Literatura clásica

La centralización monárquica iniciada por Louis XIII se afirmó en 1630 en el dominio político bajo la autoridad de Richelieu primero, luego Mazarin y Louis XIV. Tiene consecuencias en el campo cultural con la creación de la Academia Francesa en 1635 y luego otras Academias que tienen como objetivo codificar el idioma y regular la composición de las obras. Sin embargo, la autoridad política y la autoridad cultural no deben asimilarse demasiado rápido.

Los escritores clasicistas volvieron a la idea de que el arte debe basarse en la razón, que controla la expresión de las emociones. Por esta razón, buscaron un equilibrio entre los sentimientos y la razón, buscando así lograr una representación universal de la realidad, sin tener en cuenta lo que era puramente ocasional o privado.

El fundador de la poética del clasicismo es el francés Francois Mahlerb (1555-1628), quien llevó a cabo la reforma de la lengua y el verso francés y desarrolló cánones poéticos. Los principales representantes del clasicismo en el drama fueron los tragedios Cornel y Racine (1639-1699), cuyo tema principal de creatividad fue el conflicto entre el deber público y las pasiones personales. Los géneros «bajos» también alcanzaron un alto desarrollo: una fábula (J. Lafontaine), una sátira (Boileau) y una comedia (Moliere, 1622-1673).

Boileau se hizo famoso en toda Europa como el «legislador de Parnaso», el más grande teórico del clasicismo, quien expresó sus puntos de vista en el tratado poético «Arte poético». Bajo su influencia en el Reino Unido estuvieron los poetas John Dryden y Alexander Pope, quienes hicieron de Alexandrina la principal forma de poesía inglesa. Para la prosa inglesa de la era del clasicismo (Addison, Swift), la sintaxis latinizada también es característica.

Desde un punto de vista ideológico, la gran pregunta del siglo xvii es la cuestión religiosa. Los escritores clásicos, por lo tanto, están necesariamente inmersos en la cultura religiosa. Ciertas obras, como Les Provinciales de Pascal o la obra de Bossuet, incluso están enteramente bajo religión. Muchos serán influenciados por el jansenismo.

El clasicismo del siglo XVIII se desarrolla bajo la influencia de las ideas de la Ilustración. El trabajo de Voltaire (1694-1778) está dirigido contra el fanatismo religioso, la opresión absolutista, lleno del patetismo de la libertad. El objetivo de la creatividad es cambiar el mundo para mejor, construir de acuerdo con las leyes del clasicismo de la sociedad misma. Desde el punto de vista del clasicismo, el inglés Samuel Johnson estudió la literatura contemporánea con un brillante círculo de personas de ideas afines, incluido el ensayista Boswell, el historiador Gibbon y el actor Garrick. Tres unidades son características de las obras dramáticas: la unidad del tiempo (la acción tiene lugar un día), la unidad del lugar (en un lugar) y la unidad de la acción (una historia).

Son las obras de los eruditos las que definen las teorías del gusto clásico, a través de letras, tratados, artes poéticas. Vaugelas, Guez de Balzac y Dominique Bouhours legislan sobre el uso apropiado del idioma. Jean Chapelain y el Abad d’Aubignac definen las reglas del teatro clásico. Difunden este gusto a la audiencia mundana de los salones a los que asisten. Los cánones literarios también se definen en obras no teóricas, obras literarias o prefacios que los justifican. Este es el caso de los mejores dramaturgos: Molière, Racine y especialmente Corneillewho estuvo involucrado en numerosas disputas y resumieron sus opiniones sobre la escritura teatral en The Three Speeches on Dramatic Art. Cabe señalar, sin embargo, que los dramaturgos a menudo abogan por una adaptación de las reglas que rara vez aplican a la carta.

La enseñanza de lo aprendido se basa de hecho en reglas extraídas de los modelos griegos y latinos. Leemos y releemos en ese momento La Poétique d ‘Aristote, cuya interpretación es la fuente de la mayoría de las reglas del teatro clásico. En poesía, el arte poético de Horacio sirve de referencia. Finalmente, los autores clásicos recurren a modelos antiguos para crear sus propias obras. Sin embargo, no son pura imitación. Los grandes autores solo reutilizan estos modelos para hacer obras modernas de ellos. Así, si La Fontaine toma las fábulas de Esopo y PhèdreIs para dar una versión moderna de la cual la moral social y política solo puede entenderse en el contexto del siglo xvii.

