In der bildenden Kunst umfasst der Spätmodernismus die gesamte Produktion neuester Kunst, die zwischen den Nachwirkungen des Zweiten Weltkriegs und den frühen Jahren des 21. Jahrhunderts entstanden ist. Die Terminologie weist häufig auf Gemeinsamkeiten zwischen der Spätmoderne und der Postmoderne hin, obwohl es Unterschiede gibt. Die vorherrschende Bezeichnung für Kunst, die seit den 1950er Jahren hergestellt wird, ist zeitgenössische Kunst. Nicht jede Kunst, die als zeitgenössische Kunst bezeichnet wird, ist modernistisch oder postmodern, und der breitere Begriff umfasst sowohl Künstler, die weiterhin in der modernen und spätmodernen Tradition arbeiten, als auch Künstler, die den Modernismus für die Postmoderne oder andere Gründe ablehnen. Arthur Danto argumentiert explizit in Nach dem Ende der Kunst, dass Zeitgenossenschaft der breitere Begriff war, und dass postmoderne Objekte einen Teilsektor der zeitgenössischen Bewegung, die Moderne und Moderne ersetzt, während andere bemerkenswerte Kritiker: Hilton Kramer, Robert C. Morgan, Kirk Varnedoe, Jean-François Lyotard und andere haben argumentiert, dass postmoderne Objekte im Vergleich zu modernistischen Werken bestenfalls relativ sind.

Der Jargon, der die beiden Begriffe späte Moderne und postmoderne Kunst umfasst, wird verwendet, um zu bezeichnen, was als die letzte Phase der modernen Kunst, als Kunst am Ende der Moderne oder als bestimmte Tendenzen der zeitgenössischen Kunst betrachtet werden kann.

Es gibt diejenigen, die gegen eine Teilung in moderne und postmoderne Zeiten argumentieren. Nicht alle Kritiker sind sich einig, dass die Bühne, die Modernismus genannt wird, über oder sogar gegen Ende ist. Es gibt keine Einigkeit darüber, dass alle Kunst nach der Moderne postmodern ist. Zeitgenössische Kunst ist der weit verbreiteter Begriff, um Arbeit seit etwa 1960 zu bezeichnen, obwohl es auch viele andere Anwendungen hat. Die postmoderne Kunst ist auch nicht universell vom Modernismus getrennt, und viele Kritiker betrachten es als bloße andere Phase in der modernen Kunst oder als eine andere Form der späten Moderne.

Wie bei allen Verwendungen des Begriffes Postmoderne gibt es Kritiker seiner Anwendung, jedoch sind diese Kritiker an dieser Stelle in der Minderheit. Dies soll nicht heißen, dass die Phase der Kunst, die mit der Postmoderne bezeichnet wird, akzeptiert wird, sondern dass die Notwendigkeit eines Begriffs, der Bewegungen in der Kunst nach dem Höhepunkt des abstrakten Expressionismus beschreibt, gut etabliert ist. Doch obwohl der Begriff des Wandels zu einem Konsens gelangt ist, und ob es sich um einen postmodernistischen Wandel oder eine spätmoderne Periode handelt, ist unbestimmt, dass ein tiefgreifender Wandel in der Wahrnehmung von Kunstwerken stattgefunden hat und eine neue Ära eingetreten ist ist seit mindestens den 1960er Jahren auf der Weltbühne aufgetreten.

In der Literatur bezieht sich der Begriff der späten Moderne auf Werke der Literatur, die nach dem Zweiten Weltkrieg entstanden sind. Es gibt jedoch verschiedene Definitionen der spätmodernen Literatur. Die verbreitetsten beziehen sich auf Werke, die zwischen 1930 und 1939 oder 1945 veröffentlicht wurden. Allerdings gibt es Modernisten wie Basil Bunting (1900-85) und TS Eliot (1888-1965), die später als 1945 schreiben, und Samuel Beckett, der starb 1989 wurde als „Spätmodernist“ beschrieben. Eliot veröffentlichte zwei Stücke in den 1950er Jahren und Bunting lange modernistische Gedicht „Briggflatts“ wurde 1965 veröffentlicht. Die Dichter Charles Olson (1910-1970) und JH Prynne (1936-) sind, unter anderem in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts geschrieben, die als Spätmodernisten bezeichnet wurden. Es stellt sich die weitere Frage, ob sich die spätmoderne Literatur in irgendeiner wichtigen Weise von den vor 1930 entstandenen modernistischen Werken unterscheidet. Um die Dinge zu verwechseln, wurde der Begriff der späten Moderne in letzter Zeit von mindestens einem Kritiker neu definiert und auf Werke bezogen 1945, statt 1930. Mit dieser Verwendung geht die Idee einher, dass die Ideologie der Moderne durch die Ereignisse des Zweiten Weltkriegs, insbesondere den Holocaust und den Abwurf der Atombombe, wesentlich verändert wurde.

