Ein Stilleben ist ein Kunstwerk, das hauptsächlich leblose Gegenstände darstellt, typischerweise alltägliche Gegenstände, die entweder natürlich sind (Nahrung, Blumen, tote Tiere, Pflanzen, Steine, Muscheln, etc.) oder vom Menschen gemacht sind (Trinkgläser, Bücher, Vasen, Schmuck, Münzen, Pfeifen usw.).

Mit Ursprüngen aus dem Mittelalter und der antiken griechisch-römischen Kunst entwickelte sich die Stillebenmalerei bis Ende des 16. Jahrhunderts zu einer eigenständigen Gattung und professionellen Spezialisierung in der westlichen Malerei und ist seither bedeutend geblieben. Eine Stilleben-Form gibt dem Künstler mehr Freiheit in der Anordnung von Elementen innerhalb einer Komposition als Gemälde anderer Sujets wie Landschaft oder Porträt. Das Stilleben als ein bestimmtes Genre begann mit der niederländischen Malerei des 16. und 17. Jahrhunderts, und das englische Wort Still Life leitet sich vom niederländischen Wort stilleven ab. Frühe Stillleben, besonders vor 1700, enthielten oft religiöse und allegorische Symbolik in Bezug auf die abgebildeten Objekte. Einige moderne Still-Life-Arbeiten durchbrechen die zweidimensionale Barriere und setzen dreidimensionale Mischmedien ein und nutzen Fundstücke, Fotografie, Computergrafik sowie Video und Sound.

Der Begriff umfasst das Malen von toten Tieren, insbesondere Wild. Lebendige gelten als Tierkunst, obwohl sie in der Praxis oft aus toten Modellen gemalt wurden. Die Still-Life-Kategorie teilt auch Gemeinsamkeiten mit zoologischen und vor allem botanischen Illustrationen, wo es erhebliche Überschneidungen zwischen Künstlern gab. Im Allgemeinen umfasst ein Stillleben einen vollständig dargestellten Hintergrund und stellt eher ästhetische als illustrative Anliegen in den Vordergrund.

Das Stilleben war die unterste Stufe in der Hierarchie der Genres, war aber bei Käufern äußerst beliebt. Die Stillebenmalerei umfasst neben dem eigenständigen Stilleben auch andere Malereiformen mit prominenten Stillebenselementen, meist symbolischer Natur, und „Bildern, die sich auf eine Vielzahl von Stillebenselementen stützen, um angeblich ein Stück Leben zu reproduzieren „“. Das Trompe-l’œil-Gemälde, das den Betrachter dazu verleiten soll, zu denken, dass die Szene real ist, ist eine spezialisierte Art des Stillebens, das normalerweise unbelebte und relativ flache Objekte zeigt.

Antezedenzien und Entwicklung
Stillebenmalerei schmücken häufig das Innere der alten ägyptischen Gräber. Es wurde geglaubt, dass Nahrungsmittel und andere Gegenstände, die dort abgebildet sind, im Jenseits real und für den Verstorbenen verfügbar werden würden. Auch die altgriechischen Vasenbilder zeigen große Geschicklichkeit bei der Darstellung alltäglicher Gegenstände und Tiere. Peilaikos wird von Plinius dem Älteren als ein Plattenmaler von „niedrigen“ Themen, wie in Mosaik-Versionen und provinziellen Wandmalereien in Pompeji: „Friseursalons, Schusterstände, Esel, Esswaren und ähnliche Themen“ erwähnt.

