Das antike griechische Drama war eine Theaterkultur, die im antiken Griechenland von c. 700 vor Christus. Der Stadtstaat von Athen, der in dieser Zeit zu einer bedeutenden kulturellen, politischen und militärischen Macht wurde, war sein Zentrum, wo er im Rahmen eines Festivals namens Dionysia, das den Gott Dionysos ehrte, institutionalisiert wurde. Tragödie (Ende 500 v.Chr.), Komödie (490 v.Chr.) Und das Satyrspiel waren die drei dramatischen Genres, die dort entstanden. Athen exportiert das Festival in seine zahlreichen Kolonien und Verbündeten.

Die Geschichte des antiken griechischen Theaters umfasst einen Zeitraum von fast tausend Jahren. Schon die Preforms waren kultischer Natur und bestanden in Chorliedern (Dithyramben) und Tänzen, die zunehmend mit Aktionselementen verbunden wurden. Insbesondere der dionysische Kult war wesentlich für die Entwicklung des Dramas. Das Theater der griechischen Antike erreichte seinen Höhepunkt im 5. Jahrhundert mit den Stücken der drei großen Tragiker Aischylos, Sophokles und Euripides und den Stücken der Alten Komödie, insbesondere von Kratinos und Aristophanes. Während der kultische Zweck zunehmend in den Hintergrund trat, spielte das Theater eine wichtige Rolle bei der Entwicklung der attischen Demokratie: Es stand für Selbstsicherheit, Repräsentation und Machtdemonstration der Polisgesellschaft. Das antike griechische Theater war ein Theater der freien Bürger beider Geschlechter: Die Teilnahme an den Aufführungen war zugleich demokratisches Recht und religiös-moralische Pflicht zugleich. Aufgrund der abnehmenden Zuschauerzahlen führte der athenische Staat im 4. Jahrhundert vor Christus. Eine Ersatzzahlung für den Verdienstausfall während des Besuchs der Vorstellungen.

Nach dem Untergang der attischen Demokratie integrierte der römische Staat die Formen des griechischen Theaters in sein Fest und verwandelte das Theater in ein Masseninstrument der Unterhaltung und politischen Machtdarstellung.

Die Entwicklung der gesamten westlichen Theaterkultur geht auf das Theater der griechischen Antike zurück und wird von den traditionellen Dramen sowie von theästhetischen Elementen (wie dem Chor und dem Gebrauch von Masken) und vor allem von der Reflexion des Sozialen bestimmt Rolle des Theaters wurde geprägt.

Ursprünge
Die klassischen Griechen schätzten die Macht des gesprochenen Wortes, und es war ihre Hauptmethode der Kommunikation und des Geschichtenerzählens. Bahn und Bahn schreiben: „Für die Griechen war das gesprochene Wort ein lebendes Ding und den toten Symbolen einer geschriebenen Sprache unendlich vorzuziehen.“ Sokrates selbst glaubte, dass sobald etwas niedergeschrieben wurde, es seine Fähigkeit zu Veränderung und Wachstum verlor. Aus diesen Gründen blühte unter anderem das mündliche Geschichtenerzählen in Griechenland. [3]

Die griechische Tragödie, wie wir sie kennen, entstand um 532 v. Chr. In Athen, als Thespis der früheste aufgezeichnete Schauspieler war. Als Gewinner des ersten Theaterwettbewerbs in Athen war er der Exarchon oder Führer [4] der Dithyramben, die in und um Attika, insbesondere im ländlichen Dionysien, aufgeführt wurden. Zu Thespis ‚Zeit hatte sich das Dithyramb weit von seinen Kultwurzeln entfernt. Unter dem Einfluss des heroischen Epos, der dorischen Chorlyrik und den Neuerungen des Dichters Arion wurde es zu einem narrativen, balladenartigen Genre. Wegen dieser wird Thespis oft der „Vater der Tragödie“ genannt; seine Bedeutung ist jedoch umstritten, und Thespis wird manchmal in der chronologischen Reihenfolge der griechischen Tragiker als 16. aufgeführt; der Staatsmann Solon zum Beispiel wird zugeschrieben, Gedichte zu schaffen, in denen Charaktere mit ihrer eigenen Stimme sprechen, und gesprochene Leistungen von Homers Epen durch Rhapsoden waren auf Festivals vor 534 v. Chr. populär. Somit ist Thespis ‚wahrer Beitrag zum Drama im besten Fall unklar, aber sein Name wurde in Englisch als ein häufiger Begriff für Darsteller – dh ein „Thespian“ – ein längeres Leben gegeben.

