Der Modernismus ist eine philosophische Bewegung, die zusammen mit kulturellen Trends und Veränderungen aus weitreichenden und weitreichenden Veränderungen in der westlichen Gesellschaft während des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts hervorging. Zu den Faktoren, die den Modernismus prägten, zählten die Entwicklung moderner Industriegesellschaften und das rasche Wachstum der Städte, gefolgt von Reaktionen des Schreckens auf den Ersten Weltkrieg. Die Moderne lehnte auch die Gewissheit des aufklärerischen Denkens ab, und viele Modernisten lehnten den religiösen Glauben ab.

Begriff für die Erfindung und das effektive Streben nach künstlerischen Strategien, die nicht nur enge, sondern wesentliche Verbindungen zu den mächtigen Kräften der sozialen Moderne anstreben Die Antworten der Modernisten auf die Moderne reichen vom Triumphfest bis zur gequälten Verurteilung und unterscheiden sich in der Art von direkter Abbilderstellung von der Modernisierung bis zu extremen Erneuerungen rein künstlerischer Annahmen und Praktiken Solche Strategien, die von einzeln oder oft in Gruppen arbeitenden Künstlern, aber auch von Kritikern, Historikern und Theoretikern betrieben werden, treten in allen Künsten auf, wenn auch in unterschiedlichen Formen und über unterschiedliche Historische Trajektorien Sie waren am stärksten in der Malerei, Design und der modernen Bewegung in der Architektur, hochbedeutend in der Literatur und in der Musik, aber im Handwerk ziemlich gedämpft Sie haben Echos in Aspekten der kommerziellen und populären Kultur Trotz ihrer zeitweiligen Auftreten und unsystematischen in In der Natur waren diese Strategien in Europa und in Europa am effektivsten Kolonien aus der Mitte des 19. Jahrhunderts und in den USA ab Anfang des 20. Jahrhunderts, von den Rändern in das Zentrum der visuellen Kulturen, von reaktiver Radikalität zu institutionalisierter Normalität.

Die Moderne umfaßt im allgemeinen die Aktivitäten und Schöpfungen derjenigen, die die traditionellen Formen von Kunst, Architektur, Literatur, religiösem Glauben, Philosophie, sozialer Organisation, Aktivitäten des täglichen Lebens und sogar der Wissenschaften für ihre Aufgaben ungeeignet hielten und veraltet im neuen wirtschaftlichen, sozialen und politischen Umfeld einer aufstrebenden voll industrialisierten Welt. Die Anweisung des Dichters Ezra Pound von 1934, „es neu zu machen!“ war der Prüfstein für den Ansatz der Bewegung gegenüber dem, was sie als die heute obsolete Kultur der Vergangenheit ansah. In diesem Sinne hatten seine Innovationen, wie der Strom des Bewusstseinsromanes, atonale (oder pantonale) und Zwölftonmusik, divisionistische Malerei und abstrakte Kunst, alle Vorläufer im 19. Jahrhundert.

Ein bemerkenswertes Merkmal der Moderne ist das Selbstbewusstsein und die Ironie der literarischen und sozialen Traditionen, die oft zu Experimenten mit der Form führten, sowie Techniken, die auf die Prozesse und Materialien aufmerksam machten, die bei der Schaffung eines Gemäldes, eines Gedichts, eines Gebäudes usw. verwendet wurden Die Moderne lehnt die Ideologie des Realismus ausdrücklich ab und nutzt die Werke der Vergangenheit durch Reprise, Inkorporation, Neufassung, Reprise, Revision und Parodie.

Einige Kommentatoren definieren den Modernismus als eine Art des Denkens – eine oder mehrere philosophisch definierte Eigenschaften wie Selbstbewusstsein oder Selbstreferenz, die sich über alle Neuheiten in den Künsten und Disziplinen hinwegziehen. Häufiger, besonders im Westen, sind diejenigen, die es als eine sozial fortschrittliche Denkrichtung betrachten, die die Kraft der Menschen bekräftigt, ihre Umwelt mit Hilfe von praktischem Experimentieren, wissenschaftlichen Erkenntnissen oder Technologie zu erschaffen, zu verbessern und neu zu gestalten. Aus dieser Perspektive ermutigte die Moderne die Überprüfung jedes Aspekts der Existenz, vom Handel bis zur Philosophie, mit dem Ziel, das zu finden, was den Fortschritt „zurückhielt“, und ihn durch neue Wege zu ersetzen, um dasselbe Ziel zu erreichen. Andere konzentrieren sich auf die Moderne als ästhetische Introspektion. Dies ermöglicht die Berücksichtigung spezifischer Reaktionen auf den Einsatz von Technologie im Ersten Weltkrieg und antitechnische und nihilistische Aspekte der Werke verschiedener Denker und Künstler von Friedrich Nietzsche (1844-1900) bis Samuel Beckett (1906-1989) ).

Während einige Wissenschaftler sehen, dass der Modernismus bis ins einundzwanzigste Jahrhundert fortdauert, sehen andere, dass sich der Modernismus in die späte Moderne oder in die Hochmoderne entwickelt, die dann durch die Postmoderne abgelöst wird.

