Expresionismo alemán

El expresionismo alemán consistió en una serie de movimientos creativos relacionados en Alemania antes de la Primera Guerra Mundial que alcanzó su apogeo en Berlín durante la década de 1920. Estos desarrollos en Alemania fueron parte de un movimiento expresionista más amplio en la cultura del norte y centro de Europa en campos como la arquitectura, la danza, la pintura, la escultura y el cine. Este artículo se ocupa principalmente de los desarrollos en el cine expresionista alemán antes e inmediatamente después de la Primera Guerra Mundial.

Historia

De 1910 a 1930
Entre las primeras películas expresionistas, El estudiante de Praga (1913), El gabinete del Dr. Caligari (1920), De la mañana a la medianoche (1920), El Golem: Cómo entró en el mundo (1920), Destino (1922), Nosferatu (1922), Phantom (1922), Schatten (1923) y The Last Laugh (1924) fueron altamente simbólicos y estilizados.

El movimiento expresionista alemán se confinó inicialmente a Alemania debido al aislamiento que experimentó el país durante la Primera Guerra Mundial. En 1916, el gobierno prohibió las películas extranjeras. La demanda de los teatros para generar películas llevó a un aumento en la producción cinematográfica nacional de 24 películas en 1914 a 130 películas en 1918. Con la inflación también en aumento, los alemanes asistían a las películas más libremente porque sabían que el valor de su dinero disminuía constantemente.

Además de la popularidad de las películas dentro de Alemania, en 1922 la audiencia internacional había empezado a apreciar el cine alemán, en parte debido a la disminución del sentimiento anti-alemán después del final de la Primera Guerra Mundial. Cuando se levantó la prohibición de importaciones de 1916, Alemania se había convertido en una parte de la industria cinematográfica internacional.

Varias culturas europeas de la década de 1920 adoptaron una ética de cambio y una voluntad de mirar hacia el futuro experimentando con nuevas ideas y estilos artísticos audaces. Las primeras películas expresionistas compensaron la falta de presupuestos desorbitados al usar diseños de escenarios con ángulos geométricamente absurdos y no realistas, junto con diseños pintados en paredes y pisos para representar luces, sombras y objetos. Las tramas e historias de las películas expresionistas a menudo tratan sobre la locura, la locura, la traición y otros temas «intelectuales» desencadenados por las experiencias de la Primera Guerra Mundial (a diferencia de las películas estándar de acción y aventuras y románticas). Las películas posteriores a menudo clasificadas como parte de la breve historia del expresionismo alemán incluyen Metrópolis (1927) y M (1931), ambas dirigidas por Fritz Lang. Esta tendencia fue una reacción directa contra el realismo. Sus practicantes usaron distorsiones extremas en la expresión para mostrar una realidad emocional interna en lugar de lo que estaba en la superficie.

El antirrealismo extremo del expresionismo fue efímero, desapareciendo después de unos pocos años. Sin embargo, los temas del expresionismo se integraron en películas posteriores de los años 1920 y 1930, lo que dio como resultado un control artístico sobre la ubicación del escenario, la luz, etc. para mejorar el ambiente de una película. Esta oscura y caprichosa escuela de cine fue llevada a los Estados Unidos cuando los nazis ganaron poder y varios cineastas alemanes emigraron a Hollywood. Estos directores alemanes encontraron estudios cinematográficos de los Estados Unidos dispuestos a abrazarlos, y varios directores y camarógrafos alemanes florecieron allí, produciendo un repertorio de películas de Hollywood que tuvo un profundo efecto en el cine en general. El teórico del cine nazi Fritz Hippler, sin embargo, era partidario del expresionismo. Dos películas más producidas en la Alemania nazi con el estilo expresionista fueron «Das Stahltier» (El animal de acero) en 1935 por Willy Zielke y «Michelangelo». Das Leben eines Titanen «(Michelangelo. La vida de un Titán) en 1940 por Curt Oertel.