Ähnliche Stilleben, die in der Absicht, aber mit realistischer Perspektive, einfacher dekorativ sind, wurden auch in den in Pompeji, Herculaneum und der Villa Boscoreale ausgegrabenen römischen Wandgemälden und Bodenmosaiken gefunden, einschließlich des später bekannten Motivs einer Glasschale mit Früchten. Dekorative Mosaike, die „emblema“ genannt werden, die in den Häusern der reichen Römer gefunden wurden, demonstrierten das Angebot der Speisen, die von den oberen Klassen genossen wurden, und fungierten auch als Zeichen der Gastfreundschaft und als Feiern der Jahreszeiten und des Lebens.
Mittelalter und Frührenaissance
Um 1300, beginnend mit Giotto und seinen Schülern, wurde die Stilllebenmalerei in Form von fiktiven Nischen auf religiösen Wandgemälden wiederbelebt, die Alltagsgegenstände darstellen. Während des Mittelalters und der Renaissance blieb das Stilleben in der westlichen Kunst in erster Linie eine Ergänzung zu christlichen religiösen Themen und erfasste religiöse und allegorische Bedeutung. Dies galt insbesondere für die Arbeiten nordeuropäischer Künstler, die durch ihre Faszination für den hochdetaillierten optischen Realismus und die Symbolik eine große Aufmerksamkeit auf die Gesamtaussage ihrer Bilder lenkten. Maler wie Jan van Eyck verwendeten oft Stilllebenelemente als Teil eines ikonographischen Programms.

Im Spätmittelalter wurden Stilllebenelemente, meist Blumen, aber auch Tiere und manchmal leblose Objekte, mit zunehmendem Realismus in den Grenzen illuminierter Handschriften gemalt, Modelle und technische Weiterentwicklungen entwickelten, die von Malern größerer Bilder verwendet wurden. Es gab beträchtliche Überschneidungen zwischen den Künstlern, die Miniaturen für Manuskripte herstellen, und denjenigen, die Gemälde malen, besonders in der frühniederländischen Malerei. Die Stunden von Katharina von Kleve, die wahrscheinlich um 1440 in Utrecht entstanden sind, sind eines der herausragenden Beispiele dieses Trends, mit Grenzen, die eine außergewöhnliche Auswahl an Objekten, darunter Münzen und Fischernetze, enthalten, um den Text oder das Hauptbild zu ergänzen bestimmter Punkt. Flandernworkshops später im Jahrhundert nahmen den Naturalismus der Grenzelemente noch weiter. Gotische Millefleur-Tapisserien sind ein weiteres Beispiel für das allgemein zunehmende Interesse an genauen Darstellungen von Pflanzen und Tieren. Das bekannteste Beispiel ist „Die Dame und das Einhorn“, das um 1500 in Paris entworfen und dann in Flandern gewebt wurde.

Spätere Renaissance

Sechzehntes Jahrhundert
Obwohl es sich bei den meisten Stilleben nach 1600 um relativ kleine Gemälde handelte, war die auf Antwerpen konzentrierte Tradition des „monumentalen Stillebens“ eine entscheidende Etappe in der Entwicklung des Genres. Es handelte sich um große Gemälde mit großen Aufstrichen von Stillleben mit Figuren und oft Tieren. Dies war eine Entwicklung von Pieter Aertsen, dessen A Meat Stall mit der Almosen-Familie (1551, jetzt Uppsala) den Typ mit einem noch erschreckenden Gemälde einführte. Ein anderes Beispiel ist „The Butcher Shop“ von Aertsens Neffen Joachim Beuckelaer (1568), dessen realistische Darstellung von rohem Fleisch den Vordergrund dominiert, während eine Hintergrundszene die Gefahren von Trunkenheit und Unzucht vermittelt. Die Art der sehr großen Küchen- oder Marktszene, die Pieter Aertsen und sein Neffe Joachim Beuckelaer entwickelt haben, zeigt in der Regel eine Fülle von Lebensmitteln mit einem Küchenstilleben und kräftigen flämischen Küchenmädchen. Eine kleine religiöse Szene kann oft in der Ferne gesehen werden, oder ein Thema wie die Vier Jahreszeiten wird hinzugefügt, um das Thema zu erheben. Diese Art von großformatigem Stilleben entwickelte sich in der flämischen Malerei nach der Trennung von Norden und Süden weiter, ist aber in der niederländischen Malerei selten, obwohl andere Werke in dieser Tradition die Gattung der „fröhlichen Gesellschaft“ vorwegnehmen.

