Caravaggisti es un grupo de pintores de Utrecht que viajaron a Roma a principios del siglo XVII y fueron profundamente influenciados por el trabajo de Caravaggio. A su regreso al norte de los Países Bajos, desarrollaron estas nuevas ideas artísticas en un estilo conocido como Utrecht Caravaggism. Esta tendencia tuvo un desarrollo breve pero intenso que duró de 1620 a 1630. La primera generación y los iniciadores fueron Hendrick ter Brugghen, Gerrit van Honthorst y Dirck van Baburen, quienes introdujeron el caravaggismo en el círculo de pintura de Utrecht 1620 con éxito inmediato. Abraham Bloemaert, Paulus Moreelse e incluso el manierista Joachim Wtewael se vieron afectados. El Utrecht Caravaggisti pintó predominantemente escenas de la historia y piezas de género. Estas son pinturas de tamaño natural con composiciones económicas y poderosas;

Los Caravaggisti (o los «Caravagesques») fueron seguidores estilísticos del pintor barroco italiano del siglo XVI Caravaggio. Su influencia en el nuevo estilo barroco que finalmente surgió del manierismo fue profunda. Caravaggio nunca estableció un taller como la mayoría de los otros pintores, y por lo tanto no tenía escuela para difundir sus técnicas. Tampoco expuso su enfoque filosófico subyacente al arte, el realismo psicológico que solo puede deducirse de su trabajo sobreviviente. Pero se puede ver directa o indirectamente en el trabajo de Rubens, Jusepe de Ribera, Bernini y Rembrandt.

Famoso mientras vivió, el propio Caravaggio fue olvidado casi inmediatamente después de su muerte. Muchas de sus pinturas fueron reasignadas a sus seguidores, como The Taking of Christ, que se atribuyó al pintor holandés Gerrit van Honthorst hasta 1990. Fue solo en el siglo XX que se redescubrió su importancia para el desarrollo del arte occidental. En la década de 1920, Roberto Longhi una vez más lo colocó en la tradición europea: «Ribera, Vermeer, La Tour y Rembrandt nunca podrían haber existido sin él. Y el arte de Delacroix, Courbet y Manet habría sido completamente diferente». El influyente Bernard Berenson declaró: «Con la excepción de Miguel Ángel, ningún otro pintor italiano ejerció una influencia tan grande».

Historia
Pocas revoluciones artísticas han sido tan explícitas y sorprendentes. En el contexto de la Contrarreforma, donde el Concilio de Trento recomendó una pintura más simple y más legible que la de los artistas del Renacimiento clásico y manierista, Caravaggio habrá llevado a cabo, respetando a sus patrocinadores, una serie de innovaciones que fueron casi exitoso inmediato. La investigación académica, llevada a cabo desde Roberto Longhi, ha planteado todo un entorno intelectual y una corriente de pensamiento en la que Caravaggio participó, a través de su familia, sus protectores, sus relaciones y sus amigos.

En Milán, pasó su juventud en una familia que lo mantiene informado sobre las nuevas ideas del arzobispo Charles Borromeo, inspirado en el ascetismo y el misticismo del siglo XVI, Ignacio de Loyola, Teresa de Ávila y Philippe Néri. En Roma, Caravaggio, poeta y músico en sus horas, vive en un ambiente muy cultivado y más o menos directamente involucrado en la Reforma Católica. Escucha los debates que animan este entorno, porque no olvidemos que cada orden importante, pensado durante muchos debates, se explica al artista. Así logra respetar las expectativas de Charles Borromée, el principal iniciador de esta reforma en Milán (el lugar de su aprendizaje), es decir: el retorno a una iconografía simplificada que se mueve respetando la teología. Mucho más profundiza el mensaje energizando sus pinturas por la intensidad simbólica de la sombra, asociada con la miseria y, a veces, la fealdad. Utiliza la dinámica de los cuerpos cortados en esta sombra por la «luz divina».

Una metáfora del contacto directo y místico con lo divino, de la luz reflejada y difusa. Reemplaza una visión naturalista centrada en el mundo de los hombres, los artificios del manierismo y todas las sobrecargas de color, la acumulación de accesorios y las ilusiones de perspectiva que prevalecían antes.

