Kunstbiennale Venedig 2019, Ausstellung im Arsenale, Italien
Vom 11. Mai bis 24. November 2019 fand die 58. internationale Kunstausstellung mit dem Titel May You Live In Interesting Times unter der Leitung von Ralph Rugoff statt Zeiten der Unsicherheit, Krise und Aufruhr; „interessante Zeiten“, genau wie wir heute leben.
Die Ausstellung findet wie immer an den beiden wichtigsten historischen Stätten, den Giardini di Castello und dem Arsenale, statt, umfasst aber auch renommierte Orte in ganz Venedig, an denen Vertreter vieler Nationen zu Gast sind und Ausstellungen und Begleitveranstaltungen stattfinden. Alle Futures der Welt bilden einen großen und einheitlichen Ausstellungsweg, der sich vom Zentralpavillon der Gärten bis zum Arsenale artikuliert, einschließlich der Beteiligungen von 79 Ländern und Regionen.
Der Titel dieses Ausstellungsausdrucks „interessante Zeiten“ evoziert die Vorstellung von herausfordernden oder gar „bedrohlichen“ Zeiten, könnte aber auch einfach eine Einladung sein, den Lauf des menschlichen Geschehens immer in seiner Vielschichtigkeit zu sehen und zu bedenken, eine Einladung also, dass erscheint besonders wichtig in Zeiten, in denen allzu oft eine durch Konformismus oder Angst erzeugte Vereinfachung vorzuherrschen scheint.
Mögen Sie in interessanten Zeiten leben, umfassen Kunstwerke, die prekäre Aspekte der heutigen Existenz reflektieren, einschließlich verschiedener Bedrohungen wichtiger Traditionen, Institutionen und Beziehungen der „Nachkriegsordnung“. Aber lassen Sie uns von vornherein erkennen, dass die Kunst ihre Kräfte nicht im Bereich der Politik ausübt. Kunst kann zum Beispiel weder den Aufstieg nationalistischer Bewegungen und autoritärer Regierungen in verschiedenen Teilen der Welt aufhalten noch das tragische Schicksal vertriebener Völker auf der ganzen Welt lindern.
Die 58. Internationale Kunstausstellung beleuchtet eine allgemeine Herangehensweise an das Schaffen von Kunst und eine Sicht auf die gesellschaftliche Funktion von Kunst, die sowohl Freude als auch kritisches Denken umfasst. Die Ausstellung konzentriert sich auf die Arbeit von Künstlern, die bestehende Denkgewohnheiten hinterfragen und unsere Lesart von Objekten und Bildern, Gesten und Situationen öffnen.
Kunst dieser Art erwächst aus einer Praxis, mehrere Perspektiven zu unterhalten: scheinbar widersprüchliche und unvereinbare Vorstellungen im Gedächtnis zu behalten und verschiedene Wege zu jonglieren, um der Welt einen Sinn zu geben. Künstler, die so denken, bieten Alternativen zur Bedeutung sogenannter Fakten, indem sie andere Wege der Verknüpfung und Kontextualisierung vorschlagen. Beseelt von grenzenloser Neugier und stechendem Witz, ermutigt uns ihre Arbeit dazu, alle unbestrittenen Kategorien, Konzepte und Subjektivitäten schief zu betrachten.
Eine Kunstausstellung ist vor allem dann unsere Aufmerksamkeit wert, wenn sie uns Kunst und Künstler als entscheidende Herausforderung für alle vereinfachenden Haltungen präsentieren will. Auf indirekte Weise kann Kunst vielleicht eine Art Leitfaden für das Leben und Denken in „interessanten Zeiten“ sein. Es lädt uns ein, mehrere Alternativen und ungewohnte Blickwinkel in Betracht zu ziehen und zu erkennen, wie „Ordnung“ zur gleichzeitigen Präsenz verschiedener Ordnungen geworden ist.
Die Ausstellung im Arsenale
Die Ausstellung entwickelt sich vom Zentralpavillon (Giardini) bis zum Arsenale und umfasst 79 Teilnehmer aus der ganzen Welt. 1980 ins Leben gerufen, begann das Aperto als Rahmenveranstaltung für jüngere Künstler und Künstler nationaler Herkunft, die nicht durch die ständigen Länderpavillons vertreten sind. Diese findet normalerweise im Arsenale statt und ist Teil des offiziellen Biennale-Programms.
Ab 1999 fand die internationale Ausstellung sowohl im Zentralpavillon als auch im Arsenale statt. Ebenfalls im Jahr 1999 verwandelte eine 1-Millionen-Dollar-Renovierung das Arsenale-Gebiet in eine Ansammlung von renovierten Werften, Schuppen und Lagerhallen, wodurch die Ausstellungsfläche des Arsenale in den Vorjahren mehr als verdoppelt wurde.
Teil I
Soham Gupta
In seinen geisterhaften Porträts beleuchtet Soham Gupta das Nachtleben von Kalkutta und zeigt, wie einige der verletzlichsten Einwohner der Stadt leben. In seiner Serie Angst folgen wir diesen nachtaktiven Figuren, wie sie sich durch die Welten bewegen, die sie bewohnen und zu lebendigen Charakteren in der Fantasie des Fotografen werden. Gupta sieht seine Porträts als Ergebnis eines kollaborativen Prozesses, entstanden aus intimen Interaktionen, in denen er und seine Motive sich einander anvertrauen. Der Fotograf hat eine instinktive Affinität zu denen am Rande der Gesellschaft; er geht zwischen ihnen umher und identifiziert sich mit ihren Schmerzen und Kämpfen.
Nachdem Gupta Zeit mit jedem Thema verbracht hat, macht er biografische Berichte über ihre Geschichten. Guptas Fotografien verleihen den Ohnmächtigen eine ausdrucksstarke Wirkung. Die Fotografien sind mehr als eine Dokumentation einer Stadt und ihrer Menschen, sie sind Ausdruck eines psychologischen Zustands, der im Wesentlichen verwurzelt ist. Ein Gefühl von Verletzlichkeit und Einsamkeit wird von Momenten der Freude und Spontaneität unterbrochen. Während die Schreie und Schmerzen der Qual durch das fotografische Bild zum Schweigen gebracht werden können, drücken Guptas Fotografien die verschiedenen Schattierungen der Menschheit lebendig aus, die nur während der Nacht zu sehen sind.
Anthony Hernandez
Die fotografische Arbeit von Anthony Hernandez ist hart und unsentimental. In den letzten drei Jahrzehnten beschäftigte den Fotografen eine vorherrschende Frage: Wie kann man sich die zeitgenössischen Ruinen der Stadt und die harten Auswirkungen des städtischen Lebens auf ihre benachteiligten Bürger vorstellen? Hernandez hat sich dieser Frage genähert, indem er sich auf das konzentriert, was der Fotograf Lewis Baltz „die Landschaften der Besiegten“ genannt hat – Obdachlosenlager, Arbeitsamt, Autowrackplätze, Bushaltestellen und andere vernachlässigte Orte am Stadtrand. Das Werk von Hernandez ist weder romantisch noch nostalgisch und hat die Orte und Räume detailliert beschrieben, an denen das Glücksversprechen des Kapitalismus sauer geworden ist.
