Religiöse Kunst oder sakrale Kunst ist eine künstlerische Bildsprache, die religiöse Inspiration und Motive verwendet und oft dazu dient, den Geist auf das Spirituelle zu heben. Sakrale Kunst beinhaltet die rituellen und kultischen Praktiken sowie praktische und operative Aspekte des Weges der spirituellen Verwirklichung in der religiösen Tradition des Künstlers.

Die heiligen Künste sind künstlerische Produktionen oder Praktiken (wie Malerei, Musik, Tanz usw.), die auf den Ausdruck des Heiligen ausgerichtet sind. Religiöse Gebäude sind per definitionem sakrale Kunst. Andere Beispiele, die Teil der weltlichen sakralen Kunst sind: Kirchenfenster und Rosetten von Kathedralen, christliche Ikonen, buddhistische Mandalas auf dem Kreis und nach geometrischen Formen, Koran-Kalligrafie von Moscheen …

Sakrale Kunst ist eine Bezeichnung für all jene künstlerischen Produktionen, die auf einen Kult des Heiligen oder Göttlichen abzielen. Im Laufe der Jahrhunderte, die den Glauben anerkennen, finden wir, dass heilige Kunst versucht, jeden Durchgang und göttliche Aspekte durch Gemälde, Skulpturen und Mosaiken zu bestimmen. Die häufigsten Darstellungen im Christentum zeigen uns beispielsweise die Taufe, das Gericht, die Kreuzigung, den Tod und die Auferstehung Jesu Christi, sie zeigen uns auch die Jungfrau Maria oder Bilder der Bibel.

In der Geschichte der Welt war es schwierig, zwischen religiöser Kunst und sakraler Kunst zu unterscheiden. Religiöse Kunst zeigt uns künstlerische Arbeiten, in denen Liebe und Glaube an Gott gezeigt werden. Aber in der sakralen Kunst können wir dasselbe wie im religiösen betrachten, aber auch als ein Kult für das Göttliche dienen.

Im Gegensatz dazu kategorisiert das Wort profane die Künste, die nicht zum Heiligen gehören.

Christliche Kunst:
Christliche sakrale Kunst wird produziert, um die Prinzipien des Christentums zu veranschaulichen, zu ergänzen und in greifbarer Form zu porträtieren, obwohl andere Definitionen möglich sind. Es soll Bilder von den verschiedenen Glaubensrichtungen in der Welt machen und wie es aussieht.Meisten christlichen Gruppen verwenden oder haben die Kunst in gewissem Maße benutzt, obwohl einige starke Einwände gegen einige Formen des religiösen Bildes hatten, und es gab große Perioden des Ikonoklasmus innerhalb des Christentums. Die meiste christliche Kunst ist anzüglich oder um Themen herum aufgebaut, die dem beabsichtigten Beobachter vertraut sind. Eines der häufigsten christlichen Themen ist das der Jungfrau Maria, die das Jesuskind hält. Ein anderes ist das von Christus am Kreuz. Zum Nutzen des Analphabeten wurde ein ausgeklügeltes ikonografisches System entwickelt, um Szenen eindeutig zu identifizieren. Zum Beispiel, Saint Agnes mit einem Lamm, Saint Peter mit Schlüsseln, Saint Patrick mit einem Kleeblatt dargestellt. Jeder Heilige hält oder ist mit Attributen und Symbolen in der sakralen Kunst verbunden.

Frühchristliche Kunst überlebt von Daten in der Nähe der Ursprünge des Christentums. Die ältesten überlieferten christlichen Gemälde stammen aus der Gegend von Megiddo, die um das Jahr 70 datiert ist. Die ältesten christlichen Skulpturen stammen aus Sarkophagen und stammen aus dem 2. Jahrhundert. Bis zur Annahme des Christentums durch Constantine leitete die Kunst ihren Stil und einen Großteil ihrer Ikonographie von der populären römischen Kunst ab, aber von diesem Punkt brachten große christliche Gebäude unter kaiserlicher Schirmherrschaft ein Bedürfnis für christliche Versionen der römischen Elite und der offiziellen Kunst, von denen Mosaiken in Kirchen in Rom sind die prominentesten überlebenden Beispiele.

Während der Entwicklung der christlichen Kunst im byzantinischen Reich (siehe Byzantinische Kunst), ersetzte eine abstraktere Ästhetik den Naturalismus, der zuvor in der hellenistischen Kunst etabliert wurde. Dieser neue Stil war hieratisch, dh sein Hauptzweck bestand darin, religiöse Bedeutung zu vermitteln, anstatt Objekte und Personen akkurat zu rendern. Realistische Perspektiven, Proportionen, Licht und Farben wurden zugunsten geometrischer Vereinfachung von Formen, umgekehrter Perspektive und standardisierter Konventionen zur Darstellung von Individuen und Ereignissen ignoriert. Die Kontroverse um den Gebrauch von Bildern, die Interpretation des Zweiten Gebotes und die Krise des byzantinischen Ikonoklasmus führten zu einer Vereinheitlichung der religiösen Bildsprache innerhalb der östlichen Orthodoxie.