Frühe Geschichte

Anfänge: das 19. Jahrhundert
Nach einem Kritiker entwickelte sich der Modernismus aus dem Aufruhr der Romantik gegen die Auswirkungen der industriellen Revolution und der bürgerlichen Werte: „Das Grundmotiv der Moderne, so Graff, sei die Kritik an der bürgerlichen Gesellschaftsordnung des 19. Jahrhunderts und ihrer Weltsicht, die die Modernisten tragen die Fackel der Romantik. “ Während JMW Turner (1775-1851), einer der größten Landschaftsmaler des 19. Jahrhunderts, als „Pionier in der Erforschung von Licht, Farbe und Atmosphäre“ Mitglied der romantischen Bewegung war, „nahm er die französischen Impressionisten vorweg „und daher Modernismus“, indem er konventionelle Darstellungsformeln auflöste; im Gegensatz zu ihnen glaubte er, dass seine Werke immer bedeutende historische, mythologische, literarische oder andere narrative Themen zum Ausdruck bringen sollten. “

Die vorherrschenden Tendenzen des industriell-viktorianischen Englands wurden ab etwa 1850 von den englischen Dichtern und Malern, die die Präraffaelitische Bruderschaft bildeten, wegen ihres „Widerstandes gegen technische Fähigkeiten ohne Inspiration“ abgelehnt: 815 Sie wurden von den Schriften des. Beeinflusst der Kunstkritiker John Ruskin (1819-1900), der in den rasch expandierenden Industriestädten Großbritanniens starke Gefühle für die Rolle der Kunst bei der Verbesserung der Lebensbedingungen der städtischen Arbeiterklasse hatte: 816 Der Kunstkritiker Clement Greenberg beschreibt die Prä- Raphaelitsche Bruderschaft als Proto-Modernisten: „Ausgerechnet die Prono-Modernisten waren die Präraffaeliten (und sogar vor ihnen als Proto-Proto-Modernisten, die deutschen Nazarener). Die Pre-Raphaeliten warfen tatsächlich Manet vor (1832) -83), mit der die modernistische Malerei am sichersten beginnt. Sie reagierten auf Unzufriedenheit mit der Malerei ihrer Zeit und behaupteten, dass ihr Realismus nicht wahrheitsgemäß genug sei. “ Der Rationalismus hatte auch Gegner in den Philosophen Søren Kierkegaard (1813-1855) und später Friedrich Nietzsche (1844-1900), die beide einen wesentlichen Einfluss auf den Existenzialismus hatten

Die industrielle Revolution setzte sich jedoch fort. Zu den einflussreichen Neuerungen zählten die dampfbetriebene Industrialisierung und insbesondere die Entwicklung der Eisenbahn, die in den 1830er Jahren in Großbritannien begann, und die damit verbundenen Fortschritte in Physik, Technik und Architektur. Eine der wichtigsten technischen Errungenschaften des 19. Jahrhunderts war The Crystal Palace, die riesige Ausstellungshalle aus Gusseisen und Glas, die für die Große Ausstellung von 1851 in London gebaut wurde. Glas und Eisen wurden in einem ähnlichen monumentalen Stil beim Bau von großen Bahnhöfen in London verwendet, wie der Paddington Station (1854) und der King’s Cross Station (1852). Diese technologischen Fortschritte führten zum Bau späterer Bauwerke wie der Brooklyn Bridge (1883) und dem Eiffelturm (1889). Letzteres löste alle bisherigen Beschränkungen auf, wie groß die von Menschenhand geschaffenen Objekte sein könnten. Diese technischen Wunderwerke veränderten das städtische Umfeld des 19. Jahrhunderts und den Alltag der Menschen radikal. Die menschliche Erfahrung der Zeit selbst wurde verändert, mit der Entwicklung des elektrischen Telegraphen von 1837 und der Einführung der Standardzeit durch britische Eisenbahngesellschaften von 1845 und im Rest der Welt in den nächsten fünfzig Jahren.

Aber trotz fortschreitender technologischer Fortschritte geriet ab den 1870er Jahren der Gedanke, dass Geschichte und Zivilisation von Natur aus fortschrittlich seien und der Fortschritt immer gut sei, immer stärker in die Kritik. Es gab Argumente, dass die Werte des Künstlers und der Gesellschaft nicht nur verschieden seien, sondern dass die Gesellschaft dem Fortschritt entgegengesetzt sei und in ihrer gegenwärtigen Form nicht vorankommen könne. Der Philosoph Schopenhauer (1788-1860) (Die Welt als Wille und Repräsentation, 1819) stellte den bisherigen Optimismus in Frage, und seine Ideen hatten einen wichtigen Einfluss auf spätere Denker, darunter Nietzsche. Zwei der bedeutendsten Denker dieser Zeit waren der Biologe Charles Darwin (1809-82), Autor von »Über die Entstehung der Arten durch natürliche Selektion« (1859), und der Politologe Karl Marx (1818-83), Autor von Das Kapital (1867). Darwins Theorie der Evolution durch natürliche Selektion untergrub die religiöse Gewissheit und die Idee der menschlichen Einzigartigkeit. Insbesondere die Vorstellung, dass Menschen von den gleichen Impulsen wie „niedere Tiere“ angetrieben werden, erwies sich als schwierig mit der Idee einer adeligen Spiritualität zu vereinbaren. Karl Marx argumentierte, dass es innerhalb des kapitalistischen Systems grundlegende Widersprüche gebe und dass die Arbeiter alles andere als frei seien.