Christian Marclay
Christian Marclays Arbeiten bestehen aus bereits existierenden Objekten, Bildern und Klängen, die er sich aneignet und manipuliert. Seine Erkundungen der Beziehung zwischen Ton und Bild führten ihn dazu, Sampling-Techniken auf Hollywood-Filme anzuwenden. Er erstellte Montagen von Clips, um neue Erzählungen und Projektionen auf mehreren Bildschirmen zu bilden. „Ich habe immer gefundene Objekte, Bilder und Klänge verwendet und zusammencollagiert und versucht, aus dem Vorhandenen etwas Neues und Anderes zu schaffen. Ganz originell zu sein und bei Null anzufangen schien immer sinnlos. Ich war mehr daran interessiert, etwas zu nehmen das existierte und Teil meiner Umgebung war, es zu zerschneiden, zu verdrehen, in etwas anderes zu verwandeln; es sich anzueignen und zu meinem zu machen durch Manipulationen und Gegenüberstellungen“.
Zanele Muholi
Zanele Muholi ist bekannt für die Arbeit Faces and Phases (2006-laufend), ein sich entwickelndes Archiv von Porträts südafrikanischer schwarzer Lesben. Muholi möchte lieber als „visuelle Aktivistin“ als als Künstlerin bezeichnet werden und ist Mitbegründerin des Forum for the Empowerment of Women sowie Inkanyiso, einer Plattform für queeren und visuellen Aktivismus.
Die Bedeutung der Selbstdarstellung ist von zentraler Bedeutung für Somnyama Ngonyama, Hail the Dark Lioness (2012-laufend), eine Reihe von kompromisslosen Selbstporträts, die die Künstlerin in 365 Bilder eines Jahres aus dem Leben einer schwarzen Lesbe im Süden einbauen will Afrika. Die Serie umfasst Werke, bei denen der Künstler dem Blick des Betrachters trotzig oder direkt begegnet, zu sehen im Arsenale, und kleinere Silbergelatineabzüge, bei denen Muholi ihn meidet und frustriert, im Zentralpavillon.
Ed Atkins
Ed Atkins macht alle Arten von Windungen von Selbstporträts. Er schreibt unangenehm intime, elliptische Prophezeiungen, zeichnet schreckliche Karikaturen und macht realistische computergenerierte Videos, die oft männliche Figuren in unerklärlichen psychischen Krisen zeigen. Im Arsenale ist die Installation Old Food (2017-2019) voll von Geschichtlichkeit, Melancholie und Dummheit. Hier hat Atkins sein Emo-Terrain erweitert und die autobiografische Figuration mit breiteren Themen und Zitaten gemildert.
Die Zeichnungen von Bloom (nummeriert von eins bis zehn und im Zentralpavillon gezeigt) zeigen Vogelspinnen, die zaghafte Hände aussteigen oder anderweitig auf einem gestellten Fuß sitzen, jede mit dem geschrumpften Kopf von Ed Atkins, wo der Bauch der Spinnen sein sollte. Von Spinnenhaaren umsäumt, durchbricht Atkins‘ Gesicht die vierte Wand und starrt uns mit einem ambivalenten, fragwürdig bewussten Ausdruck an.
Tavares Strachan
Ein Thema, das in Tavares Strachans Collagen (zusammen mit Rastafarianismus, Sport und Polarforschung) immer wieder auftaucht, ist das der Raumfahrt; Astronauten und feurige Weltraumraketen kommen in mehreren Werken vor. Nach einem Stipendium des Art + Technology Lab des Los Angeles County Museum of Art im Jahr 2014 erhielt Strachan die Möglichkeit, mit SpaceX, dem privaten Unternehmen für Luft- und Raumfahrttechnologie, zusammenzuarbeiten. Er begann mit der Erforschung von Robert Henry Lawrence Jr., dem ersten afroamerikanischen Astronauten, der 1967 bei einem Trainingsunfall starb und der in der Standardgeschichte der amerikanischen Raumfahrt weitgehend unsichtbar geblieben ist. Das Ergebnis dieses Projekts wird im Arsenale ausgestellt.
Das im Zentralpavillon präsentierte Kunstwerk ist mit dem Konzept der gedruckten Enzyklopädie verbunden: Heute, im Zeitalter von Internet und Wikipedia, ist es doppelt redundant. Ihre berühmteste Manifestation, die 1768 erstmals veröffentlichte Encyclopaedia Britannica, klammert sich dennoch an eine gewisse Autorität der alten Welt. Aufgewachsen auf den Bahamas – ehemals britische Kolonie – hat Tavares Strachan die Encyclopaedia Britannica als Werkzeug imperialer Eroberung verstanden, das Wissen aneignet (und verdichtet), um kulturelle Vorherrschaft zu signalisieren. Strachan interessierte sich für alles, was die Enzyklopädie ausgelassen hatte.
Gabriel Rico
Als Sammler ausrangierter Kulturgüter, selbsternannter Ontologe, ausgebildeter Architekt und Erforscher der menschlichen Erfahrung mit einer Affinität zu Tieren, könnte man Gabriel Rico als „hungrige Augen“ bezeichnen. Sein Hinterfragen, Erforschen und Sammeln führt zu einem postsurrealistischen / Arte povera-Ansatz, der eine Reihe von Materialien abbaut, von Präparatoren und Naturobjekten bis hin zu Neonformen und anderen Überresten von künstlichen Gegenständen. Das Ergebnis sind zum Nachdenken anregende Skulpturen, die die Beziehung zwischen Umwelt, Architektur und den zukünftigen Ruinen der Zivilisation thematisieren.
Bei allen Arbeiten von Rico liegt die Schönheit der Geschichte im Detail. Die Komponenten spiegeln die Herausforderungen eines bestimmten Standorts – Mexiko – wider und schwingen gleichzeitig mit unseren gemeinsamen globalen Anliegen mit. Rico betrachtet die Zerbrechlichkeit des Raums, sowohl formal als auch philosophisch, und präsentiert den prekären Moment, der jetzt ist.
Shilpa Gupta
Shilpa Gupta beschäftigt sich mit der physischen und ideologischen Existenz von Grenzen und enthüllt ihre gleichzeitig willkürlichen und repressiven Funktionen. Ihre Praxis schöpft aus den Zwischenzonen zwischen Nationalstaaten, ethno-religiösen Spaltungen und Überwachungsstrukturen – zwischen Definitionen von legal und illegal, von Zugehörigkeit und Isolation. Alltägliche Situationen werden zu prägnanten konzeptuellen Gesten destilliert; als Text, Aktion, Objekt und Installation, mit denen Gupta die unmerklichen Kräfte anspricht, die unser Leben als Bürger oder Staatenlose bestimmen.