Dos géneros que fueron especialmente influenciados por el expresionismo son la película de terror y el cine negro. Carl Laemmle y Universal Studios se habían hecho un nombre produciendo películas de terror tan famosas de la época del cine mudo como The Phantom of the Opera de Lon Chaney. Los cineastas alemanes como Karl Freund (el director de fotografía de Drácula en 1931) establecieron el estilo y el ambiente de las películas de monstruos universales de la década de 1930 con sus conjuntos oscuros y artísticamente diseñados, proporcionando un modelo para las generaciones posteriores de películas de terror. Directores como Fritz Lang, Billy Wilder, Otto Preminger, Alfred Hitchcock, Orson Welles, Carol Reed y Michael Curtiz introdujeron el estilo expresionista en los dramas delictivos de la década de 1940, expandiendo la influencia del expresionismo en el cine moderno.

Influencia y legado
El cine mudo alemán estaba posiblemente muy por delante de Hollywood durante el mismo período. El cine fuera de Alemania se benefició tanto de la emigración de cineastas alemanes como de los desarrollos expresionistas alemanes en cuanto a estilo y técnica que aparecían en la pantalla. El nuevo aspecto y las técnicas impresionaron a otros cineastas, artistas y directores de cine contemporáneos, y comenzaron a incorporar el nuevo estilo en su trabajo.

En 1924, Alfred Hitchcock fue enviado por Gainsborough Pictures para trabajar como asistente de dirección y director de arte en la UFA Babelsberg Studios en Berlín en la película The Blackguard. El efecto inmediato del entorno de trabajo en Alemania se puede ver en sus diseños expresionistas para esa película. Más tarde, Hitchcock dijo: «Yo … adquirí una fuerte influencia alemana trabajando en los estudios UFA de Berlín».

El expresionismo alemán continuaría influyendo en Hitchcock a lo largo de su carrera. En su tercera película, The Lodger, Hitchcock introdujo diseños de escenografías expresionistas, técnicas de iluminación y trabajo de cámara engañosa para el público británico en contra de los deseos de su estudio. Su experimentación visual incluyó el uso de la imagen de un hombre caminando sobre un piso de vidrio fotografiado desde abajo, un concepto que representa a alguien caminando de un lado a otro. Esta influencia continuó a través de la exitosa película Psycho en 1960, en la que la imagen borrosa de Norman Bates, vista a través de una cortina de baño, recuerda a Nosferatu que se muestra a través de su sombra. La producción de películas de Hitchcock a su vez influyó en muchos otros cineastas, y así ha sido uno de los vehículos que impulsó el uso continuo de técnicas expresionistas alemanas, aunque con menos frecuencia.

La película Nosferatu: Phantom der Nacht, de Werner Herzog, de 1979, fue un tributo a la película de 1922 de FW Murnau. La película usa técnicas expresionistas de actuación altamente simbólica y eventos simbólicos para contar su historia. La película de 1998 Dark City utilizó un marcado contraste, movimientos rígidos y elementos fantásticos.

Los elementos estilísticos tomados del expresionismo alemán son comunes hoy en día en películas que no necesitan referenciar el realismo contemporáneo, como las películas de ciencia ficción (por ejemplo, la película de Ridley Scott, Blade Runner, de 1982, que fue influenciada por Metrópolis). La película de 1991 de Woody Allen Shadows and Fog es un homenaje a los cineastas expresionistas alemanes Fritz Lang, Georg Wilhelm Pabst y FW Murnau.

