Velemér (1378), Westungarn, und einer in Martjanci (1392) im Nordosten Sloweniens. In Italien schloss sich Giotto di Bondone (1267-1337) dem Zyklus der „bedeutenden Männer“ im Schloss von Neapel an, Masaccio (1401-1428) stellte sich selbst als einer der Apostel auf dem Gemälde der Brancacci-Kapelle dar, und Benozzo Gozzoli schließt sich, mit anderen Porträts, in der Palazzo Medici-Prozession der Weisen (1459) mit seinem auf seinem Hut geschriebenen Namen ein. Dies wird ein paar Jahre später von Sandro Botticelli als Zuschauer der Anbetung der Könige (1475) nachgeahmt, der sich von der Szene abwendet, um uns anzuschauen. Plastische Büsten aus dem 14. Jahrhundert von und durch die Familie Parler in der Prager Kathedrale umfassen Selbstporträts und gehören zu den frühesten solchen Büsten nicht-königlicher Figuren. Ghiberti hat in seinem berühmtesten Werk einen kleinen Kopf von sich aufgenommen. Bemerkenswerterweise ist das früheste Selbstbildnis, das in England gemalt wurde, außer einer Handschrift, die Miniatur, die der deutsche Künstler Gerlach Flicke 1554 in Öl auf Holz malte.

Albrecht Dürer, 1471-1528, der erste produktive Selbstbildner
Albrecht Dürer war ein Künstler, der sich seines Ansehens und Ansehens in der Öffentlichkeit sehr bewusst war und dessen Haupteinnahme von seinen alten Meisterdrucken stammte, die alle sein berühmtes Monogramm enthielten und in ganz Europa verkauft wurden. Er hat sich wahrscheinlich öfter dargestellt als jeder Künstler vor ihm und hat mindestens zwölf Bilder, darunter drei Ölporträts und Figuren in vier Altarbildern, geschaffen. Das früheste ist eine Silberpunkt-Zeichnung, die er mit dreizehn Jahren schuf. Mit 22 Jahren malte Dürer das Selbstbildnis mit Carnation (1493, Louvre), wahrscheinlich um es seiner neuen Verlobten zu senden. Das Madrider Selbstbildnis (1498, Prado) zeigt Dürer als Dandy in modischer italienischer Tracht, was den bis dahin erreichten internationalen Erfolg widerspiegelt. In seinem letzten Selbstbildnis, das er der Stadt Nürnberg verkaufte oder schenkte und das damals nur sehr wenige Porträts öffentlich zeigte, stellte sich der Künstler mit einer unverkennbaren Ähnlichkeit mit Jesus Christus (München, Alte Pinakothek) vor. Später verwendete er das Gesicht in einem religiösen Stich, der aufschlussreicherweise den Schleier der Veronika, Christi eigenes „Selbstporträt“, wiedergab (B.25). Ein Selbstbildnis in Gouache, das er an Raphael sandte, ist nicht erhalten. Ein Holzschnitt eines Badehauses und eine Zeichnung zeigen nahezu nackte Selbstporträts.

Renaissance und Barock
Die großen italienischen Maler der Renaissance machten vergleichsweise wenige formale gemalte Selbstporträts, aber schlossen sich oft in größeren Arbeiten ein. Die meisten individuellen Selbstporträts, die sie noch hatten, waren direkte Darstellungen; Dürers Schaustellung wurde selten verfolgt, obwohl ein kontrovers zugeschriebenes Selbstbildnis wie David von Giorgione etwas von demselben Geist hätte, wenn es ein Selbstporträt wäre. Es gibt ein Porträt von Pietro Perugino von etwa 1500 (Collegio del Cambio von Perugia), und eine von dem jungen Parmigianino zeigt den Blick in einem konvexen Spiegel. Es gibt auch eine Zeichnung von Leonardo da Vinci (1512), und Selbstporträts in größeren Werken von Michelangelo, der sein Gesicht der Haut von St. Bartholomäus im Jüngsten Gericht der Sixtinischen Kapelle (1536-1541) gab, und Raphael Wer ist in den Figuren der Schule von Athen 1510 gesehen, oder mit einem Freund, der seine Schulter hält (1518). Bemerkenswert sind auch zwei Porträts von Tizian als alter Mann in den 1560er Jahren. Paolo Veronese erscheint als Geiger in Weiß gekleidet in seiner Hochzeit zu Kana, begleitet von Tizian an der Bassgeige (1562). Die Künstler des Nordens machten weiter individuelle Porträts, die ihren bürgerlichen Porträtierten oft sehr ähnlich sahen. Johan Gregor van der Schardt schuf eine bemalte Terrakottabüste von sich selbst (um 1573).

