Charles Henry Alston (28 de noviembre de 1907 – 27 de abril de 1977) fue un pintor, escultor, ilustrador, muralista y maestro afroamericano que vivió y trabajó en el barrio de Harlem, en la ciudad de Nueva York. Alston estuvo activo en el Renacimiento de Harlem; Alston fue el primer supervisor afroamericano del Proyecto de Arte Federal de la Administración de Progreso de Obras. Alston diseñó y pintó murales en el Hospital Harlem y en el Golden State Mutual Life Insurance Building. En 1990, el busto de Alston de Martin Luther King, Jr. se convirtió en la primera imagen de un afroamericano exhibida en la Casa Blanca.
Vida personal
Vida temprana
Charles Henry Alston nació el 28 de noviembre de 1907, en Charlotte, Carolina del Norte, del Reverendo Primus Priss Alston y Anna Elizabeth (Miller) Alston, como la menor de cinco hijos. Tres sobrevivieron a la infancia pasada: Charles, su hermana mayor Rousmaniere y su hermano mayor Wendell. Su padre había nacido como esclavo en 1851 en Pittsboro, Carolina del Norte. Después de la Guerra Civil, obtuvo una educación y se graduó de St. Augustine’s College en Charlotte. Se convirtió en un prominente ministro y fundador de la Iglesia Episcopal de San Miguel, con una congregación afroamericana. Alston senior fue descrito como un «hombre de la raza»: un afroamericano que dedicó sus habilidades al desarrollo de la raza negra. El reverendo Alston conoció a su esposa cuando ella estudiaba en su escuela. Charles fue apodado «Spinky» por su padre, y mantuvo el apodo como adulto. En 1910, cuando Charles tenía tres años, su padre murió repentinamente de una hemorragia cerebral. Los lugareños describieron a su padre como el «Booker T. Washington de Charlotte».
En 1913, Anna Alston se volvió a casar con Harry Bearden, hermano del padre de Romare Bearden. A través del matrimonio, Carlos y Romare se convirtieron en primos. Las dos familias de Bearden vivían frente a frente; La amistad entre Romare y Charles duraría toda la vida. De niño, Alston se inspiró en los dibujos de trenes y coches de su hermano mayor Wendell, que el joven artista copió. Charles también jugó con arcilla, creando una escultura de Carolina del Norte. Cuando era adulto, reflexionó sobre sus recuerdos de esculpir con arcilla cuando era niño: «Me gustaría tener cubos y ponerlo a través de coladores y hacer cosas con él. Creo que esa es la primera experiencia artística que recuerdo, hacer cosas». Su madre era una experta bordadora y comenzó a pintar a la edad de 75 años. Su padre también era bueno dibujando, habiendo cortejado a la madre de Alston con pequeños bocetos en las medianas de letras que le escribió.
En 1915, la familia Bearden / Alston se mudó a Nueva York, como lo hicieron muchas familias afroamericanas durante la Gran Migración. El padrastro de Alston, Henry Bearden, se fue antes que su esposa y sus hijos para trabajar. Consiguió un trabajo en la supervisión de las operaciones de ascensores y el personal del quiosco en el hotel Bretton en Upper West Side. La familia vivía en Harlem y era considerada de clase media. Durante la Gran Depresión, la gente de Harlem sufrió económicamente. La «fuerza estoica» vista dentro de la comunidad se expresó más tarde en el arte fino de Charles. En la Escuela Pública 179 en Manhattan, se reconocieron las habilidades artísticas del niño y se le pidió que dibujara todos los carteles de la escuela durante sus años allí.
Harry y Anna Bearden tuvieron una hija juntos, Aida C. Bearden (1917–2007). El 9 de junio de 1943, en Manhattan, se casó con el barítono operístico Lawrence Whisonant.
Educación más alta
Alston se graduó en la escuela secundaria DeWitt Clinton, donde fue nominado por excelencia académica y fue editor de arte de la revista de la escuela, The Magpie. Fue miembro de la Arista – Sociedad Nacional de Honor y también estudió dibujo y anatomía en la escuela del sábado de la Academia Nacional de Arte. En la escuela secundaria le dieron sus primeras pinturas al óleo y se enteró de los salones de arte de su tía Bessye Bearden, a los que asistieron estrellas como Duke Ellington y Langston Hughes. Después de graduarse en 1925, asistió a la Universidad de Columbia, rechazando una beca para la Escuela de Bellas Artes de Yale.
