El arte pobre (en italiano: Arte Povera) es un movimiento artístico surgido en Italia en la segunda mitad de la década de 1960, al que los autores se adhirieron a los turines predominantemente de campo. Fue nombrado después de Germano Celant, porque los materiales humildes y pobres, generalmente no industriales (plantas, sacos de lona, ​​grasas, cuerdas, tierra, troncos) se utilizan para su creación. Estos materiales se valoran principalmente en sus cambios, ya que a medida que se deterioran, transforman el trabajo.

Arte Povera es un movimiento de arte contemporáneo. El movimiento Arte Povera tuvo lugar entre finales de los años sesenta y principios de los setenta en las principales ciudades de Italia y, sobre todo, en Turín. Otras ciudades donde el movimiento también fue importante son Milán, Roma, Génova, Venecia, Nápoles y Bolonia. El término fue acuñado por el crítico de arte italiano Germano Celant en 1967 y se introdujo en Italia durante el período de agitación a fines de la década de 1960, cuando los artistas adoptaban una postura radical. Los artistas comenzaron a atacar los valores de las instituciones establecidas de gobierno, industria y cultura.

Mario Merz se destaca entre los artistas italianos que han practicado este arte. Sus obras parten de una ley estructural muy elemental, la del matemático medieval Fibonacci, para quien el desarrollo deriva no de la simple sucesión de números, sino de la progresión en la que cada número resulta de la suma de los dos anteriores. Esta progresión matemática es la publicada por Merz en cualquiera de sus obras, ya sean objetos, espacios, vegetales, etc. Por ejemplo, la disposición de los paquetes de periódicos en el piso, con números de Fibonacci hechos en neonor grupo de frutas y vegetales esparcidos en el suelo, que se deteriora como sucede con otros fenómenos naturales, o la creación de un iglú cubierto por una estructura de neón, donde aparece la serie de números de Fibonacci, etc.

La exposición «Im Spazio» (El espacio de los pensamientos), comisariada por Celant y realizada en la Galleria La Bertesca en Génova, Italia, de septiembre a octubre de 1967, a menudo se considera el punto de partida oficial de Arte Povera. Celant, quien se convirtió en uno de los principales defensores de Arte Povera, organizó dos exposiciones en 1967 y 1968, seguido de un libro influyente publicado por Electa en 1985 llamado Arte Povera Storie e protagonisti / Arte Povera. Historias y protagonistas, promoviendo la noción de un arte revolucionario, libre de convenciones, el poder de la estructura y el mercado.

Aunque Celant intentó abarcar los elementos radicales de toda la escena internacional, el término se centró adecuadamente en un grupo de artistas italianos que atacaron la mentalidad corporativa con un arte de materiales y estilos no convencionales. Las figuras clave estrechamente asociadas con el movimiento son Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Enrico Castellani, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Emilio Prini y Gilberto. Zorio A menudo usaban objetos encontrados en sus obras. Otros primeros exponentes del cambio radical en las artes visuales son los artistas proto Arte Povera: Antoni Tàpies y el movimiento Dau al Set, Alberto Burri, Piero Manzoni y Lucio Fontana y el espacialismo. La comerciante de arte Ileana Sonnabend fue una campeona del movimiento.

También destacan: Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Richard Serra; y entre los alemanes Joseph Beuys (1921-1985). El material preferido de este último era la grasa, con la que fabricaba objetos enigmáticos o recubría otros, en los que el valor expresivo del material en sí se destacaba principalmente. En la década de 1960 (1960), junto con otro artista alemán, Wolf Vostell, y el vienés del grupo Fluxus, Beuys llevó a cabo innumerables acontecimientos en los que su marcada no conformidad era evidente.

Conceptos
El término arte povera (del pobre arte italiano) es una tendencia lanzada a fines de la década de 1960, cuyos creadores usan materiales considerados pobres, muy fáciles de obtener, como madera, hojas o rocas, vajillas, platos de plomo o vidrio, vegetales, telas, carbón o arcilla, o también materiales de desecho, y por lo tanto no valían nada.

En un esfuerzo por huir de la comercialización del objeto artístico, ocupan el espacio y exigen la intervención del público. Intentan provocar una reflexión entre el objeto y su forma, a través de la manipulación del material y la observación de sus cualidades específicas. Un artista típico es Mario Merz (n. 1925), famoso por sus iglúes (estructuras hemisféricas hechas de diferentes materiales), por ejemplo, su obra Do We Go Around Houses o Do Houses Go Around Us? (1977/85).