Unterschiede zur Postmoderne
Die Spätmoderne beschreibt Bewegungen, die sowohl aus Tendenzen der Moderne hervorgehen als auch darauf reagieren und einen Aspekt der Moderne ablehnen, während sie das konzeptionelle Potential des modernistischen Unternehmens voll entwickeln. In einigen Beschreibungen wird die Postmoderne als eine Periode in der Kunst vollendet, während sie in anderen eine kontinuierliche Bewegung in der zeitgenössischen Kunst ist. In der Kunst sind die spezifischen Merkmale der Moderne, die zitiert werden, im Allgemeinen formale Reinheit, mittlere Spezifität, Kunst um der Kunst Willen, die Möglichkeit der Authentizität in der Kunst, die Bedeutung oder sogar Möglichkeit universeller Wahrheit in der Kunst und die Bedeutung einer Avantgarde und Originalität. Dieser letzte Punkt ist besonders kontrovers in der Kunst, wo viele Institutionen argumentieren, dass visionär, zukunftsorientiert, innovativ und progressiv für die Mission der Kunst in der Gegenwart entscheidend sind und dass die Postmoderne daher einen Widerspruch zum Wert von “ Kunst unserer Zeit „.

Eine kompakte Definition, die angeboten wird, ist, dass die Postmoderne die großen Erzählungen der Kunstrichtung der Moderne ablehnt und die Grenzen zwischen hohen und niedrigen Formen der Kunst auslöscht, das Genre und seine Konventionen durch Kollision, Collage und Fragmentierung stört. Die postmoderne Kunst wird als der Ansicht betrachtet, dass alle Positionen instabil und unaufrichtig sind, und daher sind Ironie, Parodie und Humor die einzigen Positionen, die nicht durch Kritik oder spätere Ereignisse aufgehoben werden können.

Viele dieser Eigenschaften sind in modernen Kunstbewegungen präsent, insbesondere in der Ablehnung der Trennung zwischen hohen und niedrigen Kunstformen. Diese Eigenschaften werden jedoch als fundamental für die postmoderne Kunst angesehen, im Gegensatz zu der Tatsache, dass sie in dem einen oder anderen Grad vorhanden sind. Einer der wichtigsten Unterschiede zwischen der Postmoderne und der Moderne als Kunstströmungen ist jedoch die progressive Haltung der Moderne, dass neue Werke „zukunftsorientierter“ und fortschrittlicher sind, während postmoderne Bewegungen die Idee generell ablehnen dass es Fortschritte in der Kunst per se geben kann und dass eines der Projekte der Kunst der Umsturz des „Mythos der Avantgarde“ sein muss. Dies bezieht sich auf die Negation dessen, was poststrukturalistische Philosophen „Metanarrative“ nennen.

Rosalind Krauss war einer der wichtigen Verkünder der Ansicht, dass der Avantgardismus vorbei sei und dass die neue künstlerische Ära in einer postliberalen und postprogressiven Normalität existiere. Ein Beispiel für diesen Standpunkt wird von Robert Hughes in Der Schock des Neuen in seinem Kapitel „Die Zukunft, die war“ erklärt:

Wo hat diese neue Akademie angefangen? An seinen Ursprüngen hatte der Avantgarde-Mythos den Künstler als Vorläufer angesehen; die bedeutende Arbeit ist diejenige, die die Zukunft vorbereitet. Der Kult des Vorläufers endete damit, dass er die Landschaft mit absurden prophetischen Behauptungen überflutete. Die Idee einer kulturellen Avantgarde war vor 1800 unvorstellbar. Sie wurde durch den Aufstieg des Liberalismus gefördert. Wo der Geschmack religiöser oder weltlicher Höfe das Patronat bestimmte, wurde „subversive“ Innovation nicht als Zeichen künstlerischer Qualität gewertet. Ebensowenig war die Autonomie des Künstlers mit den Romantikern verbunden.

– Robert Hughes, Der Schock des Neuen
Wie bei allen Verwendungen des Begriffes postmodern gibt es Kritiker seiner Anwendung. Kirk Varnedoe zum Beispiel erklärte, dass es keine Postmoderne gibt und dass die Möglichkeiten der Moderne noch nicht ausgeschöpft sind. Diese Kritiker sind derzeit in der Minderheit.

Hilton Kramer beschreibt die Postmoderne als „eine Schöpfung der Moderne am Ende ihrer Kräfte“. Jean-François Lyotard vertritt in Frederic Jamesons Analyse nicht die Ansicht, dass es eine postmoderne Phase gibt, die sich radikal von der Periode der Hochmoderne unterscheidet; stattdessen ist die postmoderne Unzufriedenheit mit diesem oder jenem hochmodernen Stil Teil des Experimentierens des Hochmodernismus, der neue Modernismen hervorbringt.