Jesse Liebling
Jesse Darlings Skulpturen sind verwundet, schreckhaft und unsicher, aber sie strotzen auch vor Leben. Aus kostengünstigen Alltagsmaterialien gefertigt, erinnern diese bescheidenen Assemblagen an Körper mit einer ungewöhnlichen Schärfe; sie sind auch entschieden nicht monumental. Aufgrund einer neurologischen Erkrankung war Darling nicht in der Lage, den größten Teil ihres rechten Arms zu benutzen, und war beeindruckt von den ererbten Ideologien und dem ableistischen Machismo, die ihr Verständnis von Skulptur ursprünglich geprägt hatten: Ideen von „harter Arbeit“ und „der Geste“. Sie erklären: „Jetzt versuche ich zu denken und auf eine Nicht-Macho-Skulpturenpraxis hinzuarbeiten, indem ich kleine Objekte in narrativen Formulierungen sammle und zusammenbaue und lerne, mit meiner linken Hand zu zeichnen.“
Teresa Margolles
Teresa Margolles richtet eine feministische Linse auf die Brutalitäten der Narkogewalt, die ihr Heimatland Mexiko durchdringen. Nach ihrem Studium der Gerichtsmedizin und Mitbegründerin des Death-Metal-inspirierten Künstlerkollektivs SEMEFO hat Margolles in ihrer gesamten Praxis staatliche Fahrlässigkeit, die sozialen und wirtschaftlichen Kosten der Kriminalisierung von Drogen sowie die spezifischen Texturen, Gerüche und physischen Überreste, die Materialität von Tod.
Henry Taylor
Henry Taylor beschreibt seine Malpraxis als „gefräßig“ und bevölkert seine Arbeit mit einer enormen Vielfalt von Themen, von mittellosen bis hin zu blendend erfolgreichen. Ob durch intime Porträts von Familie und Freunden oder politisch geprägte Gruppenszenen, die unterschiedliche Geographien und Geschichten miteinander verbinden, Taylors Ziel ist es, die Realität der schwarzen Erfahrung und die oft ungerechten Abläufe des amerikanischen Lebens ehrlich darzustellen. Aber trotz seines scharfen Blicks für Ungerechtigkeit und der häufigen Einbindung kunsthistorischer Bezüge sind Taylors Bilder nicht schwer; Ihre kräftigen Formen und Blockfarben sind unmittelbar und ziehen den Betrachter in ihren Bann.
Njideka Akunyili Crosby
Die Gemälde von Njideka Akunyili Crosby spiegeln ihre Erfahrung als Mitglied der zeitgenössischen nigerianischen Diaspora wider und zeigen eine spezifische kulturelle und nationale Identität, die vielen unbekannt ist, aber für diejenigen, die einen ähnlichen Weg eingeschlagen haben, sofort erkennbar ist. Als Teenager zum Studium in die USA ausgewandert, bewegt sich Akunyili Crosby selbstbewusst (wenn auch vielleicht nicht ohne verinnerlichte Reibungen) zwischen verschiedenen ästhetischen, intellektuellen, wirtschaftlichen und politischen Kontexten, und es ist die Kollision und Fehlausrichtung dieser Kontexte, die ihren Gemälden ihre Spannung und Eindringlichkeit.
Die Künstlerin malt Porträts und Wohninterieurs, die normalerweise sie und ihre Familie zeigen. Diese Szenen sind gleichzeitig flach und grenzenlos tief, mit Fenstern und Türen, die sich zu anderen Räumen öffnen, während die in diesen Bildern beschriebenen Räume unbestimmt sind; manche Details – wie zum Beispiel ein gusseiserner Heizkörper – weisen auf ein kaltes Klima hin (wie New York, wo der Künstler eine Zeit lang lebte), während andere, wie eine auf einem Tisch stehende Paraffinlampe, aus Akunyili Crosbys Erinnerungen an Nigeria.
Kemang Wa Lehulere
Die vielschichtige Arbeit von Kemang Wa Lehulere regt die Besucher an, sich in gemeinsamer Kontemplation um sie zu versammeln. Dieser Begriff des Kollektivs ist der Schlüssel für die breitere Praxis des Künstlers: Er wurde Ende Zwanzig, nach langjähriger Erfahrung als Aktivist in Kapstadt, zum Künstler. 2006 gründete er Gugulective, eine künstlerische Plattform für Performance und soziale Intervention. Sowohl die im Arsenale als auch im Zentralpavillon ausgestellten Installationen bestehen aus geborgenem Holz und Metall von Schulbänken und -stühlen. Jedes Element dieser Arbeiten fügt sich in einem Netz aus Assoziationen, Referenzen und Geschichten zusammen, denn für Wa Lehulere sind persönliche Biografie und kollektive Geschichte untrennbar miteinander verbunden.
Apichatpong Weerasethakul
Apichatpong Weerasethakuls Werke sind durchdrungen vom gesellschaftlichen Leben, der unterschiedlichen Kultur und der turbulenten Politik seiner Heimat Thailand, während die vergänglichen Arenen des Schlafens, Träumens und der Erinnerung als Räume für Erkundung, Befreiung und stille Subversion wiederkehren. Diese Sujets fädeln sich in das komplexe Zusammenspiel von Licht, Ton und Leinwand von Synchronicity (2018) ein, das mit dem japanischen Künstler Tsuyoshi Hisakado (1981, Japan) entstand und im Arsenale präsentiert wird, in dessen Umfeld Weerasethakuls Schwellenräume physische Gestalt annehmen.
Einige Arbeiten beziehen sich auf die Begegnungen des Künstlers mit der traumatischen Vergangenheit von Nabua, einer Stadt im Nordosten Thailands, in der in den 1960er Jahren Rebellenbauern vom thailändischen Militär brutal unterdrückt und getötet wurden. Zwei Arbeiten im Zentralpavillon signalisieren für Weerasethakul, der zum ersten Mal außerhalb Thailands in Kolumbien für sein aktuelles Projekt Memoria arbeitet, einen bedeutenden Wandel. Kolumbiens Topographie und seine Narben aus dem jahrzehntelangen Bürgerkrieg haben eine tiefe Affinität zu Weerasethakul; die Traumata des kollektiven Gedächtnisses gehören zum Alltagsgefüge, ähnlich wie in Nabua.
Yin Xiuzhen
Seit den frühen 1990er Jahren arbeitet Yin Xiuzhen mit recycelten Materialien, um ambitionierte Skulpturen voller sozialer Bezüge zu schaffen. Als Spiegel der exzessiven Entwicklung, des Konsums und der Globalisierung, die China nach 1989 maßgeblich prägten, verbindet sie in ihren Werken weiche Textilien mit einer Reihe von Objekten – oft mit drastisch kontrastierenden Texturen und Konnotationen – wie Koffern, Betonfragmenten, Schutt, Metallen und Industrieobjekte.