Esta revolución lleva a muchos artistas a inspirarse porque se basa en un vasto movimiento de regreso al estudio de la naturaleza: el iniciador Michel-Ange, pero también la academia boloñesa y Carrache, la escuela Lombard, que incluye a Moretto y Vincenzo Campi, después de El paréntesis manierista. Al centrarse en la naturaleza humana, sus pasiones y sus dramas, Caravaggio, que parecía competir con Miguel Ángel, fue más allá de todos sus contemporáneos en el radicalismo e hizo del cuerpo humano el tema, aparentemente único porque claramente visible, de su pintura.

Caravaggio abre el camino, a través de una pintura meditativa e íntima, a una exploración ansiosa del alma (un enfoque que Rembrandt seguirá en el contexto más austero del protestantismo holandés). Queriendo dar testimonio de las emociones humanas, busca hacer tangibles los eventos religiosos que, por lo tanto, representará como escenas de género. Humanizando el arte sagrado, su visión cruda y su piedad íntima se oponen totalmente al enfoque defendido durante este período. Incluso si estas pinturas a veces son rechazadas, los artistas e intelectuales de su tiempo lo reconocen como un inventor de genio.

Liberando a los artistas de los estereotipos manieristas e iniciando un nuevo enfoque de la realidad física de las cosas, la pintura de Caravaggio se difundirá rápida y ampliamente en Europa. Por lo tanto, el caravaggismo no se limita a un marco estilístico y se puede comparar con las referencias y el rigor clásico de un Georges de La Tour, así como con los énfasis barrocos de Rubens.

Estilo
Los caravaggistas pintaban grandes cuadros, al óleo, sobre lienzo. Preferentemente trataban temas religiosos, particularmente los más violentos y dramáticos, como la historia de Judith y Holofernes, o los martirios de los santos. Sin embargo, adoptaron una iconografía realista, tomando de la naturaleza los modelos de sus santos y vírgenes. Pocos elementos se agregaron a la composición, aparte del personaje central, pero estos elementos (como macetas o cestas) fueron muy realistas.

Esta tendencia impregnaba al público, que de esta manera estaba mejor representado en las obras, que incitaban la piedad; Por esta razón se convirtió en el primer estilo pictórico de la Contrarreforma. Sin embargo, el riesgo estaba en caer en una vulgaridad excesiva, lo que hacía que se perdiera parcialmente el respeto por estas imágenes sagradas, lo que provocó, por ejemplo, que algunas de las obras de Caravaggio fueran rechazadas por sus clientes.

Además de esto, las tablas de género eran frecuentes y representaban escenas de la vida cotidiana, como tabernas o juegos de cartas. Esta tendencia condujo a trabajos en los que prevaleció lo pintoresco, llamado bambochadas, siendo conocidos los pintores que los hicieron con el término bambochantes, una palabra derivada del italiano Bamboccio («figura de palo»), apodo del holandés Pieter van Laer. Estos pintores representaban escenas callejeras protagonizadas por personajes populares como gitanos o mendigos. Aunque utilizaron la técnica tenebrista, la verdad es que existe una cierta preocupación por el paisaje, ausente en la mayoría de los trabajos de esta tendencia.

Con menos frecuencia, se cultivaron temas mitológicos y bodegones.

Las composiciones son simples: las figuras, representadas en tamaño completo, medio o largo, sobre un fondo oscuro. El rasgo más característico de esta escuela es el uso del claroscuro: no trabajaron el fondo, que permaneció en la oscuridad, y concentraron toda su atención, con una luz muy intensa, en las figuras que ocupan el primer plano. Este dramático contraste fue cultivado sobre todo por los napolitanos y españoles, a quienes se les llama tenebristas.

En las pinturas italianas y españolas, la luz es de origen indeterminado; Por otro lado, en pintores como Georges de La Tour o la escuela Utrecht, proviene de una fuente específica que aparece en la pintura. Esta introducción en la caja de una fuente de luz visible se llama luminismo.

Los colores predominantes son rojo, ocre y negro. Se aplicó directamente, sin boceto preparatorio o dibujo previo, que en italiano se llama alla prima.

