Una bandeja de nacimiento o bandeja de nacimiento (en italiano: desco da parto) fue un importante regalo simbólico con motivo de un nacimiento exitoso a fines de la Edad Media y principios de la moderna Florencia y Siena. Los deschi pintados sobrevivientes representados en colecciones de museos fueron encargados por familias de élite, pero los inventarios muestran que las bandejas de nacimiento y otros objetos especiales como almohadas bordadas se conservaron mucho después del nacimiento exitoso en familias de todas las clases: cuando murió Lorenzo de ‘Medici, el inventario muestra que el desco da parto dado por su padre a su madre, Lucrezia Tornabuoni, en su reclusión, estaba colgado en su habitación privada hasta el día de su muerte.
El desco da parto es una portadora, obras de dos lados pintadas en tondo por los pintores más grandes, producidas con motivo del nacimiento del primer hijo de las familias acomodadas del Renacimiento italiano y parte del conjunto de nacimiento.
Es uno de los objetos de la vida cotidiana durante el Renacimiento florentino con el cassone, el cofre de bodas decorado, a menudo por los mismos pintores, y tanto ofrecido al elemento femenino de la pareja: a la novia que se convierte en la esposa de la pareja. Madre consagrada para el nacimiento de su primer hijo (primogenito).
Un desco da parto no necesita ser comisionado especialmente; fueron producidos en talleres en serie para stock, a menudo personalizados con un escudo cuando fueron comprados. Había un repertorio distintivo de iconografía para las bandejas, los lados anverso (superiores) compartían mucho con los cofres de cassone pintados usados a menudo como obsequios en el matrimonio, pero también con lados del verso que a menudo mostraban escenas de madres después del parto o figuras pin-up de niños pequeños, acompañados por los escudos de ambos padres. Después de ser utilizados como una bandeja en el período posterior al parto, podrían colgarse en una pared como una pintura.
Uso:
La mortalidad infantil fue más alta durante los primeros días cruciales, cuando la madre también podría sucumbir a la fiebre puerperal. Un parto exitoso fue pródigamente celebrado. Los hijos un día afirmarían los intereses familiares, ya sea en un taller modesto o en una casa bancaria; las hijas compartirían el trabajo del hogar hasta que se casaran y consolidarían los lazos exógamos que estabilizaron la posición de la familia toscana en todos los niveles sociales. Las bandejas pintadas para el parto comenzaron a aparecer alrededor de 1370, en la generación posterior a la Peste Negra, cuando la fragilidad de la vida era más vívida que nunca. En el siglo XV, descubrió D.C. Ahl, al menos uno aparece en casi la mitad de todos los inventarios que encuestó.
Una mesa de nacimiento es una ronda pintada en ambos lados que durante el Renacimiento se ofreció como un regalo ceremonial a las mujeres de las familias más acaudaladas que acababan de dar a luz. Se usaba como bandeja para llevar comida a la nueva madre, siempre que descansara en la cama.
Se esperaba que la madre permaneciera «tumbada» disfrutando de un período de reposo en cama durante un período de posparto de duración variable, pero probablemente con una duración mínima de una semana. No se recomienda un plazo fijo de recostarse en los manuales renacentistas sobre la vida familiar (a diferencia de otras culturas), pero de los registros documentales se desprende que la madre rara vez estaba presente en el bautismo, en ciudades italianas que suelen celebrarse una semana después del nacimiento. en la iglesia parroquial local, normalmente a pocos minutos caminando de cualquier casa. Durante este período, la madre y el niño fueron visitados en el dormitorio por familiares y amigas, y se les presentaron regalos. La bandeja, a menudo cubierta con una tela protectora, se usaba para servir manjares a los visitantes, tal vez incluso algunos que traían como regalos: una criada trae un desco cubierto de tela con dos garrafas de agua y vino para fortificar Santa Ana en Paolo Uccello fresco del Nacimiento de la Virgen (1436), en la Capilla de la Anunciación, Duomo de Prato,
La vestimenta puede ser llevada ceremoniosamente al dormitorio especialmente decorado donde se encuentra la nueva madre: en un desco da parto de Masaccio de 1427, la bandeja y una taza cubierta están precedidas por un par de trompeteros que ondean pancartas con los gigli florentinos. De hecho, en los hogares patricios, la cama se colocaba a menudo en una sala de recepción para la ocasión (si no había una ya en dicha sala, a la manera de los tribunales franceses y borgoñones), y la madre permanecía allí mientras recibía visitas de ella. amigos durante varios días.
La moda en las bandejas para mujeres en el parto era más común en Florencia y Siena. Fue turbulento, pero breve: a principios del siglo XVI, el «desco da parto» fue reemplazado por «tafferie da parto», tazas pintadas de madera que se le presentaron a la mujer en el parto. A diferencia de las bandejas, las imágenes de las imágenes en estos cuencos eran exclusivamente religiosas. En la Galería de los Uffizi se representa un ejemplar destacado de tal tema, Florencia es un cuenco con la imagen de «Juan el Bautista», hecha por Jacopo Pontormo. Más tarde comenzaron a utilizar platos pintados de cerámica, realizados en la técnica de mayólica.