Visión general
El clasicismo es un género específico de filosofía, que se expresa en literatura, arquitectura, arte y música, que tiene fuentes griegas y romanas antiguas y un énfasis en la sociedad. Se expresó particularmente en el Neoclasicismo de la Era de la Ilustración.

El clasicismo es una tendencia recurrente en el período antiguo tardío, y tuvo un renacimiento importante en el arte carolingio y otoniano. Hubo otro renacimiento más duradero en el renacimiento italiano cuando la caída de Bizancio y el aumento del comercio con las culturas islámicas trajeron una avalancha de conocimiento sobre, y desde, la antigüedad de Europa. Hasta ese momento, la identificación con la antigüedad se había visto como una historia continua de la cristiandad desde la conversión del emperador romano Constantino I. El clasicismo renacentista introdujo una serie de elementos en la cultura europea, incluida la aplicación de las matemáticas y el empirismo en el arte, el humanismo, la literatura y realismo representativo y formalismo. Es importante destacar que también introdujo el politeísmo, o «paganismo», y la yuxtaposición de lo antiguo y lo moderno.

El clasicismo del Renacimiento llevó a, y dio paso a, un sentido diferente de lo que era «clásico» en los siglos XVI y XVII. En este período, el clasicismo adquirió connotaciones más abiertamente estructurales de orden, previsibilidad, uso de geometría y cuadrículas, la importancia de una disciplina y pedagogía rigurosas, así como la formación de escuelas de arte y música. La corte de Luis XIV fue vista como el centro de esta forma de clasicismo, con sus referencias a los dioses del Olimpo como un apoyo simbólico para el absolutismo, su adhesión al razonamiento axiomático y deductivo, y su amor por el orden y la previsibilidad.

Este período buscó el renacimiento de las formas de arte clásico, incluido el drama griego y la música. La ópera, en su forma europea moderna, tuvo sus raíces en los intentos de recrear la combinación de canto y baile con el teatro que se cree que es la norma griega. Los ejemplos de esta apelación al clasicismo incluyeron a Dante, Petrarca y Shakespeare en poesía y teatro. El drama Tudor, en particular, se inspiró en los ideales clásicos y dividió las obras en Tragedia y Comedia. Estudiar griego antiguo se consideró esencial para una educación integral en las artes liberales.

El Renacimiento también volvió explícitamente a los modelos arquitectónicos y las técnicas asociadas con la antigüedad griega y romana, incluido el rectángulo dorado como una proporción clave para los edificios, los órdenes clásicos de columnas, así como una gran cantidad de ornamentos y detalles asociados con la arquitectura griega y romana. También comenzaron a revivir las artes plásticas, como la fundición de bronce para la escultura, y utilizaron el naturalismo clásico como base del dibujo, la pintura y la escultura.

La Era de la Iluminación se identificó con una visión de la antigüedad que, aunque continuaba con el clasicismo del siglo anterior, fue sacudida por la física de Sir Isaac Newton, las mejoras en la maquinaria y la medición, y una sensación de liberación que vieron como presente en la civilización griega, particularmente en sus luchas contra el imperio persa. Las formas ornamentales, orgánicas e integradas de manera compleja del barroco darían paso a una serie de movimientos que se consideraban expresamente como «clásicos» o «neoclásicos», o serían rápidamente etiquetados como tales. Por ejemplo, la pintura de Jacques-Louis David fue vista como un intento de volver al equilibrio formal, la claridad, la virilidad y el vigor en el arte.

El siglo XIX vio la era clásica como la precursora del academismo, incluidos movimientos como el uniformitarianismo en las ciencias y la creación de categorías rigurosas en los campos artísticos. Varios movimientos del período romántico se vieron a sí mismos como revueltas clásicas contra una tendencia predominante de emocionalismo e irregularidad, por ejemplo, los prerrafaelitas. En este punto, el clasicismo era lo suficientemente viejo como para que los movimientos clásicos anteriores recibieran avivamientos; Por ejemplo, el Renacimiento fue visto como un medio para combinar lo orgánico medieval con lo clásico ordenado. El siglo XIX continuó o extendió muchos programas clásicos en las ciencias, especialmente el programa newtoniano para explicar el movimiento de energía entre los cuerpos mediante el intercambio de energía mecánica y térmica.

El siglo 20 vio una serie de cambios en las artes y las ciencias. El clasicismo fue utilizado tanto por quienes rechazaron, o vieron como temporales, las transfiguraciones en el mundo político, científico y social como por quienes adoptaron los cambios como un medio para derrocar el peso percibido del siglo XIX. Por lo tanto, ambas disciplinas anteriores al siglo XX fueron etiquetadas como movimientos «clásicos» y modernos en el arte que se veían alineados con la luz, el espacio, la escasez de textura y la coherencia formal.