Die Anfänge der Moderne in Frankreich
Historiker und Schriftsteller in verschiedenen Disziplinen haben verschiedene Daten als Ausgangspunkt für die Moderne vorgeschlagen. Der Historiker William Everdell zum Beispiel hat argumentiert, dass der Modernismus in den 1870er Jahren begann, als metaphorische (oder ontologische) Kontinuität sich dem diskreten mit dem Dedekind-Schnitt von Mathematiker Richard Dedekind (1831-1916) und Ludwig Boltzmanns (1844-1906) statistisch ergab Thermodynamik. Everdell glaubt auch, dass der Modernismus in der Malerei 1885-86 mit Seurats Divisionismus begann, den „Punkten“, die verwendet wurden, um einen Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte zu malen. Auf der anderen Seite bezeichnete der bildende Kunstkritiker Clement Greenberg Immanuel Kant (1724-1804) als „den ersten echten Modernisten“, schrieb aber auch: „Was man sicher die Moderne nennen kann, entstand Mitte des letzten Jahrhunderts – und zwar eher lokal, in Frankreich mit Baudelaire in der Literatur und Manet in der Malerei und vielleicht auch mit Flaubert in der Prosa-Fiktion (es war eine Weile später, und nicht so lokal, dass die Moderne in Musik und Architektur auftauchte). “ Der Dichter Baudelaire Les Fleurs du mal (Flower of Evil) und Flauberts Roman Madame Bovary wurden beide im Jahr 1857 veröffentlicht.

In den Künsten und Briefen entwickelten sich in Frankreich zwei wichtige Ansätze. Der erste war der Impressionismus, eine Schule der Malerei, die sich anfangs auf Arbeiten konzentrierte, die nicht in Ateliers, sondern im Freien (en plein air) entstanden. Impressionistische Gemälde zeigten, dass Menschen keine Objekte sehen, sondern selbst das Licht sehen. Die Schule sammelte Anhänger trotz interner Spaltungen unter ihren führenden Praktizierenden und wurde zunehmend einflussreich. Die Impressionisten, die ursprünglich von der wichtigsten kommerziellen Show ihrer Zeit, dem von der Regierung gesponserten Pariser Salon, abgelehnt wurden, organisierten in den 1870er und 1880er Jahren jährliche Gruppenausstellungen in kommerziellen Veranstaltungsorten, die zeitlich mit dem offiziellen Salon zeitlich abgestimmt waren. Ein bedeutendes Ereignis von 1863 war der Salon des Refusés, der von Kaiser Napoleon III geschaffen wurde, um alle vom Pariser Salon ausgestellten Gemälde zu zeigen. Während die meisten in Standardstilen, aber von minderwertigen Künstlern waren, erregte die Arbeit von Manet enorme Aufmerksamkeit und öffnete der Bewegung kommerzielle Türen. Die zweite französische Schule war der Symbolismus, den Literaturhistoriker beginnend mit Charles Baudelaire (1821-67) und den späteren Dichtern Arthur Rimbaud (1854-91), Une Saison en Enfer (1873), Paul Verlaine ( 1844-96), Stéphane Mallarmé (1842-98) und Paul Valéry (1871-1945). Die Symbolisten „betonten die Priorität von Suggestion und Evokation gegenüber direkter Beschreibung und expliziter Analogie“ und interessierten sich besonders für „die musikalischen Eigenschaften der Sprache“. Das Cabaret, das so viele der Künste der Moderne hervorbrachte, einschließlich der unmittelbaren Vorläufer des Films, kann man in Frankreich im Jahr 1881 mit der Eröffnung der Schwarzen Katze in Montmartre, dem Beginn des ironischen Monologs, und der Gründung der Society of Inkoherent Arts.

Einflussreich in den frühen Tagen der Moderne waren die Theorien von Sigmund Freud (1856-1939). Freuds erstes großes Werk war Studien über Hysterie (mit Josef Breuer, 1895). Im Mittelpunkt von Freuds Denken steht die Idee „des Primats des Unbewussten im mentalen Leben“, so dass alle subjektive Realität auf dem Spiel grundlegender Triebe und Instinkte beruhte, durch die die Außenwelt wahrgenommen wurde. Freuds Beschreibung subjektiver Zustände involvierte einen unbewussten Geist voller primärer Impulse und kompensierte selbst auferlegte Restriktionen, die sich aus sozialen Werten ableiteten.538

Friedrich Nietzsche (1844-1900) war ein weiterer bedeutender Vorläufer der Moderne mit einer Philosophie, in der psychologische Triebkräfte, insbesondere der Wille zur Macht, von zentraler Bedeutung waren: „Nietzsche identifizierte das Leben oft mit dem Willen zu Kraft „, das heißt mit einem Instinkt für Wachstum und Beständigkeit.“ Henri Bergson (1859-1941) dagegen betonte den Unterschied zwischen der wissenschaftlichen, der Uhrzeit und der direkten, subjektiven, menschlichen Erfahrung der Zeit. Seine Arbeit über Zeit und Bewusstsein hatte großen Einfluss auf die Romanschriftsteller des 20. Jahrhunderts „Besonders jene Modernisten, die den Strom der Bewusstseinstechnik verwendeten, wie Dorothy Richardson, James Joyce und Virginia Woolf (1882-1941). Ebenso wichtig in Bergsons Philosophie war die Idee von élan vital, der Lebenskraft, die »die schöpferische Entwicklung von allem hervorbringt« .123 Seine Philosophie legte auch großen Wert auf die Intuition, ohne jedoch die Bedeutung des Intellekts zu verwerfen