Radikale Bewegungen in der modernen Kunst
Radikale Bewegungen in der Moderne, moderne Kunst und radikale Tendenzen, die als einflussreich und möglicherweise als Vorläufer der späten Moderne und der Postmoderne angesehen werden, entstanden um den Ersten Weltkrieg herum und besonders in dessen Folgen. Mit der Einführung der Verwendung von industriellen Artefakten in der Kunst, Bewegungen wie Kubismus, Dada und Surrealismus sowie Techniken wie Collagen und Kunstformen wie Kino und der Aufstieg der Reproduktion als Mittel zur Schaffung von Kunstwerken. Sowohl Pablo Picasso der Modernist als auch Marcel Duchamp der Rebell schufen wichtige und einflussreiche Werke aus Fundstücken.

Fauvismus, Kubismus, Dada, Surrealismus als Präzedenzfall
Im Anschluss an Henri Matisse und André Derains Einfluss als fauvistische Maler und Pablo Picasso und Georges Braques monumentale Innovationen und den weltweiten Erfolg des Kubismus und der Emanzipation der Avantgarde stellte Marcel Duchamp im frühen 20. Jahrhundert ein Urinal als Skulptur aus. Sein Punkt war, dass die Leute das Urinal so betrachten sollten, als wäre es ein Kunstwerk, denn er sagte, es sei ein Kunstwerk. Er nannte seine Arbeit „Readymades“. The Fountain war ein Urinal mit dem Pseudonym R. Mutt, das die Kunstwelt im Jahr 1917 schockierte. Diese und Duchamps andere Werke werden allgemein als Dada bezeichnet.

Der Dadaismus kann als Teil der Neigung der Moderne gesehen werden, etablierte Stile und Formen herauszufordern, zusammen mit dem Surrealismus, dem Futurismus und dem abstrakten Expressionismus. Aus chronologischer Sicht befindet sich Dada fest in der Moderne, aber eine Reihe von Kritikern vertritt die Ansicht, dass sie die Postmoderne vorwegnimmt, während andere, wie Ihab Hassan und Steven Connor, einen möglichen Übergang zwischen Modernismus und Postmoderne betrachten.

Insbesondere der Fauvismus und Henri Matisse wurden zu einem wichtigen Einfluss sowohl auf den abstrakten Expressionismus als auch auf die Farbfeldmalerei, wichtige Meilensteine ​​der Spätmoderne. Der Tanz wird allgemein als „ein Schlüsselpunkt von Matisse Karriere und in der Entwicklung der modernen Malerei“ anerkannt. Mit seiner großen Weite von Blau, der Einfachheit des Designs und der Betonung des reinen Gefühls hatte das Gemälde einen enormen Einfluss auf amerikanische Künstler, die es im MoMA in New York City sahen.

Hohe Kunst und Kultur
Der Ausgangspunkt für die Definition der Moderne als Bewegung war die strenge Ablehnung der Popkultur als Kitsch von wichtigen Künstlern und Geschmackstellern der Nachkriegszeit, allen voran Clement Greenberg mit seinem Aufsatz Avant-Garde und Kitsch, der erstmals in Partisan Review veröffentlicht wurde 1939. In den 1940er und 1950er Jahren erwies sich Greenberg als ausgesprochener und mächtiger Kunstkritiker. Insbesondere seine Schriften über den amerikanischen abstrakten Expressionismus und die europäische Moderne des 20. Jahrhunderts überzeugten überzeugend für die hohe Kunst und Kultur. 1961 erschien erstmals eine sehr einflussreiche Essaysammlung von Clement Greenberg, Art and Culture, Beacon Press. Greenberg wird in erster Linie als formalistischer Kunstkritiker angesehen und viele seiner wichtigsten Essays sind entscheidend für das Verständnis der modernen Kunstgeschichte und der Geschichte der Moderne und der späten Moderne.

Jackson Pollock: abstrakter Expressionismus
In den späten 1940er Jahren revolutionierte Pollocks radikale Herangehensweise an die Malerei das Potenzial für alle zeitgenössische Kunst, die ihm folgten. Zu einem gewissen Grad erkannte Pollock, dass der Weg zum Kunstwerk ebenso wichtig war wie das Kunstwerk selbst. Wie Pablo Picassos innovative Neuerscheinungen von Malerei und Skulptur um die Jahrhundertwende über den Kubismus und die konstruierte Skulptur definierte Pollock die Art und Weise neu, wie Kunst zur Mitte des Jahrhunderts hergestellt wird. Pollocks Bewegung – weg von Staffeleimalerei und Konventionalität – war ein befreiendes Signal für seine zeitgenössischen Künstler und für alles, was danach kam. Künstler realisierten, dass Jackson Pollocks Prozess – von allen vier Seiten auf dem Boden, ungedehnt auf roher Leinwand, mit Künstlermaterialien, industriellen Materialien, Bildern, Nicht-Bildern, linearen Farbstrichen, Tropfen, Zeichnen, Färben, Bürsten, im Wesentlichen gestrahlt arbeitete Kunstproduktion jenseits jeder vorherigen Grenze. Der abstrakte Expressionismus im Allgemeinen erweiterte und entwickelte die Definitionen und Möglichkeiten, die den Künstlern für die Schaffung neuer Kunstwerke zur Verfügung standen. In gewissem Sinne öffneten die Innovationen von Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt und anderen die Möglichkeiten für die Vielfalt und den Umfang der gesamten Kunst .

