Claroscuro

El claroscuro es una técnica de pintura al óleo, desarrollada durante el Renacimiento, que usa fuertes contrastes tonales entre la luz y la oscuridad para modelar formas tridimensionales, a menudo con un efecto dramático. El principio subyacente es que la solidez de la forma se logra mejor con la luz que cae contra ella. Los artistas conocidos por desarrollar la técnica incluyen a Leonardo da Vinci, Caravaggio y Rembrandt. Es un pilar de la fotografía en blanco y negro y de bajo perfil.

Claroscuro, en una imagen de dos dimensiones, tal como una pared, un panel, una pintura, papel de impresión fotográfica, da la ilusión de profundidad, volúmenes en imitando los efectos producidos por la luz en estos volúmenes en el espacio real. El modelado, esta representación de los volúmenes que se pueden hacer por otros medios que por el claroscuro, como fue el caso en la Edad Media.

Con el claroscuro, las partes más o menos iluminadas son claras o están a la sombra. Dependiendo de la superficie iluminada, lisa o angulares, y si la luz es más suave o más brillante si la sombra es más profundo o más intensos contrastes, claroscuros produce transiciones imperceptibles, más nítida o brutal y disparos yuxtapuestos, el brillo general puede ser claro u oscuro. Esto es, en general, para hacer gradaciones oscuras en un medio más o menos clara, pero a veces, por el contrario, para los colores claros en un sustrato oscuro. Por lo tanto, este proceso es diferente de una imagen obtenida por el contorno o la silueta.

El proceso de la pintura claroscuro se practicaba en la antigua Grecia, al menos al final del siglo IV antes de Cristo, con la pintura helenística. El claroscuro se utiliza nuevamente con precisión desde los comienzos del Renacimiento. Pero fue Le Caravage que desarrollará la práctica, tanto en las artes del dibujo, la escritura o la pintura. Desde la década de 1840, la fotografía ofrece a los artistas nuevas formas de utilizar el claroscuro en «blanco y negro», a continuación, en el color. Por extensión, la naturaleza de un espacio más o menos bien iluminada, cine o el teatro, puede dar la oportunidad de trabajar en el claroscuro, como cuando los selecciona pintor o fotógrafo y compone el espacio que desea reproducir o crear

El claroscuro se originó durante el Renacimiento como el dibujo en papel de color, donde el artista trabajó desde el tono de la base del papel hacia la luz con gouache blanco, y hacia la oscuridad con tinta, cuerpo o acuarela. A su vez, se basaron en las tradiciones de los manuscritos iluminados que se remontan a los manuscritos tardorromanos imperiales sobre la vitela teñida de púrpura. Tales obras solían llamarse «dibujos de claroscuro», pero se describen con más frecuencia en la terminología moderna de los museos con fórmulas tales como «pluma sobre papel preparado, realzada con un cuerpo de color blanco». Las xilografías de claroscuro comenzaron como imitaciones de esta técnica. Cuando se habla de arte italiano, el término a veces se usa para referirse a imágenes pintadas en monocromo o en dos colores, más conocido generalmente en inglés por el equivalente francés, grisaille. El término se amplió en significado desde el principio para cubrir todos los fuertes contrastes en la iluminación entre las áreas claras y oscuras en el arte, que ahora es el significado principal.

El uso más técnico del término claroscuro es el efecto del modelado de luz en pintura, dibujo o grabado, donde el volumen tridimensional es sugerido por el valor gradación del color y la división analítica de formas de luz y sombra, a menudo llamado «sombreado» . La invención de estos efectos en Occidente, «skiagraphia» o «pintura de sombras» para los antiguos griegos, se atribuyó tradicionalmente al famoso pintor ateniense del siglo V aC, Apolodoro. Aunque pocas pinturas griegas antiguas sobreviven, su comprensión del efecto del modelado de la luz aún puede verse en los mosaicos de Pella, Macedonia, de finales del siglo IV aC, en particular el Mosaico de la caza del ciervo, en la Casa del rapto de Helena, inscrita gnosis epoesen, o ‘el conocimiento lo hizo’.