Wichtige literarische Vorläufer der Moderne waren Fjodor Dostojewski (1821-81), der die Romane „Verbrechen und Strafe“ (1866) und „Die Brüder Karamasow“ (1880) schrieb; Walt Whitman (1819-92), der die Gedichtsammlung Leaves of Grass (1855-91) veröffentlichte; und August Strindberg (1849-1912), besonders seine späteren Stücke, darunter die Trilogie To Damaskus (1898-1901), Ein Traumspiel (1902) und Die Geistsonate (1907). Henry James wurde auch als bedeutender Vorläufer vorgeschlagen, in einem Werk so früh wie Das Porträt einer Dame (1881).

Aus der Kollision von Idealen aus der Romantik und dem Versuch, einen Weg zu finden, um das bisher Unbekannte zu erklären, entstand im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts die erste Werkwelle, die zwar von ihren Autoren in Betracht gezogen wurde Erweiterungen der bestehenden Tendenzen in der Kunst, brach den impliziten Vertrag mit der Öffentlichkeit, dass Künstler die Interpreten und Vertreter der bürgerlichen Kultur und Ideen waren. Zu diesen „modernistischen“ Denkmälern zählen das atonale Ende von Arnold Schönbergs zweitem Streichquartett 1908, die expressionistische Malerei Wassily Kandinskys ab 1903, die mit seiner ersten abstrakten Malerei und die Gründung der Blauen Reiter-Gruppe 1911 in München ihren Abschluss fand der Fauvismus und die Erfindungen des Kubismus aus den Ateliers von Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque und anderen in den Jahren zwischen 1900 und 1910.

Explosion, frühes 20. Jahrhundert bis 1930
Ein wichtiger Aspekt der Moderne ist, wie sie sich auf die Tradition bezieht, indem sie Techniken wie Reprise, Inkorporation, Neuschreiben, Reprise, Revision und Parodie in neuen Formen anwendet.

Ein Beispiel dafür, dass die modernistische Kunst sowohl revolutionär als auch mit der Vergangenheit verbunden sein kann, ist die Musik des Komponisten Arnold Schönberg. Auf der einen Seite lehnte Schönberg die traditionelle Tonharmonie ab, das hierarchische System der Organisation von Musikwerken, die mindestens eineinhalb Jahrhunderte lang das Musizieren geleitet hatten. Er glaubte, eine völlig neue Art der Klangorganisation entdeckt zu haben, die auf der Verwendung von Zwölftonreihen beruhte. Diese Ursprünge sind zwar völlig neu, lassen sich aber in Werken früherer Komponisten wie Franz Liszt, Richard Wagner, Gustav Mahler, Richard Strauss und Max Reger nachzeichnen. Außerdem muss erwähnt werden, dass Schönberg im Laufe seiner Karriere auch tonale Musik geschrieben hat.

In der Welt der Kunst haben im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts junge Maler wie Pablo Picasso und Henri Matisse mit ihrer Ablehnung der traditionellen Perspektive als Mittel zur Strukturierung von Gemälden einen Schock ausgelöst, obwohl der Impressionist Monet bereits innovativ gewesen war seine Verwendung der Perspektive. Im Jahr 1907, als Picasso Les Demoiselles d’Avignon malte, schrieb Oskar Kokoschka Mörder, Hoffnung der Frauen, das erste expressionistische Theaterstück (1909 mit Skandal produziert), und Arnold Schönberg komponierte sein Streichquartett No.2 in fis-moll (1908), seine erste Komposition ohne tonales Zentrum.

Der Expressionismus ist notorisch schwer zu definieren, teilweise weil er sich mit anderen großen Ismen der Moderne überschneidet: mit Futurismus, Vortizismus, Kubismus, Surrealismus und Dada. Auch Richard Murphy kommentiert: „Die Suche nach einer allumfassenden Definition ist insofern problematisch, als die herausforderndsten Expressionisten wie der Romancier Franz Kafka, der Dichter Gottfried Benn und der Romancier Alfred Döblin gleichzeitig die lautesten Anti-Expressionisten waren.“ 43 Man kann jedoch sagen, dass es sich um eine Bewegung handelte, die sich im frühen 20. Jahrhundert vor allem in Deutschland als Reaktion auf die entmenschlichende Wirkung der Industrialisierung und des Wachstums von Städten entwickelte und „eines der zentralen Mittel, mit denen der Expressionismus identifiziert sich selbst als eine Avantgarde-Bewegung, durch die es seine Distanz zu Traditionen markiert und die kulturelle Institution als Ganzes durch ihr Verhältnis zum Realismus und den vorherrschenden Konventionen der Repräsentation. „43 Genauer gesagt: dass die Expressionisten die Ideologie ablehnten des Realismus. 43-48