Neo-Dada, Collage und Assemblage
Im Zusammenhang mit dem abstrakten Expressionismus entstand die Entstehung von kombinierten Kunstgegenständen – mit Künstlermaterialien, die sich von früheren Konventionen der Malerei und Skulptur wegbewegten. Dieser Trend in der Kunst wird durch die Arbeiten von Robert Rauschenberg veranschaulicht, dessen „Mähdrescher“ in den 1950er Jahren Vorläufer der Pop-Art- und Installations-Kunst waren, und nutzten die Assemblage großer physischer Objekte, darunter ausgestopfte Tiere, Vögel und Werbefotografie.

Leo Steinberg verwendet den Begriff Postmoderne 1969, um Rauschenbergs „Flachbett“ -Bildebene zu beschreiben, die eine Reihe von kulturellen Bildern und Artefakten enthält, die mit dem Bildfeld der vormodernen und modernistischen Malerei nicht vereinbar waren. Craig Owens geht noch weiter und identifiziert die Bedeutung von Rauschenbergs Arbeit nicht als eine Darstellung von Steinbergs Ansicht „den Wechsel von der Natur zur Kultur“, sondern als eine Demonstration der Unmöglichkeit, ihre Opposition zu akzeptieren.

Steven Best und Douglas Kellner identifizieren Rauschenberg und Jasper Johns als Teil der von Marcel Duchamp beeinflussten Übergangsphase zwischen Moderne und Postmoderne. Beide verwendeten Bilder von gewöhnlichen Objekten oder die Objekte selbst in ihrer Arbeit, während sie die Abstraktion und die malerischen Gesten der Hochmoderne beibehielten.

Abstrakte Malerei und Skulptur in den 1960er und 1970er Jahren
In der abstrakten Malerei und Skulptur in den 1950er und 1960er Jahren entstand die geometrische Abstraktion als eine wichtige Richtung in den Werken vieler Bildhauer und Maler. Malerei, Farbmalerei, Minimalismus, Hard-Edge-Malerei und lyrische Abstraktion konstituierten radikal neue Richtungen.

Helen Frankenthaler, Morris Louis, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Richard Diebenkorn David Smith, Anthony Caro, Mark Suvero, Gene Davis, Kenneth Noland, Jules Olitski, Isaac Witkin, Anne Truitt, Kenneth Snelson, Al Held, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Brice Marden, Robert Mangold, Walter Darby Bannard, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Charles Hinman, Sam Gilliam und Peter Reginato waren einige der Künstler, deren Werke in den 1960er Jahren abstrakte Malerei und Skulptur charakterisierten. Die lyrische Abstraktion weist Ähnlichkeiten mit der Farbfeldmalerei und dem abstrakten Expressionismus auf, vor allem im freilaufenden Gebrauch von Farbe – Textur und Oberfläche. Direkte Zeichnung, kalligraphische Linienführung, die Effekte von gebürstetem, gespritztem, gebeiztem, gequetschtem, gegossenem und gespritztem Lack ähneln vordergründig den Effekten des abstrakten Expressionismus und der Farbfeldmalerei. Die Stile unterscheiden sich jedoch deutlich. Es unterscheidet sich von abstraktem Expressionismus und Action Painting der 1940er und 1950er Jahre durch die Annäherung an Komposition und Drama. Wie in der Action-Malerei zu sehen ist, stehen Pinselstriche, hohes kompositorisches Drama, dynamische kompositorische Spannung im Vordergrund. Während in der lyrischen Abstraktion ein Gefühl der kompositorischen Zufälligkeit, der gesamten Komposition, des zurückhaltenden kompositorischen Dramas und der Betonung von Prozess, Wiederholung und einer allgegenwärtigen Sensibilität herrscht. In den sechziger und siebziger Jahren waren Künstler so mächtig und einflussreich wie Robert Motherwell, Adolph Gottlieb, Phillip Guston, Lee Krasner, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Richard Diebenkorn, Josef Albers, Elmer Bischoff, Agnes Martin, Al Held, Sam Francis, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Helen Frankenthaler, Gene Davis, Frank Stella, Kenneth Noland, Joan Mitchell, Friedel Dzubas und jüngere Künstler wie Brice Marden, Robert Mangold, Sam Gilliam, John Hoyland, Sean Scully, Elizabeth Murray, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand, Richard Saba, Susan Crile, Mino Argento und Dutzende andere haben weiterhin wichtige und einflussreiche Bilder produziert.

