El arte contemporáneo es el arte de hoy, producido en la segunda mitad del siglo XX o en el siglo XXI. Los artistas contemporáneos trabajan en un mundo de influencia global, culturalmente diverso y tecnológicamente avanzado. Su arte es una combinación dinámica de materiales, métodos, conceptos y temas que continúan el desafío de los límites que ya estaban en marcha en el siglo XX. Diversos y eclécticos, el arte contemporáneo en su conjunto se distingue por la falta de un principio organizador uniforme, ideología o «-ismo». El arte contemporáneo es parte de un diálogo cultural que se refiere a marcos contextuales más amplios, como la identidad personal y cultural, la familia, la comunidad y la nacionalidad.

En inglés vernáculo, moderno y contemporáneo son sinónimos, lo que resulta en cierta confusión y confusión de los términos arte moderno y arte contemporáneo por parte de no especialistas.

En otras disciplinas, este adjetivo es único: la literatura moderna y la literatura contemporánea denotan significados diferentes. Mucho más claramente, el concepto de música moderna generalmente está reservado para la música popular moderna (de la industria de la música de consumo masivo); mientras que el de la música contemporánea está hecho para el de la música académica del siglo XX, aunque también es común encontrar publicaciones e instituciones que asimilan ambas denominaciones y que hablan de «arte moderno y contemporáneo».

Además de la práctica artística en sí, el arte contemporáneo incluye áreas como la crítica y la teoría del arte, la educación artística con sus instituciones educativas y escuelas de arte, curaduría, publicaciones de arte contemporáneo, los medios y los medios de comunicación, el público y las colecciones privadas, galerías y ferias que conforman el mercado del arte contemporáneo, la industria de producción de arte contemporáneo y los lugares donde se exhiben, conservan y documentan obras de arte contemporáneo.

Término
Los términos arte contemporáneo se utilizan para evitar el término arte moderno o vanguardia. En el lenguaje cotidiano, moderno significa «contemporáneo, según el gusto contemporáneo, moderno» y, por lo tanto, puede considerarse un sinónimo de contemporáneo. En términos técnicos, en el contexto del arte y la historia cultural, el concepto de modernidad está más o menos firmemente asociado con una época de la historia del arte que aún no está cerrada pero que ya es histórica. Especialmente en relación con la aparición del término posmodernismo, véase también arquitectura posmoderna, lo moderno aquí ya no se considera contemporáneo o contemporáneo.

Los términos arte contemporáneo, no están vinculados a ningún concepto, estilo artístico, técnica, forma o pertenencia a una corriente artística, movimiento o grupo. El arte contemporáneo puede ser pintura, pero también puede estar en una forma que solo se ha establecido en los últimos años y décadas, como videoarte, performance, arte conceptual o escultura abstracta de metal.

Los términos arte contemporáneo no solo pueden dirigirse a la obra de arte individual, sino también a un sistema cultural y económico de producción de arte que es difícil de delimitar, que en parte se superpone con el negocio del arte y en parte se orienta hacia el mercado del arte. Muchos museos y exposiciones de arte habituales se ven hoy en día como lugares para el arte contemporáneo relevante. La exposición más importante para el arte contemporáneo es la exposición de documenta en Kassel, que tiene lugar cada cinco años. Los organizadores de la exposición de documenta en 2007 en relación con los términos arte contemporáneo y arte actual enfatizaron que «actual» no significa que las obras fueron creadas ayer. Deben ser importantes para nosotros hoy. »

Alcance
Algunos definen el arte contemporáneo como el arte producido dentro de «nuestra vida», reconociendo que las vidas y la duración de la vida varían. Sin embargo, se reconoce que esta definición genérica está sujeta a limitaciones especializadas.

La clasificación del «arte contemporáneo» como un tipo especial de arte, en lugar de una frase adjetiva general, se remonta a los inicios del Modernismo en el mundo de habla inglesa. En Londres, la sociedad de arte contemporáneo fue fundada en 1910 por el crítico Roger Fry y otros, como una sociedad privada para comprar obras de arte para colocar en museos públicos. Una serie de otras instituciones que utilizan el término se fundaron en la década de 1930, como en 1938 la Sociedad de Arte Contemporáneo de Adelaida, Australia, y un número creciente después de 1945. Muchos, como el Instituto de Arte Contemporáneo, Boston cambiaron sus nombres de los que usaban El «arte moderno» en este período, cuando el modernismo se definió como un movimiento histórico del arte, y gran parte del arte «moderno» dejó de ser «contemporáneo». La definición de lo que es contemporáneo está naturalmente siempre en movimiento, anclada en el presente con una fecha de inicio que avanza, y las obras que la Sociedad de Arte Contemporáneo compró en 1910 ya no podían describirse como contemporáneas.