Allmählich nahm der religiöse Inhalt an Größe und Platzierung in dieser Art von Malerei ab, obwohl moralische Lektionen als Unterkontexte fortfuhren. Eines der relativ wenigen italienischen Werke in diesem Stil, Annibale Carraccis Behandlung des gleichen Themas im Jahre 1583, Butcher’s Shop, beginnt, die moralischen Botschaften zu entfernen, wie auch andere „Küchen- und Markt“ -Stilllebenmalereien aus dieser Zeit. Vincenzo Campi führte den Antwerpener Stil in den 1570er Jahren wahrscheinlich nach Italien ein. Die Tradition setzte sich im nächsten Jahrhundert fort, mit mehreren Werken von Rubens, der die Stillleben- und Tierelemente meist an spezialisierte Meister wie Frans Snyders und seinen Schüler Jan Fyt verlieh. In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts entwickelte sich das autonome Stilleben.

Siebzehntes Jahrhundert
Prominente Akademiker des frühen 17. Jahrhunderts, wie Andrea Sacchi, waren der Ansicht, dass Gattungs- und Stilleben die „gravitas“, die für die Malerei als groß angesehen werden, nicht trugen. Eine einflussreiche Formulierung von 1667 von André Félibien, Historiker, Architekt und Theoretiker des französischen Klassizismus, wurde zur klassischen Aussage der Theorie der Hierarchie der Genres für das 18. Jahrhundert:

Wenn Sie an den Früchten, den Blüten und den Coquilles interessiert sind, dann sollten Sie unbedingt die Gerichte genießen. Celui qui peint des animaux vivants est plus schätzbare queu ceux qui ne representent que des choses mortes & sans mouvement; & comme la figure de l’homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, es ist sicher, dass es so weit ist, dass es die Imitation des Dieu en peignt des figures humaines, est beaucoup plus excellent que tous les autres …

Niederländische und flämische Malerei
Das Stilleben entwickelte sich im letzten Viertel des 16. Jahrhunderts in den Niederlanden zu einer eigenen Kategorie. Der englische Begriff Still Life leitet sich vom niederländischen Wort stilleven ab, während romanische Sprachen (sowie Griechisch, Polnisch, Russisch und Türkisch) dazu neigen, Begriffe zu verwenden, die totes Wesen bedeuten. Die frühniederländische Malerei des 15. Jahrhunderts hatte sowohl in der Tafelmalerei als auch in den illuminierten Handschriften stark illusionistische Techniken entwickelt, wobei die Ränder oft aufwändige Darstellungen von Blumen, Insekten und, in einem Werk wie dem Stundenbuch der Katharina von Kleve, eine große Vielfalt an Objekten aufwiesen. Als das illuminierte Manuskript durch das gedruckte Buch ersetzt wurde, wurden die gleichen Fähigkeiten später in der wissenschaftlichen botanischen Illustration verwendet; Die Niederlande führten Europa sowohl in der Botanik als auch in der Kunst. Der flämische Künstler Joris Hoefnagel (1542-1601) fertigte Aquarell- und Gouachemalereien für Blumen und andere Stilleben für Kaiser Rudolf II. An, und es gab viele eingravierte Illustrationen für Bücher (oft handkoloriert), wie Hans Collaerts Florilegium , veröffentlicht von Plantin im Jahr 1600.

Etwa 1600 Blumenbilder in Öl wurden zu einer Art Verrücktheit; Karel van Mander malte selbst einige Werke und notierte, dass auch andere Künstler des nördlichen Manierismus wie Cornelis van Haarlem dies taten. Von ihnen sind keine überlebenden Blumenstücke bekannt, aber viele überleben von den führenden Spezialisten Jan Brueghel d. Ä. Und Ambrosius Bosschaert, die beide in den südlichen Niederlanden tätig sind.