Minimalismus und Post-Minimalismus
In den frühen 1960er Jahren entstand der Minimalismus als abstrakte Bewegung in der Kunst (mit Wurzeln in der geometrischen Abstraktion über Malewitsch, das Bauhaus und Mondrian). Wichtige Künstler, die als Pioniere des Minimalismus auftraten, sind Frank Stella, Larry Bell, Ad Reinhardt, Agnes Martin, Barnett Newman, Donald Judd, Tony Smith, Carl Andre, Robert Smithson, Sol LeWitt, Dan Flavin, Robert Mangold, Robert Morris und Ronald Bladen unter anderem. Auch diese Künstler setzten häufig geformte Leinwände ein, wie im rechts abgebildeten Beispiel von Richard Tuttle. Die Minimal Art lehnte die Idee der relationalen und subjektiven Malerei, die Komplexität abstrakter expressionistischer Oberflächen und den emotionalen Zeitgeist und die Polemiken in der Arena der Action Painting ab. Der Minimalismus argumentierte, dass extreme Einfachheit all die erhabene Repräsentation erfassen könnte, die in der Kunst benötigt wird. Im Zusammenhang mit Malern wie Frank Stella ist der Minimalismus in Malerei und Skulptur im Gegensatz zu anderen Bereichen eine spätmoderne Bewegung und kann je nach Kontext als Vorläufer der postmodernen Bewegung aufgefasst werden.

Hal Foster untersucht in seinem Essay The Crux of Minimalism, inwiefern Donald Judd und Robert Morris die Greenberg’sche Moderne in ihren publizierten Definitionen des Minimalismus anerkennen und übertreffen. Er argumentiert, dass der Minimalismus keine „Sackgasse“ der Moderne ist, sondern ein „Paradigmenwechsel hin zu postmodernen Praktiken, die bis heute weiterentwickelt werden“.

In den späten 1960er Jahren wurde der Begriff Postminimalismus von Robert Pincus-Witten geprägt, um minimalistisch abgeleitete Kunst zu beschreiben, die inhaltliche und kontextuelle Obertöne hatte, die der Minimalismus ablehnte, und wurde auf das Werk von Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra und neue Arbeiten angewendet ehemalige Minimalisten Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt und Barry Le Va und andere.

Rosalind Krauss argumentiert, dass Künstler wie Morris, LeWitt, Smithson und Serra 1968 „in eine Situation eingetreten sind, deren logische Bedingungen nicht mehr als modernistisch bezeichnet werden können.“ Die Erweiterung der Kategorie der Skulptur um Land Art und Architektur, „brachte den Übergang in die Postmoderne“.

Minimalisten wie Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin, John McCracken und andere stellten ihre spätmodernen Gemälde und Skulpturen für den Rest ihrer Karriere fort.

Prozess Kunst
In den späten 1960er Jahren entwickelte sich die Prozesskunst jedoch zu einem revolutionären Konzept und einer Bewegung, die Malerei und Skulptur, über die lyrische Abstraktion und die postminimalistische Bewegung und in der frühen Konzeptkunst umfasste. Eva Hesse, Robert Smithson, Walter De Maria, Keith Sonnier, Richard Serra, Nancy Graves, Jannis Kounellis, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Mel Bochner, Hannah Wilke, Lynda Benglis, Robert Morris, Sol LeWitt, Barry Le Va, Michael Heizer, Lawrence Weiner, Joseph Kosuth und Alan Saret waren einige der Prozesskünstler, die in den 1960er Jahren entstanden. Die von Pollock inspirierte Prozesskunst ermöglichte es Künstlern, mit einer vielfältigen Enzyklopädie von Stil, Inhalt, Material, Platzierung, Zeitgefühl, Maßstab, Größe, plastischem und realem Raum zu experimentieren.

Pop-Art
Der Begriff „Pop Art“ wurde von Lawrence Alloway verwendet, um Gemälde zu beschreiben, die den Konsumismus der Nachkriegszeit zelebrierten. Diese Bewegung lehnte den abstrakten Expressionismus und seinen Fokus auf das hermeneutische und psychologische Innere zugunsten der Kunst ab, die materielle Konsumkultur, Werbung und Ikonographie des Massenproduktionszeitalters darstellte und oft zelebrierte. Die frühen Werke von David Hockney und die Werke von Richard Hamilton, John McHale und Eduardo Paolozzi wurden als wegweisende Beispiele in der Bewegung betrachtet. Spätere amerikanische Beispiele umfassen den Großteil der Karrieren von Andy Warhol und Roy Lichtenstein und seine Verwendung von Benday-Punkten, einer Technik, die in der kommerziellen Reproduktion verwendet wird. Es gibt eine klare Verbindung zwischen den radikalen Werken von Duchamp, dem rebellischen Dadaisten – mit einem Sinn für Humor; und Popkünstler wie Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein und die anderen.

Im Allgemeinen begannen Pop-Art und Minimalismus als modernistische Bewegungen, eine Verschiebung des Paradigmas und eine philosophische Spaltung zwischen Formalismus und Anti-Formalismus in den frühen 1970ern führte dazu, dass diese Bewegungen von manchen als Vorläufer oder Übergang zur postmodernen Kunst angesehen wurden. Andere moderne Bewegungen, die für die postmoderne Kunst als einflussreich gelten, sind Konzeptkunst, Dada und Surrealismus und die Verwendung von Techniken wie Assemblage, Montage, Collage, Bricolage und Kunstformen, die Aufnahme oder Reproduktion als Grundlage für Kunstwerke verwendeten.