Los puntos particulares que se han visto como un cambio en los estilos artísticos incluyen el final de la Segunda Guerra Mundial y la década de 1960. Quizás ha habido una falta de puntos de quiebre naturales desde la década de 1960, y las definiciones de lo que constituye el «arte contemporáneo» en la década de 2010 varían, y son en su mayoría imprecisas. Es muy probable que se incluya arte de los últimos 20 años, y las definiciones a menudo incluyen arte que se remonta a alrededor de 1970; «El arte de finales del siglo XX y principios del siglo XXI»; «El arte de finales del siglo XX y principios del siglo XXI, tanto una consecuencia como un rechazo del arte moderno»; «Estrictamente hablando, el término» arte contemporáneo «se refiere al arte hecho y producido por artistas que viven hoy»; «Arte de los años 60 o 70 hasta este mismo momento»; y a veces más allá, especialmente en contextos museísticos, ya que los museos que forman una colección permanente de arte contemporáneo inevitablemente encuentran este envejecimiento. Muchos usan la formulación «Arte moderno y contemporáneo», que evita este problema. Las galerías comerciales más pequeñas, las revistas y otras fuentes pueden usar definiciones más estrictas, tal vez restringiendo lo «contemporáneo» para trabajar desde 2000 en adelante. Los artistas que siguen siendo productivos después de una larga carrera y los movimientos artísticos en curso pueden presentar un problema en particular; Las galerías y los críticos a menudo son reacios a dividir su trabajo entre lo contemporáneo y lo no contemporáneo.

La socióloga Nathalie Heinich hace una distinción entre el arte moderno y el contemporáneo, describiéndolos como dos paradigmas diferentes que se superponen parcialmente históricamente. Ella descubrió que si bien el «arte moderno» desafía las convenciones de la representación, el «arte contemporáneo» desafía la noción misma de una obra de arte. Considera la Fuente de Duchamp (que se hizo en la década de 1910 en medio del triunfo del arte moderno) como el punto de partida del arte contemporáneo, que ganó impulso después de la Segunda Guerra Mundial con las actuaciones de Gutai, los monocromos de Yves Klein y el Dibujo borrado de Kooning de Rauschenberg.

Definición
La noción de «contemporaneidad» es ante todo una noción histórica. Según este enfoque, el período contemporáneo comenzaría a partir de 1945, con el final de la Segunda Guerra Mundial y, por conveniencia, la mayoría de los estudios tratan del período que comienza en 1945 y continúa hasta hoy.

«Contemporaneidad» también significa «simultaneidad». Contemporáneo es lo que está en el mismo período. Por lo tanto, lo «contemporáneo» sería la forma en que se hace hoy. Aplicada al arte, esta noción tiene una especificidad estética que puede ser controvertida, ya que los actores no tienen la distancia necesaria para apreciar de manera efectiva las obras. Por lo tanto, la designación «arte contemporáneo» no solo debe tomarse cronológicamente, ya que todas las producciones contemporáneas no pertenecen al enfoque contemporáneo, ni afirman serlo.

Nuevas referencias permiten definir cuál es el método contemporáneo. Una de las primeras es la transgresión contra la era anterior; así, la noción de «arte contemporáneo» quisiera afirmar su independencia no solo en relación con la noción de las llamadas artes «clásicas», en relación con las «bellas artes» y sus categorías (pintura, escultura, etc.), pero también en relación con el concepto de una manera «moderna». La forma contemporánea, por lo tanto, tiene en sí exclusiones. Es parte de la continuación del «arte moderno» y quisiera ponerle fin.

Además, la expresión «manera contemporánea» se usa hoy para artistas que siguen vivos y activos o que todavía pueden serlo, lo que en este caso ubicaría el origen del método contemporáneo en la década de 1960, con el arte pop, el arte conceptual, Fluxus y los acontecimientos. o videoarte. Es con estas corrientes artísticas que terminaría el período del arte moderno y la teoría de Clement Greenberg, que lo definió como la búsqueda de la especificidad de la técnica.

