Hyperrealismus ist ein Genre der Malerei und Skulptur, das einer hochauflösenden Fotografie ähnelt. Der Hyperrealismus wird als Weiterentwicklung des Fotorealismus durch die Methoden angesehen, mit denen die resultierenden Gemälde oder Skulpturen geschaffen werden. Der Begriff bezieht sich hauptsächlich auf eine unabhängige Kunstbewegung und einen Kunststil in den USA und in Europa, die sich seit den frühen 1970er Jahren entwickelt haben. Carole Feuerman ist zusammen mit Duane Hanson und John De Andrea der Vorläufer der Hyperrealismus-Bewegung.

Der Hyperrealismus ist eine Kunstform, Malerei und Skulptur, umfasst aber auch Fotografie und Film. Der Realismus war schon immer ein wichtiges Element in der Reihe der Stile in der Kunst. Hyperrealismus ist eine Weiterentwicklung des Realismus und hängt mit der Pop-Art zusammen. Sein Ideal ist nicht unbedingt eine exakte Nachbildung des Lebens, wie sie für den Realismus typisch ist, sondern eine fotorealistische Übertreibung der Realität, eine „übertriebene Realität“. Die Abstraktion wird abgelehnt.

Ein wesentliches Element des Hyperrealismus ist der Verzicht des Künstlers auf subjektive Interpretation. Der Hyperrealismus verwendet Ausdrucksmittel des Fotorealismus, bei denen der Bildinhalt mit einer Detailstufe gemalt wird, die an ein Foto erinnert. Während der Fotorealismus vor allem durch die brillante, realistische Darstellung schön sein will, wirft der Hyperrealismus in der Darstellung der kühlen und profanen „übertrieben störenden“ Realität die Frage nach der Natur der Dinge in einem fast ironischen, existenziellen Kontext auf. Zum Beispiel arbeiten die Landschaftsbilder von Gottfried Heln fast ausschließlich mit Fotorealismus, da sie in erster Linie „schön“ sind, aber nicht den störenden Charakter seiner Porträts haben. Aufgrund der Narben und Wunden, die der Künstler sichtbar macht, werden diese jedoch eher dem Hyperrealismus zugeordnet. Die Grenzen sind fließend und es ist „irrelevant, ob diese Bilder fotografiert oder gemalt werden“.

Geschichte
Der belgische Kunsthändler Isy Brachot prägte 1973 das französische Wort Hyperréalisme, was Hyperrealismus bedeutet, als Titel einer großen Ausstellung und eines Katalogs in seiner Galerie in Brüssel. Die Ausstellung wurde von amerikanischen Fotorealisten wie Ralph Goings, Chuck Close, Don Eddy und Robert dominiert Bechtle und Richard McLean; Aber es umfasste so einflussreiche europäische Künstler wie Domenico Gnoli, Gerhard Richter, Konrad Klapheck und Roland Delcol. Seitdem wird Hyperealismus von europäischen Künstlern und Händlern verwendet, um sich an Maler zu wenden, die von den Fotorealisten beeinflusst wurden. Unter den zeitgenössischen europäischen hyperrealistischen Malern finden wir Gottfried Helnwein (Österreicher), Willem van Veldhuizen und Tjalf Sparnaay (Niederländer), Roger Wittevrongel (Belgier) sowie den Franzosen Pierre Barraya, Jacques Bodin, Ronald Bowen, François Bricq, Gérard Schlosser, Jacques Monory, Bernard Rancillac, Gilles Aillaud und Gérard Fromanger.