Suki Seokyeong Kang
Die multivariate Praxis von Suki Seokyeong Kang, die Malerei, Skulptur, Video und das, was der Künstler als „Aktivierung“ bezeichnet hat, einbezieht, konzentriert sich auf den Platz und die Rolle des Individuums heute. Kang greift auf Aspekte des koreanischen Kulturerbes sowie ihrer eigenen persönlichen Geschichte zurück, um ideologische Strukturen neu zu erfinden und politisierte Arenen vorzustellen, in denen befähigte Akteure ihre Handlungsfähigkeit in der Raum-Zeit der Gegenwart artikulieren und ausüben können.
Handiwirman Saputra
In den letzten zehn Jahren hat Handiwirman Saputra eine Reihe rätselhafter Skulpturen und Gemälde mit dem Titel No Roots, No Shoots geschaffen, ausgelöst durch zufällige Gegenstände, die er im Alltag gefunden hat. Der Anstoß für einige dieser Arbeiten war ein Flussabschnitt in der Nähe seines Hauses, wo freiliegende Wurzeln von Bambushainen und Bäumen mit Hausmüll verstrickt waren. Saputra war nicht nur fasziniert von den Dingen, die er dort entdeckte, sondern auch von den Assoziationen zwischen ihnen: „Vielleicht könnte man auch sagen, dass sie ein Gespräch aufbauen, einen Dialog über die Erfahrung dieses Dings – wofür es von seinen Anfängen bis zu diesem Punkt verwendet wurde.“ dass ich es gefunden habe“.
Lee Bul
Aufgewachsen als Tochter linker Aktivisten während der Militärdiktatur Südkoreas, erlebte Lee Bul die Auswirkungen eines repressiven Regimes in einem Land, das sich in einem rasanten wirtschaftlichen und kulturellen Wandel befindet. Ihre frühesten Arbeiten aus den späten 1980er Jahren waren Straßenaufführungen, für die sie monströse „weiche Skulpturen“-Kostüme mit Vorsprüngen und baumelnden Eingeweiden anfertigte und trug.
Es folgten ihre Cyborg-Skulpturen, in denen sich weibliche Körper in Maschinen verwandelten und unvollständige Hybriden ohne Köpfe und Gliedmaßen bildeten. Diese wiederum führten sie dazu, Ideen für futuristische Stadtlandschaften zu erforschen, die von den Träumen, Idealen und Utopien inspiriert wurden, die in japanischen Mangas und Animes, Bioengineering und der visionären Architektur von Bruno Taut (1880-1938) konzipiert wurden.
Sun Yuan & Peng Yu
Das Künstlerpaar Sun Yuan und Peng Yu begann ihre Zusammenarbeit im Jahr 2000. 2009 schufen sie die Installation Sun Yuan Peng Yu, ein Selbstporträt, das die Beziehung und Dynamik ihrer künstlerischen Allianz beschreibt. Ein wiederkehrender Rauchkreis wurde beharrlich von einem Besen zerstreut, der von einem mechanischen Arm angetrieben wurde, der weiter in der Luft fegte; der Rauch würde ständig wieder auftauchen, nur um sich aufzulösen, wenn der Besen wieder aufschlug.
Für Sun und Peng symbolisierte der Moment der Begegnung der beiden Komponenten und deren Auflösung durch die andere einen Moment des gemeinsamen künstlerischen Schaffens in ihrer Arbeitsweise. Fast alle Installationen von Sun Yuan und Peng Yu sind darauf aus, bei den Zuschauern Wunder und Spannung hervorzurufen. Der Akt des Schauens, manchmal des Spähens des Publikums ist ein konstitutives Element ihrer jüngsten Arbeiten, die oft die Inszenierung einschüchternder Spektakel beinhalten.
Cameron Jamie
Cameron Jamie hat Arbeiten in verschiedenen Medien produziert, von Fotografien und Videos bis hin zu Zeichnungen, Keramik, Skulpturen und fotokopierten Zines. Die größte Aufmerksamkeit in den Anfangsjahren seiner Karriere brachte ihm jedoch Kranky Klaus (2002-2003), ein Video, das die alpenländische Weihnachtstradition des Krampuslaufs dokumentiert. In einem ländlichen österreichischen Dorf marschieren nachts als gehörnte Bestien verkleidete Männer durch die Straßen, angeblich auf der Suche nach Kindern und jungen Frauen, die unartig gewesen sein sollen. Die Krampus-Bestien greifen ihre Opfer dann in einem kulturell sanktionierten Ritual choreographierter – wenn auch scheinbar echter – Gewalt an.
Teil II
Maria Loboda
Die kontinuierliche Transformation von Objekten und Bildern durch ihre Trajektorien der Übertragung und Begegnung steht im Mittelpunkt von Maria Lobodas Praxis. Lobodas Arbeiten wecken Misstrauen gegenüber dem vermeintlich Offensichtlichen, laden uns aber auch ein, sich mit den Unsicherheiten anzufreunden, die sie – und die Dinge, von denen wir umgeben sind – besitzen. Loboda interessiert sich für die Beeinflussung von Bildern durch die Kontexte, in denen sie zirkulieren, geprägt von der Geschichte der Blicke auf sie.
Rula Halawani
Rula Halawanis gespenstische Bilder fangen die Nachwirkungen der periodischen Gewalt ein, die ihr Land in ein Kriegsgebiet verwandelte. Mit ihrem Hintergrund als Fotojournalistin und ihren Erinnerungen an das Leben unter israelischer Besatzung sucht Halawani in einer heute unbekannten Landschaft nach den verblassenden Spuren des historischen Palästina. Durch das Medium der Fotografie spiegeln sich die räumlichen Implikationen der Besatzung nicht nur in der Darstellung politischer Strukturen in der gebauten Umwelt, sondern deutlicher in der Leere negativer Räume und schattenhafter Illusionen.
Lawrence Abu Hamdan
Lawrence Abu Hamdan beschreibt sich selbst als „privates Ohr“ und konzentriert sich auf die Politik des Zuhörens, die rechtliche und religiöse Wirkung von Klang, die menschliche Stimme und das Schweigen. Seine Praxis entstand aus einem Hintergrund in der DIY-Musik, umfasst derzeit jedoch Film, audiovisuelle Installationen und Live-Audio-Essays – ein Begriff, den er der „Lecture-Performance“ vorzieht, da er die Verflechtung von Stimme und Inhalt besser beschreibt, und der Diskurs und die Bedingungen, unter denen er ausgesprochen wird. Er beschäftigt sich mit der menschlichen Stimme als politisiertem Material, das von Regierungen oder Datenunternehmen leicht greifbar ist.