Alston ingresó en el programa pre-arquitectónico, pero perdió interés después de darse cuenta de las dificultades que muchos arquitectos afroamericanos tenían en el campo. Después de tomar clases de pre-medicina, decidió que las matemáticas, la física y la química «no eran solo mi bolsa», y entró al programa de bellas artes. Durante su estadía en Columbia, Alston se unió a Alpha Phi Alpha, trabajó en el Columbia Daily Spectator de la universidad y dibujó caricaturas para la revista de la escuela Jester. También exploró los restaurantes y clubes de Harlem, donde se fomentaría su amor por el jazz y la música negra. En 1929 se graduó y recibió una beca para estudiar en el Teachers College, donde obtuvo su maestría en 1931.
Vida posterior
Durante los años 1942–43, Alston estuvo destinado en el ejército en Fort Huachuca en Arizona. Al regresar a Nueva York el 8 de abril de 1944, se casó con la Dra. Myra Adele Logan, entonces pasante en el Hospital Harlem. Se conocieron cuando él estaba trabajando en un proyecto mural en el hospital. Su hogar, que incluía su estudio, estaba en Edgecombe Avenue, cerca de Highbridge Park. La pareja vivía cerca de la familia; en sus reuniones frecuentes, Alston disfrutaba cocinando y Myra tocaba el piano. Durante la década de 1940, Alston también tomó clases de arte ocasionales, estudiando con Alexander Kostellow.
En enero de 1977 murió Myra Logan. Meses después, el 27 de abril de 1977, Charles Spinky Alston murió después de un largo episodio de cáncer. Su servicio conmemorativo se llevó a cabo en la Iglesia Episcopal de St. Martins el 21 de mayo de 1977 en la ciudad de Nueva York.
Carrera profesional
Al obtener su título de maestría, Alston fue el director de trabajo para niños en Utopia Children’s House, iniciado por James Lesesne Wells. También comenzó a enseñar en el Harlem Community Art Center, fundado por Augusta Savage en el sótano de lo que hoy es el Centro Schomburg de Investigación en Cultura Negra. El estilo de enseñanza de Alston fue influenciado por el trabajo de John Dewey, Arthur Wesley Dow y Thomas Munro. Durante este período, Alston comenzó a enseñar a Jacob Lawrence, de 10 años, a quien tuvo una gran influencia. Alston fue introducido al arte africano por el poeta Alain Locke. A finales de la década de 1920, Alston se unió a Bearden y a otros artistas negros que se negaron a exponer en los espectáculos de la Fundación William E. Harmon, que presentaban artistas completamente negros en sus exposiciones itinerantes. Alston y sus amigos pensaron que las exhibiciones estaban preparadas para una audiencia blanca, una forma de segregación que los hombres protestaron. No querían que se les dejara de lado, sino que se exhibieran en el mismo nivel que los compañeros de arte de todos los colores de piel.
En 1938, el Fondo Rosenwald proporcionó dinero para que Alston viajara al sur, que fue su primera vuelta allí desde que se fue de niño. Su viaje con Giles Hubert, un inspector de la Administración de Seguridad Agrícola, le dio acceso a ciertas situaciones y fotografió muchos aspectos de la vida rural. Estas fotografías sirvieron de base para una serie de retratos de género que representan la vida negra del sur. En 1940 completó Tobacco Farmer, el retrato de un joven granjero negro con un mono blanco y una camisa azul con una expresión joven pero seria en su rostro, sentado frente al paisaje y los edificios en los que trabaja. El mismo año recibió Alston. una segunda ronda de fondos del Fondo Rosenwald para viajar al sur, y pasó un tiempo prolongado en la Universidad de Atlanta.
Durante la década de 1930 y principios de 1940, Alston creó ilustraciones para revistas como Fortune, Mademoiselle, The New Yorker, Melody Maker y otras. También diseñó portadas de álbumes para artistas como Duke Ellington y Coleman Hawkins. Alston se convirtió en artista de la Oficina de Información de Guerra y Relaciones Públicas en 1940, creando dibujos de notables afroamericanos. Estas imágenes fueron utilizadas en más de 200 periódicos negros en todo el país por el gobierno para «fomentar la buena voluntad con la ciudadanía negra».