En esta búsqueda constante de una definición de contemporaneidad, la crítica de arte y las instituciones juegan un papel importante. Por lo tanto, generalmente están excluidos del enfoque contemporáneo «etiquetado» de las formas de arte cuyos temas no reflejan las tendencias promovidas por la crítica «contemporánea».

Desde un punto de vista geográfico, comenzando desde los principales medios de comunicación, principalmente occidentales (París, Londres, Nueva York), y con la caída del Muro de Berlín en 1989, luego el ascenso de China a este mismo En ese momento, el planeta del arte contemporáneo se volvió global, África y América Latina no escaparon a esta progresión.

Temas
Una de las dificultades que muchas personas tienen para acercarse a la obra de arte contemporánea es su diversidad: diversidad de material, forma, tema e incluso períodos de tiempo. Se «distingue por la falta de un principio organizador uniforme, ideología o -ismo» que tan a menudo vemos en otros períodos y movimientos artísticos, y muchas veces más familiares. En términos generales, vemos al Modernismo como una mirada a los principios modernistas: el enfoque del trabajo es autorreferencial, investigando sus propios materiales (investigaciones de línea, forma, color, forma). Del mismo modo, el impresionismo observa nuestra percepción de un momento a través de la luz y el color en oposición a los intentos de realismo absoluto (el realismo también es un movimiento artístico).

El arte contemporáneo, por otro lado, no tiene un solo objetivo o punto de vista. En cambio, su punto de vista no está claro, quizás refleje el mundo de hoy. Puede ser, por lo tanto, contradictorio, confuso y abierto. Sin embargo, hay una serie de temas comunes que han aparecido en obras contemporáneas. Si bien estos no son exhaustivos, los temas notables incluyen: política de identidad, el cuerpo, globalización y migración, tecnología, sociedad y cultura contemporánea, tiempo y memoria, y crítica institucional y política. Las teorías posmodernas, postestructuralistas, feministas y marxistas han desempeñado papeles importantes en el desarrollo de las teorías contemporáneas del arte.

Historia

Orígenes
El surgimiento de la fotografía ha influido en muchos artistas del siglo xix, como Degas, y ayudó a dar a luz al arte moderno. El arte ya no solo tiene la importante función de representar fielmente la realidad, la fotografía puede hacerlo mejor, el arte ahora puede probar otras formas, romper los cánones de la belleza y ofrecer nuevos experimentos e ideas conceptuales.

El arte contemporáneo tiene una base para los experimentos del arte moderno (principios del siglo xx), y en particular el deseo de sacar el arte de los lugares tradicionales e institucionales. En este sentido, el arte está perdiendo gradualmente su funcionalidad representativa. La creación contemporánea sigue siendo un espejo para una realidad bañada en conflictos y la toma del poder que causan estos ataques a la racionalidad. El arte refleja las crisis de la sociedad y sigue siendo el lugar de expresión de los valores. Las relaciones entre arte e historia no se evalúan cualitativa ni cuantitativamente, pero conducen a una concepción más institucional del arte: coleccionistas, oficinas centrales, galerías, museos, etc. para abrirse a un público más amplio. Sin embargo, los actores del arte moderno en su deseo de expresar su opinión artística fuera de los marcos institucionales para dirigirse al público, siguen vinculados a las instituciones; su enfoque era oponerse a una ideología (Heartfield hacia el nazismo) o, por el contrario, participar en la propagación de un pensamiento político.

A pesar del fin de las ideologías impuestas en el arte moderno, los artistas actuales están asumiendo esta herencia por su cuenta al expresar su profundo compromiso con las instituciones. En particular, cuando se altera su sensibilidad.

Hoy, el arte contemporáneo está experimentando el declive de las ideologías modernas (en la década de 1960, luego de 1990 con la caída del comunismo). Se basa en nuevos comportamientos: renovación estilística, mezcla artística, orígenes diversos, artes tecnológicas (acceso al poder matemático de las computadoras y ergonomía del software), modo de acercamiento a la realidad. Las tecnologías siempre han traído herramientas al arte. Hoy, el artista lo usa como una herramienta de medios e inventa otras nuevas. Se basa en la cultura histórica, enumerada; lee, visita, comprende, busca, se especializa, se enfoca en el tema y va más allá de lo que se ha hecho. A veces toma una posición, quiere ser demostrativo o impactante, en cualquier caso busca cobertura mediática.