Evolución estilística
Originario de Milán, Caravaggio fue formado allí por Simone Peterzano, pero se mudó a Roma en 1592. Roma es, de hecho, el gran centro artístico italiano donde se encuentran artistas de todos los orígenes (Annibal Carrache es boloneso, Simon Vouet es francés, José de Ribera es español, etc.) que vienen a debatir en la Academia de San Lucas (fundada en 1593) y aprovechan el importante patrocinio religioso (papas y cardenales).

Hay tres períodos en el arte de Caravaggio:

La Manière claire: primer período romano entre 1594 y 1600. Todavía se puede sentir la influencia manierista con una paleta clara, un acabado suave y brillante. Sin embargo, observamos la implementación del esquema de caravaggesque en el encuadre y la composición (detallado en la siguiente parte). El adivino (c. 1595) conservado en el Louvre es un excelente ejemplo. Tenga en cuenta que este período es el de la creación de muchos temas y temas que experimentarán una gran sostenibilidad en la pintura occidental.
The Black Manner: entre 1600 y 1606, el papel de la luz se afirmó y el juego de contrastes con el desarrollo del «claroscuro caravaggish».
El Período Errante: entre 1606 y 1610, donde el proyecto de ley se hizo cada vez más vibrante y oscuro. A veces llamado «pietismo caravaggish», el pintor abandona su ironía y su insolencia probablemente debido a la culpa que lo asaltó después de un duelo que se convirtió en asesinato. Este período parece marcado por una búsqueda de la absolución divina.

Tenga en cuenta que la investigación más reciente tiende a relativizar, incluso si es innegable, una evolución de su pintura hacia la oscuridad.

Caracteristicas
El «esquema de caravaggesque» se puso en marcha muy temprano. Las composiciones, principalmente en ancho, presentan personajes de tamaño real, a menudo cortados a la mitad. Esta organización permite, mediante la sucesión de disparos, crear la ilusión de profundidad sin tener que lidiar con el problema de la perspectiva. Además, el artista introduce directamente al espectador a la escena. Esto parece aún más cercano debido al fondo neutral. La mayoría de sus imitadores (a excepción de Orazio Gentileschi) tomarán nuevamente estos artificios de composición que se observan en la mesa del museo del Louvre antes citado.

La luz también es un elemento esencial de sus composiciones. Primero bañando la imagen completa (The Fortune Teller, 1594, The Flight into Egypt, c. 1596), tiende a enfocarse en ciertas áreas creando un contraste de claroscuro que le da una dimensión cada vez más dramática a sus obras. Casi siempre fuera de la pintura, la luz irrumpe en la escena y guía el ojo hacia lo esencial. Con una dimensión simbólica y espiritual, participa tanto en la comprensión de la escena como en su sacralización. Tenga en cuenta que, en Caravaggio, el carácter divino de los personajes es literalmente «traído a la luz» en lugar de representado por atributos simbólicos y artificiales. Estos dos elementos son muy visibles en la tabla La vocación de San Mateo del ciclo de la Capilla Contarelli en Roma (1599-1600).

Dominan los rojos, marrones y negros. El color se aplica alla prima, sin dibujo preparatorio.

Con respecto a los temas tratados, Caravage permite una renovación perpetuada por sus imitadores. Generalmente observamos una doble lectura de sus obras, con una fuerte dimensión moral. Para lograr este objetivo, busca el arquetipo y con frecuencia usa los mismos modelos. Estas dos características disminuirán dentro de la corriente de Caravaggio, para tender hacia un estilo más anecdótico y decorativo, como lo ilustran las obras de Nicolas Régnier (adivino, museo del Louvre, 1626). Entre los temas representados por Caravaggio y tratados por los Caravaggesques, citemos:

The Cheaters: una obra de Caravaggio (preservada en Texas, 1595), dos obras de Georges de La Tour (una versión en el Louvre, una en Texas).
Los jugadores de laúd y los conciertos: dos intérpretes de laúd de Caravaggio (una versión conservada en el Museo Estatal del Hermitage y una en el Museo Metropolitano de Arte, 1596), una versión de Bartolomeo Manfredi (en el Hermitage, 1615), una versión de Gentileschi (en Washington, 1615), así como los numerosos conciertos de caravagistas del norte (Le Concert par Gerrit van Honthorst, 1620, museo del Louvre).
The Fortune Teller: dos versiones de Caravaggio (una versión en el museo del Louvre y una versión en el museo Capitole), una versión de Simon Vouet (1617, guardado en Ottawa), una de Nicolas Régnier (1620, Louvre), una de Valentin de Boulogne (1628, museo del Louvre) y una versión de Georges de La Tour (1640, Museo Metropolitano de Arte).
David ganador de Goliat: tres versiones de Caravaggio (una en Madrid, una en Viena y otra en Roma), una versión de Bartolomeo Manfredi (triunfo de David, 1615, museo del Louvre) y una versión de Guido Reni (1606, museo del Lumbrera).

Caravaggisti en italiano

Roma
En el apogeo de su popularidad en Roma a finales de 1590 y principios de 1600, el nuevo y dramático estilo de Caravaggio influyó en muchos de sus pares en el mundo del arte romano. El primer Caravaggisti incluyó a Mario Minniti, Giovanni Baglione (aunque su fase de Caravaggio fue de corta duración), Leonello Spada y Orazio Gentileschi. En la siguiente generación, estaban Carlo Saraceni, Bartolomeo Manfredi y Orazio Borgianni, así como maestros anónimos como el Maestro de los jugadores. Gentileschi, a pesar de ser considerablemente mayor, fue el único de estos artistas que vivió mucho más allá de 1620, y terminó como pintor de la corte de Carlos I de Inglaterra. Su hija Artemisia Gentileschi también estaba cerca de Caravaggio, y una de las más talentosas del movimiento, incluida la obra Judith Slaying Holofernes. Sin embargo, en Roma e Italia, no fue Caravaggio, pero la influencia de Annibale Carracci, que combina elementos del alto renacimiento y el realismo lombardo, que finalmente triunfó. Otros artistas activos en Roma, vale la pena mencionar, incluyen a Angelo Caroselli, Pier Francesco Mola, Tommaso Salini y Francesco Buoneri. Giacinto Brandi estuvo activo principalmente en Roma y Nápoles. El pintor holandés David de Haen estuvo activo en Roma entre 1615 y 1622.

Nápoles
En mayo de 1606 después del asesinato de Ranuccio Tomassoni, Caravaggio huyó a Nápoles con una sentencia de muerte en la cabeza. Mientras estuvo allí, completó varias comisiones, dos importantes fueron la Virgen del Rosario y Las Siete Obras de Misericordia. Su trabajo tuvo un profundo efecto en los artistas locales y su breve estancia en Nápoles produjo una notable escuela de caravaggistas napolitanos, incluidos Battistello Caracciolo, Bernardo Cavallino, Carlo Sellitto, Massimo Stanzione, Francesco Guarino, Andrea Vaccaro, Cesare Fracanzano y Antonio de Bellis. Giacinto Brandi estuvo activo principalmente en Roma y Nápoles. El movimiento Caravaggisti allí terminó con un terrible brote de peste en 1656, pero en ese momento Nápoles era una posesión de España y la influencia del Caravaggismo ya se había extendido allí.

Norte de Italia
Se sabe que Marco Antonio Bassetti estuvo en Roma en 1616, y pudo haber llegado allí dos años antes. En Roma cayó bajo la influencia de las pinturas de Caravaggio y Orazio Borgianni. A su regreso a Verona, pintó un San Pedro y Santos para la iglesia de San Tomaso y una coronación de la Virgen para Sant ‘Anastasia. Murió de la peste en Verona en 1630.

Bernardo Strozzi, nacido y principalmente activo en Génova y más tarde en Venecia, es considerado uno de los principales fundadores del estilo barroco veneciano. En la década de 1620, Strozzi abandonó gradualmente su estilo manierista temprano en favor de un estilo más personal caracterizado por un nuevo naturalismo derivado del trabajo de Caravaggio y sus seguidores. El estilo de pintura caravaggista había sido llevado a Génova tanto por Domenico Fiasella, después de su regreso de Roma en 1617-1818, como por seguidores de Caravaggio que pasaron un tiempo trabajando en la ciudad.

