Surrealistisches Kino

Das surrealistische Kino ist ein modernistischer Zugang zu Filmtheorie, -kritik und -produktion mit Ursprung in Paris in den 1920er Jahren. Die Bewegung verwendete schockierende, irrationale oder absurde Bilder und Freud’sche Traumsymbolik, um die traditionelle Funktion der Kunst, die Realität darzustellen, in Frage zu stellen. In Bezug auf das Dada-Kino ist das surrealistische Kino durch Gegenüberstellungen, die Ablehnung der dramatischen Psychologie und den häufigen Gebrauch schockierender Bilder gekennzeichnet. Philippe Soupault und André Bretons Buchzusammenarbeit von 1920 Les Champs Magnétiques wird oft als das erste surrealistische Werk betrachtet, aber erst als Breton 1924 sein surrealistisches Manifest vollendet hatte, „hat der Surrealismus eine offizielle Geburtsurkunde entworfen“.

Der erste surrealistische Film war The Seashell und der Clergyman von 1928, unter der Regie von Germaine Dulac nach einem Drehbuch von Antonin Artaud. Weitere Filme sind Un Chien Andalou und L’Age d’Or von Luis Buñuel und Salvador Dalí; Buñuel fuhr fort, viele weitere Filme zu leiten, mit unterschiedlichem Grad surrealistischen Einflusses.

Inhalt
Das Studium der Surrealisten in Kunst und Literatur mit den irrationalen Aspekten des Traumes und des Unbewussten, beeinflusst durch Freuds Psychoanalyse, führte auch zu einer filmischen Übersetzung der Entfremdung grotesker und exzessiver Elemente dieser Kunstbewegung. Aufgrund der intensiven technischen Vorbereitung für Filme fehlte den surrealistischen Filmen das Element des unbewussten, „automatischen“ Designs, das in der Malerei und Literatur des Surrealismus den Zufall zu einer wesentlichen Rolle machte.

Eigenschaften
Das surrealistische Kino, das aus der Poesie und den plastischen Künsten stammt, bewahrt viele seiner großen Motive: Kreation abseits aller ästhetischen und moralischen Prinzipien, traumhafte Phantasie, skrupellosen und grausamen Humor, lyrische Erotik, die bewusste Verwirrung der Zeiten und verschiedener Räume. Seine Direktoren benutzen es, um eine kleinliche und schmutzige bürgerliche Gesellschaft zu skandalisieren und auszurotten. Sie geben Bildern in sich selbst einen Wert, indem sie geschmolzene, beschleunigte, langsame, willkürliche Verbindungen zwischen Filmebenen und Sequenzen verwenden.

Die Präzedenzfälle des surrealistischen Kinos liegen in der breiteren Bewegung des avantgardistischen Kinos kubistischen und dadaistischen Charakters, die sich um 1925 zu entwickeln begann. Beispiele hierfür sind Ballet mécanique, von Fernand Léger (ein kubistischer Maler) oder der dadaistische Film Entreacto ( Ende 1924), von René Clair und Francis Picabia, gekennzeichnet durch die Schaffung von visuellen Metaphern. Ein weiterer avantgardistischer Versuch war La estrella de mar (1928) von Man Ray und Robert Desnos, der sich auf eine Kette verschmolzener Ebenen beschränkte, die eher eine fotografische Serie als einen surrealistischen Film darstellte.

1928 erscheint der erste Film mit surrealistischen Inhalten, La caracola y el cérigo von Germaine Dulac und das Drehbuch von Antonin Artaud. Im folgenden Jahr wurde der repräsentativste Vertreter dieses kinematographischen Genres veröffentlicht, Un perro andaluz (1929) von Luis Buñuel, das Meisterwerk des surrealistischen Kinos. Buñuel setzte seine filmische Laufbahn im The Golden Age (1930) mit einem kämpferischeren Surrealismus fort. Das Blut des Dichters (1930) von Jean Cocteau, beeinflusst vom Surrealismus, wurde von der surrealistischen Gruppe nicht gut aufgenommen und kann nicht als Teil dieser Bewegung betrachtet werden.