Ambiciosas adaptaciones del estilo se representan a lo largo de la filmografía contemporánea del director Tim Burton. Su película de 1992 Batman Returns se cita a menudo como un intento moderno de capturar la esencia del expresionismo alemán. Los diseños de edificios angulosos y las plazas urbanas de aspecto severo de la ciudad de Gotham evocan el telar y la amenaza presente en Lang’s Metropolis. Las influencias expresionistas de Burton son más evidentes en el paisaje suburbano de cuento de hadas de Edward Scissorhands. La aparición del titular Edward Scissorhands (no accidentalmente) refleja el sirviente sonámbulo de Caligari. Burton muestra inquietud en su suburbio color caramelo, y la tensión se desenmascara visualmente a través de Edward y su castillo gótico, una última resistencia del pasado al final de una calle suburbana. Burton subvierte la pesadilla de Caligari con una narración inspirada, eligiendo a Edward, el extraño, como el héroe, y los aldeanos como los villanos. Del mismo modo, el Dr. Caligari fue la inspiración para la apariencia grotesca y parecida a un pájaro del pingüino en la película de Burton de 1992, Batman Returns. La mirada familiar del personaje principal de Caligari también se puede ver en la película The Crow. Con el atuendo negro ajustado, maquillaje blanco y ojos oscuros, el personaje de Brandon Lee es un pariente cercano de Cesare y de la película de Burton Edward Scissorhands. Según los informes, Burton también fue influenciado por el cine mudo y el expresionismo alemán por su adaptación cinematográfica del musical Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street, describiendo el musical como una «película muda con música».

Cine y arquitectura
Muchos críticos ven una relación directa entre el cine y la arquitectura de la época, afirmando que los escenarios y las obras de arte de las películas expresionistas a menudo revelan edificios de ángulos agudos, grandes alturas y entornos abarrotados, como la Torre de Babel que se muestra con frecuencia en la Metrópolis de Fritz Lang. .

Los elementos fuertes del monumentalismo y el modernismo aparecen en todo el canon del expresionismo alemán. Un excelente ejemplo de esto es Metrópolis, como lo demuestra la enorme planta de energía y los destellos de la ciudad «superior» masiva pero prístina.

Los pintores expresionistas alemanes rechazaron la representación naturalista de la realidad objetiva, a menudo representando figuras distorsionadas, edificios y paisajes de una manera desorientada que hacía caso omiso de las convenciones de perspectiva y proporción. Este enfoque, combinado con formas dentadas y estilizadas y colores ásperos y antinaturales, se utilizó para transmitir emociones subjetivas.

Varios artistas y artesanos que trabajan en el teatro de Berlín llevaron el estilo visual expresionista al diseño de escenarios. Esto, a su vez, tuvo una influencia eventual en las películas relacionadas con la fantasía y el terror.

El mejor ejemplo es la película de Robert Wiene, El sueño del gabinete del Dr. Caligari (1920), que es universalmente reconocida como un clásico temprano del cine expresionista. Hermann Warm, el director de arte de la película, trabajó con los pintores y escenógrafos Walter Reimann y Walter Röhrig para crear fantásticos sets de pesadilla con estructuras retorcidas y paisajes con formas puntiagudas y líneas oblicuas y curvas. Algunos de estos diseños eran construcciones, otros fueron pintados directamente en lienzos.

Las películas expresionistas alemanas producidas en la República de Weimar inmediatamente después de la Primera Guerra Mundial no solo encapsulan los contextos sociopolíticos en los que fueron creadas, sino que también modifican los problemas intrínsecamente modernos de autorreflexividad, espectáculo e identidad.

Siguiendo las estimadas críticas de Siegfried Kracauer y Lotte Eisner, estas películas se consideran ahora como una especie de conciencia colectiva, por lo que están intrínsecamente vinculadas a su entorno social. Brevemente mencionado por JP Telotte en su análisis del cine alemán, «El expresionismo alemán: un problema cinematográfico / cultural», el expresionismo se centra en el «poder de los espectáculos» y ofrece al público «una especie de imagen metonímica de su propia situación».

