Die von Daniel Radini Tedeschi kuratierte Themenausstellung „Sweet Death“ repräsentiert den Pavillon von Guatemala auf der Biennale 56 in Venedig 2015. Das Thema der Ausstellung ist inspiriert vom Buch von Thomas Mann, dem Film von Visconti, aus der Oper von Britten, aber hauptsächlich befasst sich mit dem Konzept der „Endlichkeit des Todes“, das als Niedergang und Verlust von Werten in der heutigen Gesellschaft verstanden wird, aber alle durch die Sprache der Freude und Farbe ausgedrückt werden, wobei ein sanfter Ansatz und Niedlichkeit verwendet werden.

„Sweet Death“ dreht sich um das Konzept der „Todesendlichkeit“, das am besten als Desintigration von Werten in der modernen Welt verstanden werden kann. Die Kuratoren Luciano Carini und Simone Pieralice nähern sich diesem universellen Phänomen nicht durch eine krankhafte oder deprimierende Linse. Sie verwenden vielmehr helle Farben und eine seltsam harmonische Mischung aus sexuellen und kindlichen Motiven, um die Verschwendung traditioneller Werte in der heutigen Gesellschaft zu unterstreichen. Der Tod von Werten wird mit der tatsächlichen Erfahrung des Todes in der guatemaltekischen Tradition verglichen. Maya-Rituale lassen auf ein Fest des Lebens schließen, das durch farbenfrohe Gräber gekennzeichnet ist. „Sweet Death“ umfasst Arbeiten von guatemaltekischen und italienischen Künstlern, die auf den Begriff der Todesendigkeit durch die einzigartige Linse des Maya-Bestattungsrituals reagieren. Das Ergebnis ist ein Gespräch über die zeitgenössische Gesellschaft zwischen zwei unterschiedlichen Kulturen, Guatemaltekisch und Italienisch, die sich seit mehreren hundert Jahren kulturell überschneiden.

Ein Beispiel dafür ist das Bild des Friedhofs in Chichicastenango in Guatemala, wo die Gräber bunt sind, Kinder in den Nischen spielen, die jungen Leute sich küssen und die älteren Menschen zwischen den Grabsteinen lachen. Direkt nach Maya-Ritualen behält die Trauer ihre Farben: weiße Gräber für Väter, für türkisfarbene Mütter, blau für Kinder, gelb für Großeltern.

In dieser Ausstellung werden guatemaltekische und internationale Künstler das Thema Tod diskutieren, das eine ähnliche Situation wie Gustav von Aschenbach erlebt, der gealtert, aber fasziniert von der Schönheit des jungen Tadzio ist und von einem Trick für diese Karikatur gepudert wird. In ähnlicher Weise werden die Künste, die heute „senil“ und sterbend sind, eine künstliche Verjüngung versuchen. Laut Gino de Dominicis in der Tat sumerische Kunst – in unserem Fall, dass Maya „jung“ war, während sein zeitgenössischer „alt“, durch einen Meter im Wesentlichen chronologisch. Venedig wird so zur perfekten Szenografie für diese Landschaft der Seele, die Mischung aus Rokoko-Geschmack, Karneval und Festlichkeit, verbunden mit einem feierlichen Sinn für Melodram.

Das Streben nach einer Schönheit, hervorgerufen durch widersprüchliche Bilder und oft auffällig, ist wie das Rouge, eine palliative Groteske und Sichtbare, die den Tod nicht verbergen kann. Und dieser Trick ist nichts anderes als die farbenfrohe Chromatik der guatemaltekischen Gräber, eine Möglichkeit, das Ende des Menschen auszutreiben und den Übergang zu humanisieren. Außerdem bringt die gesamte Belichtung ein Osterei in jede Arbeit, eine geheime und zugängliche Spur nur hinter der Reflexion, und eine weitere Maske, die eine alternative Realität verbergen soll.