Es gab eine konzentrierte expressionistische Bewegung im deutschen Theater des frühen 20. Jahrhunderts, von denen Georg Kaiser und Ernst Toller die berühmtesten Dramatiker waren. Weitere bemerkenswerte expressionistische Dramatiker waren Reinhard Sorge, Walter Hasenclever, Hans Henny Jahnn und Arnolt Bronnen. Sie blicken auf den schwedischen Dramatiker August Strindberg und den deutschen Schauspieler und Dramatiker Frank Wedekind als Vorläufer ihrer dramaturgischen Experimente zurück. Oskar Kokoschkas Mörder, die Hoffnung der Frauen war das erste voll expressionistische Werk für das Theater, das am 4. Juli 1909 in Wien eröffnet wurde. Die extreme Vereinfachung der Charaktere zu mythischen Typen, Choreffekten, deklamatorischen Dialogen und erhöhter Intensität wird charakteristisch für spätere expressionistische Stücke. Das erste abendfüllende expressionistische Stück war The Son von Walter Hasenclever, das 1914 veröffentlicht und 1916 uraufgeführt wurde.

Futurismus ist eine weitere modernistische Bewegung. Im Jahr 1909 veröffentlichte die Pariser Zeitung Le Figaro FT Marinettis erstes Manifest. Bald darauf unterschrieb eine Gruppe von Malern (Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo und Gino Severini) das Futuristische Manifest. In Anlehnung an das berühmte „Kommunistische Manifest“ von Marx und Engels (1848) brachten solche Manifeste Ideen vor, die Anhänger provozieren und sammeln sollten. Argumente für geometrische oder rein abstrakte Malerei waren jedoch zu dieser Zeit weitgehend auf „kleine Zeitschriften“ beschränkt, die nur kleine Auflagen aufwiesen. Modernistischer Primitivismus und Pessimismus waren umstritten, und der Mainstream im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts neigte immer noch zu einem Fortschrittsglauben und einem liberalen Optimismus.

Abstrakte Künstler, an deren Beispielen die Impressionisten, sowie Paul Cézanne (1839-1906) und Edvard Munch (1863-1944), begannen mit der Annahme, dass Farbe und Form, nicht die Darstellung der natürlichen Welt, die wesentlichen Merkmale bildeten der Kunst. Die westliche Kunst war von der Renaissance bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts durch die Logik der Perspektive und den Versuch, eine Illusion der sichtbaren Realität zu reproduzieren, untermauert. Die Künste anderer Kulturen als der europäischen waren zugänglich geworden und zeigten dem Künstler alternative Möglichkeiten, die visuelle Erfahrung zu beschreiben. Gegen Ende des 19. Jahrhunderts hatten viele Künstler das Bedürfnis, eine neue Art von Kunst zu schaffen, die die grundlegenden Veränderungen in Technologie, Wissenschaft und Philosophie umfassen sollte. Die Quellen, aus denen einzelne Künstler ihre theoretischen Argumente zogen, waren vielfältig und spiegelten die sozialen und intellektuellen Interessen in allen Bereichen der westlichen Kultur zu jener Zeit wider. Wassily Kandinsky, Piet Mondrian und Kasimir Malewitsch glaubten an die Neudefinition der Kunst als Anordnung reiner Farben. Die Verwendung der Fotografie, die einen Großteil der darstellenden Funktion der bildenden Kunst überflüssig gemacht hatte, beeinflusste stark diesen Aspekt der Moderne.

Modernistische Architekten und Designer wie Frank Lloyd Wright und Le Corbusier glaubten, dass neue Technologien alte Baustile überflüssig machten. Le Corbusier dachte, dass Gebäude als „Maschinen zum Leben in“ funktionieren sollten, analog zu Autos, die er als Maschinen für Reisen ansah. So wie Autos das Pferd ersetzt hatten, sollte das modernistische Design die alten Stile und Strukturen des antiken Griechenlands ablehnen oder aus dem Mittelalter. Im Anschluss an diese Maschinenästhetik haben Designer der Moderne dekorative Motive in der Regel abgelehnt und die verwendeten Materialien sowie die reinen geometrischen Formen hervorgehoben. Der Wolkenkratzer ist das archetypische modernistische Gebäude, und das Wainwright Building, ein 10-stöckiges Bürogebäude, erbaut 1890-91, in St. Louis, Missouri, USA, gehört zu den ersten Wolkenkratzern der Welt. Das Seagram-Gebäude von Ludwig Mies van der Rohe in New York (1956-1958) gilt oft als der Höhepunkt dieser modernistischen Hochhausarchitektur. Viele Aspekte des modernistischen Designs bestehen immer noch innerhalb des Mainstreams der zeitgenössischen Architektur, obwohl früherer Dogmatismus einem spielerischeren Gebrauch von Dekoration, historischem Zitat und räumlichem Drama gewichen ist.

Der Strom des Bewusstseins war eine wichtige modernistische literarische Innovation, und es wurde vermutet, dass Arthur Schnitzler (1862-1931) in seiner Erzählung „Leutnant Gustl“ („Niemand außer dem Tapferen“) (1900) als Erster davon Gebrauch machte ). Dorothy Richardson war die erste englische Schriftstellerin, die sie in den frühen Bänden ihrer Romansequenz Pilgrimage (1915-67) verwendete. Zu den anderen modernistischen Romanciers, die mit dieser Erzähltechnik in Verbindung gebracht werden, gehören James Joyce in Ulysses (1922) und Italo Svevo in La coscienza di Zeno (1923).