Der Hyperrealismus des frühen 21. Jahrhunderts wurde auf den ästhetischen Prinzipien des Fotorealismus gegründet. Der amerikanische Maler Denis Peterson, dessen Pionierarbeiten allgemein als Ableger des Fotorealismus angesehen werden, verwendete den „Hyperrealismus“ zunächst, um sich auf die neue Bewegung und ihre Splittergruppe von Künstlern zu beziehen. Graham Thompson schrieb: „Eine Demonstration der Art und Weise, wie die Fotografie in die Kunstwelt integriert wurde, ist der Erfolg der fotorealistischen Malerei in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren. Sie wird auch als Superrealismus oder Hyperrealismus bezeichnet und Maler wie Richard Estes, Denis Peterson, Audrey Flack und Chuck Close arbeiteten oft an fotografischen Standbildern, um Gemälde zu schaffen, die wie Fotografien aussahen. “

Der Hyperrealismus steht jedoch im Gegensatz zu dem wörtlichen Ansatz traditioneller fotorealistischer Gemälde des späten 20. Jahrhunderts. Hyperrealistische Maler und Bildhauer verwenden fotografische Bilder als Referenzquelle, um eine endgültigere und detailliertere Darstellung zu erstellen, die im Gegensatz zum Fotorealismus in ihren Darstellungen häufig narrativ und emotional ist. Strenge fotorealistische Maler tendierten dazu, fotografische Bilder zu imitieren und bestimmte endliche Details wegzulassen oder zu abstrahieren, um eine einheitliche Gesamtbildgestaltung aufrechtzuerhalten. Sie ließen oft menschliche Emotionen, politischen Wert und narrative Elemente aus. Seit seiner Entstehung aus der Pop Art war der fotorealistische Malstil einzigartig eng, präzise und scharf mechanisch, wobei der Schwerpunkt auf alltäglichen Bildern lag.

Obwohl der Hyperrealismus im Wesentlichen fotografisch ist, führt er häufig zu einer weicheren, viel komplexeren Fokussierung auf das dargestellte Thema und präsentiert es als lebendiges, greifbares Objekt. Diese Objekte und Szenen in Gemälden und Skulpturen des Hyperrealismus sind akribisch detailliert, um die Illusion einer Realität zu erzeugen, die auf dem Originalfoto nicht zu sehen ist. Das heißt nicht, dass sie surreal sind, da die Illusion eine überzeugende Darstellung der (simulierten) Realität ist. Texturen, Oberflächen, Lichteffekte und Schatten erscheinen klarer und deutlicher als das Referenzfoto oder sogar das eigentliche Motiv.

Der Hyperrealismus hat seine Wurzeln in der Philosophie von Jean Baudrillard, „der Simulation von etwas, das nie wirklich existiert hat“. Als solche erschaffen Hyperrealisten eine falsche Realität, eine überzeugende Illusion, die auf einer Simulation der Realität, der digitalen Fotografie, basiert. Hyperreale Gemälde und Skulpturen sind das Ergebnis extrem hochauflösender Bilder, die von Digitalkameras erzeugt und auf Computern angezeigt werden. Während der Fotorealismus die analoge Fotografie emulierte, verwendet der Hyperrealismus digitale Bilder und erweitert sie, um einen neuen Realitätssinn zu schaffen. Hyperrealistische Gemälde und Skulpturen konfrontieren den Betrachter mit der Illusion manipulierter hochauflösender Bilder, wenn auch akribischer.

Fotorealismus als Vorläufer des Hyperrealismus
Präzisionsmaler arbeiteten bereits in den 1920er Jahren mit Hilfe von originalgetreu reproduzierten Fotografien (wie im Fall von Charles Sheeler, Maler und Fotograf gleichzeitig). Es ist jedoch nicht zu leugnen, dass die Pop-Art weiterhin der unmittelbare Vorläufer des Hyperrealismus ist, da sie die Ikonographie des Alltags aufgreift, der Distanz ihres Fokus treu bleibt und dieselben neutralen und statischen Bilder erzeugt.

Die Fotorealisten bildeten nie eine Gruppe, aber sie machten Ausstellungen, die sie als einen Stil präsentierten: The Photographic Image und 22 Realists, beide Mitte der 1960er Jahre in New York. Zu dieser Zeit war die Abstraktion der vorherrschende Trend und der Realismus wurde verpönt; Es wurde als eine Kunst angesehen, die von Fotografien oder der Realität kopiert wurde und kein Interesse hatte. Künstler wie Chuck Close oder Richard Estes entwickelten jedoch völlig neue Techniken zur Darstellung der Realität und erzielten manchmal erstaunliche Ergebnisse.

