Kalighat-Malerei oder Kalighat Pat entstand im 19. Jahrhundert in Bengalen, in der Nähe des Kalighat-Kali-Tempels, Kalighat, Kolkata, Indien, und von Souvenirs, die von den Besuchern des Kali-Tempels genommen wurden, entwickelten sich die Gemälde im Laufe der Zeit eine eindeutige Schule der indischen Malerei. Aus der Darstellung hinduistischer Götter, Götter und anderer mythologischer Charaktere entwickelten sich die Kalighat-Gemälde zu einer Vielzahl von Themen.

Geschichte
Im 19. Jahrhundert war die einzige Kunstschule, die in Bengalen blühte, die traditionelle Kunst der Rollbilder, die in den ländlichen Gebieten populär war. Diese Bilder wurden auf Stoff oder Patas gemacht. Sie zeigten konventionelle Bilder von Göttern und Göttinnen und Szenen aus Epen wie Tulsaidas Rama Charita Manas. Die Künstler waren Dorfbewohner, die mit ihren Rollbildern von Ort zu Ort reisten und die Szenen aus den Epen, die in den Gemälden bei Dorffesten und verschiedenen Festen gezeigt wurden, sangen. Diese Künstler, die Patuas oder „Maler auf Tuch“ genannt wurden, wurden als halb Hindu und halb Moslem bezeichnet und praktizierten den Islam.

Die Briten: als Förderer dieser Kunst
In der Zwischenzeit begannen die Briten, sich politisch im Land zu etablieren, Interesse an Kunst, Literatur und Musik zu wecken. Sie gründeten Institutionen, die indischen Künstlern einen europäischen Stil der akademischen Ausbildung vermitteln. Die Kalkutta School of Art war eine solche Schule und zog traditionelle Künstler – die Patuas – in die Stadt. Anfangs konzentrierten sich diese Künstler auf den Tempel in Kalighat, wo religiöse Kunst gefragt war. Nach und nach lernten sie von den neueren Techniken und stellten fest, dass diese ihnen helfen konnten, ihre Einnahmen zu steigern. Sie begannen, neue Formen der Kunst zu schaffen, und die Kalighat-Malerei wurde geboren.

Orientalisch-abendländisches Kalighat
Die Kalighat-Schule war eine angenehme und einzigartige Mischung aus zwei verschiedenen Stilen der Malerei – dem Orientalischen und dem Okzidentalen – und gewann stetig an Popularität. Unter den Gottheiten, die die Kalighat-Künstler malten, war die Göttin Kali ein Liebling. Bilder von Durga, Lakshmi und Annapurna waren ebenfalls sehr beliebt, besonders während des Durga Puja Festivals. Die Künstler porträtierten auch Themen wie Sita-Rama, Radha-Krishna und die Heldentaten von Hanuman. Ein anderes Thema, das dem Bengali-Ethos sehr am Herzen lag, war Chaitanya Mahaprabhu und seine Schüler. Aber die Kalighat-Künstler beschränkten sich nicht auf religiöse Themen. Ihre Gemälde, die verschiedene Berufe und Kostüme darstellen, waren auch bei den Touristen beliebt. Auch zeitgenössische Ereignisse wie Verbrechen waren Gegenstand vieler Gemälde. Die Künstler wählten auch säkulare Themen und Persönlichkeiten und spielten dabei eine Rolle in der Unabhängigkeitsbewegung. Sie malten heroische Charaktere wie Tipu Sultan und Rani Lakshmibai.

Das tägliche Leben erfassen
Eine wichtige Errungenschaft der Kalighat-Artisten war, dass sie einfache Gemälde und Zeichnungen anfertigten, die durch Lithographie leicht reproduziert werden konnten. Solche Drucke wurden dann von Hand gefärbt. Dieser Trend setzte sich bis in die Anfangszeit des 20. Jahrhunderts fort, und diese Gemälde landeten in Museen und Privatsammlungen. Der Reiz der Kalighat-Gemälde liegt darin, dass sie die Essenz des täglichen Lebens einfließen lassen und moderne Künstler wie den verstorbenen Jamini Roy bis heute beeinflussen.

Die Gemälde oder Zeichnungen im Kalighat-Stil wurden auf Papier hergestellt, und die Künstler, die sich dieser Zeichnung widmeten, wurden „patuas“ genannt (traditionelle bengalische Maler, die mit von ihnen bemalten Papierrollen von Stadt zu Dorf reisten und sich als Geschichte entfalteten wurde den Bewohnern gesungen). Die Gemälde wurden um den berühmten Khaligat-Tempel zwischen dem neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhundert verkauft.

Das Datum, an dem dieser Stil geboren wurde, ist nicht genau bekannt, aber für die Art des verwendeten Papiers und die ersten Bilder, die von Europäern gekauft wurden, kann man schließen, dass es kurz nach dem Bau des heutigen Tempels in den 1930er Jahren begonnen werden musste das neunzehnte Jahrhundert.

Zwischen 1880 und 1890 waren Aedas Zeichnungen sehr beliebt und die meisten, die man in Museen sehen kann, sind mehr oder weniger dieser Zeit.

Präsenz in Museen
Das Museum mit der größten Anzahl von Zeichnungen dieser Art ist das Victory and Albert Museum von London, das die größte Sammlung in der Welt dieser Gemälde darstellt, insgesamt 645 Originale.

Darüber hinaus hat die Bodleian Library of Oxford 110; das Gurasaday Museum, Kalkutta, 70; das Puschkin-Museum in Moskau, 62, und das Museum für Archäologie und Anthropologie der Universität von Philadelphia, 57; und Sie können noch andere Museen auf der ganzen Welt finden, die kleine Sammlungen dieser Aquarelle haben.