Tizians Allegorie der Klugheit (um 1565-70) soll Tizian, seinen Sohn Orazio und einen jungen Cousin, Marco Vecellio, darstellen. Tizian malte auch 1567 ein spätes Selbstporträt; anscheinend sein erstes. Der barocke Künstler Artemisia Gentileschis La Pittura (Selbstbildnis als Allegorie der Malerei) präsentiert sich als die klassische allegorische Darstellung der Malerei, gesehen in der dramatischen Maske, die um Gentileschis Nacken getragen wird, die das Gemälde oft trägt. Die Fokussierung der Künstlerin auf ihre Arbeit abseits des Betrachters unterstreicht das Drama der Barockzeit und die sich wandelnde Rolle des Künstlers vom Kunsthandwerker zum singulären Erneuerer. Caravaggio malte sich zu Beginn seiner Karriere in Bacchus, dann erscheint er in der Staffage einiger seiner größeren Gemälde. Schließlich ist der Kopf von Goliath, gehalten von David (1605-10, Galleria Borghese) Caravaggios eigener.

Rembrandt und das 17. Jahrhundert in Nordeuropa
Im 17. Jahrhundert malten flämische und niederländische Künstler viel häufiger; Zu diesem Zeitpunkt hatten die erfolgreichsten Künstler eine Position in der Gesellschaft, wo ein Mitglied eines jeden Handels erwägen würde, ihr Porträt zu malen. Viele schließen auch ihre Familien ein, die wiederum der üblichen Praxis für die Mittelklasse folgen. Mary Beale, Anthony van Dyck und Peter Paul Rubens haben uns zahlreiche Bilder von sich selbst gegeben, wobei letztere oft auch seine Familie malten. Diese Praxis war besonders häufig für Künstlerinnen, deren Einbeziehung ihrer Familien war oft ein bewusster Versuch, Kritik an ihrem Beruf Ablenkung von ihrer „natürlichen Rolle“ als Mütter zu mildern.

Rembrandt war der häufigste Selbstporträtist, zumindest bis zur selbstbesessenen Moderne, und malte oft auch seine Frau, seinen Sohn und seine Geliebte. Zu einer Zeit wurden etwa neunzig Gemälde als Rembrandt-Selbstportraits gezählt, aber es ist jetzt bekannt, dass er seine Studenten dazu brachte, seine eigenen Selbstporträts als Teil ihrer Ausbildung zu kopieren. Die moderne Wissenschaft hat die Zahl der Autographen auf etwas über vierzig Gemälde reduziert, sowie einige Zeichnungen und einunddreißig Radierungen, die viele der bemerkenswertesten Bilder der Gruppe enthalten. Viele zeigen ihn posieren in quasi-historischen Kostümen, oder ziehen Gesichter an sich. Seine Ölgemälde zeichnen den Werdegang von einem unsicheren jungen Mann zum adretten und sehr erfolgreichen Porträtmaler der 1630er Jahre bis zu den unruhigen, aber kraftvoll wirkenden Porträts seines Alters nach.

Nach Rembrandt
In Spanien gab es Selbstportraits von Bartolomé Estéban Murillo und Diego Velázquez. Francisco de Zurbarán vertrat sich in Lukas, dem Evangelisten, zu Füßen Christi am Kreuz (um 1635). Im 19. Jahrhundert malte sich Goya mehrmals selbst. Französische Selbstporträts zeigen zumindest nach Nicolas Poussin den sozialen Status des Künstlers, obwohl Jean-Baptiste-Siméon Chardin und einige andere ihr wirkliches Arbeitskostüm sehr realistisch zeigten. Dies war eine Entscheidung, die alle Selbstporträtisten des 18. Jahrhunderts treffen mussten, obwohl sich viele in verschiedenen Gemälden in formellen und informellen Kostümen malten. Danach kann man sagen, dass die bedeutendsten Maler uns wenigstens ein Selbstbildnis hinterlassen haben, auch nach dem Niedergang des gemalten Porträts mit der Ankunft der Fotografie. Gustave Courbet (siehe unten) war vielleicht der kreativste Selbstportraitist des 19. Jahrhunderts, und das Atelier des Künstlers und Bonjour, Monsieur Courbet sind vielleicht die größten Selbstporträts, die jemals gemalt wurden. Beide enthalten viele Figuren, sind aber fest auf die heroische Figur des Künstlers ausgerichtet.