Este movimiento de la película fue paralelo a la pintura expresionista y al teatro en el rechazo del realismo. Los creadores del Período de Weimar intentaron transmitir la experiencia interna y subjetiva a través de medios externos y objetivos. Sus películas se caracterizaron por conjuntos y actuaciones muy estilizados; usaron un nuevo estilo visual que incorporaba alto contraste y edición simple. Las películas se filmaron en estudios donde podían emplear luces deliberadamente exageradas y dramáticas y ángulos de cámara para enfatizar algunos afectos particulares: miedo, horror y dolor. Los aspectos de las técnicas expresionistas fueron posteriormente adaptados por directores como Alfred Hitchcock y Orson Welles y se incorporaron a muchas películas de terror y gánsteres estadounidenses. Algunos de los principales cineastas de esta época fueron FW Murnau, Erich Pommer y Fritz Lang. El movimiento terminó después de que la moneda se estabilizó, lo que hizo que fuera más barato comprar películas en el extranjero. La UFA colapsó financieramente y los estudios alemanes comenzaron a tratar con los estudios italianos lo que los llevó a influir en el estilo del horror y el cine negro. La influencia estadounidense en la industria del cine también llevaría a algunos cineastas a continuar su carrera en los Estados Unidos. La última película de la UFA fue Der Blaue Engel (1930), considerada una obra maestra del expresionismo alemán.

Interpretación
Dos obras sobre la época son The Haunted Screen de Lotte Eisner y From Caligari de Hitfried Kracauer. Kracauer examina el cine alemán de la época silenciosa / dorada y finalmente concluye que las películas alemanas realizadas antes de la toma de posesión de Hitler y el surgimiento del Tercer Reich apuntan a la inevitabilidad de la Alemania nazi. Para Eisner, el cine expresionista alemán es una manifestación visual de los ideales románticos. Examina detenidamente escenarios, cinematografía, actuación, escenarios y otros elementos cinematográficos en películas de Pabst, Lubitsch, Lang (su favorita), Riefenstahl, Harbou y Murnau. Los estudiosos expresionistas alemanes más recientes examinan elementos históricos del expresionismo alemán, como inflación / economía, UFA, Erich Pommer, Nordisk y Hollywood.

Película de expresionismo
La película expresionista fue escrita principalmente en Alemania, especialmente en su «capital cinematográfica» Berlín, en la época del cine mudo de la primera mitad de la década de 1920. Esta es la razón por la cual la gente habla a menudo del expresionismo alemán. Pero incluso en los años anteriores aparecieron los primeros elementos expresionistas en las producciones austríacas: las llamadas películas «preexpresionistas», que se desarrollaron a partir de las populares adaptaciones cinematográficas populares.

German Expresionist Cinema es el nombre dado a un grupo de producciones cinematográficas con ciertos aspectos en común. Este estilo de cine tiene su correspondencia con el expresionista actual, llamado en contraste con el impresionista actual del siglo XIX en la pintura, es decir, con ese tipo de pintura en la que prima la «expresión subjetiva» sobre la representación de la objetividad. Esta pintura recurrió a colores hirientes y ritmos lineales muy fuertes. Básicamente se arraigó en Alemania, donde nació el movimiento Die Brücke (el puente), fundado en 1905 por estudiantes de arquitectura.

Es en el presupuesto de la crítica y la oposición al positivismo que se proyectan muchas de las líneas de fuerza de los expresionistas. Para estos, la realidad era algo que debía experimentarse desde la interioridad más profunda, y por lo tanto atraía al cuerpo y a las experiencias emocionales del mundo en lugar de su captura a simple vista. El artista expresionista intentó representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse por la realidad externa, sino por su naturaleza interna.

El cine llega, tardíamente y ocurre en parte, como resultado de las medidas organizativas adoptadas por las autoridades alemanas. El origen de estas medidas puede asignarse a dos observaciones: Primero, el pueblo alemán toma conciencia de la influencia ejercida por las películas antialemanas en países extranjeros. En segundo lugar, reconocen la insuficiencia de la producción local y para satisfacer esa demanda, las producciones de calidad inferior, en relación con los países extranjeros, inundan el mercado.

