Light and Space bezeichnet eine lose verbundene Kunstbewegung im Zusammenhang mit Op Art, Minimalismus und geometrischer Abstraktion, die ihren Ursprung in den 1960er Jahren in Südkalifornien hat und von John McLaughlin beeinflusst wurde. Es zeichnete sich durch eine Fokussierung auf Wahrnehmungsphänomene wie Licht, Volumen und Skalierung sowie die Verwendung von Materialien wie Glas, Neon, fluoreszierenden Lichtern, Harz und gegossenem Acryl aus und bildete oft Installationen, die von der Umgebung des Werks abhängig sind. Ob durch das Lenken des natürlichen Lichtflusses, das Einbetten von künstlichem Licht in Objekte oder Architekturen oder durch das Spielen mit Licht unter Verwendung transparenter, durchscheinender oder reflektierender Materialien – Licht- und Raumkünstler machten die Erfahrung des Zuschauers mit Licht und anderen sensorischen Phänomenen unter bestimmten Bedingungen der Schwerpunkt ihrer Arbeit. Sie bauten die neuesten Technologien der südkalifornischen Maschinenbau- und Luftfahrtindustrie in ihre Arbeit ein, um sinnliche, lichtdurchflutete Objekte zu entwickeln. Turrell, der die Bewegung weltweit verbreitet hat, fasste seine Philosophie folgendermaßen zusammen: „Wir essen Licht, trinken es durch unsere Haut hinein.“
Künstler
Die Art der Arbeiten spiegelte sich im Titel der Ausstellung an der UCLA wider, die 1971 die aufkommende Bewegung einführte: „Transparenz, Reflexion, Licht, Raum: Vier Künstler“. Die Show präsentierte die Arbeit von Peter Alexander, Larry Bell, Robert Irwin und Craig Kauffman. Weitere mit der Bewegung verbundene Künstler sind Ron Cooper, Mary Corse, Fred Eversley, John McCracken, Bruce Nauman, Maria Nordman, Eric Orr, Helen Pashgian, James Turrell, DeWain Valentine, Doug Wheeler und Elyn Zimmerman. Eine berühmte Gruppe von Künstlern der abstrakten Farbtheorie wurde von der Licht- und Raumfahrtbewegung beeinflusst, insbesondere Frederick Spratt, Phil Sims, Anne Appleby und David Simpson. Das Erbe der Licht- und Raumfahrtbewegung zeigt sich in den Werken bedeutender zeitgenössischer Künstler wie Casper Brindle, Olafur Eliasson, Ann Veronica Janssens, Jennifer Steinkamp, Kaloust Guedel, Phillip K. Smith III und Gisela Colon.
Themen
Irwin und Turrell untersuchten zum Beispiel das Phänomen der sensorischen Deprivation (das die Entwicklung ihrer ähnlich sparsamen Lichtarbeiten beeinflusste) im Rahmen des Kunst- und Technologieprogramms, das 1967 vom Los Angeles County Museum of Art initiiert wurde. Wheelers RM 669 (1969) besteht aus gekrümmten weißen Wänden, die von einem Boden und einer Decke umhüllt sind und mit jedem Schritt in Richtung des Lichtquadrats an der gegenüberliegenden Wand nachzulassen scheinen, so dass der Betrachter nicht in der Lage ist, seine Augen auf eine Oberfläche zu richten. Für seine Reihe von Arbeiten zum Thema Alchemie hat Eric Orr natürliches Licht sowie Blut und Feuer in seinen Umgebungen verwendet, die extreme Netzhautreaktionen hervorrufen. In Mary Corses großen weiß-auf-weiß-Glas-Leinwänden sind Glasmikroperlen in die Acrylfarbe eingebettet, um eine Oberfläche zu schaffen, die sich mit dem Licht dramatisch verschiebt. Helen Pashgian schuf Acrylkugeln, Kugeln mit einem unwirklichen Schein, die scheinbar von innen beleuchtet wurden. In jüngerer Zeit schuf Gisela Colon, die im ArtForum als Licht- und Raumkünstlerin der nächsten Generation anerkannt wurde, „unregelmäßig geformte Acrylkugeln an der Wand … skarabäusartige Objekte erreichen ihr Schillern durch das Spiel des natürlichen Lichts und dennoch durch die Skulpturen scheinen ihre Farbe zu ändern, wenn man sich um sie herum bewegt, als ob sie von mehrfarbigen Glühbirnen beleuchtet würden. “
McCracken gibt Folgendes an. „Ich habe mich immer hauptsächlich nur für die Form interessiert, aber um eine Form zu schaffen, muss man sie aus etwas machen. Farbe schien also ein natürliches Material zu sein, weil Farbe abstrakt ist. Wenn man eine Form schafft, die so aussieht, als ob sie zusammengesetzt wäre von Farbe, dann hast du etwas, ein Objekt, das ziemlich abstrakt ist. Nur Form allein wäre natürlich abstrakter, weil es nur eine mentale Idee ist, aber du hast nichts, mit dem du dich auseinandersetzen kannst, es sei denn, du machst es Wenn Sie es jedoch aus Metall, Stein, Holz oder was auch immer herstellen, dann haben Sie etwas, das meines Erachtens den physischen Aspekt überbetont und daher schwer als rein mental wahrzunehmen ist Dahinter steckt der Gedanke, dass alle Dinge im Wesentlichen mental sind – diese Materie ist zwar auf der einen Seite real, besteht aber auf der anderen Seite aus Energie und wiederum aus reinem Denken. “
Ausstellungen
Licht- und Raumkunst aus Kalifornien wurde 1976 auf der Biennale von Venedig mit dem Titel „Ambiente / arte dal futurismo alla body art“ von Germano Celant gezeigt. Die Bewegung wurde selten zusammen gezeigt, da Wheeler die Aufnahme in bedeutende Museumsausstellungen ablehnte, weil er Zweifel hatte, dass die Werke so gezeigt würden, wie sie beabsichtigt waren, und Nordman es ablehnte, in Gruppenausstellungen über Licht und Raum mitzuwirken. 2010 präsentierte die David Zwirner Gallery, New York, eine historische Ausstellung mit dem Titel „Primary Atmospheres“, ein Begriff, der vom Kunstkritiker Dave Hickey geprägt wurde, um die Beiträge südkalifornischer Künstler zur Light & Space-Bewegung zu beschreiben. Im Rahmen einer Reihe von Ausstellungen, die von der J. Paul Getty Foundation im Rahmen der Initiative Pacific Standard Time 2011 finanziert wurden, veranstaltete das Museum of Contemporary Art in San Diego die bedeutendste Übersichtsausstellung zur Wahrnehmungskunst mit dem Titel „Phänomenal: California Light, Space, Surface, „organisiert vom damaligen Kurator des Museums, Robin Clark.