Finalmente, Alston dejó el trabajo comercial para centrarse en su propia obra de arte. En 1950, se convirtió en el primer instructor afroamericano en la Art Students League, donde permaneció en la facultad hasta 1971. En 1950, su pintura fue exhibida en el Metropolitan Museum of Art, y su obra de arte fue una de las pocas piezas compradas por el Museo. Aterrizó su primera exposición individual en 1953 en la Galería John Heller, que representó a artistas como Roy Lichtenstein. Expuso allí cinco veces desde 1953 hasta 1958.
En 1956, Alston se convirtió en el primer instructor afroamericano en el Museo de Arte Moderno, donde enseñó durante un año antes de ir a Bélgica en nombre del MOMA y el Departamento de Estado. Coordinó el centro comunitario para niños en Expo 58. En 1958 recibió una beca y fue elegido miembro de la Academia Americana de Artes y Letras.
En 1963, Alston co-fundó Spiral con sus primos Romare Bearden y Hale Woodruff. Spiral sirvió como un colectivo de conversación y exploración artística para un gran grupo de artistas que «abordaron cómo los artistas negros deberían relacionarse con la sociedad estadounidense en un momento de segregación». Artistas y simpatizantes de las artes se reunieron para Spiral, como Emma Amos, Perry Ferguson y Merton Simpson. Este grupo sirvió como la versión de 1960 de «306». Alston fue descrito como un «activista intelectual», y en 1968 habló en Columbia sobre su activismo. A mediados de la década de 1960, Spiral organizó una exposición de obras de arte en blanco y negro, pero la exposición nunca fue patrocinada oficialmente por el grupo, debido a desacuerdos internos.
En 1968, Alston recibió un nombramiento presidencial de Lyndon Johnson para el Consejo Nacional de Cultura y las Artes. El alcalde John Lindsay lo nombró a la Comisión de Arte de la Ciudad de Nueva York en 1969.
En 1973 fue nombrado profesor titular en el City College de Nueva York, donde había enseñado desde 1968. En 1975 recibió el primer Premio de Alumnos Distinguidos de Teachers College. La Art Student’s League creó una beca por mérito de 21 años en 1977 con el nombre de Alston para conmemorar cada año de su mandato.
Pintar una persona y una cultura.
Alston compartió espacio de estudio con Henry Bannarn en 306 W. 141st Street, que sirvió como un espacio abierto para artistas, fotógrafos, músicos, escritores y similares. Otros artistas sostuvieron un espacio de estudio en «306», como Jacob Lawrence, Addison Bate y su hermano Leon. Durante este tiempo, Alston fundó el Harlem Artists Guild con Savage y Elba Lightfoot para trabajar por la igualdad en los programas de arte de WPA en Nueva York. Durante los primeros años de 306, Alston se centró en dominar el retrato. Sus primeros trabajos, como Retrato de un hombre (1929), muestran el estilo detallado y realista de Alston representado a través de pasteles y carboncillos, inspirado en el estilo de Winold Reiss. En su Vestido de niña vestida de rojo (1934) y La camisa azul (1935), Alston utilizó técnicas modernas e innovadoras para sus retratos de jóvenes en Harlem. Se cree que la camisa azul es un retrato de Jacob Lawrence. Durante este tiempo, también creó Man Seated with Travel Bag (c. 1938–40), mostrando el ambiente sórdido y sombrío, en contraste con el trabajo como el Vaudeville cargado racialmente (c. 1930) y su estilo de caricatura de un hombre de rostro negro.
Inspirado por su viaje al sur, Alston comenzó su «serie familiar» en la década de 1940. La intensidad y la angulosidad aparecen en los rostros de los jóvenes en sus retratos Sin título (Retrato de una niña) y Sin título (Retrato de un niño). Estas obras también muestran la influencia que la escultura africana tuvo en su retrato, con Retrato de un niño mostrando más rasgos cubistas. Retratos posteriores de la familia muestran la exploración de Alston del simbolismo religioso, el color, la forma y el espacio. Los retratos de su grupo familiar a menudo no tienen rostro, lo que Alston afirma es la forma en que los blancos de Estados Unidos ven a los negros. Pinturas como Familia (1955) muestran a una mujer sentada y a un hombre de pie con dos hijos: los padres parecen casi solemnes, mientras que los niños son descritos como esperanzados y con un uso del color que Cézanne hizo famoso. En Family Group (c. 1950), el uso de tonos grises y ocres de Alston une a los padres y al hijo como si fueran patrones geométricos que los conectan como si fuera un rompecabezas. La simplicidad de la apariencia, el estilo y la emoción de la familia es reflexiva y probablemente está inspirada en el viaje al sur de Alston. Su trabajo durante este tiempo ha sido descrito como «caracterizado por su uso reductor de la forma combinada con una paleta de tonos de sol». Durante este tiempo, también comenzó a experimentar con la pintura con tinta y lavado, que se ve en trabajos como Portrait of a Woman (1955), así como en la creación de retratos para ilustrar la música que lo rodea en Harlem. Blues Singer # 4 muestra a una cantante en el escenario con una flor blanca en su hombro y un atrevido vestido rojo. Se piensa que la chica con un vestido rojo es Bessie Smith, a quien dibujó muchas veces cuando ella estaba grabando y actuando. El jazz fue una influencia importante en el trabajo y la vida social de Alston, que expresó en trabajos como Jazz (1950) y Harlem at Night.