De las «bellas artes» a las artes plásticas
El arte contemporáneo se basa en los experimentos del arte moderno, y regularmente reclama la brecha abierta por Marcel Duchamp y otros que habían liberado la práctica del arte de las restricciones clásicas de la representación.

El pensamiento posmodernista ha formulado la mayoría de los problemas inherentes al arte contemporáneo, liberados de las corrientes ideológicas (comunismo y capitalismo), sin evitar que artistas comprometidos critiquen los abusos políticos o ideológicos.

En Francia, la creación de las facultades de artes plásticas constituye una base para impugnar la enseñanza académica de las bellas artes; Las materias que antes eran ajenas al campo de la educación artística, la sociología, la etnología, la estética y otras, guían la investigación artística en sintonía con sus desarrollos recientes.

La búsqueda formal de la belleza es seguida por nuevas vías de investigación estética, la más radical de las cuales, el arte conceptual, el minimalismo, el rendimiento, el arte corporal, modifican permanentemente el significado y la percepción del arte, que a veces se convierte en la primera vista hermética para los no iniciados.

Sin embargo, ciertas corrientes, como los nuevos realistas, la figuración libre y la vanguardia trans, así como ciertos francotiradores, no abandonaron los medios tradicionales, al tiempo que modificaron radicalmente sus enfoques creativos.

El desglose de los tipos de medios (la pintura a menudo se abandona en favor de instalaciones, representaciones u otros) y el contenido de las obras modifica profundamente las redes de mediación del arte; Además de las nuevas galerías, hay nuevos contextos de exhibición y la aparición de nuevos medios de difusión.

En París, el Salon Comparaisons, en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de París, fue, en 1954, el punto de encuentro de todos los expositores de estas tendencias, confrontados, en el mismo espacio, con pintores de pintura figurativos y abstractos sobre caballete.

Arte contemporáneo en la era de la globalización.
A partir de la década de 1980, aparecieron las artes con un fuerte componente «tecnológico», con videoarte, estética de la comunicación, arte computacional y luego, arte digital, bioarte, etc. La lista no es exhaustiva y sigue muy de cerca el progreso. de investigación industrial.

En la década de 1990, el arte contemporáneo occidental otorgó su «etiqueta» a muchos artistas de los llamados países «en desarrollo», casi ausentes en el pasado. Los paradigmas de la globalización y la pérdida de referencias clásicas de espacio-tiempo han valorado los enfoques personales, o los componentes biográficos, sociológicos e incluso religiosos se valoran dentro del proceso de trabajo.

La comunicación vinculada a Internet desempeña un papel cada vez más importante en la recepción y mediación del arte contemporáneo, aguas arriba de las exhibiciones mismas, que integran cada vez más las estructuras de mediación estatales. Da paso a los «Consultores de Arte Contemporáneo», que asesoran gratuitamente sobre valores futuros. Los cambios que se han producido en los países más desarrollados (en particular, la creciente participación del sector terciario) han creado una necesidad cada vez más generalizada de arte, lo que no facilita la tarea de los artistas, obliga a la crisis, sin embargo.

El arte contemporáneo, a menudo oscuro y provocativo a los ojos del público en general, a menudo se considera como la emanación de un arte oficial. Sin embargo, hoy es mucho más aceptado y extendido que antes; Una oleada de obras de calidad desigual lo hace confuso y, a menudo, requiere una inversión personal por parte del público (ver Teorías modernas del arte).

En la lista de Internet, las obras de arte contemporáneo también son una ganancia financiera potencial, que no excluye los efectos de la moda a expensas de las obras verdaderamente originales.