Arte povera rechazó los íconos de los medios de comunicación y las imágenes reductivas, así como los iconos industriales del pop art y el minimalismo. Propone un modelo de extremismo operacional basado en valores marginales y pobres. Utiliza un alto grado de creatividad y espontaneidad e implica una recuperación de inspiración, energía, placer e ilusión convertida en utopía. Arte povera prefiere el contacto directo con materiales sin importancia cultural, materiales que no importan su origen o uso, que el artista reutiliza o transforma.

Acuñado por el crítico de arte y curador italiano Germano Celant en 1967 para el catálogo de la exposición ‘Arte povera – Im Spazio’, trató de describir la tendencia de una nueva generación de artistas italianos a trabajar con materiales no tradicionales y fue muy importante reflexión estética sobre las relaciones entre el material, el trabajo y su proceso de fabricación y también un claro rechazo de la creciente industrialización, metalización y mecanización del mundo que los rodea, incluido el del arte. Aunque originario de ciudades como Turín, Milán, Génova o Roma y de un carácter muy heterogéneo, el movimiento tuvo inmediatamente una gran influencia, gracias a la documentación V en Kassel, en las escenas artísticas europeas y americanas.

El término se utilizó por primera vez en una exposición veneciana en 1967. El artista de Povera asumió una nueva actitud, donde tomó posesión de una realidad que es el verdadero significado de su ser. Propuso una forma de vida inventiva y antidogmática. El artista povera tuvo que trabajar en cosas del mundo, producir hechos mágicos, descubrir raíces de eventos basados ​​en materiales y principios dados en la naturaleza. No expresa juicios sobre su entorno. Arte Povera también es considerado por el artista como una extensión de su cuerpo y alma, conectando directamente con el medio ambiente, la naturaleza y todo lo que lo rodea, entrando en armonía. Sus obras, aunque poco convencionales, tienen una gran armonía y un estilo único, dado por los materiales inusuales con los que trabaja.

Un retorno a los objetos y mensajes simples.
El cuerpo y el comportamiento son arte.
Lo cotidiano se vuelve significativo
Aparecen huellas de la naturaleza y la industria.
El dinamismo y la energía se encarnan en el trabajo.
La naturaleza puede documentarse en su transformación física y química.
Explore la noción de espacio y lenguaje
Los signos complejos y simbólicos pierden significado
Ground Zero, sin cultura, sin sistema de arte, Arte = Vida

Historia
Una primera reunión del nuevo movimiento ocurre en septiembre de 1967 en la exposición homónima, comisariada por Germano Celant, que tiene lugar en la Galleria La Bertesca por Francesco Masnata en Génova, donde exhiben Boetti, Fabro, Kounellis, Paolini, Pascali y Prini. Celant todavía define a Arte Povera en un artículo publicado en n. 5 de Flash Art del mismo año, en la exposición de Arte povera de 1968 en la Galleria de ‘Foscherari en Bolonia con Anselmo, Boetti, Ceroli, Fabro, Kounellis, Merz, Paolini, Pascali, Piacentino, Pistoletto, Prini, Zorio, quien lo hará aún estarán exhibiendo juntos en Trieste en el Centro Arte Viva-Feltrinelli, donde se agregará Gilardi, finalmente en el evento Arte Povera – Poor Actions en los Arsenales de Amalfi.

La referencia a un arte pobre como la guerrilla asistemática destacada por Celant en el artículo sobre Flash Art es aceptada gracias al reconocimiento internacional, aunque firmemente perseguido. La consagración internacional tuvo lugar en 1969 con la exposición del arte pobre y el arte conceptual cuando Szeemann se forma organizada en la Kunsthalle de Berna (que incluye a Boetti, Calzolari, Kounellis, Merz, Pascali, Pistoletto, Prini y Zorio) y cuando sale el volumen de Celant Arte povera ejemplificado al año siguiente en la exposición Arte conceptual arte povera land art organizado en la Galería Cívica de Arte Moderno y Contemporáneo de Turín.

Otros exponentes del movimiento además de los ya mencionados fueron Claudio Cintoli, Sergio Lombardo, Gino Marotta, Fabio Mauri, Giuseppe Penone, Cesare Tacchi, Renato Mambor.

Obras y poéticas.
El movimiento nació en una controversia abierta con el arte tradicional, del cual rechaza técnicas y soportes para utilizar, de hecho, materiales «pobres» como tierra, madera, hierro, trapos, plástico, desechos industriales, con el objetivo de evocar Las estructuras originales del lenguaje de la sociedad contemporánea después de haber corroído los hábitos semánticos y los conformismos. Otra característica del trabajo de los artistas del movimiento es el uso de la forma de la instalación, como lugar de la relación entre el trabajo y el entorno, y el de la «acción» performativa. Germano Celant, que toma prestado el nombre del movimiento del teatro de Jerzy Grotowski, dice que el arte pobre esencialmente se manifiesta «al reducir al mínimo los términos, al empobrecer los signos, a reducirlos a sus arquetipos». La mayoría de los artistas del grupo muestran un interés explícito en los materiales utilizados, mientras que algunos, especialmente Alighiero Boetti y Giulio Paolini, tienen una inclinación más conceptual desde el principio.