El movimiento de derechos civiles de la década de 1960 influyó profundamente en su trabajo, e hizo obras de arte que expresaban sentimientos relacionados con la desigualdad y las relaciones raciales en los Estados Unidos. Una de sus pocas obras de arte religiosas fue Christ Head (1960), que tenía un retrato angular de «modiglianiesque» de Jesucristo. Siete años después, él creó. Realmente nunca lo dijo en serio, ¿verdad, Sr. Charlie? que, en un estilo similar al de Christ Head, muestra a un hombre negro de pie contra un cielo rojo «que parece tan frustrado como cualquier individuo puede ver», según Alston.
Modernismo
Experimentando el uso del espacio negativo y las formas orgánicas a fines de la década de 1940, a mediados de la década de 1950, Alston comenzó a crear pinturas de estilo notablemente modernista. Mujer con flores (1949) ha sido descrita como un homenaje a Modigliani. Ceremonial (1950) muestra que fue influenciado por el arte africano. Las obras sin título durante esta era muestran su uso de la superposición de colores, utilizando colores apagados para crear resúmenes simples en capas de naturalezas muertas. Symbol (1953) se relaciona con el Guernica de Picasso, que fue una obra favorita de Alston’s.
Su trabajo final de la década de 1950, Walking, se inspiró en el boicot de autobuses de Montgomery. Se considera que representa «la oleada de energía entre los afroamericanos para organizarse en su lucha por la plena igualdad». Se dice que Alston dijo: «La idea de una marcha estaba creciendo … Estaba en el aire … y esta pintura acaba de llegar. La llamé Caminando a propósito. No fue la militancia que viste después. Fue un paseo muy definido, no volveré, sin dudar «.
En blanco y negro
El movimiento por los derechos civiles de la década de 1960 fue una gran influencia en Alston. A fines de la década de 1950, comenzó a trabajar en blanco y negro, que continuó hasta mediados de la década de 1960, y este período es considerado uno de los más poderosos. Algunos de los trabajos son simples resúmenes de tinta negra sobre papel blanco, similar a una prueba de Rorschach. Untitled (c. 1960s) muestra un combate de boxeo, con un intento de expresar el drama de la pelea a través de unas pocas pinceladas. Alston también trabajó con Oil-on-Masonite durante este período, usando impasto, crema y ocre para crear una obra de arte similar a una cueva de mal humor. Black and White # 1 (1959) es una de las obras más «monumentales» de Alston. Gris, blanco y negro se unen para luchar por el espacio en un lienzo abstracto, en una forma más suave que la más dura Franz Kline. Alston continuó explorando la relación entre los tonos monocromáticos a lo largo de la serie que Wardlaw describe como «algunas de las obras más bellas del arte estadounidense del siglo XX».
Murales
Al principio, el trabajo mural de Charles Alston se inspiró en el trabajo de Aaron Douglas, Diego Rivera y José Clemente Orozco. Conoció a Orozco cuando hicieron murales en Nueva York. En 1943, Alston fue elegido miembro de la junta directiva de la Sociedad Nacional de Pintores Murales. Creó murales para el Hospital Harlem, Golden State Mutual, el Museo Americano de Historia Natural, la Escuela Pública 154, el Tribunal Penal y de Familia del Bronx y la Escuela Secundaria Abraham Lincoln en Brooklyn, Nueva York.