Entre medio y mediación
Además de los medios clásicos (pintura al óleo, pastel, sanguíneo, bronce, mármol, etc.), el arte contemporáneo es particularmente aficionado a los nuevos medios, incluso los «no medios». En particular, la vocación efímera o «en progreso» de muchas obras cuestiona la noción misma de medio, que a menudo se convierte en un simple vector de mediación en lugar de un soporte estable. Esto está en línea con la transformación de los medios de información iniciados en la década de 1980, que se están desmaterializando gradualmente a favor de una lógica de «relación»:

Medios «tangibles»
Espejos (Art & Language Mirror Piece)
Residuos (Un desayuno de Daniel Spoerri), diversos materiales (hormigón, tierra, arena, etc.)
Heces (artista de la mierda de Piero Manzoni), orina, sangre
Poliestireno, poliuretano, silicona, plástico, etc. (expansiones de César)
Objetos diversos más o menos transformados o degradados (acumulaciones de Arman y Gérard Deschamps)

Medios «intangibles»
Medio ambiente (especialmente para Land art, luz de James Turrell)
Situaciones hic et nunc (Colectivo de arte sociológico)
Proyectos actuales (trabajo en curso por Roman Opałka)
Experiencia de prensa (Space Media Fred Forest)

Medios «tecnológicos»
Microfilms (Arte e idioma)
Fax (Hans Haacke)
Software de computadora (Art & Language The Cybernetic Art Work que Nadie rompió)
Net.art
Sistemas mecánicos (Stelarc)
Genes vivos (bioarte)

Ciertos medios, como la fotografía, que se convierte en «artista visual» (Joel-Peter Witkin), el cine, que se convierte en «experimental» (serie Cremaster de Matthew Barney), han adquirido el estatus de arte por derecho propio (de la misma manera que la pintura, la escultura o la música), y hoy constituyen categorías autónomas.

La noción de arte multimedia, ampliamente cuestionada hoy, cuestiona el estado de las obras de las instalaciones, a menudo representaciones mixtas, tal como aparecieron en la década de 1950.

Instituciones
El funcionamiento del mundo del arte depende de las instituciones de arte, que van desde los principales museos a galerías privadas, espacios sin fines de lucro, escuelas de arte y editoriales, y las prácticas de artistas individuales, curadores, escritores, coleccionistas y filántropos. Una división importante en el mundo del arte es entre los sectores con fines de lucro y sin fines de lucro, aunque en los últimos años los límites entre las instituciones privadas con fines de lucro y las organizaciones públicas sin fines de lucro se han vuelto cada vez más borrosas. El arte contemporáneo más conocido es exhibido por artistas profesionales en galerías comerciales de arte contemporáneo, coleccionistas privados, subastas de arte, corporaciones, organizaciones artísticas financiadas con fondos públicos, museos de arte contemporáneo o por los propios artistas en espacios dirigidos por artistas. Los artistas contemporáneos son apoyados por subvenciones, premios y premios, así como por la venta directa de su trabajo. Los artistas profesionales se entrenan en la escuela de arte o emergen de otros campos.

Existen estrechas relaciones entre las organizaciones de arte contemporáneo financiadas con fondos públicos y el sector comercial. Por ejemplo, en 2005, el libro Understanding International Art Markets and Management informó que en Gran Bretaña un puñado de distribuidores representaban a los artistas presentados en los principales museos de arte contemporáneo financiados con fondos públicos. Las organizaciones comerciales incluyen galerías y ferias de arte.

Las corporaciones también se han integrado al mundo del arte contemporáneo, exhibiendo arte contemporáneo dentro de sus instalaciones, organizando y patrocinando premios de arte contemporáneo, y acumulando amplias colecciones corporativas. Los anunciantes corporativos utilizan con frecuencia el prestigio asociado con el arte contemporáneo y la caza fría para llamar la atención de los consumidores sobre los artículos de lujo.

Las instituciones de arte han sido criticadas por regular lo que se designa como arte contemporáneo. El arte externo, por ejemplo, es literalmente arte contemporáneo, en el sentido de que se produce en la actualidad. Sin embargo, un crítico ha argumentado que no se considera así porque los artistas son autodidactas y, por lo tanto, se supone que trabajan fuera de un contexto histórico del arte. Las actividades artesanales, como el diseño textil, también están excluidas del ámbito del arte contemporáneo, a pesar de las grandes audiencias para exposiciones. El crítico de arte Peter Timms ha dicho que se llama la atención sobre la forma en que los objetos artesanales deben suscribirse a valores particulares para ser admitidos en el ámbito del arte contemporáneo. «Un objeto de cerámica que pretende ser un comentario subversivo sobre la naturaleza de la belleza es más probable que se ajuste a la definición de arte contemporáneo que uno que sea simplemente bello».