Julie Mehretu
Frühere Leinwände von Julie Mehretu bezogen sich auf Karten, Architekturdiagramme und städtebauliche Raster; der Künstler verwendete eine Reihe von Vektoren und Notationen, die auf globale Mobilitäten – sowie auf globale Ungerechtigkeiten – hindeuteten. Sie sind schwindelerregend komplex und meisterhaft im Umgang mit Maßstab und negativem Raum; sie vermitteln ein Gefühl von Geschwindigkeit. In ihren neuesten Gemälden greift sie eine andere Art der Orientierungslosigkeit auf und produziert Werke, in denen Airbrush-Striche und Siebdruckelemente hinzugefügt und gelöscht werden, was ein Gefühl von Zerstreuung und Verlust heraufbeschwört. Trotz der Details der Untermalungen hat diese Bildsprache immer noch die Fähigkeit, sich auf einer emotionalen Ebene zu registrieren und den Ton für das fertige Gemälde anzugeben.
Gauri Gill
Als Gill weiter in die Ferne reiste, sah Gill neue Vorstadtkolonien, die in einer Trümmerwüste existierten, englische Schlösser imitieren mit den behelfsmäßigen Häusern von Wanderarbeitern, die sie umgeben. Ihre architektonische Deadpan umfasst die Horten von Entwicklern, die unerreichbare Träume verkaufen; Bildungsausstellungen zum Thema Bauen und Bauen; falsche Palmen, die zwischen echten Bäumen gepflanzt wurden; eine Göttin, die über einer Klimaanlage präsidiert; ein neues Gebäude in der Mahatma Gandhi Road, das mit zerrissenen Planen bedeckt ist und gerade abgerissen wird; Müllbündel, die neben der Grand Trunk Road verrotten; und funktionslose Hochhäuser, überall.
Otobong Nkanga
Otobong Nkangas Werk verweist auf die (oft gewaltsame) Bewegung und den Austausch von Mineralien, Energie, Gütern und Menschen und erinnert daran, dass Objekte und Handlungen nicht isoliert existieren: Es gibt immer eine Verbindung, immer eine Wirkung. „Keiner von uns existiert in einem statischen Zustand“, sagte der Künstler. „Identitäten entwickeln sich ständig weiter. Afrikanische Identitäten sind vielfältig. Wenn ich mir zum Beispiel nigerianische, senegalesische, kenianische, französische oder indische Kulturen ansehe, kann man nicht über eine spezifische Identität sprechen, ohne über die kolonialen Auswirkungen und die Auswirkungen dieses Austauschs zu sprechen.“ – von Handel und Gütern und Kultur“.
Michael Armitage
Irgendwo zwischen einer fantastischen Realität und dem politischen Chaos des modernen Lebens angesiedelt, verweben die Gemälde von Michael Armitage mehrere Erzählstränge. Als aufmerksamer Beobachter komplexer sozialer Dynamiken unterwandert er konventionelle Repräsentationscodes durch die Sprache der narrativen Malerei. Die malerische Schönheit seiner lebendigen Tableaus, die Ungleichheit und politische Unsicherheit verherrlichend, täuscht über eine düstere Realität hinweg, in der die Kollision von üppigen Details und leuchtenden Farben einen Einblick in die sozialen Sitten und politischen Ideologien gibt, die das tägliche Leben in Nairobi bestimmen.
Haris Epaminonda
Haris Epaminonda arbeitet mit gefundenen Materialien wie Skulpturen, Keramik, Büchern oder Fotografien, die sie oft kombiniert, um ihre charakteristischen Installationen sorgfältig zu konstruieren. Diese Objekte sind in ein Geflecht historischer und persönlicher Bedeutungen verstrickt, das der Öffentlichkeit und wahrscheinlich auch ihr unbekannt ist. Es ist nicht so, dass sie diese Geschichten ignoriert: Sie sind implizit, sie üben ihre Kraft intrinsisch aus, während sie sich sanft in etwas anderes verbiegen, während sie sich in ihren Installationen niederlassen. Sie wählt sie wegen ihrer Qualia aus, ihrer nicht reduzierbaren Erfahrungsqualitäten, die sie zum Leuchten und Sichtbarwerden bringen.
Liu Wei
Liu Weis frühe Arbeiten beschäftigten sich oft mit urbaner Architektur, Stadtlandschaften und Alltagsgegenständen und repräsentierten verschiedene Aspekte der physischen Welt, indem sie ein wiederkehrendes geometrisches Schema in Gemälden und Installationen verwendeten. In den letzten zwei Jahrzehnten hat er mit einer schillernden Auswahl an Materialien gearbeitet – von Hundekauartikeln aus Ochsenhaut bis hin zu Büchern, von elektronischen Haushaltsgeräten bis hin zu chinesischem Porzellan und ausrangierten Baumaterialien. Seine jüngsten großformatigen Installationen erinnern an die Formalität und Pracht modernistischer Bühnenbilder, gefüllt mit geometrischen Formen und Formen.
Alexandra Bircken
Die Praxis von Alexandra Bircken ist um die menschliche Form herum aufgebaut. Ihre Arbeiten umfassen eine ungewöhnliche Palette von Materialien, von hergestellten Gegenständen wie Silikon, Nylonstrumpfhosen, Waffen und Maschinen bis hin zu organischen Materialien wie Wolle, Leder, Ästen und Trockenfrüchten. Ihrem früheren Zweck entkleidet, werden sie zu außergewöhnlichen und unbequemen Arrangements zusammengestellt, von denen jedes Werk von gegensätzlichen Spannungen lebt.
Im Arsenale zeigt die Künstlerin die viszerale, apokalyptische und dynamische Installation ESKALATION (2016), einen dystopischen Blick darauf, wie das Ende der Menschheit aussehen könnte. Im Zentralpavillon präsentiert Bircken sechs Arbeiten, die die Themen Gender, Macht und Verletzlichkeit, Tier und Maschine miteinander verweben. Dies sind Werke, die an unsere Verletzlichkeit, unsere Körperlichkeit und die überheblichen Werkzeuge erinnern, die wir schaffen, um uns vor Außen und voreinander zu schützen.
Alex Da Corte
Die immersiven Arbeiten von Alex Da Corte zeugen von einem Akt magnetischer Welterschaffung. Er choreografiert einen Tanz von Objekten, die bedeuten und andeuten, ohne diese Dinge zu sein. Er erzählt Geschichten durch Codes und Symbole, in denen ein Wirbelwind angeeigneter, zusammengestellter, inszenierter und gestalteter Americana gleichzeitig mit hoch- und anspruchslosen kulturellen Referenzen und Fundstücken aus Dollargeschäften durchdrungen wird.
Im Arsenale verkleinert der neonbeleuchtete Rubber Pencil Devil die Zuschauer, die auf Bänken sitzen und übergroße und übersättigte Erwachsenenversionen bekannter Fernsehsendungen ansehen, in denen verschiedene Charaktere eine hypnotisch langsame Choreografie ausführen. Im Central Pavilion werden die Zuschauer zu Giganten, die zusehen, wie die Menschen ihr ruhiges Leben in den Häusern von The Decorated Shed (2019) führen, einer exakten Nachbildung eines amerikanischen Vorstadtdorfes im Miniaturformat – aus der beliebten Fernsehserie Mister Rogers‘ Neighbourhood – präsentiert auf einem Federal-Pavillon. Mahagoni-Tisch mit zusätzlicher Beschilderung der Restaurantkette des Unternehmens.