Es gibt unterschiedliche Meinungen darüber, ob Pop-Art eine spätmoderne Bewegung oder postmodern ist. Thomas McEvilly, der Dave Hickey zustimmt, sagt, dass die Postmoderne in der bildenden Kunst 1962 mit den ersten Ausstellungen der Pop-Art begann, „obwohl es etwa 20 Jahre dauerte, bis die Postmoderne zu einer dominierenden Haltung in der bildenden Kunst wurde.“ Auch Frederic Jameson hält Pop Art für postmodern.

Pop Art ist postmodern, weil sie das aufbricht, was Andreas Huyssen die „Große Kluft“ zwischen hoher Kunst und Populärkultur nennt. Die Postmoderne entspringt einer „generationsbedingten Ablehnung der kategorischen Gewissheiten des Hochmodernismus“. Wenn man davon ausgeht, dass der Modernismus nur für „hohe Kunst“ steht und in irgendeiner Weise sicher ist, was eine „hohe“ Kunst ausmacht, so ist das eine tiefgreifende und grundlegende Missverständigung der Moderne.

Performance Kunst und Ereignisse
In den späten 1950er und 1960er Jahren begannen Künstler mit einer breiten Palette von Interessen, die Grenzen der zeitgenössischen Kunst zu erweitern. Yves Klein in Frankreich und Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman und Yoko Ono in New York City waren Pioniere von auf Performances basierenden Kunstwerken. Gruppen wie The Living Theatre mit Julian Beck und Judith Malina arbeiteten mit Bildhauern und Malern zusammen, die Umgebungen schaffen. radikal verändern die Beziehung zwischen Publikum und Darsteller vor allem in ihrem Stück Paradise Now. Das Judson Dance Theatre in der Judson Memorial Church in New York und die Judson Tänzer, vor allem Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton und andere arbeiteten mit Künstlern Robert zusammen Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg und Ingenieure wie Billy Klüver. Diese Aufführungen wurden oft als Schaffung einer neuen Kunstform konzipiert, die Skulptur, Tanz und Musik oder Sound, oft mit Beteiligung des Publikums, kombiniert. Die Werke zeichnen sich durch die Reduktionsphilosophien des Minimalismus und die spontane Improvisation und Expressivität des abstrakten Expressionismus aus.

Im selben Zeitraum – in den späten 1950er Jahren bis Mitte der 1960er Jahre – schufen verschiedene Avantgarde-Künstler Happenings. Happenings waren mysteriöse und oft spontane und nicht geschilderte Zusammenkünfte von Künstlern und ihren Freunden und Verwandten an verschiedenen bestimmten Orten. Oft mit Übungen in Absurdität, körperliche Bewegung, Kostüme, spontane Nacktheit und verschiedene zufällige und scheinbar getrennte Handlungen. Allan Kaprow, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms und Robert Whitman waren unter anderem bemerkenswerte Macher von Happenings.

Fluxus
Fluxus wurde 1962 von George Maciunas (1931-1978), einem in Litauen geborenen amerikanischen Künstler, benannt und lose organisiert. Fluxus führt seine Anfänge zu John Cages 1957 bis 1959 Experimental Composition Klassen an der New School für Sozialforschung in New York City. Viele seiner Studenten waren Künstler, die in anderen Medien mit wenig oder keinem Hintergrund in der Musik arbeiteten. Cages Studenten schlossen die Gründungsmitglieder von Fluxus, Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht und Dick Higgins ein.

Fluxus förderte eine „do it yourself“ -Ästhetik und schätzte Einfachheit gegenüber Komplexität. Wie zuvor Dada hatte Fluxus eine starke Strömung des Anti-Kommerzialismus und einer Anti-Kunst-Sensibilität, die die konventionelle marktgetriebene Kunstwelt zugunsten einer künstlerzentrierten kreativen Praxis herabsetzte. Fluxus-Künstler zogen es vor, mit den Materialien zu arbeiten, die ihnen zur Verfügung standen, und kreierten entweder ihre eigene Arbeit oder arbeiteten mit ihren Kollegen am Entstehungsprozess mit.

Andreas Huyssen kritisiert Versuche, Fluxus für die Postmoderne als „entweder den Meistercode der Postmoderne oder die letztlich nicht darstellbare Kunstbewegung, sozusagen die Sublimen der Postmoderne“ zu beanspruchen. Stattdessen sieht er Fluxus als ein bedeutendes neodadaistisches Phänomen innerhalb der Avantgarde-Tradition. Es war kein großer Fortschritt in der Entwicklung künstlerischer Strategien, obwohl es eine Rebellion gegen „die verwaltete Kultur der 1950er Jahre ausdrückt, in der eine gemäßigte, domestizierte Moderne als ideologische Stütze für den Kalten Krieg diente“.