El pintor italiano Biagio Manzoni estuvo activo en Faenza. El pintor italiano de Reggio Emilia Bartolomeo Schedoni, Daniele Crespi de Milán y Luca Cambiasi, también conocido como Luca Cambiaso y Luca Cangiagio, el artista líder en Génova en el siglo XVI, a menudo representaban figuras brillantemente iluminadas sobre un fondo oscuro. Felice Boselli, activo en Piacenza, utilizó luces de contraste Caravaggisti para sus bodegones. Tanzio da Varallo (o simplemente il Tanzio) estuvo activo principalmente en Lombardía y Piamonte, incluido el Sacro Monte en Varallo Sesia, donde trabajó simultáneamente con Pier Francesco Mazzucchelli (il Morazzone). El pintor y grabador italiano Bernardino Mei trabajó en su Siena natal y en Roma, encontrando el patrocinio sobre todo en la familia Chigi.

Italia central
Pietro Ricchi (o il Lucchesino), nacido en Lucca, también a menudo representaba figuras brillantemente iluminadas sobre un fondo oscuro (ver San Sebastián).

Sicilia
Mario Minniti fue un artista italiano activo en Sicilia después de 1606. Él, a la edad de 16 años, incluso posó para la pintura de Caravaggio Boy with a Basket of Fruit.

Caravaggisti en holandés
El Instituto Holandés de Historia del Arte enumera 128 artistas etiquetados como «Caravaggisten». El pintor holandés David de Haen estuvo activo en Roma entre 1615 y 1622. Otro artista que vale la pena mencionar es Paulus Bor, quien inicialmente pintó pinturas de historia más bien tipo Caravaggisti, pero sus obras rápidamente se caracterizaron por un clasicismo relacionado con el de su hombre de ciudad Van Campen. Vale la pena mencionar a Abraham Lambertsz van den Tempel por su realismo e iluminación contrastante. El pintor flamenco Frans Badens estuvo activo en Amsterdam.

Utrecht
A principios del siglo XVII, artistas católicos de los Países Bajos viajaron a Roma como estudiantes y fueron profundamente influenciados por el trabajo de Caravaggio. A su regreso al norte, este grupo, conocido como el «Utrecht Caravaggisti», tuvo una floración efímera pero influyente en la década de 1620 entre pintores como Hendrick ter Brugghen, Gerrit van Honthorst, Andries Both y Dirck van Baburen. El breve florecimiento del caravagismo de Utrecht terminó alrededor de 1630, cuando grandes artistas habían muerto, como en el caso de Baburen y Terbrugghen, o habían cambiado de estilo, como el cambio de Van Honthorst a escenas de retratos e historia informadas por las tendencias flamencas popularizadas por Rubens y su seguidores En la siguiente generación, los efectos de Caravaggio, aunque atenuados, se verán en el trabajo de Vermeer, Rembrandt y Gerrit Dou »

Caravaggisti en flamenco
Rubens fue probablemente uno de los primeros artistas flamencos influenciados por Caravaggio. Durante el período 1600-1608, Rubens residió en Italia. Se instaló en Mantua en la corte del duque Vincenzo I Gonzaga, pero también pasó un tiempo en Roma. Durante su estancia en Roma en 1601 se familiarizó con el trabajo de Caravaggio. Más tarde hizo una copia del Entierro de Cristo de Caravagio y recomendó a su patrón, el duque de Mantua, que comprara La muerte de la Virgen (Louvre). Después de su regreso a Amberes, Rubens fue instrumental en la adquisición de la Virgen del Rosario de Caravagio (Kunsthistorisches Museum, Viena) para la Iglesia de San Pablo en Amberes.

Aunque parte de este interés en Caravaggio se refleja en sus dibujos durante su residencia italiana, fue solo después de su regreso a Amberes en 1608 que sus obras muestran abiertamente rasgos caravaggescos como el asesinato de Abel por Caín (1608-1609) (Courtauld Institute of Arte). Sin embargo, la influencia de Caravaggio en el trabajo de Rubens sería menos importante que la de Raphael, Correggio, Barocci y los venecianos. Los artistas, que fueron influenciados por Rubens, como Pieter van Mol, Gaspar de Crayer y Willem Jacob Herreyns, también usaron cierto realismo y fuertes contrastes de luces y sombras, comunes al estilo Caravaggisti.