El arte pobre es parte del panorama de la investigación artística de la época debido a las consonantes significativas que muestra no solo con respecto al arte conceptual propiamente dicho, que en esos años vio surgir la estrella de Joseph Beuys, sino también con respecto a experiencias como el pop. , minimal y Land Art (Richard Long).

El objetivo de estos artistas era superar la idea tradicional de que la obra de arte ocupa un nivel de realidad supertemporal y trascendente. Por esta razón, la provocación que deriva del trabajo de Giovanni Anselmo Sculpture that come (1968, colección Sonnabend, Nueva York) es importante, formada por dos bloques de piedra que aplastan una cabeza de lechuga, un vegetal cuyo destino inevitable es perecer El uso de objetos vivos es frecuente, como en Kounellis, quien fijó un loro real en un lienzo pintado, lo que demuestra que la naturaleza tiene más colores que cualquier obra pictórica.

Otra crítica presentada por los artistas de Arte Povera fue que contra la concepción de la singularidad e irrepetibilidad de la obra de arte: Mimesis, de Paolini, consiste en dos moldes de yeso idénticos que representan una escultura de la época clásica, colocados uno frente al otro para El propósito de fingir una conversación.

Durante la Guerra de Vietnam, Arte Povera se acercó a los movimientos de protesta contra la intervención estadounidense: el trabajo de Pistoletto, Vietnam (1965, colección Menil, Houston) representa a un grupo de manifestantes pacifistas, representados con siluetas fijas en un espejo, para que los visitantes de la galería se reflejen en eso. De esta manera, las personas se convirtieron en una parte integral del trabajo en sí, creando una especie de interacción entre la creación artística y el público espectador.

La atención a los estilos de vida de muchas culturas distintas a la occidental está presente en las obras de Merz: sus muchos iglúes, creados con diferentes materiales (por ejemplo, metal, vidrio, madera, etc.), señalan la adaptabilidad de un pueblo a su cierto ambiente

La identificación hombre-naturaleza es uno de los temas más tratados por varios artistas. Sin embargo, en Marotta y Gilardi (Orto, 1967), la naturaleza se revisa en una clave artificial, como para actualizar el material y acercarlo a un sentimiento de cambio de época que involucra al hombre y su percepción del mundo. Percepción que se hace incierta en las pinturas de espejo de Pistoletto, que literalmente se abren al mundo absorbiendo todo lo que está frente a él y cambiando a medida que cambia el entorno que los contiene.

Por el contrario, las «pantallas» sin imagen con las que Mauri reproduce el lienzo cinematográfico y que influirán en las primeras obras de Mario Schifano. Sin embargo, sus creaciones a veces se abren a la realidad cotidiana más popular (Casetta Objects Achetés, 1960), o a los eventos de noticias más impresionantes (La luna, 1968), que lo llevarán a desarrollar una profunda reflexión sobre el arte y la historia.

Muchos artistas trabajan sobre la idea de una imagen estereotipada, como Ceroli (Si / No, 1963), que trata la silhoutte tomada de la historia del arte de forma serial, o conjuntos de figuras humanas multiplicadas o serializadas con una técnica que recuerda el bricolaje. Los «gestos típicos» de Lombardo (gestos típicos -Kennedy y Fanfani, 1963), los rastros de imágenes de Mambor o las escenas de huecograbado o pinturas famosas revisadas en tela colorida por Tacchi también se consideran estereotipos (Quadro per un mito, 1965).

Artistas
Michelangelo Pistoletto comenzó a pintar en espejos en 1962, conectando la pintura con las realidades en constante cambio en las que se encuentra la obra. A finales de la década de 1960 comenzó a reunir trapos con moldes de estatuas omnipresentes clásicas de Italia para romper las jerarquías del «arte» y las cosas comunes. Un arte de materiales empobrecidos es ciertamente un aspecto de la definición de Arte Povera. En su Muretto di Stracci (Muro de trapo) de 1967, Pistoletto hace un tapiz exótico y opulento que envuelve ladrillos comunes en restos de tela desechados.