Südeuropa
In der spanischen Kunst handelt es sich bei einem Bodegón um ein Stillleben, das Speisegegenstände, wie Speise, Wild und Getränke, die oft auf einer einfachen Steinplatte angeordnet sind, sowie ein Gemälde mit einer oder mehreren Figuren, aber bedeutenden Stilleben darstellt. typischerweise in einer Küche oder Taverne. Ab dem Barock wurden solche Gemälde im zweiten Viertel des 17. Jahrhunderts in Spanien populär. Die Tradition der Stilllebenmalerei scheint begonnen zu haben und war in den heutigen Niederlanden, heute Belgien und den Niederlanden (damals flämische und niederländische Künstler) viel populärer als je zuvor in Südeuropa. Nördliche Stillleben hatten viele Untergenres; Das Frühstückstück wurde durch den Trompe-l’œil, den Blumenstrauß und die Vanitas ergänzt.

In Spanien gab es viel weniger Gönner für diese Art von Dingen, aber eine Art Frühstücksstück wurde populär mit einigen Gegenständen des Essens und Geschirrs auf einem Tisch. Stilllebenmalerei in Spanien, auch Bodegones genannt, war streng. Es unterschied sich vom holländischen Stilleben, das oft reiche Bankette enthielt, die mit reich verzierten und luxuriösen Stücken von Stoff oder Glas umgeben sind. Das Spiel in spanischen Gemälden ist oft schlicht tote Tiere, die immer noch darauf warten, gehäutet zu werden. Die Früchte und das Gemüse sind ungekocht. Die Hintergründe sind öde oder einfache geometrische Holzblöcke, die oft eine surrealistische Atmosphäre erzeugen. Auch wenn sowohl das holländische als auch das spanische Stilleben oft eine eingebettete moralische Absicht hatten, scheint die Austerität, die manche der Trostlosigkeit einiger spanischer Hochebenen ähneln, die Sinnesfreuden, die Fülle und den Luxus holländischer Stillleben abzulehnen.

Achtzehntes Jahrhundert
Im 18. Jahrhundert wurden die Rezepturen des 17. Jahrhunderts weitgehend verfeinert und das Produktionsniveau nahm ab. Im Rokokostil kam Blumendekor auf Porzellan, Tapeten, Stoffen und geschnitzten Holzmöbeln weit häufiger vor, so dass die Käufer ihre Bilder als Kontrastfiguren bevorzugten. Eine Veränderung war ein neuer Enthusiasmus unter den französischen Malern, die heute einen großen Teil der bedeutendsten Künstler ausmachen, während die Engländer sich mit dem Import zufrieden gaben. Jean-Baptiste Chardin malte kleine und einfache Zusammenstellungen von Speisen und Gegenständen in einem subtilen Stil, die beide auf den holländischen Meistern des Goldenen Zeitalters aufbauten und auf Kompositionen des 19. Jahrhunderts sehr einflussreich sein sollten. Dead Game Themen weiterhin beliebt, vor allem für Jagdhütten; die meisten Spezialisten malten auch lebende Tierthemen. Jean-Baptiste Oudry kombinierte herrliche Darstellungen der Fell- und Federstrukturen mit einfachen Hintergründen, oft das schlichte Weiß einer mit Kalk gewaschenen Speisekammerwand, die sie vorteilhaft zur Geltung brachte.

Im 18. Jahrhundert wurden in vielen Fällen die religiösen und allegorischen Konnotationen der Stilllebenbilder verworfen und Küchentischgemälde entwickelten sich zu kalkulierten Darstellungen unterschiedlicher Farbe und Form, die alltägliche Speisen zeigten. Die französische Aristokratie beschäftigte Künstler, um Gemälde von üppigen und extravaganten Stilleben zu malen, die ihren Esstisch schmückten, auch ohne die moralistische Vanitas-Botschaft ihrer niederländischen Vorgänger. Die Rokoko-Kunstfertigkeit führte in Frankreich zu einer Steigerung der Wertschätzung für Trompe-l’œil (französisch: „trick the eye“) Malerei. Jean-Baptiste Chardins Stillleben zeigen eine Vielzahl von Techniken, die von niederländischem Realismus bis zu sanften Harmonien reichen.