Prolific moderne Selbstporträts
Einer der berühmtesten und produktivsten Selbstporträtisten war Vincent van Gogh, der zwischen 1886 und 1889 mehr als 43 Mal zeichnete und malte. Bei all diesen Selbstporträts fällt auf, dass der Blick des Malers selten gelenkt wird an uns; selbst wenn es ein starrer Blick ist, scheint er sich woanders umzusehen. Diese Gemälde variieren in Intensität und Farbe und einige porträtieren den Künstler mit Bandagen; die Episode darstellend, in der er eines seiner Ohren trennte.

Die vielen Selbstporträts Egon Schieles setzen neue Maßstäbe der Offenheit, vielleicht des Exhibitionismus, und stellen ihn nackt in vielen Stellungen dar, manchmal masturbierend oder mit einer Erektion, wie in Eros (1911). Stanley Spencer sollte etwas in dieser Richtung folgen. Max Beckmann war ein produktiver Maler von Selbstporträts wie Edvard Munch, der sein ganzes Leben lang zahlreiche Selbstporträts (70), Drucke (20) und Zeichnungen oder Aquarelle (über 100) schuf, von denen viele zeigten, dass er schlecht behandelt wurde Leben und besonders von Frauen. Obsessiv das Selbstporträt als persönlichen und introspektiven künstlerischen Ausdruck nutzend, war Horst Janssen, der Hunderte von Selbstporträts schuf, die ihn in einer Vielzahl von Kontexten vor allem in Bezug auf Krankheit, Launenhaftigkeit und Tod darstellten. Die Ausstellung „Schiele, Janssen. Selbstinszenierung, Eros, Tod“ (2004) im Leopold Museum in Wien ist eine Parallele zu Egon Schieles und Horst Janssens Werken, die beide stark auf Sujets der Erotik basieren und Tod in Verbindung mit unerbittlicher Selbstporträt. Frida Kahlo, die nach einem schrecklichen Unfall viele Jahre lang bettlägerig war, nur mit sich selbst als Model, war eine andere Malerin, deren Selbstporträts großen Schmerz zeigen, in ihrem Fall sowohl körperlich als auch geistig. Zu ihren etwa 55 Selbstporträts gehören viele von ihnen selbst von der Hüfte aufwärts und auch einige albtraumhafte Darstellungen, die ihre körperlichen Leiden symbolisieren.

Während seiner langen Karriere hat Pablo Picasso oft Selbstporträts verwendet, um sich in den vielen verschiedenen Verkleidungen und Inkarnationen seiner autobiographischen künstlerischen Person darzustellen. Von der jungen unbekannten „Yo Picasso“ -Periode bis zur „Minotaur im Labyrinth“ -Periode, bis zum „alten Kavalier“ und den „lüsternen alten Künstler- und Modellperioden“. Oft zeigten Picassos Selbstporträts komplizierte psychologische Einsichten, sowohl persönlich als auch tiefgründig über den inneren Zustand und das Wohlbefinden des Künstlers. Ein anderer Künstler, der im Laufe seiner Karriere interessante persönliche und aufschlussreiche Selbstportraits malte, war Pierre Bonnard. Bonnard malte auch zeitlebens Dutzende Porträts seiner Frau Marthe. Vor allem Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Egon Schiele und Horst Janssen haben während ihrer gesamten Laufbahn intensive (manchmal beunruhigende) Selbstportraits gemacht.

Selbstporträts im Allgemeinen

Maler bei der Arbeit
Viele der mittelalterlichen Porträts zeigen den Künstler bei der Arbeit, und Jan van Eyck seine Chaperon Hut hat die Teile normalerweise losgebunden auf dem Kopf hängen, den irreführenden Eindruck, er trägt einen Turban, vermutlich aus Bequemlichkeit, während er malt. In der Frühen Neuzeit mussten sowohl Männer als auch Frauen, die sich bei der Arbeit malten, sich entscheiden, ob sie sich in ihren besten Kleidern und besten Räumen präsentierten oder ob sie die Atelierpraxis realistisch darstellten. Siehe auch die Galerie der Frauenmaler oben.