Khyentse Norbu
In Khyentse Norbus Werk als Künstler und Filmemacher spielen philosophische Kontextfragen eine zentrale Rolle. Es wird suggeriert, dass Verständnis und Interpretation immer offen für Veränderungen sind und dass Raum für eine breitere Sicht vorhanden ist. In der buddhistischen Welt als Dzongsar Khyentse Rinpoche bekannt, ist Norbu ein tibetischer und bhutanischer Lama, der für seine Lehren und Schriften respektiert wird.
Ad-Minoliti
Für Ad Minoliti ist die metaphysische Malerei das Symbol der modernistischen Utopie und all dessen, was sie an ihr vorwurfsvoll fand: die Repressivität ihrer Idealität, der Konservatismus ihrer starren Strukturen und sogar ihre implizite binäre Logik in Anlehnung an Jacques Derridas Idee, dass Westliches Denken basiert auf dualistischen Gegensätzen wie männlich-weiblich, rational-emotional oder Natur-Kultur. Ihr künstlerisches Bestreben war es, dieser modernistischen Haltung einen alternativen Repräsentationsraum entgegenzusetzen. In der imaginären Welt des Puppenhauses fand sie einen dialektischen Alter-Homologen des Raumes der metaphysischen Malerei.
Das Puppenhaus, eine Erfindung des 17. Jahrhunderts, wurde ursprünglich als pädagogisches Werkzeug geschaffen, um Mädchen in ihre Rollen als Hausfrauen, Hausverwalterinnen, Kinderträgerinnen und Ehegatten zu lehren – und Jungen über die Akzeptanz dieser Arbeitsteilung und Philosophie . Minoliti eignet sich die Ästhetik des Puppenhauses und seiner Requisiten an, kombiniert es mit modernistischen Bildern, die Kandinsky, Picasso oder Matisse widerspiegeln, und nimmt es dann auseinander, verdreht es, verschiebt es und konfiguriert es neu.
Jon Rafman
In modernistischen Bewegungen, so hat Jon Rafman beobachtet, herrschten utopische Zukunftsvisionen vor. Die spätkapitalistische postmoderne Vision ist jedoch zu einer dystopischen geworden. Um diesen Wandel der Zukunftsvorstellungen zu erforschen, verwendet Rafmans Arbeit das bewegte Bild und computergenerierte Grafiken und vermeidet den rosigen Optimismus, der manchmal mit neuen Technologien verbunden ist.
Ian Cheng
Ian Cheng verwendet Techniken aus der Computerprogrammierung, um Lebensumgebungen zu schaffen, die durch ihre Fähigkeit zur Mutation und Entwicklung definiert sind. Er entwickelte „Live-Simulationen“, lebende virtuelle Ökosysteme, die mit grundlegenden programmierten Eigenschaften beginnen, sich aber ohne Autorität oder Ende selbst weiterentwickeln. Es ist ein Format, um bewusst die Gefühle von Verwirrung, Angst und kognitiver Dissonanz auszuüben, die die Erfahrung unnachgiebiger Veränderung begleiten.
Chengs neueste Kreatur, BOB (Bag of Beliefs) (2018-2019), die im Zentralpavillon präsentiert wird, ist eine Form der KI (künstliche Intelligenz), deren Persönlichkeit, Werte und Körper – der an eine Schlange oder Koralle erinnert – ständig wachsen . Die Verhaltensmuster und das Lebensskript von BOB werden durch Interaktionen mit Menschen angetrieben, die über eine iOS-App die Handlungen von BOB beeinflussen können. Life After BOB: First Tract (2019), präsentiert im Arsenale, fungiert als eine Art „Vorschau“ auf ein erzählerisches Universum, das sich um BOB dreht.
Arthur Jafa
Seit drei Jahrzehnten hat Arthur Jafa eine dynamische Praxis in Medien wie Film, Skulptur und Performance entwickelt. Während seiner gesamten Karriere beschäftigte er sich mit spezifisch schwarzen Ausdrucksformen und der Herausforderung, die Welt (visuell, konzeptionell, kulturell, idiomatisch) aus dem Blickwinkel des schwarzen Seins zu gestalten – in all seiner Freude, Schmerz, Virtuosität, Entfremdung, Macht und Magie. Jafa versammelt netzwerkbasierte Bilder, historische Fotografien, einheimische Porträts, Musikvideos, Meme und virales Nachrichtenmaterial, um die Absurdität und Notwendigkeit von Bildern bei der Wahrnehmung von Rassen hervorzuheben.
Lara Favaretto
Lara Favarettos facettenreiche Kunstpraxis umfasst Skulptur, Installation und performative Aktion und wird oft durch schwarzen Humor und Respektlosigkeit ausgedrückt. Ein Beispiel dafür findet sich in ihrer Serie Momentary Monuments (2009-laufend), die kein historisches Ereignis verherrlichen oder nationale Identifikation fördern soll.
Die Denkmäler von Favaretto sind weniger ideologisch und eher tragikomisch, sie verrotten, kollabieren und lösen sich auf unterschiedliche Weise auf. Dies macht den enormen Aufwand, sie selbst zu einem Denkmal zu errichten, aber zur Vergeblichkeit menschlicher Bemühungen. Der implizite Witz in Favarettos Werk ist, dass selbst Objekte aus den stabilsten Materialien, die Werte und Ideologien für immer erstarren sollen, irgendwann verschwinden.
Andra Ursuţa
Obsessive Zwänge und gewalttätige Wünsche; Unterwerfung unter sexuelle und politische Dominanz; die Zerbrechlichkeit der menschlichen Existenz; Identität als Konstruktion und Fiktion: Dies sind einige der Themen, die den nihilistischen und tragikomischen Szenarien zugrunde liegen, die in Andra Ursuţas Skulpturen und Installationen untersucht werden. Die Arbeit der Künstlerin basiert auf Paradox und Ironie und greift auf politische Ereignisse, Klischees und Allegorien sowie persönliche Erinnerungen zurück, um die Machtdynamiken aufzudecken und zu durchbrechen, die die prekären Grenzen zwischen Verletzung und Banalität, Gleichgültigkeit und Empathie, Ablehnung und Humor.
Neïl Beloufa
Neïl Beloufa – dessen Praxis Film, Skulptur und Installationen umfasst – hat den größten Teil des letzten Jahrzehnts damit verbracht, darüber nachzudenken, was auf dem Spiel steht, wenn man die Realität und ihre Repräsentation begreift. Seine Praxis weigert sich, eine Autoritätsposition einzunehmen; es ist sowohl scharf in der Beobachtung als auch unauffällig in dem, was es vermittelt. Der Künstler entfernt sich ständig von seinen Vorschlägen, als wollte er dem Betrachter sagen: „Das ist jetzt dein Problem – du gehst damit um“.