En la actualidad, el clasicismo filosófico se usa como un término particularmente en relación con los impulsos apolíneos sobre los dionisíacos en la sociedad y el arte; esa es una preferencia por la racionalidad, o al menos la catarsis guiada racionalmente, sobre el emocionalismo.

Características del clasicismo.
El clasicismo del siglo xvii está lejos de limitarse a una imitación de los antiguos. De hecho, los médicos y las bibliotecas inventan una estética basada en principios de orden bastante restrictivos que conducirán a la crítica moderna a asimilar el clasicismo y el respeto por las reglas.

La escritura clásica afirma estar basada en la razón. A veces hemos visto la influencia del racionalismo de Descartes allí, pero es más bien un interés en la lucidez y el análisis. Los héroes y heroínas clásicos generalmente no son racionales, pero sus pasiones, a menudo violentas, se analizan por escrito, lo que las hace inteligibles. Por lo tanto, el clasicismo está más influenciado por un deseo de someter lo irrazonable al orden de la razón que por un racionalismo real que luego inspiraría a los filósofos de la Ilustración.

Al crear una forma de orden, los escritores clásicos buscan lo natural. Dar la impresión de una combinación perfecta entre forma y contenido gracias a una escritura fluida es, de hecho, el ideal del estilo clásico. A este respecto, el clasicismo entra efectivamente en tensión con lo que fue el estilo barroco. Charles Sorel escribe así: «Su lenguaje natural que parece simple para las mentes comunes es más difícil de observar que estos lenguajes hinchados que la mayoría del mundo aprecia mucho». Esta búsqueda de una forma de simplicidad en la escritura hará admirar a muchos autores del siglo xx como Valery, Gide, Camus o Ponge.

Para dar la impresión de naturalidad, es sobre todo importante no sorprender al lector. Por lo tanto, la probabilidad de reglas y decoro juega un papel importante en el siglo xvii.

La probabilidad es lo que puede parecer cierto. El objetivo no es representar la verdad, sino respetar los marcos de lo que el público de la época consideró posible. Boileau pudo decir en su Arte poético que «lo verdadero a veces puede no ser probable». Lo que probablemente corresponda a las opiniones del público en términos de ética, relaciones sociales, nivel de lenguaje utilizado, etc. La mayor crítica que se ha hecho al Cid es proponer un final improbable, porque la moral no puede aceptar que una niña se casa con el asesino de su padre incluso si el hecho es histórico.

La importancia de la plausibilidad está vinculada a la importancia de la moralidad en la literatura clásica. De hecho, las obras clásicas se propusieron el objetivo de «reformar» al público al hacer que reflexionen sobre sus propias pasiones. Según Chapelain, el público solo puede ser tocado por lo que puede creer y la literatura solo puede ayudar a los hombres a mejorar si les toca. Porque el ideal artístico del clasicismo va acompañado de un ideal moral encarnado en la figura teórica del hombre honesto. Esta expresión resume todas las cualidades que uno puede esperar de un cortesano: cortesía, cultura, humildad, razón, templanza, respeto por las reglas, capacidad de adaptarse a quienes lo rodean.

Teatro
Durante la primera mitad del siglo xvii, apreciamos las comedias trágicas de la trama romántica y las decoraciones complejas 7. A lo largo del siglo, notablemente bajo la influencia de los teóricos, las intrigas se simplificaron y los conjuntos se despojaron para liderar a lo que hoy se llama teatro clásico. El Abbé d’Aubignac juega un papel importante, porque en La Pratique du théâtre 8 en 1657 analiza el teatro antiguo y el teatro contemporáneo y dibuja principios que constituyen las bases del teatro clásico. Esta reflexión sobre el teatro fue alimentada durante todo el siglo por académicos y dramaturgos. Boileau en su Arte poético en 1674 solo resumirá y resumirá en versos efectivos las reglas ya aplicadas.