Die dramatischen Aufführungen waren den Athenern wichtig – dies wird durch die Schaffung eines Tragödienwettbewerbs und -festivals in der Stadt Dionysia deutlich. Dies wurde möglicherweise organisiert, um die Loyalität unter den Stämmen von Attika (vor kurzem von Cleisthenes geschaffen) zu fördern. Das Festival wurde ungefähr um 508 v. Chr. Gegründet. Während keine Dramatexte aus dem sechsten Jahrhundert v. Chr. Existieren, kennen wir die Namen von drei Konkurrenten neben Thespis: Choerilus, Pratinas und Phrynichus. Jedem werden verschiedene Innovationen auf diesem Gebiet zugeschrieben.

Mehr ist über Phrynichus bekannt. Er gewann seinen ersten Wettbewerb zwischen 511 BC und 508 BC. Er produzierte Tragödien zu Themen und Themen, die später im goldenen Zeitalter wie den Danais, den phönizischen Frauen und der Alkestis ausgebeutet wurden. Er war der erste Dichter, von dem wir wissen, dass er ein historisches Thema benutzte – sein Fall von Milet, der in den Jahren 493-2 produziert wurde, zeichnete das Schicksal der Stadt Milet nach der Eroberung durch die Perser auf. Herodot berichtet, dass „die Athener ihren tiefen Kummer über die Einnahme von Milet in vielerlei Hinsicht deutlich gemacht haben, vor allem aber: Als Phrynichus ein Stück mit dem Titel“ Der Untergang von Milet „schrieb und produzierte, fiel das ganze Theater zu Tränen Phrynichus tausend Drachmen, um an ein Unglück zu denken, das sie so persönlich betraf und die Aufführung dieses Stückes für immer verbot. „[6] Er wird auch als der erste angesehen, der weibliche Charaktere benutzt (wenn auch nicht weibliche Darsteller). [7]

Bis zur hellenistischen Zeit waren alle Tragödien Unikate, die zu Ehren des Dionysos geschrieben und nur einmal gespielt wurden, so dass wir heute in erster Linie die Stücke haben, die noch gut genug erinnerten, um wiederholt zu werden, als die alten Tragödien in Mode kamen Das Überleben, sowie der subjektive Geschmack der hellenistischen Bibliothekare später in der griechischen Geschichte, spielte auch eine Rolle in dem, was aus dieser Zeit überliefert ist).

Neue Erfindungen während der klassischen Periode
Nach der großen Zerstörung von Athen durch das persische Reich 480 v. Chr. Wurden die Stadt und die Akropolis wieder aufgebaut und das Theater wurde formalisiert und ein noch größerer Teil der athenischen Kultur und des staatsbürgerlichen Stolzes. Dieses Jahrhundert wird normalerweise als das Goldene Zeitalter des griechischen Dramas betrachtet. Das Zentrum der jährlichen Dionysia, die einmal im Winter und einmal im Frühling stattfand, war ein Wettbewerb zwischen drei tragischen Dramatikern am Theater von Dionysos. Jeweils drei Tragödien und ein Satyrspiel (eine komische burleske Version eines mythologischen Themas). Beginnend mit einem ersten Wettbewerb im Jahr 486 v. Chr. Legte jeder Dramatiker eine Komödie vor. [8] Aristoteles behauptete, dass Aischylos den zweiten Schauspieler (Deuteragonist) hinzufügte, und dass Sophokles den dritten (Tritagonisten) einführte. Anscheinend verwendeten die griechischen Dramatiker nie mehr als drei Schauspieler, basierend auf dem, was man über das griechische Theater weiß. [9]