Andere amerikanische Künstler dieses Trends sind Don Eddy, John Salt, Ralph Goings, Robert Cottingham, John Kacere, Paul Staiger, Richard McLean, Malcolm Morley und John de Andrea.

Wie bei allen Fotorealisten gibt es keine Spuren von Pinselstrichen, und der Künstler scheint abwesend zu sein. Die Bilder sind mit einer dünnen Farbschicht bedeckt, die mit einer Pistole und einem Pinsel aufgetragen und bei Bedarf mit einer Klinge abgekratzt wird, damit es keine Erleichterung gibt, egal. Hinzu kommt die Genauigkeit der Details. Durch die Verwendung des Rahmens im Realitätsprozess wird das, was zweimal gebrochen und manipuliert wird (sowohl im Rahmen als auch auf dem Foto), und unterscheidet so den traditionellen Realismus vom Fotorealismus.

Dank dieser Art von Kunst wird der Hyperrealismus geboren.

Hyperrealismus
Der heutige Hyperrealismus basiert auf den ästhetischen Prinzipien des Fotorealismus. Der amerikanische Maler Denis Peterson, dessen Pionierarbeiten allgemein als Zweig des Fotorealismus angesehen werden, verwendete den Begriff „Hyperrealismus“ zunächst für die neue Bewegung und ihre dissidente Künstlergruppe.

Graham Thompson schrieb: „Eine Demonstration, wie Fotografie in die Kunstwelt integriert wurde, ist der Erfolg der fotorealistischen Malerei in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren. Sie wird auch als Superrealismus oder Hyperrealismus bezeichnet und Maler wie Richard Estes, Denis Peterson, Audrey Flack und Chuck Close arbeitete oft mit Fotografien, um Gemälde zu schaffen, die wie Fotografien aussahen. “

Der Hyperrealismus steht jedoch im Gegensatz zu dem wörtlichen Ansatz traditioneller fotorealistischer Gemälde des späten 20. Jahrhunderts. Hyperrealistische Maler und Bildhauer verwenden fotografische Bilder als Referenzquelle, um eine endgültigere und detailliertere Darstellung zu erstellen, die in ihren Darstellungen im Gegensatz zum Fotorealismus häufig narrativ und emotional ist. Strenge fotorealistische Maler tendierten dazu, fotografische Bilder zu imitieren und bestimmte endliche Details wegzulassen oder zu abstrahieren, um ein insgesamt konsistentes Bilddesign aufrechtzuerhalten. Sie ließen oft menschliche Emotionen, politischen Mut und narrative Elemente aus. Seit seiner Entwicklung aus der Pop Art ist der fotorealistische Malstil einzigartig eng, präzise und sehr mechanisch, wobei der Schwerpunkt auf alltäglichen Bildern liegt.

Der Hyperrealismus ist zwar im Wesentlichen fotografisch, beinhaltet jedoch häufig eine weichere, viel komplexere Herangehensweise an das dargestellte Motiv und präsentiert es als lebendiges, greifbares Objekt. Diese Objekte und Szenen in Gemälden und Skulpturen des Hyperrealismus sind akribisch detailliert, um die Illusion einer Realität zu erzeugen, die auf dem Originalfoto nicht zu sehen ist. Dies bedeutet nicht, dass sie surreal sind, da die Illusion eine überzeugende Darstellung der (simulierten) Realität ist. Texturen, Oberflächen, Lichteffekte und Schatten erscheinen heller und klarer als das Referenzfoto oder sogar das Motiv selbst.