Einstufung
Die Kunstkritikerin Galina Vasilyeva-Shlyapina trennt zwei Grundformen des Selbstporträts: „professionelle“ Porträts, in denen der Künstler bei der Arbeit dargestellt wird, und „persönliche“ Porträts, die moralische und psychologische Merkmale offenbaren. Sie schlägt auch eine detailliertere Taxonomie vor: (1) das „einfügbare“ Selbstporträt, bei dem der Künstler sein eigenes Porträt in beispielsweise eine Gruppe von Personen einfügt, die mit einem bestimmten Thema verwandt sind; (2) das „repräsentative oder symbolische“ Selbstbildnis, in dem sich ein Künstler in Gestalt einer historischen Person oder eines religiösen Helden darstellt; (3) das „Gruppenporträt“, in dem der Künstler mit Familienmitgliedern oder anderen realen Personen dargestellt wird; (4) das „separate oder natürliche“ Selbstporträt, in dem der Künstler allein dargestellt wird. Man könnte jedoch denken, dass diese Klassen ziemlich starr sind; vielen Porträts gelingt es, mehrere davon zu kombinieren.

Mit neuen Medien gelang es, neben statischen Bildern oder Fotografien auch verschiedene Arten von Selbstporträts zu schaffen. Viele Menschen, insbesondere Jugendliche, nutzen soziale Netzwerke, um ihre eigene Identität im Internet zu bilden. Wieder andere verwenden Blogs oder erstellen persönliche Webseiten, um einen Raum für Selbstdarstellung und Selbstporträt zu schaffen.

Spiegel und Posen
Das Selbstportrait nimmt theoretisch den Gebrauch eines Spiegels an; Glasspiegel wurden in Europa im 15. Jahrhundert verfügbar. Die ersten verwendeten Spiegel waren konvex und führten zu Verformungen, die der Künstler manchmal beibehielt. Ein Gemälde von Parmigianino im Jahre 1524 Selbstbildnis im Spiegel, demonstriert das Phänomen. Spiegel erlauben überraschende Kompositionen wie das Triple-Selbstporträt von Johannes Gumpp (1646), oder in jüngster Zeit das von Salvador Dalí, das auf der Rückseite seine Frau Gala (1972-73) zeigt. Diese Verwendung des Spiegels führt häufig dazu, dass sich rechtshändige Maler als Linkshänder darstellen (und umgekehrt). Normalerweise ist das gemalte Gesicht daher ein Spiegelbild dessen der Rest der Welt gesehen hat, wenn nicht zwei Spiegel verwendet wurden. Die meisten von Rembrandts Selbstporträts vor 1660 zeigen nur eine Hand – die Malhand bleibt unbemalt. Er scheint um 1652 einen größeren Spiegel gekauft zu haben, nach dem seine Selbstporträts größer werden. 1658 brach ein großer Spiegel in einem Holzrahmen, während er zu seinem Haus transportiert wurde; Dennoch hat er in diesem Jahr sein Frick-Selbstporträt, sein größtes, vollendet.

Die Größe von Einzelblattspiegeln wurde beschränkt, bis technische Fortschritte in Frankreich 1688 von Bernard Perrot gemacht wurden. Sie blieben auch sehr zerbrechlich, und große waren viel teurer als kleine – die Brüche wurden in kleine Stücke zerschnitten. Ungefähr 80 cm, oder zweieinhalb Fuß, scheint bis dahin die maximale Größe gewesen zu sein – ungefähr die Größe des Palastspiegels in Las Meninas (der konvexe Spiegel im Arnolfini-Porträt wird von unpraktisch großen Historikern betrachtet, einer von Van Eycks viele schlaue Verzerrungen des Maßstabs). Vor allem aus diesem Grund zeigen die meisten frühen Selbstporträts Maler, die nicht länger als die Hälfte sind.

Selbstporträts des Künstlers bei der Arbeit waren, wie oben erwähnt, die häufigste Form des mittelalterlichen Selbstporträts, und diese waren weiterhin beliebt, mit einer besonders großen Zahl ab dem 18. Jahrhundert. Ein besonderer Typus in der Zeit des Mittelalters und der Renaissance war der als Lukas (Schutzpatron der Künstler) abgebildete Künstler, der die Jungfrau Maria malte. Viele von ihnen wurden der örtlichen Lukasgilde vorgestellt, die in ihrer Kapelle untergebracht werden sollte. Eine berühmte Großansicht des Künstlers in seinem Atelier ist The Artist’s Studio von Gustave Courbet (1855), eine immense „Allegorie“ von Objekten und Charakteren, in denen der Maler sitzt.