Mit dem Ausbruch des Ersten Weltkrieges von 1914-18 und der Russischen Revolution von 1917 änderte sich die Welt jedoch drastisch und Zweifel an den Überzeugungen und Institutionen der Vergangenheit. Das Scheitern des vorherigen Status quo erschien einer Generation, die Millionen von Kämpfen über Erdbrocken gekämpft hatte, offensichtlich: Vor 1914 wurde argumentiert, dass niemand einen solchen Krieg führen würde, da die Kosten zu hoch seien. Die Geburt eines Maschinenzeitalters, das die Verhältnisse des täglichen Lebens im 19. Jahrhundert stark verändert hatte, hatte das Wesen der Kriegsführung radikal verändert. Die traumatische Natur der jüngsten Erfahrung veränderte die Grundannahmen, und eine realistische Darstellung des Lebens in den Künsten schien unangemessen angesichts der phantastisch surrealen Natur des Stellungskriegs. Die Ansicht, dass die Menschheit einen stetigen moralischen Fortschritt mache, erschien jetzt angesichts des sinnlosen Gemetzels, das in Werken wie Erich Maria Remarques Roman „All Quiet an der Westfront“ (1929) beschrieben wird, lächerlich. Daher wurde die Sicht des Modernismus auf die Realität, die vor dem Krieg eine Minderheit gewesen war, in den 1920er Jahren allgemeiner akzeptiert.

In der Literatur und in der bildenden Kunst versuchten einige Modernisten, die Erwartungen zu übertreffen, vor allem, um ihre Kunst lebendiger zu machen, oder um das Publikum zu zwingen, die eigenen Vorurteile in Frage zu stellen. Dieser Aspekt der Moderne scheint oft eine Reaktion auf die Konsumkultur zu sein, die sich Ende des 19. Jahrhunderts in Europa und Nordamerika entwickelte. Während die meisten Hersteller versuchen, marktfähige Produkte herzustellen, indem sie Präferenzen und Vorurteile ansprechen, lehnen die High Modernisten solche Konsumdenken ab, um das konventionelle Denken zu untergraben. Der Kunstkritiker Clement Greenberg hat diese Theorie der Moderne in seinem Aufsatz Avantgarde und Kitsch dargestellt. Greenberg bezeichnete die Produkte der Konsumkultur als „Kitsch“, weil ihr Design nur darauf abzielte, maximale Anziehungskraft zu haben, wobei alle schwierigen Merkmale entfernt wurden. Für Greenberg war der Modernismus somit eine Reaktion gegen die Entwicklung solcher Beispiele moderner Konsumkultur wie kommerzielle Popmusik, Hollywood und Werbung. Greenberg verband dies mit der revolutionären Ablehnung des Kapitalismus.

Der Surrealismus, der in den frühen zwanziger Jahren entstand, wurde von der Öffentlichkeit als die extremste Form der Moderne oder „Avantgarde der Moderne“ angesehen. Das Wort „surrealistisch“ wurde von Guillaume Apollinaire geprägt und erschien erstmals im Vorwort zu seinem Stück Les Mamelles de Tirésias, das 1903 geschrieben und 1917 uraufgeführt wurde. Zu den wichtigsten Surrealisten gehören Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Hans Arp, Antonin Artaud, Raymond Queneau, Joan Miró und Marcel Duchamp.

Um 1930 hatte die Moderne einen Platz im Establishment erobert, einschließlich des politischen und künstlerischen Establishments, obwohl sich der Modernismus selbst zu dieser Zeit verändert hatte.

Die Moderne geht weiter: 1930-1945
Die Moderne entwickelte sich in den 1930er Jahren weiter. Zwischen 1930 und 1932 arbeitete der Komponist Arnold Schönberg an Moses und Aron, einer der ersten Opern, die sich der Zwölftontechnik bedienten, Pablo Picasso malte 1937 Guernica, seine kubistische Verurteilung des Faschismus, während James Joyce 1939 die Grenzen von der moderne Roman weiter mit Finnegans Wake. Auch 1930 begann der Modernismus, die Mainstream-Kultur zu beeinflussen, so dass das New Yorker Magazine unter dem Einfluss der Moderne junge Autoren und Humoristen wie Dorothy Parker, Robert Benchley, EB White, SJ Perelman und James Thurber veröffentlichte. unter anderem. Perelman ist bekannt für seine humorvollen Kurzgeschichten, die er in den 1930er und 1940er Jahren in Zeitschriften veröffentlichte, am häufigsten im New Yorker, die als erste Beispiele surrealistischen Humors in Amerika gelten. Moderne Ideen in der Kunst erschienen auch häufiger in Werbespots und Logos, ein frühes Beispiel dafür ist ab 1916 das berühmte Londoner Underground-Logo von Edward Johnston.