La técnica también sobrevivió en forma estandarizada bastante burda en el arte bizantino y se refinó de nuevo en la Edad Media para convertirse en estándar a principios del siglo XV en pintura e iluminación manuscrita en Italia y Flandes, y luego se extendió a todo el arte occidental.

La pintura de Rafael ilustrada, con luz proveniente de la izquierda, muestra un delicado claroscuro modelado para dar volumen al cuerpo del modelo y un fuerte claroscuro en el sentido más común, en el contraste entre el modelo bien iluminado y el fondo muy oscuro de follaje Sin embargo, para complicar aún más las cosas, el claroscuro composicional del contraste entre el modelo y el fondo probablemente no se describa usando este término, ya que los dos elementos están casi completamente separados. El término se usa principalmente para describir composiciones donde al menos algunos elementos principales de la composición principal muestran la transición entre la luz y la oscuridad, como en las pinturas Baglioni y Geertgen tot Sint Jans ilustradas arriba y abajo.

El modelado de claroscuro ahora se da por sentado, pero tenía algunos oponentes; el miniaturista de retratos inglés Nicholas Hilliard advirtió en su tratado de pintura contra todo menos el uso mínimo que vemos en sus obras, reflejando los puntos de vista de su patrona, la reina Isabel I de Inglaterra: «ver lo mejor para mostrarse no necesita sombra de lugar, sino más bien la luz abierta … Su Majestad … eligió su lugar para sentarse con ese propósito en el callejón abierto de un buen jardín, donde no había ningún árbol cerca, ni sombra alguna … »

En los dibujos e impresiones, el claroscuro de modelado a menudo se logra mediante el sombreado o el sombreado mediante líneas paralelas. Los efectos de lavado, punteado o punteado, y el «tono de superficie» en la impresión son otras técnicas.

Las xilografías de claroscuro son copias maestras antiguas en talla de madera con dos o más bloques impresos en diferentes colores; no necesariamente presentan fuertes contrastes de luz y oscuridad. Primero se produjeron para lograr efectos similares a los dibujos de claroscuros. Después de algunos experimentos tempranos en impresión de libros, el verdadero grabado en madera de claroscuro concebido para dos bloques probablemente fue inventado por Lucas Cranach the Elder en Alemania en 1508 o 1509, aunque retrocedió algunas de sus primeras impresiones y agregó bloques de tono a algunas copias producidas por primera vez. para impresión monocromática, seguida rápidamente por Hans Burgkmair the Elder. A pesar del reclamo de Vasari por la precedencia italiana en Ugo da Carpi, está claro que los primeros ejemplos italianos datan de 1516, pero otras fuentes sugieren que el primer grabado en madera de claroscuro fue el Triunfo de Julio César, creado por Andrea Mantegna. un pintor italiano, entre 1470 y 1500. Otro punto de vista afirma que: «Lucas Cranach retrocedió dos de sus obras en un intento de alcanzar la gloria» y que la técnica fue inventada «con toda probabilidad» por Burgkmair «, que fue comisionado por el emperador Maximiliano encontró una forma barata y efectiva de difundir ampliamente la imagen imperial, ya que necesitaba recaudar dinero y apoyo para una cruzada «.

Otros grabadores para utilizar la técnica incluyen a Hans Wechtlin, Hans Baldung Grien y Parmigianino. En Alemania, la técnica alcanzó su mayor popularidad alrededor de 1520, pero fue utilizada en Italia a lo largo del siglo XVI. Artistas posteriores como Goltzius a veces hicieron uso de él. En la mayoría de las impresiones alemanas de dos bloques, el bloque de teclas (o «bloque de línea») se imprimía en negro y el bloque de tonos o bloques tenían áreas planas de color. En Italia, las xilografías de claroscuros se produjeron sin bloqueos para lograr un efecto muy diferente.