Die Renaissance erlebte eine Zunahme von monumentalen weltlichen Werken, aber bis zur protestantischen Reformation wurde die christliche Kunst weiterhin in großen Mengen produziert, sowohl für Kirchen und Geistliche als auch für die Laien. Während dieser Zeit malte Michelangelo Buonarroti die Sixtinische Kapelle und schnitzte die berühmte Pietà, Gianlorenzo Bernini erschuf die gewaltigen Säulen im Petersdom und Leonardo Da Vinci malte das Letzte Abendmahl. Die Reformation hatte einen großen Einfluss auf die christliche Kunst und brachte die Produktion der öffentlichen christlichen Kunst in den protestantischen Ländern schnell zum Erliegen und verursachte die Zerstörung des größten Teils der Kunst, die bereits existierte.

Während im westeuropäischen Europa des 19. Jahrhunderts ein säkularer, nicht sektiererischer, universeller Kunstbegriff entstand, behandelten säkulare Künstler gelegentlich christliche Themen (Bouguereau, Manet). Nur selten wurde ein christlicher Künstler in den historischen Kanon aufgenommen (wie Rouault oder Stanley Spencer). Doch viele moderne Künstler wie Eric Gill, Marc Chagall, Henri Matisse, Jacob Epstein, Elizabeth Frink und Graham Sutherland haben bekannte Kunstwerke für Kirchen produziert. Durch eine soziale Interpretation des Christentums, Fritz von Uhde auch

Seit dem Aufkommen des Buchdrucks ist der Verkauf von Reproduktionen frommer Werke ein wichtiger Bestandteil der christlichen Volkskultur. Dazu gehörten im 19. Jahrhundert Genremaler wie Mihály Munkácsy. Die Erfindung der Farblithographie führte zu einer breiten Verbreitung heiliger Karten. In der Moderne waren Unternehmen, die auf moderne kommerzielle christliche Künstler wie Thomas Blackshear und Thomas Kinkade spezialisiert waren, obwohl sie in der Kunstwelt als Kitsch weithin angesehen wurden, sehr erfolgreich.

Der letzte Teil des 20. und der erste Teil des 21. Jahrhunderts haben eine konzentrierte Bemühung von Künstlern, die den Glauben an Christus beanspruchen, gesehen, Kunst mit Themen wieder herzustellen, die sich um den Glauben, Christus, Gott, die Kirche, die Bibel und andere Klassiker drehen Christliche Themen, die von der säkularen Kunstwelt respektiert werden. Künstler wie Makoto Fujimura hatten sowohl in der sakralen als auch in der säkularen Kunst einen bedeutenden Einfluss. Andere bemerkenswerte Künstler gehören Larry D. Alexander, Gary P. Bergel, Carlos Cazares, Bruce Herman, Deborah Sokolove und John August Swanson.

Buddhistische Kunst:
Buddhistische Kunst entstand auf dem indischen Subkontinent nach dem historischen Leben von Siddhartha Gautama, 6. bis 5. Jahrhundert v. Chr., Und entwickelte sich danach durch den Kontakt mit anderen Kulturen, wie es sich in Asien und der Welt verbreitete.

Die buddhistische Kunst folgte den Gläubigen, als sich das Dharma in jedem neuen Gastland ausbreitete, anpasste und sich weiterentwickelte. Es entwickelte sich im Norden durch Zentralasien und nach Ostasien, um den nördlichen Zweig der buddhistischen Kunst zu bilden, und im Osten bis nach Südostasien, um den südlichen Zweig der buddhistischen Kunst zu bilden. In Indien blühte die buddhistische Kunst und beeinflusste sogar die Entwicklung der Hindu-Kunst, bis der Buddhismus in Indien um das 10. Jahrhundert fast verschwand, teilweise aufgrund der starken Expansion des Islam neben dem Hinduismus.

Die meisten tibetisch-buddhistischen Kunstformen sind mit der Praxis des Vajrayana oder des buddhistischen Tantra verwandt. Tibetische Kunst umfasst Thangkas und Mandalas, oft einschließlich Darstellungen von Buddhas und Bodhisattvas. Die Erschaffung der buddhistischen Kunst wird gewöhnlich sowohl als Meditation als auch als ein Objekt zur Unterstützung der Meditation geschaffen. Ein Beispiel dafür ist die Schaffung eines Sandmandalas durch Mönche; vor und nach dem Bau werden Gebete rezitiert und die Form des Mandalas repräsentiert die reine Umgebung (Palast) eines Buddhas, auf dem meditiert wird, um den Geist zu trainieren. Die Arbeit wird selten, wenn überhaupt, vom Künstler unterzeichnet. Andere tibetisch-buddhistische Kunst umfasst rituelle Objekte aus Metall, wie den Vajra und den Phurba.