Andere Bedeutungen, Geschichten erzählen
Die Selbstporträts vieler zeitgenössischer Künstler und Modernisten zeichnen sich oft durch eine starke Erzählweise aus, die oft, aber nicht ausschließlich, auf Vignetten aus der Lebensgeschichte der Künstler beschränkt ist. Manchmal ähnelt die Erzählung Fantasie, Rollenspiel und Fiktion. Neben Diego Velázquez (in seinem Gemälde Las Meninas), Rembrandt van Rijn, Jan de Bray, Gustave Courbet, Vincent van Gogh und Paul Gauguin zählen zu den Künstlern, deren Selbstporträts komplexe Erzählungen offenbaren, unter anderem Pierre Bonnard, Marc Chagall, Lucian Freud und Arshile Gorki, Alice Neel, Pablo Picasso, Lucas Samaras, Jenny Saville, Cindy Sherman, Andy Warhol und Gilbert und George.

Eigenwerbung
Das Selbstporträt kann eine sehr effektive Form der Werbung für einen Künstler sein, besonders natürlich für einen Porträtmaler. Dürer interessierte sich nicht wirklich für kommerzielle Porträts, nutzte aber seine außergewöhnlichen Selbstporträts, um sich als Künstler zu bewerben, was er sehr geschickt machte. Sofonisba Anguissola malte komplizierte Miniaturen, die als Reklame für ihre Fähigkeiten dienten, sowie als Neuheit, weil die Seltenheit der erfolgreichen Malerinnen ihnen eine Kuriosität bescherte. Rembrandt verdankte seinen Lebensunterhalt hauptsächlich der Porträtmalerei während seiner erfolgreichsten Periode, und wie Van Dyck und Joshua Reynolds waren viele seiner Porträts sicherlich dazu gedacht, seine Fähigkeiten zu bewerben. Mit dem Aufkommen regelmäßiger Academy-Shows versuchten viele Künstler, einprägsame Selbstportraits zu schaffen, die auf der künstlerischen Bühne Eindruck machen. Eine kürzliche Ausstellung in der National Gallery in London, Rebels and Martyrs, scheute nicht vor den manchmal entstandenen komischen Bathos zurück. Ein Beispiel aus dem 21. Jahrhundert ist Arnaud Prinsett, ein sonst wenig bekannter zeitgenössischer Künstler, der durch sein tägliches Selbstporträt viel Publicity hervorgebracht hat. Auf der anderen Seite schilderten sich einige Künstler sehr, wie sie es auch bei anderen Kunden taten.

Diagnose des Selbstportraits
Einige Künstler, die an neurologischen oder physischen Krankheiten litten, haben Selbstporträts von sich selbst hinterlassen, die es späteren Ärzten ermöglicht haben, Störungen von mentalen Prozessen zu analysieren; und viele dieser Analysen sind in die Lehrbücher der Neurologie eingegangen.

Die Selbstporträts von Künstlern mit psychischen Erkrankungen geben Ärzten eine einzigartige Möglichkeit, das Selbstbild bei Menschen mit psychischen, psychiatrischen oder neurologischen Störungen zu untersuchen.

Der russische Sexualwissenschaftler Igor Kon stellt in seinem Artikel über Masturbation fest, dass die Angewohnheit des Masturbierens in Kunstwerken, besonders in Gemälden, dargestellt werden kann. So hat sich der österreichische Künstler Egon Schiele in einem seiner Selbstporträts so beschäftigt. Kon stellt fest, dass dieses Gemälde nicht das Vergnügen der Masturbation darstellt, sondern ein Gefühl der Einsamkeit. Schiele-Schöpfungen werden von anderen Forschern in Bezug auf Sexualität und insbesondere Pädophilie analysiert.

Sammlungen
Eine der bedeutendsten und ältesten Sammlungen von Selbstporträts befindet sich im Vasari-Korridor der Uffizien in Florenz. Es war ursprünglich die Sammlung des Kardinals Leopoldo de ‚Medici in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts und wurde bis heute beibehalten und erweitert. Es ist meistens nicht für allgemeine Besucher sichtbar, obwohl einige Gemälde in den Hauptgalerien gezeigt werden. Viele berühmte Künstler konnten sich einer Einladung, der Sammlung ein Selbstporträt zu spenden, nicht widersetzen. Es umfasst mehr als 200 Porträts, insbesondere von Pietro da Cortona, Charles Le Brun, Jean-Baptiste-Camille Corot und Marc Chagall. Andere wichtige Sammlungen sind in der National Portrait Gallery (Vereinigtes Königreich) in London (mit verschiedenen Satelliten-Außenstationen anderswo) und der National Portrait Gallery in Washington, DC untergebracht.