Eine der sichtbarsten Veränderungen in dieser Zeit war die Einführung neuer Technologien in das Alltagsleben gewöhnlicher Menschen in Westeuropa und Nordamerika. Die Elektrizität, das Telefon, das Radio, das Auto – und die Notwendigkeit, mit ihnen zu arbeiten, sie zu reparieren und mit ihnen zu leben – haben einen sozialen Wandel bewirkt. Die Art von Störungsmoment, die nur wenige in den 1880er Jahren kannten, wurde zu einem häufigen Ereignis. Zum Beispiel wurde die Geschwindigkeit der Kommunikation, die für die Börsenmakler von 1890 reserviert war, Teil des Familienlebens, zumindest in der Mittelschicht Nordamerika. Verbunden mit der Urbanisierung und dem Wandel der sozialen Sitten waren auch kleinere Familien und veränderte Beziehungen zwischen Eltern und ihren Kindern.

In den 1920er und 1930er Jahren entstanden weiterhin bedeutende literarische Werke der Moderne, darunter weitere Romane von Marcel Proust, Virginia Woolf, Robert Musil und Dorothy Richardson. Die Karriere des amerikanischen Modernisten und Dramatikers Eugene O’Neill begann 1914, seine Hauptwerke erschienen jedoch in den 1920er, 1930er und frühen 1940er Jahren. Zwei weitere bedeutende Dramatiker der Moderne, die in den 1920er und 1930er Jahren schrieben, waren Bertolt Brecht und Federico García Lorca. DH Lawrences Lady Chatterley’s Lover wurde 1928 privat veröffentlicht, während ein weiterer wichtiger Meilenstein für die Geschichte des modernen Romans mit der Veröffentlichung von William Faulkners The Sound and the Fury im Jahr 1929 kam. In den 1930er Jahren, neben weiteren wichtigen Werken von Faulkner, Samuel Beckett veröffentlichte sein erstes großes Werk, den Roman Murphy (1938). Dann im Jahr 1939 erschien James Joyce Finnegans Wake. Dies ist in einer weitgehend idiosynkratischen Sprache geschrieben, bestehend aus einer Mischung aus Standard-Englisch lexikalischen Gegenständen und neologistischen mehrsprachigen Wortspielen und Wortträgern, die versucht, die Erfahrung von Schlaf und Träume neu zu erstellen. In der Dichtung schrieben TS Eliot, EE Cummings und Wallace Stevens von den 1920er Jahren bis in die 1950er Jahre. Während modernistische Poesie in Englisch oft als ein amerikanisches Phänomen angesehen wird, mit führenden Vertretern wie Ezra Pound, TS Eliot, Marianne Moore, William Carlos Williams, HD und Louis Zukofsky, gab es wichtige britische Moderne Dichter, darunter David Jones, Hugh MacDiarmid, Basil Bunting und WH Auden. Zu den europäischen Dichtern der Moderne zählen Federico García Lorca, Anna Achmatowa, Constantine Cavafy und Paul Valéry.

In der Malerei, in den zwanziger und dreißiger Jahren sowie in der Weltwirtschaftskrise wird der Modernismus vom Surrealismus, dem späten Kubismus, Bauhaus, De Stijl, Dada, dem deutschen Expressionismus und den modernistischen und meisterhaften Farbenmalern Henri Matisse und Pierre Bonnard sowie den Abstraktionen bestimmt von Künstlern wie Piet Mondrian und Wassily Kandinsky, die die europäische Kunstszene prägten. In Deutschland haben Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz und andere ihre Bilder politisiert, was den Beginn des Zweiten Weltkriegs ankündigt, während in Amerika der Modernismus in Form der amerikanischen Szenenmalerei und der sozialen Realismus- und Regionalismusbewegungen, die beide politisch waren, gesehen wurde und soziale Kommentare beherrschten die Kunstwelt. Künstler wie Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh und andere wurden prominent. Der Modernismus wird in Lateinamerika von den Malern Joaquín Torres García aus Uruguay und Rufino Tamayo aus Mexiko definiert, während die Wandmaler-Bewegung mit Diego Rivera, David Siqueiros, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómez und Santiago Martinez Delgado sowie symbolistische Gemälde von Frida Kahlo begann eine Renaissance der Künste für die Region, die sich durch eine freiere Farbgebung und eine Betonung politischer Botschaften auszeichnet.

Diego Rivera ist vielleicht am besten bekannt für sein Wandgemälde „Man at the Crossroads“ aus dem Jahr 1933 in der Lobby des RCA Building im Rockefeller Center. Als sein Gönner Nelson Rockefeller entdeckte, dass das Wandgemälde ein Porträt von Wladimir Lenin und anderen kommunistischen Bildern enthielt, feuerte er Rivera, und die unvollendete Arbeit wurde schließlich von Rockefellers Stab zerstört. Die Arbeiten von Frida Kahlo (Riveras Frau) zeichnen sich oft durch ihre starken Schmerzdarstellungen aus. Kahlo war stark beeinflusst von der einheimischen mexikanischen Kultur, was sich in den hellen Farben und der dramatischen Symbolik ihrer Gemälde zeigt. Christliche und jüdische Themen werden oft auch in ihrer Arbeit dargestellt; Sie verband Elemente der klassischen religiösen mexikanischen Tradition, die oft blutig und gewalttätig waren. Frida Kahlos symbolistische Werke beziehen sich stark auf den Surrealismus und auf den magischen Realismus in der Literatur.