Tragödie und Komödie wurden als völlig getrennte Genres betrachtet, und keine Stücke verschmolzen jemals Aspekte der beiden. Satyr-Stücke behandelten das mythologische Thema der Tragödien, aber rein komödiantisch.

Hellenistische Zeit
Die Macht Athens ging nach der Niederlage im Peloponnesischen Krieg gegen die Spartaner zurück. Von da an begann das Theater wieder alte Tragödien zu spielen. Obwohl seine theatralischen Traditionen ihre Lebendigkeit verloren zu haben scheinen, setzte sich das griechische Theater bis in die hellenistische Zeit fort (die Zeit nach Alexanders Eroberungen im vierten Jahrhundert v. Chr.). Die primäre hellenistische Theaterform war jedoch keine Tragödie, sondern „Neue Komödie“, komische Episoden über das Leben der gewöhnlichen Bürger. Der einzige noch erhaltene Dramatiker aus dieser Zeit ist Menander. Einer der wichtigsten Beiträge von New Comedy war sein Einfluss auf die römische Komödie, ein Einfluss, der in den überlebenden Werken von Plautus und Terence zu sehen ist.

Eigenschaften der Gebäude
Die Stücke hatten einen Chor von 12 bis 15 [10] Menschen, die die Stücke in Versen mit Musik beginnend am Morgen bis zum Abend spielten. Der Aufführungsraum war ein einfacher kreisförmiger Raum, das Orchester, in dem der Chor tanzte und sang. Das Orchester, das einen durchschnittlichen Durchmesser von 78 Fuß hatte, lag auf einer abgeflachten Terrasse am Fuße eines Hügels, dessen Abhang ein natürliches Theatron hervorbrachte, wörtlich „sehender Ort“. Später wurde der Begriff „Theater“ auf das gesamte Gebiet von Theatron, Orchester und Skené übertragen. Der Coryphaeus war das Hauptchormitglied, das als ein Charakter in die Geschichte eingehen konnte, der mit den Charakteren eines Stücks interagieren konnte.

Die Theater wurden ursprünglich in einem sehr großen Maßstab gebaut, um die große Anzahl von Menschen auf der Bühne zu beherbergen, sowie die große Anzahl von Menschen im Publikum, bis zu vierzehntausend. Mathematik spielte eine große Rolle bei der Konstruktion dieser Theater, da ihre Designer in der Lage sein mussten, Akustik in ihnen zu schaffen, so dass die Stimmen der Schauspieler im ganzen Theater, einschließlich der obersten Reihe von Sitzen gehört werden konnten. Das Akustikverständnis der Griechen ist dem aktuellen Stand der Technik sehr ähnlich. Die ersten Plätze in griechischen Theatern (außer auf dem Boden sitzend) waren aus Holz, aber um 499 v. Chr. Wurde die Praxis, Steinblöcke in die Seite des Hügels einzulegen, um dauerhafte, stabile Sitzplätze zu schaffen, immer üblicher. Sie wurden die „Prohedria“ genannt und für Priester und einige angesehenste Bürger reserviert.