Conscientes de esta peligrosa situación, las autoridades alemanas intervinieron directamente en la producción de la película. En 1916, el gobierno, con el apoyo de asociaciones que promovían objetivos culturales, políticos y económicos, fundó el Deulig (Deutsche Liehtspiel Gesellsehaft), una compañía de cine que, a través de películas documentales apropiadas, se dedicaría a la publicidad del país. en el extranjero como en Alemania misma.

A principios de 1917, la Fundación Bufa (Bild- und Filmamt) continuó; fundada como una simple agencia del gobierno, abastecía a las tropas, en los frentes de batalla, con salas de proyección, y también estaba a cargo de la tarea de proporcionar documentales que registraran actividades militares.

El número de compañías aumentó de solo 28 en 1913 a 245 en 1919, unos pocos años en los que se consolidó una poderosa industria.

Esto fue algo, pero no suficiente. Después de la entrada de los Estados Unidos a la guerra, las películas de este país se expandieron por todo el mundo, inculcándose con fuerza incompatible el odio a Alemania, tanto en los neutrales como en los enemigos. Los líderes alemanes llegaron a la conclusión de que solo una gran organización podría contraatacar esa campaña. El Gerenal Ludendorff tomó la iniciativa y recomendó la unión de las principales compañías cinematográficas para que sus energías, previamente difundidas, pudieran canalizarse en aras del interés nacional. Sus sugerencias fueron órdenes. Mediante una resolución del Alto Mando alemán de noviembre de 1917, en estrecho contacto con prominentes financieros, industriales y armadores, TheMesster Film, la Unión de Davidson y las compañías controladas por Nordisk -con el apoyo de un grupo de bancos- se fusionaron en una nueva compañía: Ufa (Universum Film AG).

La tarea oficial de la Ufa era hacer propaganda a favor de Alemania, de conformidad con las directrices del gobierno. Esta organización sirvió de trampolín para el éxito en el territorio alemán de cineastas alemanes como Ernst Lubitsch, Fritz Lang, Robert Wiene, Friedrich Murnau, entre otros, algunos de los cuales formaban parte del movimiento expresionista que tenía una gran relación estética y temática. con el trabajo gráfico y pictórico propuesto por sus fundadores antes y después de la guerra, un evento que dejó a Alemania en bancarrota, y que influyó en los expresionistas, quienes exteriorizaron sus emociones y psicología, además de distorsionar la realidad y mostrar simbolismo para agregar más profundidad a Las películas.

Tendencias contemporáneas
En la década de 1920, el movimiento dada provocó una revolución en el mundo artístico, y las diferentes culturas europeas abogaban por un cambio y el deseo de considerar el futuro experimentando con ideas y estilos nuevos y revolucionarios. El expresionismo también es contemporáneo con el surrealismo en Francia.

Influencia del expresionismo cinematográfico
Dos géneros estuvieron particularmente influenciados por el expresionismo: el cine negro y la película de terror. Carl Laemmle y Universal Studios se hicieron famosos por producir películas de terror famosas durante la era tonta, como The Phantom of the Opera (Lon Chaney, 1925). Los emigrantes alemanes inspiraron el estilo y la atmósfera de las películas de monstruos de Universal Studios en la década de 1930, con fondos artísticos muy oscuros, y así se convirtieron en una referencia para las siguientes generaciones de películas de terror.

Después de Fritz Lang (Fury) en la década de 1930, otros directores de origen germánico como Otto Preminger (Laura), Robert Siodmak (The Killers) o Billy Wilder (Insurance on Death) introdujeron el estilo expresionista en las películas policiales de la década de 1940 e influyeron generaciones de cineastas, haciendo que el expresionismo sobreviva.

«El cine de posguerra parecía insistir en acentuar su carácter enigmático, macabro, siniestro, mórbido. Refleja el proceso de retirada» en la profundidad del alma «llevado a cabo por la población durante este período de incertidumbre», dice Sigfried Kracauer, especialista en el período alemán.