Murales del Hospital Harlem
Originalmente contratado como pintor de caballetes, en 1935, Alston se convirtió en el primer supervisor afroamericano en trabajar para el Proyecto Federal de Arte (FAP) de la WPA en Nueva York. Este fue su primer mural. En este momento se le otorgó el número 1262 del Proyecto WPA, una oportunidad para supervisar a un grupo de artistas que crean murales y para supervisar su pintura para el Hospital Harlem. Fue la primera comisión gubernamental otorgada a artistas afroamericanos, entre los que se encontraban Beauford Delaney, Seabrook Powell y Vertis Hayes. También tuvo la oportunidad de crear y pintar su propia contribución a la colección: Magic in Medicine y Modern Medicine. Estas pinturas fueron parte de un díptico completado en 1936 que representa la historia de la medicina en la comunidad afroamericana y Beauford Delaney sirvió como asistente. Al crear los murales, Alston se inspiró en el trabajo de Aaron Douglas, quien un año antes había creado la pieza de arte público Aspects of Negro Life para la Biblioteca Pública de Nueva York. Había investigado la cultura tradicional africana, incluida la medicina tradicional africana. Magic in Medicine, que describe la cultura africana y la curación holística, es considerada una de las «primeras escenas públicas de África en Estados Unidos». Todos los bocetos murales presentados fueron aceptados por la FAP; sin embargo, el superintendente de hospitales Lawrence T. Dermody y el comisionado de hospitales S.S. Goldwater rechazaron cuatro propuestas, debido a lo que dijeron era una cantidad excesiva de representación afroamericana en las obras. Los artistas lucharon contra su respuesta, escribiendo cartas para ganar apoyo. Cuatro años después lograron obtener el derecho de completar los murales. Los bocetos de Magia en medicina y medicina moderna se expusieron en «New Horizons in American Art» del Museo de Arte Moderno.
Condición
Los murales de Alston se colgaron en el pabellón de mujeres del hospital sobre radiadores destapados, lo que causó que las pinturas se deterioraran debido al vapor. Los planes no pudieron recapitular los radiadores. En 1959, Alston estimó, en una carta al Departamento de Obras Públicas, que la conservación costaría $ 1,500 pero los fondos nunca fueron adquiridos. En 1968, después de la muerte de Martin Luther King Jr., Alston recibió la solicitud de crear otro mural para el hospital, que se colocará en un pabellón que lleva el nombre del líder de los derechos civiles asesinado. Debía ser titulado Hombre que emerge de la oscuridad de la pobreza y la ignorancia hacia la luz de un mundo mejor.
Un año después de la muerte de Alston en 1977, un grupo de artistas e historiadores, incluido el renombrado pintor y collagista Romare Bearden y la historiadora del arte Greta Berman, junto con los administradores del hospital y de la Comisión de Arte de la Ciudad de Nueva York, examinaron los murales y presentaron una Propuesta para su restauración al entonces alcalde Ed Koch. La solicitud fue aprobada, y el conservador Alan Farancz se puso a trabajar en 1979, rescatando los murales de una mayor desintegración. Pasaron muchos años y los murales empezaron a deteriorarse nuevamente, especialmente las obras de Alston, que continuaron sufriendo los efectos de los radiadores. En 1991 se lanzó el programa Adopt-a-Mural de la Sociedad Municipal de Arte, y se eligieron los murales del Hospital Harlem para su posterior restauración (Greta Berman. Experiencia personal). Una beca de la hermana de Alston, Rousmaniere Wilson y su hermanastra Aida Bearden Winters, ayudó a completar la restauración de las obras en 1993. En 2005, el Hospital Harlem anunció un proyecto de $ 2 millones para conservar los murales de Alston y otras tres piezas en el proyecto original comisionado como parte de Una expansión hospitalaria de $ 225 millones.
Murales de Golden State Mutual
A fines de la década de 1940, Alston se involucró en un proyecto mural encargado por Golden State Mutual Life Insurance Company, que pedía a los artistas que crearan trabajos relacionados con las contribuciones afroamericanas al asentamiento de California. Alston trabajó con Hale Woodruff en los murales en un gran estudio en Nueva York; Usaron escaleras para llegar a las partes superiores del lienzo. Las obras de arte, que se consideran «contribuciones de valor incalculable al arte narrativo estadounidense», constan de dos paneles: Exploración y colonización por Alston y Asentamiento y desarrollo por Woodruff. La pieza de Alston cubre el período de 1527 a 1850. Las imágenes del hombre de montaña James Beckwourth, Biddy Mason y William Leidesdorff se retratan en el mural histórico bien detallado. Ambos artistas se mantuvieron en contacto con los afroamericanos en la costa oeste durante la creación de los murales, que influyeron en su contenido y representaciones. Los murales se dieron a conocer en 1949 y se han exhibido en el vestíbulo del Golden State Mutual Headquarters.