Hoch und Tief
Als eine Art Antwort auf Clement Greenbergs Avant-Garde und Kitsch im Jahr 1990 kuratierten Kirk Varnedoe und Adam Gopnik High und Low: Moderne Kunst und Populäre Kultur im New Yorker Museum of Modern Art. Die Ausstellung versuchte zu verdeutlichen, in welchem ​​Ausmaß Künstler und Hochkultur von der Populärkultur profitierten. Obwohl zu dieser Zeit allgemein als einzige Veranstaltung, die Douglas Crimp und Hilton Kramer in einem Chor der Verachtung zusammenbringen konnte, pendelte. Die Ausstellung wird heute als Maßstab des Konflikts zwischen Spätmoderne und Postmoderne in Erinnerung bleiben.

Bewegungen im Zusammenhang mit postmoderner Kunst

Konzeptkunst
Die Konzeptkunst wurde in den späten 1960er Jahren zu einer wichtigen Entwicklung in der zeitgenössischen Kunst und lieferte eine einflussreiche Kritik am Status quo. Die Spätmoderne expandierte und kontrahierte in den späten 1960er Jahren und für einige machte die Konzeptkunst einen völligen Bruch mit der Moderne. Manchmal wird es als postmodern bezeichnet, weil es ausdrücklich an der Dekonstruktion dessen beteiligt ist, was ein Kunstwerk, „Kunst“, macht. Konzeptuelle Kunst, weil sie oft entworfen wird, um Vorstellungen zu konfrontieren, zu verletzen oder anzugreifen, die von vielen der Menschen, die sie sehen, gehalten wird, wird mit besonderer Kontroverse betrachtet. Duchamp kann als Vorläufer der Konzeptkunst angesehen werden. So, weil Fountain ausgestellt wurde, war es eine Skulptur. Marcel Duchamp hat bekanntlich „Kunst“ zugunsten von Schach aufgegeben. Der Avantgarde-Komponist David Tudor hat mit Lowell Cross ein Stück geschrieben, Reunion (1968), das ein Schachspiel zeigt, bei dem jede Bewegung einen Lichteffekt oder eine Projektion auslöst. Bei der Premiere wurde das Spiel zwischen John Cage und Marcel Duchamp gespielt. Einige andere berühmte Beispiele sind John Cages 4 ’33 „, vier Minuten und dreiunddreißig Sekunden Stille und Rauschenbergs Erased De Kooning Drawing. Viele konzeptuelle Arbeiten vertreten die Position, dass Kunst vom Betrachter geschaffen wird, der ein Objekt betrachtet oder als Kunst handelt von den intrinsischen Qualitäten der Arbeit selbst.

Installationskunst
Eine wichtige Reihe von Bewegungen in der Kunst, die durchweg als postmodern beschrieben wurden, betraf die Installation und die Schaffung von konzeptuellen Artefakten. Ein Beispiel dafür sind die Zeichen von Jenny Holtzer, die mit Hilfe von Kunstwerken bestimmte Botschaften vermitteln, etwa „Beschütze mich vor dem, was ich will“. Installation Kunst war wichtig, um die Räume zu bestimmen, die für Museen zeitgenössischer Kunst ausgewählt wurden, um in der Lage zu sein, die großen Werke zu halten, die aus großen Collagen von hergestellten und gefundenen Objekten bestehen. Diese Installationen und Collagen sind oft elektrifiziert, mit beweglichen Teilen und Lichtern.

Sie sind oft so angelegt, dass sie Auswirkungen auf die Umwelt haben, wie der Eiserne Vorhang von Christo und Jeanne-Claude, der eine Reihe von Fässern war, die einen Stau verursachen sollten.

Intermediär und multimedial
Ein weiterer Trend in der Kunst, der mit dem Begriff Postmodern verbunden ist, ist die Verwendung einer Reihe unterschiedlicher Medien. Intermedia, ein Begriff, der von Dick Higgins geprägt wurde und neue Kunstformen wie Fluxus, Konkrete Poesie, Gefundene Objekte, Performancekunst und Computerkunst vermitteln sollte. Higgins war der Herausgeber der Something Else Press, einer Konkreten Dichterin, die mit der Künstlerin Alison Knowles verheiratet ist und ein Bewunderer von Marcel Duchamp ist. Ihab Hassan schließt in seiner Liste der Merkmale der postmodernen Kunst „Intermedia, die Verschmelzung von Formen, die Konfusion der Reiche“ ein. Eine der häufigsten Formen von „Multimedia-Kunst“ ist die Verwendung von Videokassetten und CRT-Monitoren, die Videokunst genannt werden. Während die Theorie des Kombinierens mehrerer Künste zu einer Kunst ziemlich alt ist und periodisch wiederbelebt wird, ist die postmoderne Manifestation oft in Kombination mit Performance – Kunst, wo der dramatische Subtext entfernt wird und die spezifischen Aussagen des Künstlers in Frage oder die konzeptionelle Aussage ihres Handelns.

