La pintura china es una de las tradiciones artísticas continuas más antiguas del mundo. La pintura en el estilo tradicional es conocida hoy en día en chino como guóhuà (chino: 國畫), que significa «nacional» o «pintura nativa», en oposición a los estilos de arte occidentales que se popularizaron en China en el siglo XX. La pintura tradicional involucra esencialmente las mismas técnicas que la caligrafía y se realiza con un pincel empapado en tinta negra o pigmentos coloreados; los aceites no son usados. Al igual que con la caligrafía, los materiales más populares sobre los que se hacen pinturas son papel y seda. El trabajo terminado se puede montar en rollos, como rollos colgantes o rollos manuales. La pintura tradicional también se puede hacer en hojas de álbumes, paredes, lacados, pantallas plegables y otros medios.

Las dos técnicas principales en la pintura china son:

Gongbi (工筆), que significa «meticuloso», utiliza pinceladas muy detalladas que delimitan los detalles de forma muy precisa. A menudo es muy coloreado y suele representar sujetos figurativos o narrativos. A menudo es practicado por artistas que trabajan para la corte real o en talleres independientes.

La pintura de tinta y lavado, en chino shui-mo (水墨, «agua y tinta») también se conoce como pintura en acuarela o pincel, y también conocida como «pintura literaria», ya que fue una de las «Cuatro Artes» del erudito chino – Clase oficial. En teoría, este era un arte practicado por caballeros, una distinción que comienza a hacerse en escritos sobre arte de la dinastía Song, aunque de hecho las carreras de los principales exponentes podrían beneficiarse considerablemente. Este estilo también se conoce como «xieyi» (寫意) o estilo a mano alzada.

La pintura de paisaje fue considerada como la forma más elevada de pintura china, y en general aún lo es. El tiempo desde el período de las Cinco Dinastías hasta el período Song del Norte (907-1127) se conoce como la «Gran época del paisaje chino». En el norte, artistas como Jing Hao, Li Cheng, Fan Kuan y Guo Xi pintaron imágenes de montañas imponentes, utilizando líneas negras fuertes, tintas y pinceladas puntiagudas para sugerir piedras en bruto. En el sur, Dong Yuan, Juran y otros artistas pintaron las colinas y los ríos de su campiña natal en escenas pacíficas hechas con pinceladas suaves y frotadas. Estos dos tipos de escenas y técnicas se convirtieron en los estilos clásicos de la pintura paisajística china.

Detalles y estudio
La pintura y la caligrafía china se distinguen de las artes de otras culturas por el énfasis en el movimiento y el cambio con la vida dinámica. La práctica tradicionalmente se aprende primero de memoria, en la que el maestro muestra la «forma correcta» de dibujar elementos. El aprendiz debe copiar estos elementos estricta y continuamente hasta que los movimientos se vuelvan instintivos. En los tiempos contemporáneos, el debate surgió sobre los límites de esta tradición copista dentro de las escenas del arte moderno donde la innovación es la regla. Los cambios en los estilos de vida, las herramientas y los colores también influyen en las nuevas oleadas de maestros.

Primeros períodos
Las primeras pinturas no eran representativas sino ornamentales; consistían en patrones o diseños en lugar de imágenes. La cerámica primitiva estaba pintada con espirales, zigzags, puntos o animales. Fue solo durante el período de los Estados Combatientes (475-221 aC) cuando los artistas comenzaron a representar el mundo que los rodeaba. En la época imperial (comenzando con la dinastía Jin oriental), la pintura y la caligrafía en China figuraban entre las artes más apreciadas en la corte y eran practicadas a menudo por aficionados -aristocratas y funcionarios eruditos- que tenían el tiempo de ocio necesario para perfeccionar el arte. técnica y sensibilidad necesarias para una gran pincelada. Se pensaba que la caligrafía y la pintura eran las formas más puras del arte. Los implementos fueron el pincel hecho de pelo de animal y tintas negras hechas de hollín de pino y pegamento animal. En la antigüedad, la escritura y la pintura se hacían con seda. Sin embargo, después de la invención del papel en el siglo I dC, la seda fue gradualmente reemplazada por el material nuevo y más barato. Las escrituras originales de los calígrafos famosos se han valorado grandemente a través de la historia de China y se montan en volutas y se cuelgan en las paredes de la misma manera que las pinturas.

Los artistas de las dinastías Han (206 aC – 220 dC) a Tang (618-906) pintaban principalmente la figura humana. Gran parte de lo que conocemos de la pintura de figuras china antigua proviene de los cementerios, donde las pinturas se conservaron en pancartas de seda, objetos laqueados y muros de tumbas. Muchas de las primeras pinturas de tumbas estaban destinadas a proteger a los muertos o ayudar a sus almas a llegar al paraíso. Otros ilustraron las enseñanzas del filósofo chino Confucio o mostraron escenas de la vida cotidiana.