Debido a la recesión económica a principios del siglo XXI, Golden State se vio obligado a vender toda su colección de arte para protegerse de sus crecientes deudas. A partir de la primavera de 2011, el Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana había ofrecido $ 750,000 para comprar las obras de arte. Esto generó controversia, ya que se estima que las obras de arte valen al menos $ 5 millones. Los simpatizantes trataron de proteger los murales al obtener la protección de hitos de la ciudad por parte de Los Angeles Conservancy. El estado de California había rechazado las propuestas filantrópicas para mantener los murales en su ubicación original, y el Smithsonian retiró su oferta. La disposición de los murales está sujeta a un caso judicial sobre jurisdicción, que no se resolvió en la primavera de 2011.
Escultura
Alston también creó esculturas. Head of a Woman (1957) muestra su cambio hacia un «enfoque reductivo y moderno de la escultura … donde se sugirieron rasgos faciales en lugar de estar completamente formulados en tres dimensiones». En 1970, la Iglesia Comunitaria de Nueva York le encargó a Alston crear un busto de Martin Luther King Jr. por $ 5,000, con solo cinco copias producidas. En 1990, el busto de bronce de Alston de Luther King Jr. (1970) se convirtió en la primera imagen de un afroamericano que se exhibía en la Casa Blanca.
Recepción
La crítica de arte Emily Genauer declaró que Alston «se negó a ser encasillado», en relación con su variada exploración en su obra de arte. El patrón Lemoine Pierce dijo acerca de la obra de Alston: «Nunca se le pensó como un artista innovador, Alston generalmente ignoró las tendencias artísticas populares y violó muchas de las convenciones de arte más importantes; produjo a menudo pinturas abstractas y figurativas, negándose a ser estilísticamente coherentes, y durante su año de carrera, trabajó de manera prolífica y sin disculpas tanto en arte como en arte «. Romare Bearden describió a Alston como «… uno de los artistas más versátiles cuya enorme habilidad lo llevó a una diversidad de estilos …» Bearden también describe el profesionalismo y el impacto que Alston tuvo en Harlem y la comunidad afroamericana: «» fue un artista consumado y una voz en el desarrollo del arte afroamericano que nunca dudó de la excelencia de la sensibilidad y la capacidad creativa de todas las personas. Durante su larga carrera profesional, Alston enriqueció significativamente la vida cultural de Harlem. En un sentido profundo, fue un hombre que construyó puentes entre artistas negros en diversos campos y entre otros estadounidenses «. El escritor June Jordan describió a Alston como «un artista estadounidense de primera magnitud, y es un artista negro-americano de integridad intacta».
Grandes exposiciones
Una fuerza para el cambio, muestra colectiva, 2009, Spertus Museum, Chicago
Canvasing the Movement, muestra colectiva, 2009, Museo Reginald F. Lewis de Maryland Historia y cultura afroamericana
En terreno más alto: selecciones de la colección Walter O. Evans, muestra colectiva, 2001, Henry Ford Museum, Michigan
Rhapsodies in Black: Art of the Harlem Renaissance, muestra colectiva, 1998, Corcoran Gallery of Art, Washington, D.C.
En el espíritu de resistencia: modernistas afroamericanos y la Escuela de Muralistas Mexicanos, muestra colectiva, 1996, The Studio Museum en Harlem, Nueva York.
Charles Alston: Artista y profesor, 1990, Kenkeleba Gallery, Nueva York
Maestros y alumnos: La educación del artista negro en Nueva York, 1986, Jamaica Arts Center, Nueva York
Exposición de pinturas y esculturas, centenario, 1975, Art Students League de Nueva York, Nueva York
Exposición individual, 1969, Huntington Hartford Gallery of Modern Art, Nueva York.
Exposición individual, 1968, Fairleigh Dickinson University, New Jersey
Un homenaje a los artistas negros en honor del centenario de la proclamación de la emancipación, muestra colectiva, 1963, Instituto de Historia y Arte de Albany.
Grandes colecciones
Universidad de Hampton
Fundación Harmon y Harriet Kelly para las Artes
Asociación Nacional para el Avance de las Personas de Color
Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana
Museo Whitney de Arte Americano