In einem Spiel mit sich überschneidenden Rollen, das Ergebnis einer spielerischen und osmotischen Beziehung, werden italienische Künstler den guatemaltekischen Maya-Touch geben und koloristisch pushen, im Gegensatz zu Guatemala, das Beispiele für „verwässerte“ Kunst bietet und vom Kolonialismus „beeinflusst“ wird bunte künstlerische Polygamie und ohne Grenzen mit leckeren Sets und Kombinationen zwischen dem Heiligen und dem Profanen. Neben den Ausstellern werden geladene Mitarbeiter, Künstler selbst, ähnlich wie die fünfzehnten Arbeiter, oder Personifikationen eines Allround-Handels im großen Fresko des Lebens zusammenkommen „(Daniele Radini Tedeschi).

Die Dekadenz der zeitgenössischen Gesellschaft in ihren verschiedenen Ausdrucksformen trifft Sie von der ersten Skulptur in Guatemalas Biennale-Pavillon „Sweet Death“, kuratiert von Daniele Radini Tedeschi, direkt ins Herz. „Der Traum der Italiener“, der die Leiche von Berlusconi darstellt, die von Garullo & Ottocento mit einem Ausdruck der Glückseligkeit in einem Sarg aus klarem Glas geschaffen wurde, wie eine Art Schneewittchen, das jeden Moment aufwachen kann, schafft einen Kontrast zwischen der angeblichen Heiligkeit dieser Mensch und die unbestreitbare Wahrheit der italienischen Politik Dekadenz. Die Dekadenz des Todes in Italien wirkt sich auch auf die Kinoindustrie aus, dargestellt durch die Skulptur, die Luchino Visconti gewidmet ist, und ihren Tod in Venedig in Erinnerung an eine alte und verlorene Eleganz der italienischen Filmproduktion.

Der dramatischste Teil der Ausstellung ist der, der den Werken guatemaltekischer Künstler gewidmet ist. Von besonderem Interesse ist die beunruhigende Skulptur ohne Gesicht von Mariadolores Castellanos, genannt Testiculos qui non habet, Papa Esse non posset (dh man kann kein Papst ohne Hoden sein) und die emblematische und mythische Figur der Papstfrau Joan, Symbolhäresie und Schwäche eines religiösen Glaubens, der jahrhundertelang nur von Männern regiert wurde.

Dekadenz und Tod zeigen die Darstellung einer verzerrten und verlorenen Kindheit, in der die Disney-Figuren Barbie und Dolls eine negative Bedeutung annehmen. Von großer Bedeutung ist der riesige und schwarze Schädel von Sabrina Bertolelli, der den Raum von Memento Mori und Vanitas dominiert, gefolgt von der letzten Ausstellung über den kulinarischen Tod. Die Künstler der Gruppe „La Grande Bouffe“ verspotten neue Kochtrends wie die molekulare Küche. Eine der Hauptarbeiten ist die von Luigi Citatella vorgeschlagene und die Darstellung eines Kindes vor einem dünnen Gerichtssymbol einer beeindruckenden Essenslücke zwischen Ländern wie Guatemala und Italien.

Die Ausstellung ist ein bemerkenswerter Ausdruck der zeitgenössischen Gesellschaft. Die Künstler haben nicht nur die Essenz der Dekadenz eingefangen, die verschiedene Umgebungen unserer Gesellschaft betrifft, sondern diesen langsamen und unaufhaltsamen Tod mit Ironie zum Ausdruck gebracht, die den Besucher vom ersten Moment an fesselt.

Die Ausstellung
Jeder um ihn herum liebt und kritisiert gleichzeitig den Kitsch … dann könnte man ihn genauso gut beim richtigen Namen Rokoko nennen. Warum eine Rückkehr des Rokoko verbieten, wenn wir die des Klassikers mit dem neoklassischen Winkelmann, die des Barock mit dem neobarocken Kalabreser, den Manierismus mit dem Neomanierismus des Portugiesischen und Bonito Oliva akzeptierten? Aber es wäre falsch, vom Neorokoko zu sprechen denn schon zu seiner Zeit herrschte eine schönere Atmosphäre, bevölkert von Charakteren mit jeweils eigenem Stil, von Mozart, Casanova, de Sade, also nicht in eine Enzyklopädie ein.