Historia:
Una bandeja pintada de la mujer en trabajo de parto apareció en el siglo XIV y fue una parte importante de las celebraciones del nacimiento del niño. La bandeja pintada más antigua data de 1370 años, pero la primera mención de «desko da parto» en documentos de archivo se refiere a 1383 (se encuentra en una lista de inventario florentino).
Probablemente, la moda de las bandejas pintadas para las mujeres en el parto apareció poco después de la «muerte negra», la epidemia de peste que se extendió en Europa a mediados del siglo XIV y se llevó a un cuarto de la población. En ese momento, no había hospitales de maternidad, y el nacimiento tuvo lugar en casa. El nacimiento no fue tomado por médicos, sino por parteras. El porcentaje de muertes durante el parto fue bastante alto, y las experiencias asociadas con la próxima resolución de la carga fueron de gran intensidad y color religioso. En la gente había todo tipo de prejuicios asociados con el parto, y parte de estos prejuicios era el ritual de donar bandejas para el parto después de un parto exitoso. En ella, a la mujer que daba a luz se la presentaba solemnemente con comida y bebida en la cama después de una resolución exitosa. La bandeja se pidió por adelantado, y los artistas le pidieron con frecuencia que representara cualquier tema o símbolo que contribuyera al nacimiento de un niño sano y la suerte en su vida futura. En el Libro di Bottega, un libro del taller más famoso de Apollonio di Giovanni y Marco del Buono a mediados del siglo XV, familias eminentes pidieron pedidos de bandejas para mujeres en el parto justo después de las órdenes de los cofres de boda-kassones.
Algunos residentes estrictos o simplemente escrupulosos de Florencia no pidieron bandejas nuevas, sino que usaron bandejas de sus parientes o compraron de segunda mano de alguien y pidieron reescribir historias o solo el escudo de armas de la familia, que a menudo se representaba en el reverso de la bandeja. Tal es, por ejemplo, una bandeja del Victoria and Albert Museum «The Triumph of Love», cuyo anverso se reescribió en la década de 1460, y el reverso después de 1537. El ejemplo más famoso de reventa es una bandeja con el imagen de «The Triumph of Glory» (Museo Metropolitano, Nueva York), que después de la muerte del propietario, Lorenzo el Magnífico, fue subastada por 3 florines.
Las bandejas fueron ordenadas no solo por familias adineradas de mercaderes y banqueros, sino también por carniceros, notarios pobres, panaderos, trabajadores de la lana, etc. Los investigadores calcularon que en el siglo XV al menos el 40% de las familias florentinas tenía al menos una bandeja de ese tipo. su granja. Por lo general, los producían los talleres que se especializaban en hacer diversos objetos que decoraban la vida de la gente adinerada: cofres de cassone, habitación de cuadros, colgados en forma de friso en las paredes, espaldas pintadas para camas, cofres y cajas pintadas. , etc. Debido a que la demanda de las bandejas era bastante alta, estandarizaron los temas y las imágenes en los talleres, utilizando plantillas: muchos clientes no pedían bandejas, sino que compraban listas en la tienda. Típicamente, las bandejas fueron pintadas por artistas especialistas en arte aplicado, pero de vez en cuando, artistas tan famosos como artistas de clase alta como, por ejemplo, Masaccio o Botticelli, no menospreciaron tales ganancias.
Algunos artistas permanecen sin identificar, y claramente no eran del primer rango, pero, dados los nombres significativos representados entre la pequeña proporción de sobrevivientes, parece que muchos artistas tomaron un descanso ocasional de proyectos más grandes para producir desci. La forma circular de tondo en las pinturas de paneles normales, que se puso de moda a mediados del siglo XV en Florencia, puede haberse desarrollado a partir de los diseños más pequeños.
Apariencia:
Para las bandejas pintadas hechas para la élite en estas ocasiones alegres, en general, ambos lados de la bandeja están pintados, el lado superior (o recto) generalmente con una escena figura llena de gente, generalmente secular, como una escena del mito clásico o una alegoría adecuada. Las escenas del Antiguo Testamento o el repertorio religioso cristiano también aparecen en algunos casos. Las escenas de parto fueron populares. Estos podrían ser el Nacimiento de la Virgen o el del santo patrón de Florencia, Juan el Bautista, pero solo un halo o dos los distinguen de otras escenas que aparentemente muestran una escena de nacimiento como una pintura de género. Una bandeja en la Sociedad Histórica de Nueva York muestra una escena de nacimiento de género, pero está muy copiada de un dibujo del nacimiento de Juan el Bautista de Lorenzo Monaco.