Appropriation Art und neo-konzeptuelle Kunst
In seinem Essay The Allegorical Impulse: In Richtung einer Theorie der Postmoderne von 1980 identifiziert Craig Owens das Wiederauftauchen eines allegorischen Impulses, der für die postmoderne Kunst charakteristisch ist. Dieser Impuls zeigt sich in der Aneignungskunst von Künstlern wie Sherrie Levine und Robert Longo, denn „Allegorische Bilder sind angeeignete Bilder“. Appropriation Art entlarvt modernistische Vorstellungen von künstlerischem Genie und Originalität und ist ambivalenter und widersprüchlicher als moderne Kunst, die gleichzeitig Ideologien installiert und untergräbt, „die sowohl kritisch als auch mitschuldig sind“.

Neo-Expressionismus
Die Rückkehr zu den traditionellen Kunstformen von Skulptur und Malerei in den späten 1970er und frühen 1980er Jahren, die in den Werken neoexpressionistischer Künstler wie Georg Baselitz und Julian Schnabel zu sehen sind, wurde als postmoderne Tendenz und als eine der ersten zusammenhängenden Bewegungen beschrieben tauchen in der Postmoderne auf. Seine enge Verbindung mit dem kommerziellen Kunstmarkt hat jedoch Fragen aufgeworfen, sowohl was seinen Status als postmoderne Bewegung als auch die Definition der Postmoderne selbst betrifft. Hal Foster behauptet, dass der Neoexpressionismus mit der konservativen Kulturpolitik der Reagan-Bush-Ära in den USA verwickelt sei. Félix Guattari missachtet die „großen Werbeaktionen, die in Deutschland Neo-Expressionismus genannt werden“ (ein Beispiel für eine „Modeerscheinung“) selbst „,“ als eine zu leichte Möglichkeit für ihn, „zu zeigen, dass die Postmoderne nichts als der letzte Atemzug der Moderne ist.“ Diese Kritik des Neoexpressionismus zeigt, dass Geld und Öffentlichkeitsarbeit in Amerika die Glaubwürdigkeit der zeitgenössischen Kunstwelt in der gleichen Zeit aufrecht erhielten, in der konzeptuelle und feministische Kunstpraktiken die moderne Kunst systematisch neu bewerteten.

Institutionelle Kritik
In den Arbeiten von Marcel Broodthaers, Daniel Buren und Hans Haacke werden Kritiken zu den Institutionen der Kunst (vor allem Museen und Galerien) gemacht.

Spätmoderne Malerei und Skulptur im 21. Jahrhundert
Zu Beginn des 21. Jahrhunderts setzt sich die zeitgenössische Malerei, die zeitgenössische Skulptur und die zeitgenössische Kunst im Allgemeinen in mehreren zusammenhängenden Formen fort, die durch die Idee des Pluralismus gekennzeichnet sind. Die „Krise“ in Malerei, Skulptur und aktueller Kunst und aktueller Kunstkritik wird heute durch Pluralismus ausgelöst. Es gibt keinen Konsens und auch keinen Bedarf für einen repräsentativen Stil des Zeitalters. Es gibt eine alles mögliche Haltung, die vorherrscht; ein „alles vor sich geht“ und folglich „nichts geht weiter“ -Syndrom; das schafft einen ästhetischen Stau ohne feste und klare Richtung und mit jeder Spur auf der Kunstautobahn. Folglich werden weiterhin großartige und wichtige Kunstwerke geschaffen, wenn auch in einer großen Vielfalt von Stilen und ästhetischen Temperamenten, wobei der Markt dem Verdienst überlassen bleibt.Frank Stellas La scienza della pigrizia (Die Wissenschaft der Faulheit) von 1984 ist ein Beispiel für Stellas Übergang von der Zweidimensionalität zur Dreidimensionalität und ein hervorragendes Beispiel für die Spätmoderne.

Hard-Edge-Malerei, geometrische Abstraktion, Aneignung, Hyperrealismus, Fotorealismus, Expressionismus, Minimalismus, lyrische Abstraktion, Pop-Art, Op-Art, abstrakter Expressionismus, Farbfeldmalerei, Monochrom-Malerei, Neo-Expressionismus, Collage, Intermedia-Malerei, Assemblage-Malerei, digital Malerei, postmoderne Malerei, Neo-Dada-Malerei, geformte Leinwandmalerei, Umwelt-Wandmalerei, traditionelle Figurenmalerei, Landschaftsmalerei, Portraitmalerei, sind einige fortlaufende und aktuelle Richtungen in der Malerei zu Beginn des 21. Jahrhunderts. Die Neue Europäische Malerei der 1990er Jahre und der Beginn des 21. Jahrhunderts, mit Malern wie Gerhard Richter, Bracha Ettinger und Luc Tuymans,hat einen komplexen und interessanten Dialog mit dem Erbe des amerikanischen Farbfeldes und der lyrischen Abstraktion auf der einen Seite und der Figuralität auf der anderen Seite eröffnet.