Im Jahr 465 v. Chr. Begannen die Dramatiker mit einer Kulisse oder einer szenischen Wand, die hinter dem Orchester hing oder stand, was auch als ein Bereich diente, in dem Schauspieler ihre Kostüme wechseln konnten. Es war bekannt als der Skêne (von dem das Wort „Szene“ abgeleitet ist). Der Tod eines Charakters wurde immer hinter dem Skêne gehört, denn es wurde als unangemessen erachtet, eine Tötung angesichts des Publikums zu zeigen. Umgekehrt gibt es wissenschaftliche Argumente, dass der Tod in der griechischen Tragödie vor allem wegen der dramatischen Darstellung dargestellt wurde Überlegungen und nicht Prüderie oder Sensibilität des Publikums. [11] Im Jahr 425 v. Chr. Wurde eine Steinwand, Paraskenia genannt, in den Theatern zur allgemeinen Ergänzung des Skênês. Eine Paraskenia war eine lange Wand mit vorspringenden Seiten, die Türen für Ein- und Ausgänge haben konnte. Gleich hinter der Paraskenie war das Proskenion. Das Proskenion („vor der Szene“) war schön und ähnelte dem modernen Proszenium.

Griechische Theater hatten auch hohe gewölbte Eingänge genannt Parodoi oder Eisodoi, durch die Schauspieler und Chormitglieder das Orchester betraten und verließen. Am Ende des 5. Jahrhunderts v. Chr., Zur Zeit des Peloponnesischen Krieges, war der skênê, die Rückwand, zwei Stockwerke hoch. Die obere Geschichte wurde Episkenion genannt. Einige Theater hatten auch eine erhöhte Sprechstelle im Orchester, das Logeion genannt wurde.

Genesis
Die Dionysia und der wichtigste Teil des heutigen Theaters, die Tragödien, waren bereits unter Peisistratos ein staatlich-religiös bedeutendes Fest, aber durch die Phylenreform von Kleisthenes war Attika an den dionysischen Festen beteiligt. Anfangs gab es nur einen Schauspieler, von denen einer ein Chor war, der vermutlich nicht sang, aber gelegentlich auf den Schauspieler reagierte. Nach der Zerstörung durch die Perser entwickelte sich ein Skené zum Theatron, und bald wurden weitere Zusätze erfunden. Auf die drei Tragödien folgte das Satyrspiel, eine heitere, befreiende Fortsetzung.

Die klassische Blüte des griechischen Theaters endete mit dem Niedergang der klassischen Polis von Athen und der Gründung der hellenistischen Königreiche.

Die wesentlichen Merkmale der griechischen Bühnenkunst sind vor allem wegen der Poetik des Aristoteles (384 bis 322 v. Chr.) Erhalten geblieben. Der Einfluss auf das europäische Theater zeigt sich zum einen darin, dass viele der von den klassischen Griechen verwendeten Materialien später Interesse weckten und weiter genutzt wurden, wie etwa die alten römischen Komödiendichter Plautus und Terence. Auf der anderen Seite gab es auch zahlreiche Versuche, eine „Wiedergeburt“ der Klassik unter Berücksichtigung der vorherrschenden Zeitströmungen anzuregen.

Konstruktion
Die griechischen Theater waren Open-Air-Theater in einem Hang gebaut, meist Nord-Süd. Die Erforschung der griechischen Theaterpraxis steht vor der Tatsache, dass es im Theater des 5. Jahrhunderts v. Chr. Nur wenige Dokumente gibt. Chr., Das sogenannte klassische Zeitalter der tragischen Dichter Aischylos, Sophokles und Euripides. Bis heute ist nicht abschließend geklärt, ob das Orchester und der Zuschauerraum, das sogenannte Theatron, im athenisch-dionysischen Theater des fünften Jahrhunderts bereits eine runde Form mit einem Bühnenhaus vor dem Orchester hatten (wie in die begleitende Skizze) oder wenn das Orchester und theatron rechteckig waren. Die erhaltenen griechischen Theater des fünften Jahrhunderts haben alle eine rechteckige Form und dies dürfte das Athener Theater wahrscheinlich machen. Die folgenden Komponenten gelten als weitgehend gesichert für das fünfte Jahrhundert:

Theatron (zuerst aus Holz, später aus Stein),
Skené (hölzernes Bühnenhaus, daher „Szene“),
Orchester, der Spielbereich für Chor und Schauspieler,
Parodoi, die beiden Seiteneingänge des Orchesters,
Ekkyclema, eine Plattform, die aus dem Haus gerollt wurde, um Szenen von Szenen innerhalb des Hauses in einem Tableau zu visualisieren,
Mechane, ein Kran, mit dem der Deus ex Machina auf die Bühne zu schweben schien und in das tragische Ereignis eingriff.
Die dokumentarische Situation für die tatsächliche Schauspielpraxis ist ebenfalls schlecht.

Der Ursprung der griechischen Tragödie sind die Dithyramben, feierliche Chorlieder zu Ehren des Dionysos, dessen Meister Arion von Lesbos ist. Der erste Tragödendichter war Thespis, an den der Name des Theaters noch als Thespiskarren erinnert wird, er konfrontiert den Chor mit einem einzigen Soloschauspieler, dem Protagonisten, in der Maske des Dionysos. Aischylos stellte den zweiten Schauspieler, den Antagonisten, und schließlich Sophokles den dritten, den Tritagonisten vor.

Die Anzahl der Akteure blieb auf drei beschränkt. Wenn mehr Personen erscheinen, niemals mehr als drei gleichzeitig und mindestens ein Schauspieler muss die Maske wechseln.

Der Chor bestand aus 12 oder 15 Chören, bewegte sich im Prolog durch die Parodoi im Theater und blieb meist während der gesamten Aufführung im Orchester.

Als Schauspieler und Chöre (Mitglieder des Chores) durften nur Männer auftreten. Es wurde mit Masken gespielt.

Die Bewegungsabläufe der Choreografen und Schauspieler, die Sprechweise oder der Gesang und die Musik sind kaum überliefert. Die Forschung darüber, wie aus den erhaltenen Dramatexten Rückschlüsse auf die Bühnenpraxis gezogen werden können, wird kontrovers diskutiert. Trotz des großen Forschungsinteresses ist über das antike griechische Theater nur wenig bekannt.

Soziale Funktion
Das griechische Theater war nicht nur für Männer. Obwohl nur freie Bürger teilnehmen konnten (keine Sklaven), wurden für die Frauen die hinteren Sitzreihen reserviert.

Die Ausstattung des Chores und seine Pflege waren Aufgabe des Choreografen. Der Chor war eine wichtige Leiturgie, dh die Aufführung einer Privatperson für die Polisgemeinde.

Das Theater diente der Unterhaltung der Bevölkerung und seit dem Aufkommen der Komödie auch zur Unterhaltung. Obwohl der Besuch aufgrund seines religiösen Charakters sozial verpflichtend war, zeugt die Ehrung der Schauspieler und Autoren von einer breiteren Wertschätzung; weil berühmte Teilnehmer vom Staat ausgezeichnet und versorgt wurden.

Szenische Elemente
Es gab einige szenische Elemente, die häufig im griechischen Theater verwendet wurden:

Mechane, ein Kranich, der den Eindruck eines fliegenden Schauspielers erweckte (also deus ex machina)
ekkyklêma, eine mit Rädern versehene Plattform, die oft dazu dient, tote Charaktere für das Publikum sichtbar zu machen
pinakes, Bilder hängen, um Landschaft zu schaffen
Thyromata, komplexere Bilder in der Second-Level-Szene (3. Ebene vom Boden)
Phallusrequisiten wurden für Satyrspiele verwendet, die Fruchtbarkeit zu Ehren von Dionysus symbolisieren.