Durante el período de las Seis Dinastías (220-589), la gente comenzó a apreciar la pintura por su propia belleza y a escribir sobre arte. A partir de este momento, comenzamos a aprender sobre artistas individuales, como Gu Kaizhi. Incluso cuando estos artistas ilustraron temas morales confucianos, como el comportamiento adecuado de una esposa para su esposo o de hijos para sus padres, trataron de hacer que las figuras fueran elegantes.

Seis principios
Los «Seis principios de la pintura china» fueron establecidos por Xie He, escritor, historiador del arte y crítico en el siglo V de China, en «Seis puntos a considerar al juzgar una pintura» (繪畫 六法), tomado del prefacio de su libro » El registro de la clasificación de los pintores antiguos «(古畫 品 錄). Tenga en cuenta que esto fue escrito alrededor de 550 CE y se refiere a las prácticas «antiguas» y «antiguas». Los seis elementos que definen una pintura son:

«Resonancia del espíritu», o vitalidad, que se refiere al flujo de energía que abarca el tema, el trabajo y el artista. Xie dijo que sin Resonancia Espiritual, no había necesidad de mirar más allá.

El «Método Óseo», o la forma de utilizar el pincel, se refiere no solo a la textura y al trazo del pincel, sino al estrecho vínculo entre escritura y personalidad. En su día, el arte de la caligrafía era inseparable de la pintura.

«Correspondencia con el objeto», o la representación de la forma, que incluiría la forma y la línea.

«Idoneidad para escribir», o la aplicación de color, incluidas las capas, el valor y el tono.

«División y planificación», o colocación y disposición, correspondiente a la composición, el espacio y la profundidad.

«Transmisión mediante copia», o la copia de modelos, no solo de la vida sino también de las obras de la antigüedad.

Dinastías Sui y Tang (581-907)
Durante la dinastía Tang, la pintura de figuras floreció en la corte real. Artistas como Zhou Fang representaron el esplendor de la vida cortesana en pinturas de emperadores, damas de palacio y caballos imperiales. La pintura figura alcanzó el apogeo del realismo elegante en el arte de la corte de Tang del Sur (937-975).

La mayoría de los artistas de Tang esbozaron figuras con finas líneas negras y usaron colores brillantes y detalles elaborados. Sin embargo, un artista de Tang, el maestro Wu Daozi, usó solo tinta negra y pinceladas pintadas libremente para crear pinturas de tinta que fueron tan emocionantes que las multitudes se reunieron para verlo trabajar. Desde su creación, las pinturas con tinta ya no se consideraban bocetos preliminares o esquemas para rellenar con el color. En cambio, fueron valorados como obras de arte terminadas.

A partir de la dinastía Tang, muchas pinturas fueron paisajes, a menudo pinturas shanshui (mountain, «agua de la montaña»). En estos paisajes, monocromáticos y dispersos (un estilo que se llama colectivamente shuimohua), el propósito no era reproducir la apariencia de la naturaleza exactamente (realismo) sino captar una emoción o atmósfera, como si capturara el «ritmo» de la naturaleza.

Dinastías Liao, Song, Jin y Yuan (907-1368)
La pintura durante la dinastía Song (960-1279) alcanzó un mayor desarrollo de la pintura de paisaje; distancias inconmensurables fueron transmitidas a través del uso de contornos borrosos, los contornos de las montañas desapareciendo en la niebla, y el tratamiento impresionista de los fenómenos naturales. La pintura de estilo shan shui, «shan», que significa montaña, y «shui», que significa río, se hizo prominente en el arte paisajista chino. El énfasis puesto en el paisaje se basó en la filosofía china; El taoísmo enfatizó que los humanos no eran más que pequeñas manchas en el vasto y mayor cosmos, mientras que los escritores neoconfucianos a menudo buscaban descubrir patrones y principios que creían que causaban todos los fenómenos sociales y naturales. La pintura de retratos y los objetos que se veían de cerca, como pájaros en las ramas, se tenían en gran estima, pero la pintura de paisaje era primordial. A comienzos de la dinastía Song, surgió un estilo paisajístico distintivo. Los artistas dominaron la fórmula de escenas intrincadas y realistas colocadas en primer plano, mientras que el fondo conservaba cualidades de espacio vasto e infinito. Los picos de las montañas distantes surgen de las nubes altas y la niebla, mientras que los ríos que fluyen corren de lejos al primer plano.