Theorie
In seinem 2006 erschienenen Buch Surrealismus und Kino argumentiert Michael Richardson, dass surrealistische Werke nicht durch Stil oder Form definiert werden können, sondern als Ergebnisse der Surrealismus-Praxis. Richardson schreibt: „Der Surrealismus wird innerhalb der Volksauffassungen auf viele verschiedene Arten missverstanden, von denen einige anderen widersprechen, doch all diese Missverständnisse beruhen darauf, dass sie den Surrealismus auf einen Stil oder eine Sache an sich reduzieren, anstatt darauf vorbereitet zu sein als eine Tätigkeit mit sich erweiternden Horizonten zu sehen.Viele Kritiker übersehen die charakteristischen Eigenschaften der surrealistischen Haltung.Sie suchen etwas – ein Thema, eine bestimmte Art von Bildern, bestimmte Konzepte – sie können sich als „surrealistisch“ identifizieren Englisch: www.mjfriendship.de/en/index.php?op…39&Itemid=32 Das Problem ist, dass dies dem eigentlichen Wesen des Surrealismus widerspricht, der sich weigert hier zu sein, aber immer woanders ist. Es ist keine Sache, sondern eine Beziehung zwischen den Dingen und Deshalb müssen die Surrealisten nicht damit beschäftigt sein, eine magische Welt heraufzubeschwören, die man als „surreal“ bezeichnen kann. Ihr Interesse gilt fast ausschließlich der Erforschung die Konjunktionen, die Berührungspunkte zwischen verschiedenen Bereichen der Existenz. Im Surrealismus geht es immer um Abgänge statt um Ankünfte. „Richardson definiert den Surrealismus nicht als eine feststehende Ästhetik, sondern als“ einen Wendepunkt des Magnetismus, um den sich die kollektive Aktivität der Surrealisten dreht „.

Der Surrealismus stützt sich auf irrationale Bilder und das Unterbewusstsein. Surrealisten sollten jedoch nicht als wunderlich oder unfähig zu logischen Gedanken verwechselt werden; Die meisten Surrealisten sind eher Revolutionäre.

Geschichte
Der Surrealismus war die erste literarische und künstlerische Bewegung, die ernsthaft mit dem Kino in Verbindung gebracht wurde, obwohl sie auch von Filmkritikern und Historikern weitgehend vernachlässigt wurde. Wie kurzlebig seine Popularität auch sein mochte, sie wurde bekannt für ihre traumhafte Qualität, die Gegenüberstellung von alltäglichen Menschen und Objekten in irrationalen Formen und die Abstraktion von realem Leben, Orten und Dingen. Stark beeinflusst von der Freudschen Psychologie versuchte der Surrealismus das Unbewusste in das visuelle Leben zu bringen. „Ausgewogen zwischen Symbolismus und Realismus kommentierte das surrealistische Kino Themen wie Leben, Tod, Moderne, Politik, Religion und Kunst.“

Die Grundlagen der Bewegung begannen in Frankreich und fielen mit der Geburt von Filmen zusammen. Frankreich war der Geburtsort des surrealistischen Kinos, da es eine glückliche Verbindung von Filmausrüstung, Filmfinanzierung und einer Vielzahl von interessierten Künstlern und Publikum gab. Die Surrealisten, die an der Bewegung teilnahmen, gehörten zu der ersten Generation, die mit dem Film als Teil des täglichen Lebens aufgewachsen ist.

Schon vor Beginn der Bewegung besaß Breton ein reges Interesse am Film: Während seines Dienstes im Ersten Weltkrieg war er in Nantes stationiert und besuchte in seiner Freizeit die Filmhäuser mit einem Vorgesetzten namens Jacques Vaché. Laut Breton ignorierten er und Vaché Filmtitel und -zeiten, zogen es vor, jederzeit vorbeizuschauen und die Filme ohne Vorwissen zu sehen. Als sie gelangweilt waren, gingen sie und besuchten das nächste Theater. Bretons Filmgewohnheiten lieferten ihm einen Strom von Bildern ohne konstruierte Ordnung. Er könnte die Bilder eines Films mit denen eines anderen vergleichen und aus der Erfahrung eine eigene Interpretation machen.

In Bezug auf seine Erfahrungen mit Vaché bemerkte er einmal: „Ich denke, was wir daran am meisten schätzen, bis zu dem Punkt, dass wir uns für nichts anderes mehr interessieren, ist seine Fähigkeit zur Desorientierung.“ Breton glaubte, dass Film ihm helfen könnte, sich vom „wirklichen Leben“ zu abstrahieren, wann immer ihm danach war.