Der Stil war das Gebäude aus dem 18. Jahrhundert mit seinen Wänden, der Rokoko-Luft, die es enthielt … Einfach das. Und jetzt ist es, als könnte ein uralter Wind diesen Puderstoß, diese Flut von Cembalos, Codest Puffs des guten Lebens hervorbringen. Ohne Angst rieche ich das Rokoko in der Produktion vieler heute in Mode befindlicher Künstler von Jeff Koons nach Maurizio Cattelan, bis zu einem gewissen Luxus von Damien Hirst, der dann zum jüngeren Francesco Vezzoli führt.

Die Ausstellung Sweet Death, die im Rahmen der 56. Biennale von Venedig im Nationalen Pavillon Guatemala stattfindet, möchte diesen Stil wiederbeleben und ihn natürlich mit den Beiträgen der Gegenwart aktualisieren.

Erster Raum
Paolo Schmidlin, Adriana Montalto, Paolo Residori, Salvatore Ruggeri, Garullo e 800, Umweltfotografie der Werke des ersten Raumes.
Sweet Death ist ein farbenfrohes Festival, das in gewisser Hinsicht mit der scheinbaren Leere verbunden ist, die in der Lage ist, mit einem Lächeln sogar mit dem Tod umzugehen.

Parsmoke
Paolo Residori
Parsmoke, ein Glasbehälter, ist mit Zigaretten und Vaseline gefüllt. Flüssigkeitsblasen sitzen gegen das Glas gedrückt und reflektieren die schmuddelige gelbe und braune Farbe der Zigaretten. Ein Bild des verfallenden Grinsens einer Person wurde auf die Vorderseite des Behälters geklebt. Am oberen Rand des Behälters befindet sich ein kleines Loch, das aus einer silbernen Kappe herausragt und das Glas wie eine schicke Parfümflasche aussehen lässt. Es scheint eine Art Grab zu sein, das eher durch das Lächeln des Verstorbenen als durch seinen Namen gekennzeichnet ist. Worauf es bei Residori ankommt, ist dieser Begriff der Todesendigkeit – die Idee, dass die heutige Gesellschaft traditionelle Werte zerstört. Hier sind Zigaretten der Täter, der sowohl Zähne als auch Leben physisch zerstört. Aber was sagt das für die Gesellschaft insgesamt aus? Die Düse oben scheint ein Indikator dafür zu sein, dass die negativen Auswirkungen von Zigaretten nicht in sich geschlossen sind. Zu jedem Zeitpunkt können sie durch Passivrauch auf jeden in der Nähe nach außen gesprüht werden.

Über diese etwas wörtliche Übersetzung hinaus geht es bei „Parsmoke“ um mehr als die Auswirkungen des Zigarettenkonsums. Es repräsentiert das Besudeln der Erde, des Körpers und des Geistes durch Massenkonsum, Drogenmissbrauch, Krankheit und Müll. „Parsmoke“ ist so schmutzig, dass es buchstäblich sprudelt und nicht enthalten sein kann. Die Düse und das böse, wissende Grinsen erinnern uns bedrohlich daran, dass wir unseren Schmutz nicht mehr so ​​sauber halten können. Der Überlauf von Deponien und das Gewicht sinkender Werte werden mit jeder neuen Generation zunehmen.

Frau Magda
Paolo Schmidlin
Paolo Schmidlin nähert sich dem Begriff der Todesendlichkeit viel weniger umständlich. Das Genie von „Frau Magda“ ist der Schockwert und die visuelle Wirkung. Frau Magda trägt ein funkelndes silbernes Hakenkreuz um den Hals.

Ihr Haar ist perfekt frisiert und ihre Augenbrauen aristokratisch gewölbt. Sogar ihre Hände sind höflich gefaltet. Alles außer ihrer Halskette signalisiert, dass diese Frau würdevoll ist. Das Vorhandensein des Hakenkreuzes befreit sie sofort von diesen Attributen und ersetzt ihr Bild durch das eines Bösewichts. In welcher Beziehung steht dies zur Botschaft von „Sweet Death“? Der entweihte Wert könnte hier der des Lebens selbst sein. Das Hakenkreuz steht für Rassismus, Völkermord und Tod. Seine Anwesenheit behindert die Freiheit und erinnert an eine gewalttätige und grausame Zeit in der Geschichte der Menschheit. „Frau Magda“ bezeichnet den Holocaust als ein Ereignis, das auf den Untergang der Menschheit hinweist. Es wird nicht als eigenständiges schreckliches Ereignis herausgestellt, sondern als Beweis für die Theorie der Todesendlichkeit aufgeführt.