Politischer Aktivismus war ein wichtiges Stück von David Siqueiros ‚Leben und inspirierte ihn oft dazu, seine künstlerische Laufbahn aufzugeben. Seine Kunst war tief in der mexikanischen Revolution verwurzelt. Die Zeit zwischen den 1920er und den 1950er Jahren ist bekannt als die mexikanische Renaissance, und Siqueiros war aktiv in dem Versuch, eine Kunst zu schaffen, die mexikanisch und universell war. Der junge Jackson Pollock besuchte den Workshop und half beim Bau von Wagen für die Parade.

In den 1930er Jahren charakterisierte die linksradikale Politik viele der mit dem Surrealismus verbundenen Künstler, darunter Pablo Picasso. Am 26. April 1937, während des Spanischen Bürgerkrieges, wurde die baskische Stadt Gernika von der deutschen Luftwaffe bombardiert. Die Deutschen griffen an, um die Bemühungen von Francisco Franco zu unterstützen, die baskische Regierung und die spanische republikanische Regierung zu stürzen. Pablo Picasso malte seine wandgroße Guernica, um an die Schrecken der Bombardierung zu erinnern.

Während der Großen Depression der 1930er Jahre und während der Jahre des Zweiten Weltkriegs war die amerikanische Kunst geprägt von sozialem Realismus und amerikanischer Szenenmalerei, in den Werken von Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton und einigen anderen. Nighthawks (1942) ist ein Gemälde von Edward Hopper, das Menschen darstellt, die spät in der Nacht in einem Restaurant in der Innenstadt sitzen. Es ist nicht nur Hopper berühmteste Gemälde, sondern eine der bekanntesten in der amerikanischen Kunst. Die Szene wurde von einem Abendessen in Greenwich Village inspiriert. Hopper begann sofort nach dem Angriff auf Pearl Harbor zu malen. Nach diesem Ereignis gab es ein großes Gefühl der Finsternis über das Land, ein Gefühl, das auf dem Gemälde dargestellt wird. Die Stadtstraße ist außerhalb des Restaurants leer, und im Inneren sieht keiner der drei Gäste scheinbar die anderen an oder spricht mit ihnen, sondern ist in ihren eigenen Gedanken verloren. Diese Darstellung des modernen städtischen Lebens als leer oder einsam ist ein häufiges Thema in Hopper’s Arbeit.

American Gothic ist ein Gemälde von Grant Wood aus dem Jahr 1930. Es handelt sich um eine der vertrautesten Bilder der amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts. Sie zeigt einen Ackerbäuerin und eine jüngere Frau vor einem Haus im carpenter gotischen Stil. Kunstkritiker hatten positive Meinungen über das Gemälde; wie Gertrude Stein und Christopher Morley nahmen sie an, dass das Gemälde eine Satire des ländlichen Kleinstadtlebens sein sollte. Es wurde somit als Teil des Trends zu immer kritischeren Darstellungen des ländlichen Amerikas gesehen, wie Sherwood Andersons 1919 Winesburg, Ohio, Sinclair Lewis 1920 Main Street und Carl Van Vechtens Die Tätowierte Gräfin in der Literatur. Mit Beginn der Großen Depression wurde das Gemälde jedoch als eine Darstellung des standhaften amerikanischen Pioniergeistes gesehen.

Die Situation der Künstler in Europa in den 1930er Jahren verschlechterte sich rasch, als die Macht der Nazis in Deutschland und in Osteuropa wuchs. Entartete Kunst war ein Begriff, der vom Nazi-Regime in Deutschland für fast alle moderne Kunst übernommen wurde. Solche Kunst wurde mit der Begründung verboten, dass sie nichtdeutscher oder jüdisch bolschewistischer Natur sei, und diejenigen, die als entartete Künstler identifiziert wurden, wurden Sanktionen unterworfen. Dazu gehörte die Entlassung aus dem Lehramt, das Verbot, Kunst auszustellen oder zu verkaufen, und in manchen Fällen wurde es verboten, Kunst ganz zu produzieren. Entartete Kunst war auch der Titel einer Ausstellung, die 1937 von den Nazis in München aufgestellt wurde. Das Klima wurde so feindselig für Künstler und Kunst, verbunden mit Modernismus und Abstraktion, die viele für Amerika verlassen hatten. Der deutsche Künstler Max Beckmann und viele andere flohen aus Europa nach New York. In New York City begann gerade eine neue Generation junger und aufregender modernistischer Maler unter Führung von Arshile Gorki, Willem de Kooning und anderen heranzuwachsen.

Arshile Gorkys Porträt eines Mannes, der Willem de Kooning sein könnte, ist ein Beispiel für die Evolution des abstrakten Expressionismus aus dem Kontext der Figurenmalerei, des Kubismus und des Surrealismus. Zusammen mit seinen Freunden de Kooning und John D. Graham schuf Gorky biomorph geformte und abstrahierte figurative Kompositionen, die sich in den 1940er Jahren zu total abstrakten Gemälden entwickelten. Gorkys Arbeit scheint eine sorgfältige Analyse von Erinnerung, Emotion und Form zu sein, wobei Linie und Farbe verwendet werden, um Gefühl und Natur auszudrücken.