La iluminación del manuscrito era, como en muchas áreas, especialmente experimental en el intento de efectos ambiciosos de iluminación ya que los resultados no eran para exhibición pública. El desarrollo del claroscuro compositivo recibió un considerable impulso en el norte de Europa desde la visión de la Natividad de Jesús de Santa Brígida de Suecia, una mística muy popular. Ella describió al niño Jesús como emisor de luz; las representaciones redujeron cada vez más otras fuentes de luz en la escena para enfatizar este efecto, y la Natividad permaneció muy comúnmente tratada con claroscuro hasta el Barroco. Hugo van der Goes y sus seguidores pintaron muchas escenas iluminadas solo por velas o por la luz divina del niño Cristo. Como en el caso de algunos pintores posteriores, en sus manos el efecto era de quietud y calma más que del drama con el que se usaría durante el Barroco.

El fuerte claroscuro se convirtió en un efecto popular durante el siglo XVI en Manierismo y arte barroco. La luz divina continuó iluminando, a menudo bastante inadecuadamente, las composiciones de Tintoretto, Veronese y sus muchos seguidores. El uso de sujetos oscuros dramáticamente iluminados por un haz de luz de una única fuente restringida ya menudo invisible, fue un dispositivo de composición desarrollado por Ugo da Carpi (hacia 1455-c.1523), Giovanni Baglione (1566-1643) y Caravaggio (1571-1610), el último de los cuales fue crucial en el desarrollo del estilo de tenebrismo, donde el dramático claroscuro se convierte en un dispositivo estilístico dominante.

El tenebrismo fue especialmente practicado en España y en el Reino de Nápoles gobernado por España, por Jusepe de Ribera y sus seguidores. Adam Elsheimer (1578-1610), un artista alemán residente en Roma, produjo varias escenas nocturnas iluminadas principalmente por el fuego y, a veces, por la luz de la luna. A diferencia de Caravaggio, sus áreas oscuras contienen detalles e intereses muy sutiles. Las influencias de Caravaggio y Elsheimer fueron fuertes en Peter Paul Rubens, quien explotó sus respectivos enfoques de tenebrosidad para lograr un efecto dramático en pinturas como The Raising of the Cross (1610-1611). Artemisia Gentileschi (1593-1656), una artista barroca que fue seguidora de Caravaggio, también fue un destacado exponente del tenebrismo y el claroscuro.

Un género particular que se desarrolló fue la escena nocturna iluminada por la luz de las velas, que se remontaba a artistas del norte anteriores, como Geertgen tot Sint Jans y más inmediatamente, a las innovaciones de Caravaggio y Elsheimer. Este tema se jugó con muchos artistas de los Países Bajos en las primeras décadas del siglo XVII, donde se asoció con los Caravaggisti de Utrecht, como Gerrit van Honthorst y Dirck van Baburen, y con pintores del Barroco flamenco como Jacob Jordaens. Las primeras obras de Rembrandt van Rijn (1606-1669) de la década de 1620 también adoptaron la fuente de luz de una sola vela. La escena nocturna a la luz de las velas volvió a aparecer en la República de los Países Bajos a mediados del siglo XVII a una escala menor en las obras de los arqueólogos como Gerrit Dou y Gottfried Schalken.

El propio interés de Rembrandt en los efectos de la oscuridad cambió en sus obras maduras. Se basó menos en los agudos contrastes de luz y oscuridad que marcaron las influencias italianas de la generación anterior, un factor encontrado en sus grabados de mediados del siglo XVII. En ese medio compartió muchas similitudes con su contemporáneo en Italia, Giovanni Benedetto Castiglione, cuyo trabajo en grabado le llevó a inventar el monotipo.

Fuera de los Países Bajos, artistas como Georges de La Tour y Trophime Bigot en Francia y Joseph Wright of Derby en Inglaterra, continuaron con un claroscuro de velas tan fuerte, pero graduado. Watteau usó un suave claroscuro en los frondosos fondos de sus fêtes galantes, y esto continuó en pinturas de muchos artistas franceses, especialmente Fragonard. A finales de siglo, Fuseli y otros utilizaron un claroscuro más pesado para el efecto romántico, como lo hicieron Delacroix y otros en el siglo XIX.