Los orígenes de este movimiento cinematográfico, que tuvo su mejor momento en la década de los años 20, se remontan a principios del siglo XX, cuando el expresionismo surgió como un reflejo de la realidad. Algunos directores asimilaron las teorías y propuestas de este fenómeno artístico. Una de las películas pioneras fue el Gabinete del Doctor Caligari, una película inspirada en una serie de crímenes que tuvo lugar en Hamburgo, Alemania. Narraba los impactantes crímenes cometidos por César, bajo las hipnóticas órdenes del Dr. Caligari, quien recorría las ferias de las ciudades alemanas exhibiendo a su sonámbulo. La idea de los escritores era denunciar el desempeño del estado alemán durante la guerra.

Pero Robert Wiene, quien lo dirigirá, agregará dos nuevas escenas al guión, una al principio y otra al final, lo que cambiará todo el sentido de la historia, porque se convierte en la historia imaginaria de un loco que cree que ve al director del hospital psiquiátrico en el que se encuentra el terrible Dr. Caligari.

La principal atracción de la película radica en su anormalidad escenográfica, con chimeneas oblicuas, reminiscencias cubistas y ventanas en forma de flecha, todas con una función meramente dramática y psicológica, y no como algo decorativo. Es cierto que la oportunidad contribuirá a mejorar ese drama, ya que, debido a la iluminación limitada en el estudio donde se filmó, se decidió pintar los decorados con luces y sombras.

Otra característica a resaltar será la composición de los actores y su interpretación. El gabinete del doctor Caligari obtendrá un gran éxito. Será, junto al personaje de Charlot, el primer gran mito de la historia del cine. La crítica francesa acuñó la palabra caligarismo para designar las películas alemanas de la nueva estética. Wiene dirigirá varias obras más en años sucesivos, pero nunca alcanzará el éxito o la calidad artística de Caligari. Con la llegada de los nazis al poder, decidió irse al exilio y murió en París en 1938.

El expresionismo evolucionará con una nueva corriente reemplazando las telas pintadas por los decorados, dando paso a una iluminación más compleja como medio expresivo. Esto da origen a una nueva corriente que se conocerá como Kammerspielfilm o Camera Theatre, que tiene su origen en las experiencias realistas de la cámara de Max Reinhardt, famoso director de teatro de la época.

Esta propuesta fue impulsada, en gran medida, por el trabajo del guionista Carl Mayer, cuyos dramas fueron a veces simplistas y algo teatrales. Importantes directores se sintieron atraídos por esta corriente, en la que contribuyeron al cine alemán con algunas de sus mejores obras cinematográficas.

Estilístico
Las características son los telones de fondo grotescamente distorsionados fuertemente influenciados por la pintura expresionista y la iluminación contrastante, que se realzó aún más por las sombras pintadas. Una puesta en escena surrealista y simbólica crea estados de ánimo fuertes y niveles de significado más profundos.

Además, es sobre todo el estilo gestual exagerado enfatizado de los actores, lo que caracteriza al expresionista de este flujo de películas. Se toma prestado del precursor artístico, el expresionismo escénico.

La estética del Kammerspielfilm abandona los temas fantásticos y los conjuntos expresionistas, para intentar acercarse al drama cotidiano de personajes simples, extraídos de la vida real, inmersos en un espacio pequeño, la vivienda modesta, que, sin más atributos, adquiere aquí una carácter claustrofóbico. Se basa en un respeto, aunque no total, de las unidades de tiempo, lugar y acción, en una gran linealidad y simplicidad argumentativa, lo que hace innecesaria la inserción de etiquetas explicativas y en la sobriedad interpretativa. La simplicidad dramática y el respeto por las unidades permiten crear atmósferas cerradas y opresivas, en las que los protagonistas se moverán. La trayectoria de esta corriente aparece dominada principalmente por tres cineastas:

Friedrich Wilhelm Murnau
Friedrich Wilhelm Murnau fundó su propia compañía de producción en 1919, comenzando a dirigir películas en las que intentará expresar su subjetividad con el máximo respeto por las formas reales del mundo. Nosferatu (1922) es un ejemplo de esto, una película que cuenta el mito del vampiro y que será una de sus obras maestras. Para rodar, recurrirá a escenarios naturales, frente a la preferencia expresionista de filmar las escenas en el estudio. Con la introducción de elementos reales en una historia fantástica, logra realzar su veracidad. También hará uso de la aceleración e inactividad, y el uso de película negativa para marcar el paso del mundo real a lo ultrareal.