En cualquier momento, un lugar o grupo de artistas en particular puede tener una fuerte influencia en el arte contemporáneo posterior. Por ejemplo, The Ferus Gallery era una galería comercial en Los Ángeles y revitalizó la escena del arte contemporáneo californiano a fines de los años cincuenta y sesenta.

Actitudes publicas
El arte contemporáneo a veces puede parecer reñido con un público que no siente que el arte y sus instituciones comparten sus valores. En Gran Bretaña, en la década de 1990, el arte contemporáneo se convirtió en parte de la cultura popular, con artistas convirtiéndose en estrellas, pero esto no condujo a una «utopía cultural» esperada. Algunos críticos como Julian Spalding y Donald Kuspit han sugerido que el escepticismo, incluso el rechazo, es una respuesta legítima y razonable a gran parte del arte contemporáneo. Brian Ashbee, en un ensayo llamado «Art Bollocks», critica «gran parte del arte de instalación, fotografía, arte conceptual, video y otras prácticas generalmente llamadas postmodernas» por ser demasiado dependientes de explicaciones verbales en forma de discurso teórico. Sin embargo, la aceptación del arte no tradicional en los museos ha aumentado debido a las perspectivas cambiantes sobre lo que constituye una pieza de arte.

Preocupaciones
Una preocupación común desde principios del siglo XX ha sido la cuestión de lo que constituye el arte. En el período contemporáneo (1950 hasta ahora), el concepto de vanguardia puede entrar en juego para determinar qué arte es notado por galerías, museos y coleccionistas.

Las preocupaciones del arte contemporáneo también son criticadas. Andrea Rosen ha dicho que algunos pintores contemporáneos «no tienen absolutamente ninguna idea de lo que significa ser un artista contemporáneo» y que «están en él por todas las razones equivocadas».

Crítica del concepto
El proceso de globalización, sin embargo, cuestiona el concepto de un uniforme contemporáneo. «Arte contemporáneo» es una imagen colectiva de la posmodernidad. Según la lógica lingüística, esta combinación de palabras pretende abarcar una comunidad contemporánea más o menos global. En realidad, actúa como un concepto de valor con una función de admisión: determina qué es arte y qué no. Debido a esta diferencia, se niega la calidad artística del arte contemporáneo que no se ajusta al concepto establecido de «arte contemporáneo».

Los cinco extractos a continuación resumen la esencia de las críticas formuladas con respecto al llamado arte «contemporáneo»:

la visión del panfleto de Jean Monneret, quien ve en él esencialmente un arte estatal apoyado por funcionarios irresponsables que malgastan el dinero de los contribuyentes;
el análisis de Philippe Lejeune, quien llega al final de la dialéctica de los defensores del arte contemporáneo al demostrar su negación de la idea de belleza;
Fred Forest, que tomó medidas para defender las condenas cercanas a las de Jean Monneret atacando al estado ante los tribunales administrativos;
El artista plástico Daniel Buren señala la bancarrota del pensamiento en el arte contemporáneo de un arte vacío;
Franck Lepage cita, durante una de sus conferencias gesticuladas, el libro ¿Quién dirige el baile? La CIA y la Guerra Fría Cultural (¿Quién pagó al gaitero?: CIA y la Guerra Fría Cultural) por Frances Stonor Saunders, quien describe cómo, en el contexto de la Guerra Fría, la CIA financió organizaciones como el Congreso para la Libertad Cultural para promover el arte contemporáneo en Europa occidental, presentarlo como arte estadounidense y privarlo de significado social y político.

Jean Monneret
En el catálogo razonado del Salón de los Independientes de 1999, el presidente del Salón, Jean Monneret, lanzó un panfleto violento contra la definición acordada del arte contemporáneo, después de haber criticado durante mucho tiempo a los funcionarios que rigen la enseñanza de las artes visuales y la elección. obras compradas por las autoridades estatales y locales:

«¿Arte contemporáneo? Todos los artistas vivos son parte del arte contemporáneo. Son los artistas los que hacen el arte. Todos los artistas. ¡Libremente!
Sin embargo, el estado quiere que el público crea que solo hay un arte digno de interés, el llamado arte «contemporáneo», es decir, el arte estatal. Como si la instalación, la representación o el arte inculturado, siempre y cuando la leyenda que lo acompaña sea logorrea, sean, en sí mismos, la continuación histórica, lineal e indiscutible de la tradición artística. Es cierto que en el llamado arte «contemporáneo», cuanto menos hay para ver, ¡más hay para decir! En una exposición de arte contemporáneo, un conducto de ventilación, equipo de emergencia o el revestimiento de las instalaciones sanitarias a menudo se fusionan con las obras presentadas. La pregunta entonces es, ¿dónde está el trabajo? La armonía entre el contenedor y el contenido es perfecta.
En realidad, el arte de los salones históricos. La democracia requeriría que el estado, preocupado por el dinero de los contribuyentes, dé cuenta de la realidad contemporánea en toda su diversidad, sin exclusión … »

Philippe Lejeune
En el informe moral de Taylor de julio de 2006, la revisión de la fundación de Baron Taylor, el vicepresidente, el pintor y periodista Philippe Lejeune, distingue la noción de bellas artes de la del arte contemporáneo.

“Nosotros, practicamos un arte llamado“ pintura ”, esta actividad alguna vez se consideró parte de las Bellas Artes. Preocupado por la modernidad, sobre todo por querer deshacerse de un imperativo tan pesado de soportar como la belleza, la disputa entre lo antiguo y lo moderno que vivimos consiste simplemente en eliminar la referencia a la belleza. Al no poder alterar aún más los valores tradicionales del arte después de las experiencias de la mitad del siglo pasado, decidieron, siempre con la misma etiqueta aparente, suministrar un producto totalmente diferente. Fueron honestos, seamos sinceros, para cambiar su nombre. Los salones contemporáneos ya no son salones de pintura, son salones de arte contemporáneo.

El arte contemporáneo exhibe en lugares donde se exhibía «pintura», lo que naturalmente crea confusión. Pero en lugar de definir una nueva forma de arte, le aplicamos las reglas de otra disciplina, como un jugador, cansado de bridge, adaptando las reglas de belote … El arte contemporáneo rechaza todas las reglas, excepto la de ‘exclusión’. Sabes que un eslogan famoso era prohibir todas las prohibiciones. El arte contemporáneo solo vive en ukase. Cualquier cosa excepto la representación.

El arte contemporáneo se llama a sí mismo conceptual, es decir, a partir de un concepto, logramos proporcionar una sensación.
Las Bellas Artes tienen un objetivo completamente diferente, tienen un programa muy diferente. A partir de lo probado, lo confrontan con la memoria colectiva para llegar precisamente a una idea, es decir, un elemento que se puede comparar. »

Fred Forest
Después de su juicio contra el MNAM (centro Georges-Pompidou), Fred Forest escribe en la contraportada de su libro Funcionamiento y disfunciones del arte contemporáneo (L’Harmattan, París, 2000):

«Este libro tiende a revelar los límites y las contradicciones de un sistema que ya no puede continuar en la forma de élite actual en beneficio de un puñado de personas privilegiadas, siempre las mismas, que se benefician de la complacencia y la ganancia pública inesperada. La lucha por la tierra olla contra la olla de hierro, es la descripción por el menú de mi demanda hasta el Consejo de Estado contra el centro Georges-Pompidou, y a través de él, contra las instituciones públicas del arte contemporáneo por su negativa a la transparencia en las adquisiciones y su fracaso para cumplir con la ley del 78 sobre contabilidad pública. Más allá del arte, el enfoque emprendido aquí es sobre todo un enfoque ciudadano que hace la verdadera pregunta sobre el uso de los fondos públicos y el de la cultura en una democracia «.

Daniel Buren
En septiembre de 2011, Daniel Buren en la revista L’Œil señaló, durante una larga entrevista, la incapacidad, la confusión y la bancarrota de la expresión «arte contemporáneo»:

«En general, diría que la abrumadora salud que se le atribuye a él: bienales en todo el mundo, ferias en todos los puntos de inflexión y salas de subastas abarrotadas, son aspectos algo paradójicos de un área que, en términos de pensamiento, está al borde de bancarrota. Ya no es un momento en la historia, sino la moda del día a día. «Contemporáneo» es un término completamente sin sentido, pero es uno de los hallazgos más poderosos jamás encontrados para aniquilar de raíz todo lo que un artista podría presentar en lo más mínimo nuevo e inquietante «.