Masken

Masken
Der altgriechische Ausdruck für eine Maske ist Prosopon (lit., „Gesicht“), [12] und war ein bedeutendes Element in der Anbetung von Dionysos in Athen, wahrscheinlich verwendet in zeremoniellen Riten und Feiern. Die meisten Belege stammen aus nur wenigen Vasenbildern des 5. Jahrhunderts v. Chr., Darunter eine Maske des an einem Baum aufgehängten Gottes mit darunter aufgehängtem verziertem Gewand und Tanz und die Pronomos-Vase, [13] die darstellende Schauspieler zeigt für ein Satyr-Spiel. [14] Uns stehen keine physischen Beweise zur Verfügung, da die Masken aus organischen Materialien bestanden und nicht als dauerhafte Objekte betrachtet wurden. Sie wurden schließlich nach Aufführungen am Dionysus-Altar geweiht. Dennoch ist bekannt, dass die Maske seit der Zeit von Aischylos verwendet wurde und als eine der ikonischen Konventionen des klassischen griechischen Theaters gilt. [15]

Masken wurden auch für Mitglieder des Chores gemacht, die an der Handlung teilnehmen und einen Kommentar zu den Ereignissen geben, in denen sie gefangen sind. Obwohl es zwölf oder fünfzehn Mitglieder des tragischen Chors gibt, tragen sie alle die gleiche Maske, weil sie als eine Figur angesehen werden.

Details der Maske
Abbildungen von Theatermasken aus dem 5. Jahrhundert zeigen helmartige Masken, die das gesamte Gesicht und den Kopf bedecken, mit Löchern für die Augen und einer kleinen Öffnung für den Mund sowie einer integrierten Perücke. Diese Bilder zeigen niemals tatsächliche Masken auf den Schauspielern in der Leistung; Sie werden am häufigsten vor oder nach einer Aufführung von den Schauspielern gezeigt, jenem Grenzbereich zwischen Publikum und Bühne, zwischen Mythos und Realität. [16] Tatsächlich hat die Maske den Schauspieler so sehr verändert wie das Auswendiglernen des Textes. Deshalb hat die Aufführung im alten Griechenland den maskierten Schauspieler vom theatralischen Charakter nicht unterschieden.

Die Maskenmacher wurden Skeuopoios oder „Hersteller der Eigenschaften“ genannt, was nahelegte, dass ihre Rolle mehrere Aufgaben und Aufgaben umfasste. Die Masken bestanden höchstwahrscheinlich aus leichten, organischen Materialien wie versteiftem Leinen, Leder, Holz oder Kork, wobei die Perücke aus Menschen- oder Tierhaaren bestand. [17] Aufgrund der visuellen Einschränkungen, die durch diese Masken auferlegt wurden, war es unbedingt notwendig, dass die Schauspieler hörten, um sich zu orientieren und zu balancieren. Daher wird angenommen, dass die Ohren von beträchtlichen Mengen von Haaren und nicht von der Helmmaske selbst bedeckt waren. Die Mundöffnung war relativ klein und verhinderte, dass der Mund während der Aufführungen gesehen wurde. Vervain und Wiles postulieren, dass diese kleine Größe die Vorstellung, dass die Maske wie ein Megaphon funktioniere, wie ursprünglich in den 1960er Jahren präsentiert, abstößt. [14] Der griechische Maskenmacher Thanos Vovolis schlägt vor, dass die Maske als Resonator für den Kopf dient, wodurch die Stimmakustik verbessert und ihre Qualität verändert wird. Dies führt zu erhöhter Energie und Präsenz, was eine vollständigere Metamorphose des Schauspielers in seinen Charakter ermöglicht. [18]