Los temas de las pinturas se encontraban en la abrumadora parte de lo secular. De la Biblia, con raras excepciones, solo se tomaron temas del Antiguo Testamento (no del Evangelio), tales como. «Sansón y Dalila» o «Suzanne y los ancianos». El tema popular fue «Triunfos» basado en el poema de Petrarca, así como historias de las obras de Boccaccio. En el apogeo del arte gótico internacional (es decir, alrededor de 1400), las historias populares góticas «El jardín del amor» y «El jardín de la juventud» fueron populares. En las bandejas a menudo se representaba la escena del parto: el interior con una cama en la que yace la mujer acostada, y en torno a ayudar a los ayudantes. A mediados del siglo XV, las más populares eran las historias antiguas: «La corte de París», «Diana y Acteón», etc.
El diámetro de las bandejas usualmente estaba en el rango de 50-65 cm. Fueron tallados en madera y pintados con témpera. Los más simples fueron octogonales, más complejos 12 y 14 y 16 y carbón. En el segundo cuarto del siglo XV comenzó a extenderse (se cree que fue a partir de ellos que se desarrolló una forma de imagen como tondo). Los bordes de la bandeja se suministraron con un marco convexo.
En todo esto, la madre se sienta en la cama recibiendo regalos de un grupo de visitantes femeninas, mientras que en el frente de la escena, el niño es lavado o envuelto en pañales por más mujeres. En un macho, los pajeños sirven a los invitados. Otra bandeja muestra a niños y hombres jugando un juego de lucha local en la calle (ver galería). La primera ilustración pintada de una novela corta de Boccaccio es sobre un florentino desco da parto con los brazos de una familia pisana, realizada c. 1410 y en el Museo Metropolitano de Arte. Las supervivencias incluyen tres escenas alegóricas del Triunfo del Amor, derivadas de los Triunfos de Petrarca, y un Triunfo de Venus.
La parte inferior o el verso generalmente tienen un sujeto más simple y a menudo menos elevado, con menos figuras más grandes, y generalmente incluye heráldica, con los brazos de ambos padres. Las escenas con uno o dos niños pequeños desnudos, con los escudos de ambos padres a los lados, son especialmente populares. Los brazos de la familia de la madre tradicionalmente toman el lado derecho, pero en algunos ejemplos los brazos han sido cambiados al pintarlos en exceso. Las inscripciones en el campo o alrededor del borde a veces proporcionan la fecha del evento afortunado, proporcionando a los historiadores del arte un punto fijo útil. Al igual que otros tipos de arte, como las «impresiones de Otto», se esperaba que los desci decoraran principalmente en lo que se consideraba sabor femenino, aunque no está claro cómo se seleccionó el diseño. En un ejemplo pintado por el hermano de Masaccio, dos niños luchan, sin duda uno y probablemente ambos usan la presión de tirar del pene del otro con una mano y el pelo con la otra (ver galería).
En el Renacimiento se creía que las miradas que vio una mujer embarazada afectaron su embarazo e incluso lo que produjo: Martin Luther contó la historia de advertencia de una mujer asustada por un ratón en embarazo, que luego dio a luz a un ratón. Los manuales recomiendan mantener las imágenes con un impacto positivo a la vista de las mujeres embarazadas, y es en este contexto en el que deben verse los niños desnudos recurrentes y las escenas que muestran el final de un parto exitoso. Esto también fue un factor en la visualización de imágenes de la Virgen y el Niño, que eran omnipresentes en las habitaciones. Probablemente los desci se colgaron con el verso que se muestra durante el embarazo, para promover la producción de un niño saludable similar.
Ejemplo:
Los talleres que producían deschi da parto eran a menudo también iluminadores de manuscritos, como por ejemplo Bartolomeo di Fruosino, un iluminador que también producía pinturas de paneles, y pintores de los paneles que se incorporaban en los frentes y extremos de quattrocento cassoni. Tal taller fue el del «Maestro de Adimari cassone», ahora identificado como el hermano de Masaccio Giovanni di ser Giovanni Guidi (o «Lo Scheggia», «El Astillador»), que también produjo el desco da parto mostrando a los jóvenes jugando en civettino en un entorno urbano, en Palazzo Davanzati, Florencia, y otros ejemplos. Un verso dividido que muestra dos niños desnudos peleando se dio cuenta de $ 482,500 en una subasta en 2012.
El Museo de la Legión de Honor de San Francisco tiene un ejemplo pintado hacia 1400 por Lorenzo di Niccolo, un pintor florentino que estuvo activo desde 1391 hasta 1412. El anverso muestra la historia de Diana y Acteón. Diana, diosa de la caza, aparece en primer plano vestida con una túnica oscura y abultada y cargando un halcón; a la derecha, sus ninfas persiguen a un jabalí. En la parte superior de la pintura, Diana y sus ninfas se bañan en un charco de agua cuando el mortal Acteón ocurre sobre la diosa desnuda. Por ofender a la deidad virgen, Acteón fue transformado en un ciervo para ser perseguido por sus propios perros. Su destino se ilustra en el lado izquierdo, donde los perros persiguen a un ciervo. El reverso (dorso) muestra la figura alegórica de la Justicia con dos escudos de armas familiares mientras sostiene una balanza y una espada.