Después de Nosferatu, dirigirá El último (Der letze Mann), la historia del portero de un hotel de lujo que se transfiere de un trabajo debido a su edad. El hombre no está satisfecho con la pérdida de su uniforme y se lo roba todos los días para regresar con él a su casa, hasta que es descubierto. Este trabajo representa la clara transición del expresionismo al realismo social, aunque se narra en un lenguaje plástico lleno de prototipos expresionistas. Para dar agilidad a la historia, Murnau y su operador, Karl Freund, usarán una cámara muy dinámica, atada al cofre de este último, para hacer travellings subjetivamente circulares, e imitar los movimientos de una grúa, colocando la cámara al final de una salida de incendios.

Murnau hará varias obras más, siempre con una alta calidad técnica, en años sucesivos, como las adaptaciones de Faust y Moliere Tartufo, para terminar aceptando un tentador contrato en Hollywood, donde ganará un Oscar y morirá en un accidente de tráfico en 1931.

Fritz Lang
Junto con Murnau, el austríaco Fritz Lang es otro maestro de la escuela expresionista. La película más antigua de su larga carrera es Die Spinnen de 1919, pero alcanzó el éxito y reconocimiento con Der müde Tod (La muerte cansada o Las tres luces), en 1921, que narra la lucha entre el amor y la muerte. Este trabajo tendrá un impacto muy importante, y será el que decida la vocación del director español Luis Buñuel. En su próximo trabajo, Los nibelungos, tendrás la oportunidad de demostrar toda tu madurez. Esta exaltación aria, en la que los hunos se presentan como seres de raza inferior, parece premonitorio de los tiempos venideros.

Metropolis, 1927, será su trabajo definitivo. En él, juega con espacios, volúmenes y claroscuro. En Metropolis Lang obtendrá imágenes que pasarán a la historia del cine y que el espectador no podrá olvidar: su opresivo mundo subterráneo, el desplazamiento de los trabajadores, el diluvio, el pánico en la ciudad, etc. Metrópolis representan el apogeo del expresionismo del orden arquitectónico, como Caligari estaba en lo pictórico.

En 1933, Lang hará El testamento del Dr. Mabuse, una película que fue prohibida en Alemania en ese momento. Un poco más tarde huirá a los Estados Unidos, donde continuará con su trabajo y fallecerá en 1976.

Georg Wilhelm Pabst
El último gran productor de estética expresionista alemana fue Georg Wilhelm Pabst. Después de debutar como actor de teatro, fundó su propia compañía de producción cinematográfica, en la cual realizó su primera película en 1923, una obra menor llamada Der Schat. Se hizo conocido hasta dos años después con la película Under the Mask of Pleasure, un drama de miseria, interpretado por Greta Garbo, ubicado en un momento histórico y real. De un estilo puramente realista, esta obra fue rodada íntegramente en estudio, lo que le hace perder parte de su fuerza debido a la falsedad de sus decorados, pero su mérito radica en presentar por primera vez la situación de la burguesía alemana después de la guerra, arruinado y en crisis.

Pabst fue el primer cineasta en incorporar el psicoanálisis en una de sus películas, asistido por dos discípulos de Sigmund Freud, realizando un estudio sobre la impotencia en 1926. Sus siguientes trabajos abordaron los problemas de la psicología femenina en una trilogía: Abwege, La caja de Pandora y Tres páginas de un diario, donde a través de la vida de sus protagonistas femeninas hizo una crítica amarga de la Alemania de su tiempo. Esos fueron los dos motores que movieron el trabajo de Pabst: los sentimientos y la realidad social de su país.