Serien, die oft Cliffhanger-Effekte und Hinweise auf „andere Weltlichkeit“ enthielten, waren für frühe Surrealisten attraktiv. Beispiele sind Houdinis waghalsige Taten und die Eskapaden von Musidora und Pearl White in Detektivgeschichten. Was die Surrealisten am meisten an dem Genre interessierte, war seine Fähigkeit, bei den Zuschauern ein Gefühl von Geheimnis und Spannung zu erzeugen und aufrechtzuerhalten.

Die Surrealisten sahen im Film ein Medium, das die Grenzen der Realität zunichte machte. Der Filmkritiker René Gardies schrieb 1968: „Jetzt ist das Kino ganz natürlich das privilegierte Instrument, um die Welt zu deseralisieren. Seine technischen Ressourcen … zusammen mit seiner Foto-Magie stellen die alchemistischen Werkzeuge zur Verfügung, um die Realität zu transformieren.“

Surrealistische Künstler interessierten sich für das Kino als Ausdrucksmedium. Als sich das Kino in den 1920er Jahren weiter entwickelte, sahen viele Surrealisten darin eine Möglichkeit, das Lächerliche als rational darzustellen. „Surrealistische Künstler erkannten, dass die Filmkamera die reale Welt traumhaft erfassen konnte, was ihre Stifte und Pinsel nicht konnten: Überlagerungen, Überbelichtungen, Zeitraffer, Zeitlupe, Rückwärtsbewegung, Stop-Motion, Lens Flares, große Tiefe Englisch: www.db-artmag.de/2003/12/e/1/113-2.php Das Feld, die geringe Schärfentiefe und bizarrere Kamerafahrten könnten das ursprüngliche Bild vor der Linse in etwas Neues verwandeln, wenn es auf der Filmplatte belichtet wird und den Surrealisten die Möglichkeit gibt, die Grenzen zwischen Fantasie und Kunst zu hinterfragen Realität, besonders mit Raum und Zeit. Wie die Träume, die sie zum Leben erwecken wollten, hatte der Film keine Grenzen oder Regeln. “ Das Kino lieferte überzeugendere Illusionen als sein engster Rivale, das Theater, und die Tendenz der Surrealisten, sich im Film auszudrücken, war ein Zeichen ihres Vertrauens in die Anpassungsfähigkeit des Kinos an die Ziele und Anforderungen des Surrealismus. Sie waren die Ersten, die die Ähnlichkeit zwischen den imaginären Bildern des Films und denen der Träume und des Unbewussten ernst nahmen. Luis Buñuel sagte: „Der Film scheint die unfreiwillige Nachahmung des Traumes zu sein.“

Surrealistische Filmemacher versuchten, das menschliche Bewusstsein für die Realität neu zu definieren, indem sie zeigten, dass das „Reale“ kaum mehr war als das, was als real wahrgenommen wurde; dieser Realität waren keine Grenzen gesetzt, die über die ihr auferlegte Menschheit hinausgingen. Breton verglich einmal die Erfahrung der surrealistischen Literatur mit „dem Punkt, an dem der Wachzustand in den Schlaf eintritt“. Seine Analogie hilft, den Vorteil des Kinos gegenüber Büchern zu erklären, indem es die Art von Veröffentlichung erleichtert, die Surrealisten von ihrem täglichen Druck erwarten. Die Modernität des Films war auch ansprechend.

Kritiker haben darüber debattiert, ob der „surrealistische Film“ ein eigenständiges Genre darstellt. Die Anerkennung eines kinematografischen Genres beinhaltet die Fähigkeit, viele Werke zu nennen, die thematische, formale und stilistische Züge teilen. Sich auf den Surrealismus als Gattung zu beziehen bedeutet, dass es Wiederholungen von Elementen und eine erkennbare, „generische Formel“ gibt, die ihr Makeup beschreibt. Mehrere Kritiker haben argumentiert, dass es aufgrund der Verwendung des Irrationalen und Nicht-Sequiturs durch den Surrealismus unmöglich ist, dass surrealistische Filme ein Genre darstellen.