Die Schmetterlinge von Belén
Adriana Montalto, 2015
Die Ausstellung spiegelt den Lifestyle Noir wider, spöttisch und luxuriös und tendiert zu einer Art „Milz“ Baudeleriano, der die Sprache seines Schöpfers Daniel Radini Tedeschi charakterisiert.

Toter Wecker (2011)
Paolo Schmidlin
Hier beziehen sich gegenwärtige Büsten von Sternchen, Künstler Schmidlin, auf ihre „letzte Reise“

Der Schmetterling von Belen (2015)
Adriana Montalto, 2015
Die Installation „Die Schmetterlinge von Belén“, bestehend aus 200 Aluminiumschmetterlingen, erinnert an den Geist der gesamten Veranstaltung, für Provokation und Farben.

Guardian de los Bosques (2015)
Elsie Wunderlich
Skulpturen von Elsie Wunderlich stellen den Menschen als Hüter der Natur und Position der Minderwertigkeit vor deren Größe dar, nur die Kunst kann eine symbiotische Vereinigung herstellen.

Sauerstoffpuppe (2011)
Paolo Schmidlin
Stern in ihren Wachsen geraut, mit einem Make-up, das kristallisierte Züge kristallisiert, Denkmäler für sich selbst, die ein bequemes Grab erwarten.

Liebe auf den ersten Blick (2015)
Mariadolores Castellanos
Wie man dann nicht an die Figuren der glasartigen Kastellanos „Lady Spondilus“ denkt, obwohl eine Brut Guatemaltekisch tatsächlich „Schwester“ eines aktuellen italienischen Lollo ist, der in Kanülensauerstoff geleitet wird.

Tod in Venedig (2015)
Salvatore Ruggeri
..und immer noch auf einer großen Leinwand, die eine Szene aus dem Film Tod in Venedig zeigen muss, der von Salvatore Ruggeri in seinem ironischen Realismus bewundernswert gemalt wurde.

Zweiter Raum

Testiculos qui non habet Papa Esse non posset
Fatima Messana
„Testiculos“ wird von den Lichtern der Ausstellung lila beleuchtet und leuchtet jenseits der Welt. Diese übernatürliche Aura wird durch die Gesichtslosigkeit der Figur und seinen spindelförmigen, erhobenen Finger vertieft. In seiner anderen Hand hält er einen Apfel, von dem sich ein Kreuz abhebt. Testiculos „ist, dass religiöse Frömmigkeit ein wesentlicher Bestandteil des Charakters ist.

Der Apfel repräsentiert Wissen, da sein Konsum Adam und Eva im Alten Testament Wissen hinterlässt. „Testiculos“ schlägt daher auch vor, dass der Beitritt zu diesem gesichtslosen Wesen in religiösen Pflichten das Wissen erweitern wird. Seine Gesichtslosigkeit und seine Geste, die Hand, die signalisiert, der erhobene Finger ist eine Warnung. Frömmigkeit mag dir Erlösung bringen, aber was kostet es dich? Und ist der Apfel des Wissens wahr oder wird es immer das Wissen sein, das eine Institution von Ihnen sehen möchte?

Diese Arbeit verweist auf den Kontext in „Sweet Death“. Deathfinitude ist der Verlust traditioneller Werte. Wenn das Christentum hier der traditionelle gefährdete Wert ist, würde Messana ihn in einer Ausstellung kritisieren, die um die Vergangenheit trauert? Vielleicht ist ihre Haltung reflektierender. Sie könnte die zeitgenössische Infragestellung der Werte der Kirche darstellen, während sie um eine Zeit trauert, in der eine solche Infragestellung unbekannt war. Die Möglichkeiten sind hier endlos.

Indole (2015)
Daniele Accossato
Der Traum wird Wirklichkeit. Dies sind die Grundelemente einer Arbeit wie „Indole“, in der ein Kind dem Traum überlassen ist, dem einzigen Ort, an dem Sie seiner Fantasie und Unterhaltung Gestalt verleihen können.