Las reglas del teatro clasico
Es la regla de probabilidad, explicada anteriormente, la que está en el origen de todas las reglas del teatro clásico.
“Que en un día, que en un lugar, solo un hecho logrado / Hold hasta el final se llenó el teatro. »

Estas dos líneas de Boileau resumen la famosa regla de tres unidades: la acción debe tener lugar en veinticuatro horas (unidad de tiempo), en un solo lugar (unidad de lugar) y solo debe consistir en una sola trama (unidad de acción) . Estas reglas tienen dos propósitos principales. Por un lado, se trata de hacer plausible la acción teatral, porque los conjuntos no necesitan cambiar y la acción tiene lugar en un momento que podría ser el momento de la representación. Por otro lado, la acción es más fácil de seguir, porque las tramas complicadas que mezclan muchos caracteres están prohibidas a favor de las tramas lineales centradas en pocos caracteres. Estas reglas han llevado a una forma de internalización de acciones. De hecho, el discurso se ha desarrollado a expensas de lo espectacular y las piezas clásicas dan mucho espacio para la expresión de sentimientos y análisis psicológicos.

La regla de la decencia obliga a representar en escena solo lo que no sorprenderá al público. Excluimos la violencia física, pero también la intimidad física. Por lo tanto, las escenas violentas deben ser contadas por un personaje. Algunas excepciones se han mantenido famosas, como la muerte de Phèdre y Dom Juan en las obras homónimas de Racine y Molière, así como la locura del personaje de Oreste en Andromaque.

Ejemplos de dramaturgos clasicistas son Pierre Corneille, Jean Racine y Molière. En el período del Romanticismo, Shakespeare, que no se ajustó a ninguna de las reglas clásicas, se convirtió en el foco de discusión francesa sobre ellos, en el que los románticos finalmente triunfaron; Victor Hugo fue uno de los primeros dramaturgos franceses en romper estas convenciones.

La influencia de estas reglas francesas en los dramaturgos en otras naciones es discutible. En el teatro inglés, los dramaturgos de la Restauración como William Wycherly y William Congreve habrían estado familiarizados con ellos. William Shakespeare y sus contemporáneos no siguieron esta filosofía clasicista, en particular porque no eran franceses y también porque escribieron varias décadas antes de su establecimiento. Aquellos de las obras de Shakespeare que parecen mostrar las unidades, como The Tempest, probablemente indican una familiaridad con los modelos reales de la antigüedad clásica.

Tragedia
La tragedia no existió durante la Edad Media francesa. Renació en el siglo xvi después de releer la vieja trágica. Transforma todo en los siglos xvi y xvii. Primero evoluciona hacia lo que se ha llamado tragicomedia alimentándose de una intriga cada vez más romántica. Pero los eruditos y los dramaturgos defienden el regreso a un modelo más acorde con los antiguos cánones y, en última instancia, se convierte en el gran género de la era clásica. Es por eso que las reglas establecidas anteriormente se aplican principalmente a la tragedia.

Por lo tanto, la tragedia se define primero por su tema y sus personajes. Una obra trágica debe tener un tema mítico o histórico. Sus personajes son héroes, reyes o al menos personajes de muy alta nobleza. El estilo adoptado debe estar de acuerdo con la altura de quienes pronuncian el texto. La mayoría de las tragedias están escritas en alejandrino y siempre respetan un estilo alto. A menudo hemos asimilado la tragedia y un final infeliz. Si bien es cierto que la mayoría de las tragedias terminan mal, este no es un criterio definitorio, ya que algunas tragedias terminan bien.

Como en el teatro antiguo, la tragedia tiene un final moral. Debe permitir que los espectadores mejoren a nivel moral combatiendo algunas de sus pasiones. Siguiendo a Aristóteles, consideramos que la tragedia debe inspirar «terror y lástima» frente al destino de los héroes aplastados por las consecuencias de sus errores. Estos dos sentimientos deben permitir a los espectadores disociarse de las pasiones que empujaron a los héroes a actuar y, por lo tanto, no reproducirlos ellos mismos. Además, los teóricos clásicos tomaron de Aristóteles la noción de catarsis, que en términos generales significa purgar las pasiones. La idea es que al ver personajes animados por pasiones violentas, los espectadores de alguna manera cumplirán sus propias pasiones y se liberarán de ellas.

El gran trágico clásico es Racine. Escribe tragedias donde los héroes son condenados por la fatalidad, encerrados en un destino que revela lo absurdo de su existencia y solo puede llevarlos a la muerte.
Corneille evoluciona durante su carrera del barroco al clásico. Sus tragedias dan mucho más valor al héroe que, aunque a menudo condenado a un desenlace fatal, en realidad se convierte en un héroe en sus obras. Corneille pudo proponer la identificación con el héroe como una posible forma de construir al espectador.
Además, se desarrollaron tragedias líricas en la era clásica. Este género está notablemente representado por Philippe Quinault, que trabaja en colaboración con Jean-Baptiste Lully. Conducirá a la creación de la ópera francesa.