Neunzehnten Jahrhundert
Mit dem Aufstieg der europäischen Akademien, allen voran der Académie française, die eine zentrale Rolle in der akademischen Kunst spielte, begann das Stillleben zu fallen. Die Akademien lehrten die Lehre von der „Hierarchie der Genres“ (oder „Hierarchie der Materie“), die festhielt, dass das künstlerische Verdienst eines Gemäldes in erster Linie auf seinem Thema basierte. Im akademischen System bestand die höchste Form der Malerei aus Bildern von historischer, biblischer oder mythologischer Bedeutung, wobei Stilleben in die niedrigste Reihenfolge künstlerischer Anerkennung verbannt waren. Anstatt Stillleben zu verwenden, um die Natur zu verherrlichen, haben einige Künstler, wie John Constable und Camille Corot, Landschaften gewählt, um diesem Zweck zu dienen.

Als in den 1830er Jahren der Neoklassizismus abnahm, rückte die Genre- und Porträtszene in den Fokus der realistischen und romantischen künstlerischen Revolutionen. Viele der großen Künstler dieser Zeit enthalten Stillleben in ihrem Werk. Die Stilllebengemälde von Francisco Goya, Gustave Courbet und Eugène Delacroix vermitteln eine starke emotionale Strömung und sind weniger auf Genauigkeit und mehr auf Stimmung bedacht. Die Stilllebengemälde von Édouard Manet, die sich an den frühen Stilleben von Chardin orientieren, sind stark tonal und gehen deutlich auf den Impressionismus zu. Henri Fantin-Latour, mit einer traditionelleren Technik, war berühmt für seine exquisiten Blumenbilder und lebte fast ausschließlich Stillleben für Sammler.

Zwanzigstes Jahrhundert
Die ersten vier Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts bildeten eine außergewöhnliche Periode des künstlerischen Ferments und der Revolution. Avantgardistische Bewegungen entwickelten sich rasch und überschnitten sich zu einer nichtfigurativen, totalen Abstraktion. Das Stillleben und andere gegenständliche Kunst entwickelten sich bis zur Mitte des Jahrhunderts weiter, als die totale Abstraktion, wie sie von Jackson Pollocks Drip Paintings veranschaulicht wurde, alle erkennbaren Inhalte eliminierte.

Das Jahrhundert begann mit mehreren Trends in der Kunst. 1901 malte Paul Gauguin das Stillleben mit Sonnenblumen, eine Hommage an seinen elf Jahre zuvor verstorbenen Freund Van Gogh. Die Gruppe, bekannt als Les Nabis, einschließlich Pierre Bonnard und Édouard Vuillard, griff Gauguins harmonische Theorien auf und fügte Elemente, die von japanischen Holzschnitten inspiriert waren, ihren Stillleben hinzu. Der französische Künstler Odilon Redon malte bemerkenswertes Stillleben während dieser Periode, besonders Blumen.

21. Jahrhundert
Im 20. und 21. Jahrhundert wurde der Begriff des Stillebens über die traditionellen zweidimensionalen Kunstformen der Malerei hinaus auf Videokunst und dreidimensionale Kunstformen wie Skulptur, Performance und Installation erweitert. Einige Arbeiten im Stilleben mit gemischten Medien verwenden gefundene Objekte, Fotografie, Video und Ton und gehen sogar von Decke zu Decke über und füllen einen ganzen Raum in einer Galerie. Durch Video haben Stillebenkünstler den Betrachter in ihre Arbeit integriert. Nach dem Computerzeitalter mit Computerkunst und digitaler Kunst umfasst der Begriff des Stillebens auch die digitale Technologie. Computergenerierte Grafiken haben potentiell die Techniken für Stillebenkünstler erhöht. 3D-Computergrafiken und 2D-Computergrafiken mit 3D-fotorealistischen Effekten werden verwendet, um synthetische Stillebenbilder zu erzeugen. Beispielsweise enthält die Grafiksoftware Filter, die auf 2D-Vektorgrafiken oder 2D-Rastergrafiken auf transparenten Schichten angewendet werden können. Visuelle Künstler haben 3D-Effekte kopiert oder visualisiert, um fotorealistische Effekte ohne den Einsatz von Filtern zu rendern.