Il Pistolino degli stracci (2015)
Teresa Condito
Letzteres ist eine Art Grabstein, der das Bild eines schlafenden Kindes zeigt, auf dem diese kleinen schwarzen Tiere seine reine Seele zu quälen scheinen.

Giordano Bruno (2015)
Max Leiva
Um einer solchen Trostlosigkeit entgegenzuwirken, verweilt eine beeindruckende Skulptur von Max Leiva, einem Mann mit Kapuze und Gesichtslosigkeit, am Rande eines Abgrunds. Giordano Bruno ist sein Name, der der Gnade zwischen Leben und Tod ausgeliefert ist.

Die ewige Ruhe (2015)
Pier Domenico Magri
Plötzlich fällt eine festliche Installation von Magri in einem schockierenden Rosa auf, in der ewige und dann gefallene Idole mit Jugend, Ewigkeit und Führer in der Kunst Trost finden.

Dritter Raum
Um die Aufmerksamkeit wieder auf sich zu ziehen, ist eine beeindruckende kinetische schwarze Schädelfarbe, gruselig ist der Kontrast zwischen dem Diamantpolieren und den fleckigen Zähnen; es scheint zu grinsen und gleichzeitig zur Schau zu stellen, eingebettet in seinen Schädel, bunte Bleistifte, als sie aufgeschlitzt wurden … ist Charlie-Künstlerin Sabrina Bertolelli.

„Desde la otra orilla“ und „Paradiso Guatemalteco“ (2014)
Monica Serra, Carlo Guidetti
Evokative Atmosphäre in den Werken von Monica Serra und Carlo Guidetti

Stille Nachtclub
Teresa Condito
Silent Night Club mit leuchtenden Farben und anachronistischen Motiven mit einer Botschaft über die Gesellschaft, die sich alle um ein cleveres Wortspiel dreht, das seine Bedeutung zusammenfasst. „Silent Night Club“ ist genau das, wonach es sich anhört. es ist das bizarre Zusammenleben religiöser Figuren und zeitgenössischer Ausschweifungen. Noch seltsamer – im „Silent Night Club“ – leben Bier und biblische Figuren in einem Puppenhaus und bringen Jugend auf den bereits überfüllten Tisch voller Religion und Verderbtheit.

Alles in allem ist es eine Augenweide. Rosa Pailletten reflektieren das Licht funkelnder Glühbirnen, während rosa fast jede Oberfläche schmückt. Federn umgeben die Figur eines goldenen Engels in pinkfarbenem Flaum. Würfel liegen auf dem Kaffeetisch und deuten auf ein sündiges Pokerspiel hin. Rosa Chiffonvorhänge werden zurückgezogen, um ein regelmäßig engagiertes neutestamentliches Engagement zu enthüllen. Die einzigen Dinge, die nicht hell und farbenfroh sind, sind die Figuren selbst. Jesus und die Apostel, vielleicht die Weisen, nehmen hier im Silent Night Club ihren Wohnsitz. Ihre Anwesenheit ist eine klare Metapher für die Endlichkeit des Todes.

Währenddessen sitzen Jesus und seine Familie unter dem Puppenhaus in einem kleineren Haus ohne Rosa und Rüschen. Ein gelbes Licht beleuchtet die Wohnung und ihre bescheidenen Bewohner. Unterhalb der Extravaganz des Silent Night Clubs ist es eine deutliche Erinnerung daran, dass es zu einer Zeit Respekt für das Heilige gab und vielleicht immer noch geben könnte.

Vierter Raum

La Grande Bouffe (2015)
Marisa Laurito, Salvatore Ruggeri für die Gemälde, Luigi Cittarella für die Skulptur.
Es ist dieses Konzept, das durch den zweiten Tisch hervorgerufen wird, in dem wir nur ein Stück Spaghetti in den Topf drei traurige Tomaten sehen. Davor war ein Mädchen abgemagert und hager.