Während es zahlreiche Filme gibt, die wahre Ausdrucksformen der Bewegung sind, enthalten viele andere Filme, die als Surrealisten klassifiziert wurden, einfach surrealistische Fragmente. Statt „surrealistischer Film“ könnte der genauere Begriff für solche Werke „Surrealismus im Film“ sein.

Surrealistische Filme und Filmemacher
Filme der ursprünglichen Bewegung
Entr’acte: ein 22-minütiger, stiller französischer Film, geschrieben von René Clair und Francis Picabia, unter der Regie von Clair, veröffentlicht am 4. Dezember 1924.
The Seashell and the Clergyman: Ein 31-minütiger Stummfilm, geschrieben von Antonin Artaud und unter der Regie von Germaine Dulac, veröffentlicht im Februar 1928.
L’Étoile de Mer: ein 15-minütiger stiller französischer Film, geschrieben und inszeniert von Man Ray, im Jahr 1928 veröffentlicht.
Un Chien Andalou: ein 21-minütiger, stiller französischer Film, geschrieben von Salvador Dalí und Luis Buñuel, unter der Regie von Buñuel, der 1929 veröffentlicht wurde.
Les Mystères du Château de Dé: ein 27-minütiger stiller französischer Film, der 1929 von Man Ray geschrieben und inszeniert wurde.
L’Age d’Or: Ein 60-minütiger französischer Film mit Sound, geschrieben von Dalí und Buñuel, unter der Regie von Buñuel, im Jahr 1930 veröffentlicht.
Das Blut eines Dichters: Ein 50-minütiger französischer Film, Regie und Drehbuch von Jean Cocteau, erschienen 1931.

Spätere Filme
Joseph Cornell produzierte surrealistische Filme in den Vereinigten Staaten in den späten 1930er Jahren (wie Rose Hobart im Jahr 1936). Antonin Artaud, Philippe Soupault und Robert Desnos schrieben Drehbücher für spätere Filme. Salvador Dalí entwarf eine Traumsequenz für Alfred Hitchcocks Film Spellbound (1945). Es war einer der ersten amerikanischen Filme, der die Psychoanalyse als Hauptelement der Geschichte verwendete. Hitchcock wollte die Lebhaftigkeit der Träume wie nie zuvor erfassen und fühlte, dass Dalí ihm dabei half. Angesichts der Wichtigkeit der Traumsequenz gab der Regisseur dem Künstler die Freiheit, eine innovative Vision der Art und Weise, wie Träume dargestellt werden können, auf die Leinwand zu bringen.

Im Jahr 1946 begannen Dalí und Walt Disney mit der Arbeit an einem Film namens Destino; Das Projekt wurde schließlich 2003 abgeschlossen.

Werke des amerikanischen Filmemachers David Lynch wie Eraserhead (1977) Blue Velvet (1986), Lost Highway (1997) und Mulholland Drive (2001) wurden als surrealistisch angesehen. Die Filme des spanischen Schriftstellers, Dramatikers, Regisseurs und Mitglieds der bretonischen Surrealistengruppe, Fernando Arrabal (Ich werde wie ein verrücktes Pferd gehen), der chilenische Schriftsteller und Regisseur Alejandro Jodorowsky (El Topo, Der heilige Berg), der amerikanische Regisseur Stephen Sayadian (Dr. Caligari),

Einflüsse des Surrealismus und Dadaismus nach dem Krieg
Über die historische Periode der 1920er und 1930er Jahre hinaus können wir nicht von einem surrealistischen Kino im eigentlichen (oder starken) Sinne sprechen, da die Filme, die behaupten, oder auf die wir verweisen (oder die wir als solche katalogisieren), heterogen sind Hybrid. Wir stellen fest, dass es gerade in fiktionalen Arbeiten (narrativ oder dysnarrativ) Vererbung gibt, ob zugegeben oder nicht, des Surrealismus, weil es eine Strömung des Denkens ist, die auf das Unbewusste, den Traum, die Psyche wirkt: besonders mit Luis Buñuel (der es sein ganzes Leben lang beanspruchen wird), Federico Fellini, David Lynch, Shūji Terayama, Terry Gilliam, Raoul Ruiz oder Alejandro Jodorowsky. 5. Ganze Genres, wie das Fantasy-Kino, können sich auf der einen oder anderen Ebene entscheiden über ihnen. Die Einflüsse des Surrealismus finden sich auch im Zeichentrickfilm, in den östlichen Ländern, aber auch in Tex Avery und anderen.