El contemporáneo de Rubens, Abraham Janssens, fue otro pintor flamenco que viajó a Italia (de 1597 a 1602) donde conoció la obra de Caravaggio. Su trabajo después de su regreso a Amberes muestra la influencia de Caravaggio. La composición Scaldis y Amberes de 1609 deriva su poder expresivo del uso de fuertes contrastes de luz y sombra (claroscuro) como fue pionero por Caravaggio.

Son principalmente los artistas flamencos de la generación posterior a la llegada de Rubens a la escena del arte en la década de 1620 los más influenciados por Caravaggio. Incluso se puede decir que hubo una locura caravaggista en Flandes desde aproximadamente 1620 hasta 1640. A los artistas se les suele llamar Caravaggisti de Gante y Caravaggisti de Amberes después de la ciudad en la que estaban principalmente activos. Sin embargo, no existe una distinción estilística discernible entre estos dos movimientos que no sean individuales. Entre los Gava Caravaggisti se pueden enumerar Jan Janssens, Melchior de la Mars y Antoon van den Heuvel. La lista de Caravaggisti de Amberes refleja significativamente la importancia de esta ciudad como el centro artístico preeminente de Flandes. Incluyen Theodoor Rombouts, Gerard Seghers, Jan Cossiers, Adam de Coster, Jacques de l’Ange y Jan van Dalen.

En Brujas, Jacob van Oost pintó pinturas de género e historia que muestran la influencia de la obra de Caravaggio y Manfredi, cuya obra había estudiado en Roma. Algunos Caravaggisti flamencos dejaron su tierra natal para Italia, donde fueron influenciados por el trabajo de Caravaggio y sus seguidores y nunca regresaron a casa. Es el caso de Louis Finson, de Brujas, quien después de permanecer en Nápoles y Roma pasó la mayor parte de su carrera en Francia. Otro ejemplo de caravagista flamenco expatriado es Hendrick de Somer, de Lokeren o Lochristi, quien pasó la mayor parte de su vida y carrera en Nápoles, donde pintó en un estilo caraviggista influenciado por el pintor español Jusepe de Ribera.

Lo que la mayoría de estos artistas comparten en común es que probablemente visitaron Italia, donde tuvieron contacto directo con el trabajo de Caravaggio o sus seguidores italianos y holandeses. La influencia de Caravaggio y sus seguidores en su trabajo se puede ver en el uso de dramáticos efectos de luz y gestos expresivos, así como en el nuevo tema, como objetos punzantes de cartas, adivinos, la negación de San Pedro, etc. Algunos de los artistas centrado en ciertos aspectos de la obra de Caravaggio. Por ejemplo, Adam de Coster fue referido como el Pictor Noctium (pintor de las noches) debido a su preferencia por el uso del claro claroscuro y el motivo repetido de figuras de medio cuerpo iluminadas por una vela que está cubierta.

Muchos de estos artistas, como Rombouts, Cossiers y Seghers, abandonaron más tarde su estricta adhesión al estilo y el tema caravaggista y atacaron en diferentes direcciones a menudo bajo la influencia de la generación anterior de artistas flamencos que tuvieron una influencia tan dominante en el arte flamenco en el siglo 17, es decir, Rubens y van Dyck.

Caravaggisti en francés
Uno de los primeros artistas franceses en estudiar en Roma durante los años de Caravaggio fue Jean LeClerc, quien estudió con Saraceni a principios del siglo XVII. Simon Vouet pasó un extenso período de tiempo en Italia, de 1613 a 1627. Sus patrocinadores incluyeron a la familia Barberini, Cassiano dal Pozzo, Paolo Giordano Orsini y Vincenzo Giustiniani. También visitó otras partes de Italia: Venecia; Bolonia, (donde la familia Carracci tenía su academia); Génova, (desde 1620 hasta 1622, trabajó para los príncipes Doria); y Nápoles