Um zum Beispiel die Videos von Global Agreement (2018-2019), die im Arsenale zu sehen sind, zu sehen, muss der Zuschauer auf Strukturen sitzen, die an Fitnessgeräte erinnern, die unbequem sind und seine Bewegungen einschränken; gleichzeitig ermöglicht die konfiguration des raums, dass jeder betrachter jeden beobachten kann, der andere beobachtet: Sie sehen zwar das Video, aber jemand beobachtet Sie ständig.
Ryoji Ikeda
Der Komponist und Künstler Ryoji Ikeda nähert sich in seiner Praxis dem monumentalen Minimalismus und verwebt oft spärliche akustische Kompositionen mit Visuals, die die Form riesiger Felder digital gerenderter Informationen annehmen. Diese integrieren sich, um die eigene expansive Sprache des Künstlers zu bilden, die auf einer algorithmischen Arbeitsweise beruht, bei der Mathematik als Mittel verwendet wird, um die natürliche Welt um uns herum zu erfassen und zu reflektieren.
Danh Vo
Danh Vos vielseitiger Mitarbeiterkreis für die Biennale Arte 2019 umfasst seinen Freund, seinen Neffen, seinen Vater und seinen ehemaligen Professor. In Vos Installationen trifft Geschichte auf die eigene Biografie des Künstlers durch aufgeladene symbolische Objekte wie kulturelle Ikonen oder beschädigte religiöse Bilder und die wörtliche und metaphorische Beteiligung seiner Familienmitglieder und Freunde.
Teil III
Tarek Atoui
Durch die Verbindung von Musik und zeitgenössischer Kunst erweitert Tarek Atouis Praxis die Vorstellungen vom Zuhören durch partizipative und kollaborative Klangperformances. Beeinflusst vom Erbe offener Formen, die Künstler in den 1960er Jahren präsentierten, die das Verständnis von Musik erweiterten und dem Bereich der bildenden Kunst näher brachten, konzipiert und koordiniert Atoui komplexe Umgebungen zur Kultivierung von Klang. Durch seine Installationen, Performances und Kollaborationen bricht er erwartete Vorstellungen von Performance sowohl für den Performer als auch für das Publikum auf und schlägt multimodale Wege der Erfahrung vor: visuell, aural und somatisch.
Jimmie Durham
Jimmie Durhams Arbeit umfasst auch Elemente des Schreibens und der Performance und nimmt meistens die Form von Skulpturen an, in denen verschiedene Alltagsgegenstände und natürliche Materialien zu lebendigen Formen zusammengesetzt werden. Der Produktionsprozess, den Durham als „illegale Kombinationen mit abgelehnten Objekten“ bezeichnet, kann als Verkörperung der subversiven Haltung, die seine Arbeiten durchdringt, gesehen werden.
Im Arsenale nähert sich jede Skulptur, die aus Kombinationen von Möbelteilen, glatten Industriematerialien oder gebrauchter Kleidung entsteht, dem Maßstab des Titeltiers an – doch die resultierenden Formen sind keine Porträts der Wesen, sondern eher poetische Verschränkungen, die die traditionelle Vorstellung der Aufklärung in Frage stellen die Trennung zwischen Mensch und Natur. Im Central Pavilion zeigt Durham Black Serpentine, eine große gleichnamige Felsplatte, die von einem Edelstahlrahmen umgeben ist – eine halbe Tonne, die in ihrer unerbittlichen Stärke trotzt.
Anicka Yi
Destabilisierende Grenzen zwischen Organischem und Synthetischem, Science und Fiction, Menschlichem und Nicht-Menschlichem, Anicka Yis proteanische Kreationen werden von dem untermauert, was die Künstlerin als „Biopolitik der Sinne“ bezeichnet. Yis neue Arbeit konzentriert sich auf aktuelle Untersuchungen zur „Biologisierung der Maschine“, während sie sich auf das Sensorium der Maschine konzentriert und darüber nachdenkt, wie neue Kommunikationskanäle zwischen Entitäten der künstlichen Intelligenz (KI) und organischen Lebensformen geschaffen werden können.
Zhanna Kadyrova
Einer der auffälligsten Aspekte von Zhanna Kadyrovas Kunst, die Fotografie, Video, Skulptur, Performance und Installation umfasst, ist ihr Experimentieren mit Formen, Materialien und Bedeutungen. Sie verwendet oft billige Fliesen für Mosaike, kombiniert mit schweren Baumaterialien wie Beton und Zement.
Für Market (seit 2017, ausgestellt im Arsenale), einen mit allem ausgestatteten Imbissstand für den Straßenhändler, stellt sie Würstchen und Salami aus Beton und Naturstein her und verarbeitet Obst und Gemüse – Bananen, Wassermelonen, Granatäpfel, Auberginen – in klobiges Mosaik. Die im Zentralpavillon zu sehende Version von Second Hand (2014-laufend) nutzt Keramikfliesen aus einem Hotel in Venedig, um Kleidungsstücke und Wäsche zu konstruieren.
Slawen und Tataren
2006 gegründet, begann Slavs and Tatars als Buchclub und entwickelte sich zu einem Künstlerkollektiv, dessen vielfältige Praxis der Sprache jedoch im wörtlichen wie im übertragenen Sinne sehr nahe geblieben ist. Ihre Arbeit, die von Skulpturen und Installationen bis hin zu Lecture-Performances und Publikationen reicht, ist ein unkonventioneller Forschungsansatz zum kulturellen Reichtum und der Komplexität des geografischen Gebiets, das zwischen zwei symbolischen und physischen Barrieren eingeschlossen ist: der ehemaligen Berliner Mauer und der Chinesischen Mauer. In diesem riesigen Land treffen Ost und West aufeinander, verschmelzen und definieren sich neu.
Christoph Büchel
Am 18. April 2015 ereignete sich im sizilianischen Kanal 96 km vor der libyschen Küste und 193 km südlich der italienischen Insel Lampedusa das tödlichste Schiffsunglück seit Menschengedenken im Mittelmeer. Das von libyschen Schleppern gekaufte Boot war voll mit Migranten, von denen die meisten im Laderaum und im Maschinenraum eingesperrt waren, als es mit einem portugiesischen Frachter kollidierte, der ihm zu Hilfe eilen wollte.
Barca Nostra, ein kollektives Denkmal und Mahnmal für die zeitgenössische Migration, ist nicht nur den Opfern und den Menschen gewidmet, die an ihrer Genesung beteiligt waren, sondern repräsentiert auch die kollektive Politik und Politik, die diese Art von Katastrophen verursachen. Im Mai 2018 startete eine Migranteninitiative in Palermo eine Petition, die eine Prozession mit dem Schiffswrack als Trojanisches Pferd vorschlägt, das über die Landesgrenzen hinweg durch Europa streift und für das Menschenrecht auf freie Mobilität kämpft.