Das Kino aus dem Dadaismus, der andere große multidisziplinäre Film seiner Zeit (der Filme wie „Die Rückkehr zur Vernunft“ an Man Ray, 1923 Entr’acte von René Clair, 1924 Anemic Cinema, von Marcel Duchamp, 1925) gab, beeinflusst , aus den 1950er Jahren, eine große Anzahl von Strömungen des experimentellen Kinos: Lettrist-Kino, das von Fluxus, das Found-Filmmaterial oder, noch, das strukturelle Kino. Denn in diesen ästhetischen Strömungen hat die Form Vorrang vor dem Inhalt. Die Form wird zum Inhalt:

Liste der Filme
Surrealistische Filme
1924: Entr’acte von René Clair [Ursprünglich dadaistischer Film]
1928 Die Muschel und der Geistliche von Germaine Dulac
1929: Ein andalusischer Hund von Luis Buñuel und Salvador Dalí
1929: Der Seestern des Menschen Ray
1930: Das goldene Zeitalter von Luis Buñuel (mit Hilfe von Salvador Dalí)
1930: Das Blut eines Dichters von Jean Cocteau
1943: Meshes of the Afternoon von Maya Deren und Alexander Hammid
1957: Die Krawatte von Alejandro Jodorowsky
1959: Die Imitation von Marcel Mariëns Kino im Sharing Social Network [Archiv]
1980: Jenseits der Realität von Ken Russell
1988: Alice von Jan Švankmajer.
2003: Destino von Dominique Monféry, aus einem unvollendeten Projekt, 1946 von Walt Disney und Salvador Dalí initiiert.
2003: Doppelherz von Marilyn Manson (Kurzfilm)

Filme surrealistische Einflüsse
1945: Das Haus von Dr. Edwardes von Alfred Hitchcock (die Folge des Traumes von Gregory Peck, dessen Bühnenbilder von Salvador Dalí gemalt wurden, inspiriert von seiner Arbeit am Auge für einen andalusischen Hund)
1946: Die Schöne und das Biest von Jean Cocteau
1950: Orpheus von Jean Cocteau
1970: Die Großmutter von David Lynch
1974: Das Phantom der Freiheit von Luis Buñuel
1986 Blue Velvet von David Lynch
1990: Seemann und Lula von David Lynch
1997: Las Vegas Parano von Terry Gilliam
1999: Tot oder lebendig von Takashi Miike
2005: Die Brüder Grimm von Terry Gilliam

Neo-Surrealismus
1962: Die Puppe von Jacques Baratier
1965: Julia der Geister von Federico Fellini
1967: Fando und Lis von Alejandro Jodorowsky
1968: Die Vergewaltigung des Vampirs von Jean Rollin
1968: Das Alphabet von David Lynch
1970: El Topo von Alejandro Jodorowsky
1971: Der Nervenkitzel der Vampire von Jean Rollin
1973: Ich werde wie ein verrücktes Pferd von Fernando Arrabal gehen
1973: Der heilige Berg von Alejandro Jodorowsky
1974: Der Amputierte von David Lynch
1974: Hirtenversteck von Shūji Terayama
1975: Monty Python: Heiliger Gral! von Terry Gilliam
1976: Eraserhead von David Lynch
1976: Jabberwocky von Terry Gilliam
1979: Faszination von Jean Rollin
1980: Das Karussell von Marc Caro und Jean-Pierre Jeunet
1985 Brasilien von Terry Gilliam
1989: Marquis de Henri Xhonneux, Drehbuch von Roland Topor
1989: Tetsuo von Shinya Tsukamoto
1995: Drei Leben und ein Tod von Raoul Ruiz
1997: Lost Highway von David Lynch
2001: Mulholland Drive von David Lynch
2002: Arzach von Moebius
2002: Verdunkelter Raum von David Lynch
2004: Aaltra von Benoît Delépine und Gustave Kervern
2005: KO Kid von Marc Caro
2006: Präparation von György Pálfi
2007: Inland Empire von David Lynch
2010: Maximale Schande von Carlos Atanes
2010: Kautschuk von Dupieux
2012: Falsch von Quentin Dupieux
2014: Falsche Cops von Quentin Dupieux