In Bezug auf die hyperrealistische amerikanische Skulptur müssen wir Duane Hanson hervorheben, der lebensgroße Charaktere aus der Arbeiterklasse reproduziert, und Segal, der dieselbe Technik wie Hanson verwendet: Gipsabgüsse gießen, die Formen mit Glasfaser füllen. Glas und Polyester, Zusammenbau der Teile und fleischfarben lackiert; Das Stück wird fertiggestellt, indem gebrauchte Kleidung angezogen wird. John de Andrea formt Akte des Hyperrealismus, die so ausgeprägt sind, dass sie wie echte Menschen aussehen, genau wie Nancy Graves es mit ihren Kamelskulpturen tut.

Einige der wichtigsten Figuren des Hyperrealismus wären die Maler Antonio López, Eduardo Naranjo oder Gregorio Palomo.

Auf dem gegenwärtigen Kunstmarkt sind die konsolidiertesten Figuren seiner Karriere der Chilene Claudio Bravo, der es durch seine Stillleben, Zeichnungen und insbesondere seine Gemäldeserie auf Stoffen, Verpackungen und Papieren geschafft hat, den Hyperrealismus neu zu erfinden und ihm einen zu geben Status fast metaphysisch; und der in Madrid lebende und verstorbene Argentinier Enrique Sobisch, dessen Werke von großer künstlerischer Perfektion mit dem fotografischen Schnappschuss konkurrieren.

Hyperrealismus Malerei
In der Malerei wird diese Richtung insbesondere von Chuck Monroe, Don Eddy, Claudio Bravo, Chuck Close, Richard Estes, Ralph Goings, Audrey Flack, Vija Celmins, Franz Gertsch, Rudolf Häsler oder Gottfried Helnwein vertreten. Zu den zeitgenössischen Künstlern, die mit hyperrealistischen Mitteln arbeiten, gehören Jeff Koons, Ron Mueck und Luigi Rocca sowie die Airbrusher Hajime Sorayama, Gerard Boersma und Dru Blair und zahlreiche andere Künstler (in Deutschland zum Beispiel Maximilian Pfalzgraf, Günther Hermann, Lars Reiffers, Dietmar Gross oder Roland H. Heyder mit seinem „Fantastic Realism“). Der Schwede Tommy TC Carlsson arbeitet in seiner Objektkunst („Modern Illusion Art“) mit hyperrealistischen Stilmitteln. Roland Delcol, 1942 in Brüssel geboren, ist ein eigenwilliger Vertreter zwischen Hyperrealismus und dem heutigen postmodernen Pluralismus.

Stil und Methoden
Der hyperrealistische Stil konzentriert sich viel mehr auf Details und Themen. Hyperreale Gemälde und Skulpturen sind weder strenge Interpretationen von Fotografien noch wörtliche Illustrationen einer bestimmten Szene oder eines bestimmten Themas. Stattdessen verwenden sie zusätzliche, oft subtile Bildelemente, um die Illusion einer Realität zu erzeugen, die entweder nicht existiert oder vom menschlichen Auge nicht gesehen werden kann. Darüber hinaus können sie emotionale, soziale, kulturelle und politische thematische Elemente als Erweiterung der gemalten visuellen Illusion einbeziehen. eine deutliche Abkehr von der älteren und wesentlich wörtlicheren Schule des Fotorealismus.

Hyperrealistische Maler und Bildhauer berücksichtigen einige mechanische Mittel zum Übertragen von Bildern auf die Leinwand oder Form, einschließlich vorläufiger Zeichnungen oder Grisaille-Untermalungen und Formen. Fotoprojektionen oder Multimedia-Projektoren werden verwendet, um Bilder auf Leinwände zu projizieren, und rudimentäre Techniken wie Raster können ebenfalls verwendet werden, um die Genauigkeit sicherzustellen. Skulpturen verwenden Polyester, die direkt auf den menschlichen Körper oder die Form aufgebracht werden. Hyperrealismus erfordert ein hohes Maß an technischem Können und Virtuosität, um eine falsche Realität zu simulieren. Der Hyperrealismus berücksichtigt und nutzt häufig fotografische Einschränkungen wie Schärfentiefe, Perspektive und Fokusbereich. In digitalen Bildern gefundene Anomalien wie die Fraktalisierung werden auch von einigen hyperrealistischen Malern wie Chuck Close, Denis Peterson, Bert Monroy und Robert Bechtle ausgenutzt, um ihre digitale Herkunft hervorzuheben.