Comedia
La comedia de la época clásica está fuertemente dominada por la figura de Molière, incluso si los autores de cómics eran muy numerosos. La comedia está mucho menos enmarcada por reglas explícitas que la tragedia porque, considerada como un género menor, apenas interesa a los teóricos. No tenemos la parte de Poética que Aristóteles habría dedicado a las obras de historietas.

Sin embargo, un autor como Molière trata de dar una forma de nobleza a la comedia y se inspira en las reglas del teatro clásico. Si la unidad de acción rara vez se respeta, la unidad de lugar y tiempo a menudo se respeta. Sobre todo, siguiendo a Corneille, trabaja la comedia de intriga inspirada en las comedias latinas de Térence y Plaute. Por lo tanto, está inspirado en los antiguos. Pero también se aleja de la farsa para contribuir al desarrollo de nuevas comedias. Se basan en tramas complejas y se pueden jugar en tres o cinco actos. Sus personajes ciertamente no pueden pertenecer a la gran nobleza, pero a menudo pertenecen a la burguesía o la nobleza inferior. Por lo tanto, si el lenguaje es de registro común y, a veces, incluso familiar, el estilo no es necesariamente muy bajo. Algunas comedias incluso están escritas en alejandrino. Molière utiliza los efectos cómicos bastante burdos heredados de la farsa y la commedia dell’arte (azotes, malentendidos, etc.), pero sus comedias buscan un equilibrio que no esté relacionado con el buen gusto. clásico.

La dimensión moral presente en la tragedia también se encuentra en la comedia. Las comedias se burlan de las faltas de los hombres. Los espectadores deberían poder alejarse de los defectos representados al reírse de la ridiculez de los personajes. Cuando Molière ridiculizó la hipocresía de los falsos devotos en Tartuffe, esperaba luchar contra esta hipocresía. La famosa fórmula «castigat ridendo mores» es de origen incierto, pero fue adoptada por Molière. Expresa una idea desarrollada por Horace en su arte poético y resume este deseo de usar la risa como un vector de instrucción. El teatro de Molière es clásico y barroco.

romano
La novela se considera un género muy menor en este momento. La mayoría de ellos se publican anónimamente, porque una personalidad algo considerada difícilmente podría admitir ser el autor de novelas. La primera parte del siglo se caracterizó por novelas muy largas y muy complejas. En la era clásica, estas novelas se transforman en cuentos. La intriga se simplifica considerablemente. Se basan en un trasfondo histórico bastante reciente, mientras que las novelas barrocas preferían la antigüedad.

Saint-Réal escribió en 1672 Don Carlos, el primer «cuento» que cuenta la historia de Don Carlos de España, hijo de Felipe II de España. Madame de La Fayette situará la acción de La princesa de Cleves, una obra maestra del género, en la corte de Enrique II de Francia, aproximadamente al mismo tiempo. Además, esta novela representa bien las ambigüedades del clasicismo, porque se aleja de las novelas sentimentales por su modesto volumen y la sobriedad de su escritura, pero retoma ciertas características de la preciosidad en la pintura de los sentimientos. Madame de La Fayette era realmente muy valiosa y su preocupación no era oponerse en absoluto a un período que la hubiera precedido.

Poesia en general
El siglo XVIII es un siglo de fermento literario, y muestra revivir todos los géneros antiguos. De hecho, en el siglo XVI (el llamado período barroco), un cierto «chovinismo cultural» había llevado a los poetas a usar formas medievales (rondeaux, trillizos, madrigales, canciones, sonetos), en reacción contra el recurso sistemático a los géneros antiguos. . El siglo xvii, él, verá odas aparentes (del tipo ya utilizado por Ronsard), como la captura de Namur de Boileau, o las menos conocidas, en Port Royal des Champs por Racine. Vemos epigramas renacidos, como los de Martialor de Ovidio, las epístolas o las sátiras del estilo de Horacio (en particular por Boileau). También estamos presenciando el renacimiento de la epopeya homérica o virgiliana. Pero este género no ha tenido éxito. Tienes que ver en particular a la Doncella de Chapelain, denunciada por Racine y Boileau. Solo el Lutin de Boileau, una epopeya satírica, nos resulta familiar. Jean Pierre Collinet, cuando estableció ediciones de las obras de Boileau y Perrault, señaló que el siglo xvii es, a pesar de las apariencias, un siglo sin poesía y que solo La Fontaine o Racine escaparían de esta regla.