Hubo una diferencia significativa en las tendencias de pintura entre el período Song del Norte (960-1127) y el período Song del Sur (1127-1279). Las pinturas de los funcionarios de Northern Song fueron influenciadas por sus ideales políticos de poner orden en el mundo y abordar los problemas más grandes que afectan a toda la sociedad; sus pinturas a menudo representaban paisajes enormes y abruptos. Por otro lado, los funcionarios de Southern Song estaban más interesados ​​en reformar la sociedad de abajo hacia arriba y en una escala mucho más pequeña, un método que creían que tenía una mejor oportunidad para el éxito eventual; sus pinturas a menudo se enfocaban en escenas más pequeñas, visualmente más cercanas y más íntimas, mientras que el fondo a menudo se representaba como carente de detalles como un reino sin preocuparse por el artista o el espectador. Este cambio de actitud de una época a la siguiente se debió en gran parte a la creciente influencia de la filosofía neoconfuciana. Los partidarios del neoconfucianismo se centraron en reformar la sociedad de abajo hacia arriba, no de arriba hacia abajo, lo que se puede ver en sus esfuerzos por promover pequeñas academias privadas durante la Canción del Sur en lugar de las grandes academias controladas por el Estado en la era Song del Norte.

Desde las dinastías del sur y del norte (420-589), la pintura se había convertido en un arte de alta sofisticación que se asociaba con la clase de la nobleza como uno de sus principales pasatiempos artísticos, los otros eran la caligrafía y la poesía. Durante la dinastía Song hubo ávidos coleccionistas de arte que a menudo se reunían en grupos para hablar sobre sus propias pinturas, así como sobre las de sus colegas y amigos. El poeta y estadista Su Shi (1037-1101) y su cómplice Mi Fu (1051-1107) solían participar en estos asuntos, pidiendo prestadas piezas de arte para estudiar y copiar, o si realmente admiraban una pieza, a menudo se proponía un intercambio. Crearon un nuevo tipo de arte basado en las tres perfecciones en las que utilizaron sus habilidades en caligrafía (el arte de la escritura hermosa) para hacer pinturas en tinta. Desde su tiempo en adelante, muchos pintores se esforzaron por expresar libremente sus sentimientos y capturar el espíritu interno de su sujeto en lugar de describir su apariencia exterior. Las pequeñas pinturas redondas populares en la canción del sur a menudo se coleccionaban en álbumes ya que los poetas escribían poemas a lo largo del lado para emparejar el tema y el humor de la pintura.

Aunque eran ávidos coleccionistas de arte, algunos eruditos de la canción no apreciaron fácilmente las obras de arte encargadas por los pintores encontrados en tiendas o mercados comunes, y algunos de los eruditos incluso criticaron a artistas de escuelas y academias de renombre. Anthony J. Barbieri-Low, profesor de historia china temprana en la Universidad de California en Santa Bárbara, señala que la apreciación de los eruditos de Song sobre el arte creado por sus pares no se extendió a aquellos que se ganaban la vida simplemente como artistas profesionales:

Durante la Canción del Norte (960-1126 EC), surgió una nueva clase de artistas eruditos que no poseían las habilidades de tromp l’œil de los pintores de la academia ni siquiera la habilidad de los pintores comunes del mercado. La pintura de los literatos era más simple y, a veces, carente de formación académica, pero criticaban a estos otros dos grupos como meros profesionales, ya que dependían de comisiones pagadas para su sustento y no pintaban simplemente para el disfrute o la autoexpresión. Los artistas eruditos consideraban que los pintores que se concentraban en representaciones realistas, que empleaban una paleta de colores o, lo peor de todo, que aceptaban el pago monetario por su trabajo no eran mejores que los carniceros o los chapuceros en el mercado. No debían ser considerados artistas reales.

Sin embargo, durante el período de la Canción, hubo muchos pintores de la corte aclamados y fueron muy apreciados por los emperadores y la familia real. Uno de los pintores paisajistas más grandes que recibió el patrocinio de la corte Song fue Zhang Zeduan (1085-1145), quien pintó el original Along the River Durante el Festival Qingming, una de las obras maestras más conocidas del arte visual chino. El emperador Gaozong de Song (1127-1162) encomendó una vez un proyecto artístico de numerosas pinturas para las Dieciocho canciones de una flauta nómada, basada en la poetisa Cai Wenji (177-250 dC) de la dinastía Han anterior. Yi Yuanji logró un alto grado de realismo pintando animales, en particular monos y gibones. Durante el período Song del Sur (1127-1279), pintores de la corte como Ma Yuan y Xia Gui utilizaron fuertes pinceladas negras para dibujar árboles y rocas y lavados pálidos para sugerir el espacio brumoso.