Themen
Die Themen reichen von Porträts, figurativer Kunst, Stillleben, Landschaften, Stadtlandschaften und Erzählszenen. Der neuere hyperrealistische Stil ist viel wörtlicher als der Fotorealismus, was genaue Bilddetails mit Schwerpunkt auf sozialen, kulturellen oder politischen Themen betrifft. Dies steht auch in krassem Gegensatz zum neueren gleichzeitigen Fotorealismus, bei dem fotografische Anomalien weiterhin vermieden werden. Hyperrealistische Maler simulieren und verbessern sofort präzise fotografische Bilder, um optisch überzeugende visuelle Illusionen der Realität zu erzeugen, oft in einem sozialen oder kulturellen Kontext.

Einige Hyperrealisten haben totalitäre Regime und Militärregierungen der Dritten Welt durch ihre narrativen Darstellungen des Erbes von Hass und Intoleranz entlarvt. Denis Peterson und Gottfried Helnwein haben in ihrer Arbeit politische und kulturelle Abweichungen der gesellschaftlichen Dekadenz dargestellt. Petersons Arbeit konzentrierte sich auf Diaspora, Völkermord und Flüchtlinge. Helnwein entwickelte eine unkonventionelle Erzählarbeit, die sich auf vergangene, gegenwärtige und zukünftige Abweichungen des Holocaust konzentrierte. Zu den provokativen Themen gehören rätselhafte Bilder von Völkermorden, ihre tragischen Folgen und die ideologischen Konsequenzen. Thematisch konfrontierten diese kontroversen hyperrealen Künstler den korrupten menschlichen Zustand aggressiv mit narrativen Gemälden als phänomenologischem Medium. Diese lebensechten Gemälde sind ein historischer Kommentar zur grotesken Misshandlung von Menschen.

Hyperreale Gemälde und Skulpturen schaffen durch subtile Licht- und Schattierungseffekte eine spürbare Solidität und physische Präsenz. Formen, Formen und Bereiche, die der Bildvorderseite am nächsten liegen, erscheinen visuell jenseits der Frontalebene der Leinwand. und bei Skulpturen sind Details klarer als in der Natur. Hyperrealistische Bilder sind in der Regel 10- bis 20-mal so groß wie die ursprüngliche fotografische Referenzquelle, behalten jedoch eine extrem hohe Auflösung in Farbe, Präzision und Detailgenauigkeit bei. Viele der Bilder werden mit einer Airbrush mit Acrylfarben, Ölen oder einer Kombination aus beiden hergestellt. Ron Muecks lebensechte Skulpturen sind viel größer oder kleiner als das Leben und werden durch die sorgfältige Verwendung von Polyesterharzen und mehreren Formen in unglaublich überzeugenden Details ausgeführt. Bert Monroys digitale Bilder scheinen echte Gemälde zu sein, die von Fotografien stammen, aber vollständig auf Computern erstellt wurden.

Kritik
Eine kritische Betrachtung des Hyperrealismus betont den einfallslosen Charakter der Darstellung: „Der Hyperrealismus verschwendet die Möglichkeiten der Malerei zugunsten eines einfachen Witzes im Wettbewerb zwischen Malerei und Fotografie.“ Der amerikanische Hyperrealismus in den 1960er und 1970er Jahren wurde als „Amerikaner zur Karikatur“ europäisch beschrieben: „Dieser entwickelte und weit verbreitete Hyperrealismus der Pop-Art der 60er Jahre war hyper-provokativ und hyper-oberflächlich und hyper-kommerziell.“