Jannis Kounellis y Mario Merz intentaron hacer que la experiencia del arte fuera más real de forma inmediata y al mismo tiempo conectar más estrechamente al individuo con la naturaleza. En su (Untitled / Twelve Horses), Kounellis trae la vida real y natural al escenario de la galería, al mostrar doce caballos apiñados en las paredes de la galería. Recordando el movimiento Dada y Marcel Duchamp, su objetivo era desafiar lo que podría definirse como arte, pero a diferencia de Duchamp, mantiene los objetos reales y vivos, redefiniendo la noción de vida y arte, mientras mantiene ambas entidades independientes.

El «efecto de realidad» no es secundario sino constitutivo. (…) Kounellis cambia la frontera de lo que se puede definir como arte, pero nunca existe la idea de que el arte deba disolverse en la vida. Por el contrario, el arte recibe un nuevo mensaje como un rito de iniciación a través del cual volver a experimentar la vida.

Piero Gilardi, al igual que el objetivo del propio Arte Povera, se preocupaba por unir lo natural y lo artificial. En su (Nature Carpets), 1965, que le valió el reconocimiento y la asimilación del movimiento Arte Povera, Gilardi construyó alfombras tridimensionales de poliuretano que usaban hojas, rocas y tierra «naturales» como decoración, diseño y arte enredados para cuestionan la sensibilidad social hacia lo que es real y natural y cómo la artificialidad se estaba arraigando en el mundo comercializado contemporáneo.

Giovanni Anselmo (1934-), escultor italiano.
Alighiero Boetti (1940-1994), artista italiano.
Ferruccio Bortoluzzi (1920-2007), artista italiano.
Pier Paolo Calzolari (1943-), artista italiano.
Enrico Castellani (1930-2017), pintor italiano.
Rossella Cosentino
Luciano Fabro (1936-2007), pintor y escultor.
Lucio Fontana (1899-1968), pintor y escultor argentino.
Piero Gilardi (1942-), escultor italiano.
Kichinevsky
Jannis Kounellis (1936-2017), pintor y escultor griego.
Mario Merz (1925-2003), artista, pintor y escultor italiano.
Marisa Merz (1931-2019), artista italiana.
Piero Manzoni (1933-1963), artista italiano.
Giulio Paolini (1940-), escultor y pintor italiano.
Claudio Parmiggiani (1943-), artista italiano.
Pino Pascali (1935-1968), artista italiano.
Giuseppe Penone (1947-), artista y escultor italiano.
Michelangelo Pistoletto (1933-), artista, pintor y escultor italiano.
Azar Salman
Edoardo Tresoldi (1987-), escultor escultor italiano.
Gilberto Zorio (it)

Mercado del arte
Durante mucho tiempo, las obras de arte povera han escapado a la lógica del mercado. De hecho, al negarse a considerar la obra de arte como un «producto», sus autores no dudaron en crear obras efímeras, o utilizaron materiales considerados «pobres», como tierra, tela, plantas, etc. Sin embargo, la aventura terminó poco antes de mediados de la década de 1970, muchos de los artistas del grupo adoptaron enfoques individuales.

El arte povera no es un arte de fácil acceso: la conservación de ciertas piezas requiere una gran atención; otros, que son en forma de instalaciones, obviamente solo pueden tener lugar en interiores adecuados.

Sin embargo, las grandes instituciones y coleccionistas estadounidenses están comenzando a interesarse por esta corriente después de haberla dejado de lado durante mucho tiempo.

Aunque relacionado con el arte conceptual practicado en otros países, en los Estados Unidos, fue notablemente el resultado de experiencias pop y minimalistas, el cine subterráneo y sucediendo, el arte povera produjo obras de individualidad indiscutible.

La primera exposición «Arte povera in spazio» de arte povera que tuvo lugar en la galería La Bertesca en Génova en 1967 fue seguida por muchos otros eventos, tanto en Europa como en los Estados Unidos.

Crítica
Arte povera utiliza productos pobres (de ahí su nombre): arena, trapos, tierra, madera, alquitrán, cuerda, arpillera, ropa usada, etc. y los posiciona como elementos artísticos de composición. Sin embargo, algunas obras, como Mario Merz Igloo di Giap, utilizan materiales más sofisticados como las luces de neón.

La «pobreza» podría ser la del artista que utiliza medios ligeros que aseguran su independencia frente a la economía y las instituciones culturales.

También hemos visto en el uso de la palabra «pobre» una referencia cristiana al ascetismo y la renuncia franciscana porque encontramos en las obras de arte povera un materialismo espiritual, una revelación del misterio de la existencia en los objetos más banales, los más insignificantes. , lo más cotidiano.

El término pobre también se interpretó en un sentido político porque los artistas del arte povera adoptaron posiciones radicales y marginales, cercanas a la mentalidad de los movimientos de protesta de 1968.