La Grande Bouffe nähert sich der Todesendigkeit anders als die anderen Werke. Eine riesige Erdbeere sitzt auf einem Esstisch und ist von blauem Licht umgeben. Davor steht ein Stuhl und mehrere Besteckteile ruhen auf der Tischdecke. Die Größe der Beere lässt darauf schließen, dass Laurito mit Fettleibigkeit konfrontiert ist. Vor dem Essen steht nur ein Stuhl. Soll eine Person eine so große Erdbeere alleine essen? Und wie wächst eine Erdbeere so groß? Es konnte nur gentechnisch verändert werden. Mit „La Grande Bouffe“ thematisiert Laurito gleichzeitig die Themen Fettleibigkeit und GVO.

Diese Probleme haben jedoch einen doppelten Zweck. Übergewicht kann zum Tod führen, an Herzkrankheiten oder Diabetes, was diesen Esstisch zu einem vorzeitigen Grab macht. GVO sind umstritten, aber es gibt definitiv eine Denkschule, die glaubt, dass sie auch tödlich sind. Dieser Speisesaal ist aber auch ein hell erleuchtetes Grab der Tradition. Der Respekt vor der Erde, vor denen, die sein Essen zubereiten, und vor dem Vergnügen, mit geliebten Menschen zu essen, scheinen veraltete Ideen zu sein, wenn man sie dem Lebensstil gegenüberstellt, der durch Fettleibigkeit und GVO unterstützt wird. Fast Food und gentechnisch veränderte Organismen sind Produkte einer Welt, die glaubt, dass der Mensch die Erde verändern kann und sollte, um sie seinen Bedürfnissen anzupassen. Was im Staub zurückbleibt, ist eine einfache, natürliche Mahlzeit, die zu Hause zubereitet wird, ein Zuhause, in dem sich die Menschen tatsächlich über den Tisch hinweg sehen können und nicht durch die schiere Größe der verzehrten Mahlzeit blockiert werden.

Fünfter Raum

Der Zweifel (2011)
Garullo & Ottocento
Miky Mouse bedeckt seine Augen von dem, was sich in dem Würfel befindet, der ihn stützt, oder bedeckt seine Augen von der Arbeit, die ihm folgt ….!?

Skandal an der Akademie
Carlo Malteser
Der Skandal an der Akademie drückt die Endlichkeit des Todes durch religiöse Themen stark aus und verwendet überlappende Farben und Figuren.

In dieser Arbeit werden Barbie-Puppen in sexuell kompromittierenden Positionen in der Galleria della’Accademia in Florenz gezeigt, die ich später auf meiner Italienreise besuchte. Die Barbies stehen zwischen Säulen, als wären sie religiöse Statuen, die an der Fassade einer Kirche oder eines offiziellen Gebäudes in Stein gemeißelt sind.

Hier in „Scandalo“ stehen mehrere traditionelle Werte auf dem Spiel. Eine davon ist die Religion, da diese Barbies an die Figuren der Madonna und der Apostel erinnern sollen, die in solchen Fassaden oft zwischen Säulen stehen. Ein anderer ist Kunst. Vielleicht beklagt Malteser den Niedergang traditioneller Kunstformen anstelle skandalöser, sexuell aufgeladener Kunstwerke.

Der Wert der Gefahr könnte der Respekt vor der Vergangenheit sein. Dies scheint am logischsten. Während Malteser sich durch neue und aufregende Werke auszeichnet, kündigt er Respekt vor den Künstlern an, die vor ihm kamen. Er beklagt den Rückgang des Respekts für diese Künstler und nicht die geringere Popularität des Schaffens in traditionellen Modi. Dies macht noch mehr Sinn, nachdem ich Florenz besucht habe.

Dinamic Zeit … Sommer (2015)
Maurizio Gabbana
Große Lichtinstallation in Form einer umgekehrten Pyramide, in der wir eine Reihe verspielter Glühbirnen in verschiedenen Farben und Formen finden. Dies ist die Metapher der Erleuchtung, weil menschlicher Einfallsreichtum.

La Protesta (2015)
Carlo Marraffa
Großformatige Fotografie und mehrere Bedeutungen, die von Carlo Marraffa im roten Raum, der Columbidae darstellt, der die Absicht hat, den Gang eines Autos zu beobachten, das gerade mit seinem Rad sein Nest zerquetscht hat.