Ludovica Carbotta
Ludovica Carbottas vielfältige Kunstpraxis umfasst Skulptur, Zeichnung, Performance, Architektur und Schrift. Sie interessiert sich für die physische Erforschung des städtischen Raums und konstruiert, was sie „fiktionale Ortsspezifität“ nennt; sie erfindet imaginäre Orte oder durchdringt reale Orte mit fiktiven Kontexten und gewinnt die Rolle der Imagination als Mittel zur Konstruktion von Wissen zurück.
In den letzten Jahren arbeitete sie an einem in mehrere Kapitel unterteilten Großprojekt mit dem Titel Monowe, der Name einer imaginären Stadt, die von einer einzigen Person bewohnt wird. Durch den Standpunkt und die Erfahrungen des einzigen Einwohners von Monowe und seiner/ihrer möglichen Akzeptanz der Bedingungen der Stadt erforscht Carbotta die Abgeschiedenheit als einen Zustand, durch den soziale Normen, Regeln und Logiken aufgegeben werden, die in der Gesellschaft selbstverständlich sind.
Tomás Saraceno
Tomás Saracenos Forschung wird von unzähligen Welten genährt. Seine Arachnophilia Society, Aerocene Foundation, Community-Projekte und interaktiven Installationen erforschen nachhaltige Möglichkeiten der Bewohnung der Umwelt, indem sie Disziplinen (Kunst, Architektur, Naturwissenschaften, Astrophysik, Philosophie, Anthropologie, Ingenieurwesen) und Sensibilitäten verbinden.
In all diesen Projekten setzt sich Saraceno mit Lebensformen um uns herum auseinander und ermutigt uns in einer Zeit des ökologischen Umbruchs, unsere Perspektiven auf andere Arten und Systeme abzustimmen – sei es auf Mikro- oder Makroebene, von Spinnenkolonien bis hin zu Gravitation Wellen – und beschäftigen sich mit hybriden und alternativen Möglichkeiten, unseren gemeinsamen Planeten zu bewohnen.
Cyprien Gaillard
Cyprien Gaillard macht die Entropie sowohl des Menschengemachten als auch des Natürlichen zu seinem zentralen Anliegen und übt in seinen Videos, Skulpturen, Fotografien, Collagen und Kunst im öffentlichen Raum eine pointierte Kritik an der Idee des Fortschritts. Als nomadischer Beobachter wandert Gaillard sowohl durch städtische Umgebungen als auch durch natürliche Landschaften auf der Suche nach Spuren tiefer Zeit, die in seiner Umgebung eingebettet sind. Er bringt Fragmente der Außenwelt ins Innere, bildet anachronistische Gegenüberstellungen, kombiniert Bilder von Zerstörung und Wiederaufbau, Erneuerung und Erniedrigung.
Gaillards Praxis ist eine visuelle Archäologie des Verfalls, sei es die Erosion physischer Formen oder der sozialen und historischen Bedeutung. Gaillard, der in seinen Arbeiten oft die Zeit zusammenbricht, bekämpft die Romantik der Ruinen und suggeriert einen desinteressierten Blick, durch den die Überreste von Ereignissen und Orten durch einen einheitlichen Rahmen zyklischer Zeit verstanden werden können.
Halil Altındere
Halil Altındere hinterfragt in seinen Videos, Fotografien, Installationen und Malereien die Politik des Alltags. Als scharfer Beobachter gesellschaftspolitischer Mechanismen und deren Eingriffe in das Individuum nutzt er oft gerade die Mittel, mit denen Autorität behauptet und Differenz durch die Institutionen des Nationalstaats eingegrenzt wird. Personalausweise, Briefmarken, Banknoten, Titelseiten von Zeitungen, militaristische Parolen und Fotos politischer Führer werden angeeignet, um gesellschaftliche oder politische Manipulation und Normalisierung zu unterlaufen.
Mit kurdischem Hintergrund und auf dem Höhepunkt des türkisch-kurdischen Konflikts aufgewachsen, thematisiert Altındere in zahlreichen Werken die Vernachlässigung und Misshandlung von Minderheiten. In den letzten Jahren hat sich Altındere in mehreren Werken mit der globalen Flüchtlingskrise beschäftigt, darunter Space Refugee (2016), eine Serie, die von der Begegnung des Künstlers mit Muhammed Ahmed Faris, Syriens erstem und einzigem Kosmonauten, der mit einem sowjetischen Team ins All reiste, inspiriert wurde 1987.
Biennale Venedig 2019
Die 58. Biennale von Venedig war eine internationale Ausstellung zeitgenössischer Kunst, die zwischen Mai und November 2019 stattfand. Die Biennale von Venedig findet alle zwei Jahre in Venedig, Italien, statt. Der künstlerische Leiter Ralph Rugoff kuratierte die zentrale Ausstellung May You Live in Interesting Times, und 90 Länder steuerten nationale Pavillons bei.
Die Biennale von Venedig ist eine internationale Kunstbiennale, die in Venedig, Italien, stattfindet. Die Teilnahme an der Biennale wird oft als „Olympiade der Kunstwelt“ bezeichnet und ist ein prestigeträchtiges Ereignis für zeitgenössische Künstler. Das Festival hat sich zu einer Konstellation von Shows entwickelt: eine zentrale Ausstellung, die vom diesjährigen künstlerischen Leiter kuratiert wurde, nationale Pavillons einzelner Nationen und unabhängige Ausstellungen in ganz Venedig. Die Mutterorganisation der Biennale veranstaltet auch regelmäßig Festivals in anderen Künsten: Architektur, Tanz, Film, Musik und Theater.
Außerhalb der zentralen, internationalen Ausstellung produzieren einzelne Nationen als nationale Repräsentation eigene Shows, sogenannte Pavillons. Nationen, die ihre Pavillongebäude besitzen, wie die 30 auf den Giardini, sind auch für ihre Unterhalts- und Baukosten verantwortlich. Nationen ohne eigene Gebäude bauen Pavillons im Arsenale von Venedig und Paläste in der ganzen Stadt.
La Biennale di Venezia wurde 1895 gegründet. Paolo Baratta ist seit 2008 ihr Präsident, davor von 1998 bis 2001. La Biennale, die an der Spitze der Forschung und Förderung neuer zeitgenössischer Kunsttrends steht, organisiert Ausstellungen, Festivals und Forschungen in all seinen spezifischen Sektoren: Kunst (1895), Architektur (1980), Kino (1932), Tanz (1999), Musik (1930) und Theater (1934). Seine Aktivitäten sind im kürzlich komplett renovierten Historischen Archiv für zeitgenössische Kunst (ASAC) dokumentiert.
In allen Sektoren gibt es mehr Forschungs- und Produktionsmöglichkeiten für die jüngere Künstlergeneration, direkt im Kontakt mit renommierten Lehrern; systematischer und kontinuierlicher wurde dies durch das internationale Projekt Biennale College, das jetzt in den Sektionen Tanz, Theater, Musik und Kino läuft.