Pabst puso al cine alemán en el camino del realismo social, y la trilogía femenina siguió películas que estaban más comprometidas social y políticamente, que fueron prohibidas en 1933 después del ascenso al poder del nacionalsocialismo. Huyó a Francia, donde continuó con su trabajo, para regresar a su país, donde filmó en la década de los 50 una acusación contra el nazismo. Murió en Viena en 1967.

Películas importantes
El estudiante de Praga (1913, director: Stellan Rye)
La serpiente de la pasión (1918, dirigida por Jakob y Luise Fleck)
Opium (1919, dirigida por Robert Reinert)
Nerves (1919, dirigida por Robert Reinert)
El gabinete del Dr. Ing. Caligari (1920, director: Robert Wiene)
Desde la mañana hasta la medianoche (1920, director: Karlheinz Martin)
Genuine (1920, Director: Robert Wiene)
Algol (1920, director: Hans Werckmeister)
El Golem, Cómo entró en el mundo (1920, Director: Paul Wegener)
The Tired Death (1921, dirigida por Fritz Lang)
El gato de la montaña (1921, director: Ernst Lubitsch – parodia del expresionismo)
Dr. Mabuse, el jugador (1922, Director: Fritz Lang)
Nosferatu, una sinfonía de horror (1922, director: Friedrich Wilhelm Murnau)
Vanina (1922, director: Arthur von Gerlach)
Phantom (1922, director: Friedrich Wilhelm Murnau)
Shadow (1923, Director: Arthur Robison)
Raskolnikov (1923, director: Robert Wiene)
The Street (1923, dirigida por Karl Grune)
Aelita (1924, director: Yakov Protasanov)
Las manos de Orlac (1924, Director: Robert Wiene)
La ciudad sin judíos (1924, director: Hans Karl Breslauer)
El Museo de cera (1924, Director: Paul Leni)
El último hombre (1924, Director: Friedrich Wilhelm Murnau)
En la Crónica de Grieshuus (1925, dirigida por Arthur von Gerlach)
Fausto – una leyenda popular alemana (1926, director: Friedrich Wilhelm Murnau)
The Coat (1926, dirigida por Grigori Kosinzew y Leonid Trauberg)
Metrópolis (1927, director: Fritz Lang)
M (1931, director: Fritz Lang)

Vida futura
La corta época de la película expresionista ya había terminado a mediados de la década de 1920. Cuando, después de la toma del poder por los nazis en 1933, muchos de los antiguos protagonistas dejaron Alemania para Hollywood, solo se pudieron sentir los efectos posteriores. Especialmente dos géneros fueron influenciados por él y pueden ser considerados como «herederos» del expresionismo cinematográfico: la película de terror y el cine negro.

Hoy, el trabajo de David Lynch parece estar inspirado en el expresionista (Fritz Lang: M) y en la película surrealista (Luis Buñuel, Salvador Dalí: Un perro andaluz). Werner Herzog se convirtió en 1979 en homenaje a un remake de Nosferatu con Klaus Kinski en el papel principal. Del mismo modo, un remake con el sonido de una famosa película muda expresionista, el director estadounidense David Lee Fisher filmó 2006 con el tiro en blanco y negro The Cabinet of Dr. Caligari, donde los actores de hoy actúan en la pantalla azul frente a las escenas del película original.

Tim Burton a menudo construye escenas extrañas en sus películas. Por ejemplo, los telones de fondo en el mundo espiritual en Beetlejuice, o «Halloweentown» en Nightmare Before Christmas, y las escenas en la película Corpse Bride – Wedding with a Dead Body están muy influenciadas por los modelos expresionistas. Lemony Snicket – Eventos enigmáticos, el rodaje de Lemony Snickets Una serie de tristes acontecimientos, basados ​​en gran medida en estas películas de Burton y, por lo tanto, también fuertemente basados ​​en el estilo expresionista.