„Guardian de los Bosques“, „Espiritu de los Espantapajaros“ (2015)
Elsie Wunderlich, Elmar Rojas
In den Hallen der Flöße lauern Geister, die gleiche Präsenz, die den Winter in der Lagune auf der Suche nach einer Landung durchstreift. Hier sind die Seelen von Elmar Rojas in diesem Gemälde.

Zweiter Stock
Die Ausstellung endet im ersten Stock mit dem Autor Roberto Miniati, der vor seiner Beerdigung das platziert, was jeder früher oder später haben wird: Toilette mit den Worten „Ich-Du-Ich“ spielt auf das ultimative Schicksal an, das jede Form von Kreativität auslöst , dargestellt durch gemalte Grabstelle im Hintergrund. Der Teppich und die zahlreichen Statuen beziehen sich auf die Spiritualität der lateinamerikanischen Welt, auf die „Wiege der Menschheit“ in Afrika. Eine zentrale Figur Die Mutter wird zur Apex-Installation, ein Symbol der Wiedergeburt, das an zahlreiche Femizide in Südamerika erinnert, die derzeit das Phänomen der Welt sind. Auf den Seiten der Installation repräsentieren zwei Superhelden wie Spider Man und Batman in den Worten des Autors „die Unbesiegbarkeit jener Nationen … reicher Länder, die so tun, als würden sie über das Schicksal der ärmeren Nationen entscheiden“.

Biennale Venedig 2015
Die Art Biennale 2015 schließt eine Art Trilogie ab, die mit der 2011 von Bice Curiger kuratierten Ausstellung Illuminations begann und mit dem Enzyklopädischen Palast von Massimiliano Gioni (2013) fortgesetzt wurde. Mit All The World’s Futures setzt La Biennale seine Forschung nach nützlichen Referenzen fort, um ästhetische Urteile über zeitgenössische Kunst zu fällen, ein „kritisches“ Thema nach dem Ende der Avantgarde- und „Nicht-Kunst“ -Kunst.

Durch die von Okwui Enwezor kuratierte Ausstellung kehrt La Biennale zurück, um die Beziehung zwischen Kunst und der Entwicklung der menschlichen, sozialen und politischen Realität beim Drücken äußerer Kräfte und Phänomene zu beobachten: die Art und Weise, wie, dh die Spannungen des Äußeren Die Welt erbittet die Empfindlichkeiten, die vitalen und expressiven Energien der Künstler, ihre Wünsche, die Bewegungen der Seele (ihr inneres Lied).

Die Biennale di Venezia wurde 1895 gegründet. Paolo Baratta ist seit 2008 und davor von 1998 bis 2001 Präsident. Die Biennale, die an der Spitze der Forschung und Förderung neuer zeitgenössischer Kunsttrends steht, organisiert Ausstellungen, Festivals und Forschungen in all seinen spezifischen Bereichen: Kunst (1895), Architektur (1980), Kino (1932), Tanz (1999), Musik (1930) und Theater (1934). Seine Aktivitäten sind im Historischen Archiv für zeitgenössische Kunst (ASAC) dokumentiert, das kürzlich komplett renoviert wurde.

Die Beziehung zur örtlichen Gemeinde wurde durch Bildungsaktivitäten und geführte Besuche unter Beteiligung einer wachsenden Anzahl von Schulen aus der Region Venetien und darüber hinaus gestärkt. Dies verbreitet die Kreativität der neuen Generation (3.000 Lehrer und 30.000 Schüler im Jahr 2014). Diese Aktivitäten wurden von der Handelskammer von Venedig unterstützt. Eine Zusammenarbeit mit Universitäten und Forschungsinstituten, die spezielle Führungen und Aufenthalte auf den Ausstellungen durchführen, wurde ebenfalls eingerichtet. In den drei Jahren von 2012 bis 2014 haben sich 227 Universitäten (79 italienische und 148 internationale) dem Biennale Sessions-Projekt angeschlossen.

In allen Bereichen gab es mehr Forschungs- und Produktionsmöglichkeiten für die jüngere Künstlergeneration, die in direktem Kontakt mit renommierten Lehrern standen. Dies wurde durch das internationale Projekt Biennale College, das jetzt in den Bereichen Tanz, Theater, Musik und Kino läuft, systematischer und kontinuierlicher.