Absorbió lo que vio y lo destiló en su pintura: la espectacular iluminación de Caravaggio; Manierismo italiano; El color y el sotto de Paolo Veronese en su perspectiva escorzada; y el arte de Carracci, Guercino, Lanfranco y Guido Reni. El éxito de Vouet en Roma llevó a su elección como presidente de la Accademia di San Luca en 1624. A pesar de su éxito en Roma, Vouet regresó a Francia en 1627. El nuevo estilo de Vouet era claramente italiano, importando el estilo barroco italiano en Francia. Otros artistas franceses enamorados del nuevo estilo incluyeron a Valentin de Boulogne, que vivía en Roma en 1620, y estudió con Vouet y más tarde con el alumno de Boulognes, Nicolas Tournier.

Se supone que Georges de La Tour viajó a Italia o los Países Bajos al principio de su carrera. Sus pinturas reflejan la influencia de Caravaggio, pero esto probablemente lo alcanzó a través de los Caravaggisti holandeses y otros contemporáneos del norte (francés y holandés). En particular, La Tour a menudo se compara con el holandés Hendrick Terbrugghen. Louis Finson, también conocido como Ludovicus Finsonius, fue un pintor barroco flamenco, que también trabajó en Francia.

Caravaggisti en español
Francisco Ribalta se convirtió en uno de los primeros seguidores en España del estilo tenebrista. No está claro si visitó directamente Roma o Nápoles, donde el estilo de Caravaggio tenía muchos seguidores, aunque a través de su conexión con Nápoles, España probablemente ya estaba expuesta a Caravaggisim a principios del siglo XVII. Se dice que su hijo Juan Ribalta, Vicente Castelló y Jusepe de Ribera fueron sus alumnos, aunque es muy posible que Ribera adquiriera su tenebrismo cuando se mudó a Italia. El estilo atrajo a varios seguidores en España, e influyó en los pintores españoles del Barroco o del Siglo de Oro, especialmente Zurbarán, Velázquez y Murillo.

Incluso el arte de la naturaleza muerta en España, el bodegón a menudo se pintaba con un estilo austero y austero. Orazio Borgianni firmó una petición para comenzar una academia de pintura italiana en España y ejecutó una serie de nueve pinturas para el Convento de Portacoeli, Valladolid, donde permanecen. Giovanni Battista Crescenzi fue un pintor y arquitecto italiano del período barroco temprano, activo en Roma y España, donde ayudó a decorar el panteón de los reyes españoles en El Escorial. Saltó a la fama como artista durante el reinado del Papa Pablo V, pero en 1617 se había mudado a Madrid, y desde 1620 en adelante, estuvo activo en El Escorial. Felipe III de España le otorgó el título de Marqués de la Torre, Caballero de Santiago. Su alumno Bartolomeo Cavarozzi estuvo activo en España.

Desarrollos

Luminismo
El luminismo a finales de la primera mitad del siglo XVII es un Caravaggio cuya peculiaridad radica en la acentuación de la luz en la atmósfera que calma la mesa. Los colores se calientan con la fuente de luz. Sus principales representantes son Georges de La Tour en Francia y Gerrit van Honthorst en Holanda; El genovés Luca Cambiaso es el precursor.

Oscuridad
En Darkness, apareció alrededor de 1610, los contrastes de luz y sombra son más violentos, el efecto es más oscuro. El movimiento Tenebrosi, agrupado en su mayor parte en este gran centro artístico que es Sevilla en la «Edad de Oro», está representado por José de Ribera (1591-1652) o Mattia Preti (1613-1699), quizás influenciado por el Battistello napolitano Caracciolo, uno de los primeros caravageurs italianos. De hecho, el reino de Nápoles estaba entonces bajo el dominio español y los intercambios eran numerosos entre los artistas de uno y otro país. Francisco de Zurbarán (1598-1664) adoptó un estilo darkovista que le valió el apodo de «Caravaggio español» en su primer período. Francisco Ribalta (1551-1628) se ilustró en Valence en pinturas religiosas donde la influencia de Caravaggio es muy notable.

Los pintores españoles Juan Sánchez Cotán (1560-1627) y Juan van der Hamen (1596-1631), especialistas en bodegones llamados bodegones, asimilan las lecciones de pintura holandesa y caravaggismo.