El uso francés del término, clair-obscur, fue introducido por Roger de Piles, crítico de arte del siglo XVII, en el curso de un argumento famoso (Débat sur le coloris), sobre los méritos relativos del dibujo y el color en la pintura (su Dialogues sur le coloris, 1673, fue una contribución clave al Débat).

En inglés, el término italiano se usó desde al menos el siglo XVII. El término se usa con menos frecuencia en el arte después de fines del siglo XIX, aunque el expresionismo y otros movimientos modernos hacen un gran uso del efecto.

Especialmente desde el fuerte aumento en la reputación de Caravaggio en el siglo XX, en términos no especializados, el término se usa principalmente para fuertes efectos de claroscuro como el suyo o el de Rembrandt. Como dice el Tate: «El claroscuro por lo general solo se destaca cuando es una característica particularmente prominente de la obra, generalmente cuando el artista usa contrastes extremos de luz y sombra». La fotografía y el cine también han adoptado el término. Para la historia del término, ver René Verbraeken, Clair-obscur, histoire d’un mot (Nogent-le-Roi, 1979).

El claroscuro también se usa en la cinematografía para indicar iluminación extremadamente baja y de alto contraste para crear distintas áreas de luz y oscuridad en las películas, especialmente en las películas en blanco y negro. Ejemplos clásicos son El gabinete del Dr. Caligari (1920), Nosferatu (1922), Metrópolis (1927) El jorobado de Notre Dame (1939), El diablo y Daniel Webster (1941), y las escenas en blanco y negro en el Stalker de Andrei Tarkovsky (1979)

Por ejemplo, en Metropolis, la iluminación de claroscuro se utiliza para crear un contraste entre la puesta en escena y las figuras claras y oscuras. El efecto de esto es principalmente para resaltar las diferencias entre la elite capitalista y los trabajadores.

En fotografía, el claroscuro se puede lograr con el uso de «iluminación Rembrandt». En los procesos fotográficos más desarrollados, esta técnica también se puede denominar «iluminación ambiental / natural», aunque cuando se hace así para el efecto, el aspecto es artificial y, por lo general, no es de naturaleza documental. En particular, Bill Henson junto con otros, como W. Eugene Smith, Josef Koudelka, Garry Winogrand, Lothar Wolleh, Annie Leibovitz, Floria Sigismondi y Ralph Gibson pueden ser considerados algunos de los maestros modernos del claroscuro en la fotografía documental.

Tal vez el uso más directo del claroscuro en la cinematografía sería el de Stanley Kubrick, Barry Lyndon. Cuando se le informó que ninguna lente tenía una abertura lo suficientemente amplia como para filmar un drama en grandes palacios utilizando solo luz de velas, Kubrick compró y adaptó una lente especial para estos fines: una cámara Mitchell BNC modificada y una lente Zeiss fabricadas para los rigores del espacio fotografía, con una apertura máxima de f / .7. Las situaciones de iluminación naturalmente no aumentadas en la película ejemplifican la iluminación natural discreta en el cine en su extremo más allá de la tradición cinematográfica de Europa del Este / Unión Soviética (ejemplificada por el duro estilo de iluminación discreto empleado por el cineasta soviético Sergei Eisenstein).

Sven Nykvist, el viejo colaborador de Ingmar Bergman, también informó gran parte de su fotografía con realismo de claroscuro, al igual que Gregg Toland, quien influyó en directores de fotografía como László Kovács, Vilmos Zsigmond y Vittorio Storaro con su enfoque profundo y selectivo aumentado con fuerte iluminación a nivel de horizonte que penetra a través de ventanas y puertas. Gran parte de la tradición cinematográfica noir se basa en las técnicas que Toland perfeccionó a principios de los años treinta y que están relacionadas con el claroscuro (aunque la iluminación de alto nivel, la iluminación escénica, la iluminación frontal y otros efectos se intercalan de forma tal que disminuye el reclamo de claroscuro).