Durante la dinastía Mongol Yuan (1271-1368), los pintores se unieron a las artes de la pintura, la poesía y la caligrafía al inscribir poemas en sus pinturas. Estas tres artes trabajaron juntas para expresar los sentimientos del artista más completamente de lo que un arte podía hacer solo. El emperador Yuan Tugh Temur (1328-1329-1332) era aficionado a la pintura china y se convirtió en un pintor digno de crédito.

China imperial tardía (1368-1895)
A partir del siglo XIII, se desarrolló la tradición de pintar temas simples: una rama con frutas, algunas flores o uno o dos caballos. La pintura narrativa, con una gama de colores más amplia y una composición mucho más ocupada que las pinturas Song, fue inmensamente popular durante el período Ming (1368-1644).

Los primeros libros ilustrados con grabados en madera coloreados aparecieron por esta época; a medida que se perfeccionaban las técnicas de impresión a color, comenzaron a publicarse manuales ilustrados sobre el arte de la pintura. Jieziyuan Huazhuan (Manual del jardín de semillas de mostaza), un trabajo de cinco volúmenes publicado por primera vez en 1679, ha estado en uso como libro de texto técnico para artistas y estudiantes desde entonces.

Algunos pintores de la dinastía Ming (1368-1644) continuaron las tradiciones de los pintores escolares de Yuan. Este grupo de pintores, conocido como la Escuela Wu, fue dirigido por el artista Shen Zhou. Otro grupo de pintores, conocido como la Escuela Zhe, revivió y transformó los estilos de la cancha Song.

Durante la dinastía Qing (1644-1911), los pintores conocidos como individualistas se rebelaron contra muchas de las reglas tradicionales de la pintura y encontraron formas de expresarse más directamente a través de la pincelada libre. En los siglos XVIII y XIX, grandes ciudades comerciales como Yangzhou y Shanghái se convirtieron en centros de arte donde ricos patrones mercaderes alentaron a los artistas a producir nuevas obras audaces.

A finales del siglo XIX y XX, los pintores chinos estuvieron cada vez más expuestos al arte occidental. Algunos artistas que estudiaron en Europa rechazaron la pintura china; otros intentaron combinar lo mejor de ambas tradiciones. Entre los pintores modernos más queridos estaba Qi Baishi, que comenzó su vida como un campesino pobre y se convirtió en un gran maestro. Sus obras más conocidas representan flores y animales pequeños.

Pintura moderna
Comenzando con el Movimiento Nueva Cultura, los artistas chinos comenzaron a adoptar usando técnicas occidentales. Destacados artistas chinos que estudiaron la pintura occidental incluyen a Li Tiefu, Yan Wenliang, Xu Beihong, Lin Fengmian, Fang Ganmin y Liu Haisu.

En los primeros años de la República Popular de China, se alentaba a los artistas a emplear el realismo socialista. Algún realismo socialista de la Unión Soviética se importó sin modificaciones, y a los pintores se les asignaron temas y se esperaba que produjeran pinturas en masa. Este régimen se relajó considerablemente en 1953, y después de la Campaña de las Cien Flores de 1956-57, la pintura tradicional china experimentó un renacimiento significativo. Junto con estos desarrollos en los círculos artísticos profesionales, hubo una proliferación de arte campesino que representa la vida cotidiana en las áreas rurales en murales y en exposiciones de pintura al aire libre.

Desde 1978
Luego de la Revolución Cultural, las escuelas de arte y las organizaciones profesionales fueron reintegradas. Se establecieron intercambios con grupos de artistas extranjeros, y los artistas chinos comenzaron a experimentar con nuevos temas y técnicas. Un caso particular de estilo a mano alzada (xieyi hua) se puede notar en el trabajo del niño prodigio Wang Yani (nacido en 1975) que comenzó a pintar a los 3 años y desde entonces ha contribuido considerablemente al ejercicio del estilo en obras de arte contemporáneo.

Después de la reforma económica china, cada vez más artistas llevaron a cabo audazmente innovaciones en la pintura china. Las innovaciones incluyen: desarrollo de nuevas habilidades de cepillado como agua y tinta verticales, con el artista representante Tiancheng Xie, creación de un nuevo estilo mediante la integración de técnicas de pintura tradicionales chinas y occidentales como Heaven Style Painting, con el artista representante Shaoqiang Chen y nuevas estilos que expresan el tema contemporáneo y la escena típica de la naturaleza de ciertas regiones, como Lijiang Painting Style, con el artista representativo Gesheng Huang. Un conjunto de 2008 de pinturas de Cai Jin, más conocido por su uso de colores psicodélicos, mostró influencias de las fuentes occidentales y tradicionales de China, aunque las pinturas eran abstracciones orgánicas.