Maskenfunktionen
In einem großen Open-Air-Theater, wie dem Dionysos-Theater in Athen, konnten die klassischen Masken ein Gefühl der Angst im Publikum erzeugen, das Panik in großem Maßstab erzeugte, zumal sie Gesichtszüge und Gesichtsausdrücke stark übertrieben hatten. [18] Sie ermöglichten es einem Schauspieler, in mehreren verschiedenen Rollen zu erscheinen und wieder aufzutauchen, wodurch verhindert wurde, dass der Zuschauer den Schauspieler zu einem bestimmten Charakter identifizierte. Ihre Variationen helfen dem Publikum, Geschlecht, Alter und sozialen Status zu unterscheiden, zusätzlich zu einer Veränderung der Erscheinung eines bestimmten Charakters, zB Ödipus, nachdem er sich selbst geblendet hat. [19] Für bestimmte Charaktere und Ereignisse in einem Stück wurden auch einzigartige Masken geschaffen, wie zum Beispiel Die Furien in Aischylos ‚Eumeniden und Pentheus und Cadmus in Euripides‘ Die Bakchen. Vom Chor getragen, schufen die Masken ein Gefühl von Einheit und Gleichförmigkeit, während sie eine vielstimmige Person oder einen einzelnen Organismus repräsentierten und gleichzeitig Interdependenz und erhöhte Sensibilität zwischen jedem Einzelnen der Gruppe förderten. Nur 2-3 Schauspieler durften gleichzeitig auf der Bühne sein, und Masken erlaubten schnelle Übergänge von einem Charakter zum anderen. Es gab nur männliche Schauspieler, aber Masken erlaubten ihnen, weibliche Charaktere zu spielen.

Andere Kostümdetails
Die Schauspieler in diesen Stücken, die tragische Rollen hatten, trugen Stiefel namens Cothurni, die sie über die anderen Schauspieler erhoben. Die Schauspieler mit komödiantischen Rollen trugen nur einen dünnen Sohlenschuh namens Socke. Aus diesem Grund wird die dramatische Kunst manchmal als „Sock and Buskin“ bezeichnet.

Melpomene ist die Muse der Tragödie und wird oft mit der tragischen Maske und dem Tragen von Cothurni dargestellt. Thalia ist die Muse der Komödie und wird in ähnlicher Weise mit der Maske der Komödie und den komödiantischen „Socken“ assoziiert.

Männliche Schauspieler, die weibliche Rollen spielen, tragen eine Holzstruktur auf ihrer Brust (postereda), um das Aussehen der Brüste und eine andere Struktur auf ihren Mägen (Progastreda) nachzuahmen, um sie weicher und damenhafter erscheinen zu lassen. Sie trugen auch weiße Körperstrümpfe unter ihren Kostümen, um ihre Haut gerechter erscheinen zu lassen.

Das am meisten kostümierte Detail stammt von Töpferbemalungen aus dieser Zeit, als Kostüme und Masken aus Wegwerfmaterial hergestellt wurden, so dass es aus dieser Zeit kaum Reste eines Kostüms gibt. Die größte Informationsquelle ist die Pronomos-Vase, in der Schauspieler auf der Afterparty einer Show gemalt werden.

Costuming würde ein Gefühl von Charakter geben, wie in Geschlecht, Alter, sozialem Status und Klasse. Zum Beispiel würden Charaktere der höheren Klasse in schönere Kleidung gekleidet sein, obwohl alle ziemlich hübsch gekleidet waren. Entgegen der landläufigen Meinung kleideten sie sich nicht nur mit Lumpen und Sandalen an, die sie beeindrucken wollten. Einige Beispiele für griechische Theaterkostüme sind lange Gewänder, die Chiton genannt werden und für Schauspieler, die Götter, Helden und alte Männer spielen, den Boden erreicht haben. Schauspieler, die Göttinnen und Frauenfiguren mit viel Macht spielten, trugen Purpur und Gold. Schauspieler, die Königinnen und Prinzessinnen spielten, trugen lange Mäntel, die auf dem Boden schleiften und mit goldenen Sternen und anderen Juwelen geschmückt waren. Krieger trugen eine Vielzahl von Rüstungen und trugen Helme, die mit Federn geschmückt waren. Kostüme sollten farbig und offensichtlich sein, um von jedem Platz im Publikum gesehen zu werden.