Zwei Orte lassen die Vitalität buddhistischer Höhlenmalerei aus dem 5. Jahrhundert n. Chr. Deutlicher hervortreten als andere. Einer davon ist Ajanta, ein Ort in Indien, der lange vergessen war, bis er 1817 entdeckt wurde. Der andere ist Dunhuang, einer der großen Oase-Posten auf der Seidenstraße … Die Gemälde reichen von ruhigen Andachtsbildern des Buddha bis hin zu lebendigen und überfüllten Szenen. oft mit den verführerisch vollbrüstigen und schmal taillierten Frauen, die in der indischen Bildhauerei vertrauter sind als in der Malerei. Hauptkunst umfasste Moscheen und eine Madonna (Kunst von Mary und möglicherweise ihr Kind)

Islamische Kunst:
Ein Verbot, gegenständliche Bilder in der religiösen Kunst darzustellen, sowie die natürliche dekorative Natur der arabischen Schrift führten zur Verwendung von kalligraphischen Dekorationen, bei denen gewöhnlich geometrische Muster wiederholt wurden, die Ideale von Ordnung und Natur ausdrückten. Es wurde für religiöse Architektur, Teppiche und handgeschriebene Dokumente verwendet. Die islamische Kunst spiegelt diese ausgewogene, harmonische Weltanschauung wider. Es konzentriert sich auf die spirituelle Essenz und nicht auf die physische Form.

Während es eine Abneigung gegen eine mögliche Götzenanbetung durch die islamische Geschichte gab, ist dies eine ausgesprochen moderne sunnitische Sichtweise. Persische Miniaturen, zusammen mit mittelalterlichen Darstellungen von Mohammed und Engeln im Islam, stehen als prominente Beispiele im Gegensatz zur modernen sunnitischen Tradition. Schi’a-Muslime sind der Darstellung von Figuren, einschließlich des Propheten, weit weniger abgeneigt, solange die Darstellung respektvoll ist.

Der islamische Widerstand gegen die Repräsentation von Lebewesen resultiert letztlich aus dem Glauben, dass die Schaffung von Lebensformen für Gott einzigartig ist, und aus diesem Grund war die Rolle von Bildern und Bildmachern umstritten. Die stärksten Aussagen zum Thema figurale Darstellung finden sich in den Hadithen (Überlieferungen des Propheten), wo Maler aufgefordert werden, ihren Schöpfungen „Leben einzuhauchen“ und am Tag des Gerichts mit Strafe bedroht werden. Der Koran ist weniger spezifisch, aber er verurteilt den Götzendienst und benutzt den arabischen Ausdruck musawwir („Schöpfer der Formen“ oder Künstler) als ein Epitheton für Gott. Teilweise aufgrund dieses religiösen Gefühls wurden Figuren in der Malerei oft stilisiert und in einigen Fällen kam es zur Zerstörung von figurativen Kunstwerken. Der Ikonoklasmus war in der byzantinischen Zeit bekannt und der Aniconismus war ein Merkmal der jüdischen Welt, wodurch der islamische Einwand gegen die figurativen Darstellungen in einen größeren Zusammenhang geriet. Als Ornament hatten die Figuren jedoch weitgehend keine größere Bedeutung und stellten daher vielleicht weniger Herausforderung dar. Wie bei anderen Formen der islamischen Ornamentik passten sich die Künstler frei an und stilisierten grundlegende menschliche und tierische Formen, was zu einer großen Vielfalt figuraler Designs führte.

Kalligraphie ist das am meisten geschätzte und grundlegendste Element der islamischen Kunst. Es ist bezeichnend, dass der Koran, das Buch der Offenbarungen Gottes an den Propheten Mohammed, auf Arabisch übertragen wurde und dass der arabischen Schrift das Potenzial innewohnt, eine Vielzahl von ornamentalen Formen zu entwickeln. Die Verwendung von Kalligraphie als Ornament hatte eine bestimmte ästhetische Wirkung, aber oft auch eine zugrunde liegende talismanische Komponente. Während die meisten Kunstwerke leserliche Inschriften hatten, hätten nicht alle Muslime sie lesen können. Man sollte jedoch immer im Hinterkopf behalten, dass Kalligraphie grundsätzlich ein Mittel ist, einen Text zu übertragen, wenn auch in einer dekorativen Form. Aus seinen einfachen und primitiven frühen Beispielen des 5. und 6. Jahrhunderts n. Chr. Entwickelte sich das arabische Alphabet nach dem Aufstieg des Islam im 7. Jahrhundert rasch zu einer schönen Kunstform. Die beiden hauptsächlichen Familien kalligraphischer Stile waren die trockenen Stile, die allgemein als kufisch bezeichnet werden, und die weichen kursiven Stile, zu denen Naskhi, Thuluth, Nastaliq und viele andere gehören.

Geometrische Muster bilden eine der drei nicht-figuralen Arten der Dekoration in der islamischen Kunst, zu denen auch Kalligrafie und Pflanzenmuster gehören. Ob isoliert oder in Kombination mit nichtfiguralen Ornamenten oder figürlichen Darstellungen verwendet, werden geometrische Muster im Allgemeinen mit islamischer Kunst in Verbindung gebracht, hauptsächlich aufgrund ihrer anikonischen Qualität. Diese abstrakten Entwürfe schmücken nicht nur die Oberflächen der monumentalen islamischen Architektur, sondern fungieren auch als das wichtigste dekorative Element auf einer großen Vielfalt von Objekten aller Art.