Visita guiada al Museo Gustave-Moreau, París, Francia
El Museo Gustave-Moreau es un museo nacional ubicado en 14, rue Catherine de La Rochefoucauld, en París 9, dedicado a las obras del pintor simbolista Gustave Moreau. El museo guarda un total de unas 14.000 obras. Allí se exhibe la mayor parte de su colección de estudio, cerca de 850 de sus pinturas o caricaturas, 350 de sus acuarelas, más de 13.000 dibujos y calcos, 15 esculturas de cera.
El museo fue originalmente la vivienda de Moreau, transformada por su decisión de 1895 en estudio y museo de su obra quedando su apartamento en el primer piso, legado por el artista al Estado francés en 1897 para que allí se conserve y presente su obra. Hoy el museo contiene dibujos, pinturas, acuarelas y esculturas de Moreau.
El edificio tiene tres plantas. De las seis pequeñas salas de la planta baja que dan a un jardín, cuatro salas están llenas de dibujos y bocetos, una de las cuales está dedicada a los maestros de Italia. El apartamento del primer piso recuerda por sus habitaciones (un comedor, un dormitorio, un tocador y un pasillo, así como una oficina-biblioteca) que fue la vivienda de la familia Moreau. El segundo piso cuenta con una gran sala-taller y el tercer piso dos pequeñas salas que exhiben formatos más grandes.
Entre las obras expuestas se encuentran su Júpiter y Sémele (1895), las Quimeras (1884), El Retorno de los Argonautas (1891-1897). También hay algunas obras de otros artistas: un Retrato de Gustave Moreau de Edgar Degas, otro de Gustave Ricard, un Retrato de Pauline Moreau de Jules-Elie Delaunay, una Naturaleza muerta del pintor flamenco Jan Fit.
Tras la restauración, el apartamento del pintor se abrió al público en 1991, y también se puede visitar su sala de recepción, restaurada en 2003. El museo fue renovado y reinaugurado en 2015 tras un año de obras en las que destaca la devolución de la planta baja a su estado original, la creación de reservas y un gabinete de artes gráficas. En 2017, el museo forma parte de un establecimiento público nacional de carácter administrativo colocado, dedicado a los museos nacionales Jean-Jacques Henner y Gustave Moreau.
Biografía
Gustave Moreau fue un artista francés y una figura importante en el movimiento simbolista. Fue un precursor influyente del simbolismo en las artes visuales en la década de 1860, y en el apogeo del movimiento simbolista en la década de 1890, estuvo entre los pintores más importantes. Fue un artista prolífico que produjo más de 15.000 pinturas, acuarelas y dibujos. Moreau pintó alegorías y temas tradicionales bíblicos y mitológicos favorecidos por las academias de bellas artes.
Gustave Moreau es uno de los principales representantes en la pintura del movimiento simbolista, imbuido de misticismo. Su estilo se caracteriza por su gusto por el detalle ornamental, impregnado de motivos antiguos y exóticos. Académico, romántico, italiano: Gustave Moreau solo podría haber sido un ecléctico, como tantos de sus exitosos colegas, tomando prestados unos de otros los elementos constitutivos de un estilo impersonal. Por la elección misma de sus temas, Moreau quiere abstraerse de los datos de la realidad, de la experiencia. De espíritu profundamente religioso, sin ser practicante, considera que la pintura, espejo de las bellezas físicas, refleja también los grandes impulsos del alma, el espíritu, el corazón y la imaginación y responde a estas necesidades divinas del ser humano de todos los tiempos.
Gustave Moreau ha dado una nueva frescura a viejos temas aburridos con un talento a la vez sutil y amplio: ha tomado mitos gastados por las repeticiones de los siglos y los ha expresado en un lenguaje persuasivo y elevado, misterioso y nuevo. Los personajes femeninos de la Biblia y la mitología que representó con tanta frecuencia llegaron a ser considerados por muchos como la mujer simbolista arquetípica. Su arte (y el simbolismo en general) cayó en desgracia y recibió poca atención a principios del siglo XX, pero, a partir de las décadas de 1960 y 1970, ha llegado a ser considerado uno de los pintores simbolistas más destacados.
Moreau comenzó su carrera dibujando arte clásico, pero al incorporar imágenes exóticas desarrolló una forma de arte única y misteriosa. La educación de Gustave Moreau en dibujo clásico no le impidió experimentar con diferentes estilos de arte. Al viajar a otros países como Italia u Holanda y leer publicaciones, Moreau pudo desarrollar su forma de arte única. Todas estas influencias llevaron a Moreau a dibujar no solo humanos, sino también animales y monumentos arquitectónicos.
Gustave Moreau toma mucho de los maestros del Renacimiento, introduce adornos decorativos hasta saturar el lienzo y también incorpora motivos exóticos y orientales a sus composiciones pictóricas, que luego reelabora y en ocasiones amplía. Cuando pintaba para sí mismo y no para los Salones, Moreau podía tener un estilo muy diferente, que contrasta con sus pinturas de Salón más pulidas. En 1870, su cuadro Naissance de Vénus anuncia sus bocetos, algunos de los cuales realizados a partir de 1875 se acercan a lo que será la pintura abstracta.
Aunque Moreau rechazó cualquier discurso teórico como hemos visto anteriormente en relación con la escultura, tenía para sí dos principios rectores de su arte: la bella inercia y la necesaria riqueza. Estos principios fueron definidos por el mismo Moreau y los conocemos a través de Ary Renan. La bella inercia es la representación del momento decisivo desde el punto de vista moral más que del momento patético desde el punto de vista escénico. Por lo tanto, es el pensamiento más que la acción lo que pinta.
Desde un punto de vista estilístico, el dibujo de Moreau es neoclásico. Se caracteriza por la búsqueda del bello arabesco sujeto a cánones precisos, que encontramos entre los artistas de la primera mitad del siglo XIX que pasaron por la Escuela de Bellas Artes. De sus años de formación conservará un método de dibujo cercano al de David, Ingres o Chassériau que le introdujeron en la técnica del retrato dibujado. Moreau también se inspira en la naturaleza, de ahí los numerosos estudios de animales, realizados sobre el terreno, o bocetos de la naturaleza.
Utiliza lápiz de grafito -o lápiz de mina-, lápiz negro, carboncillo y, sobre todo antes de 1860, tiza roja. También practica el dibujo a pluma y tinta. Finalmente es aficionado al papel de calco, lo que le permite trasladar sus dibujos a la cartulina final con las dimensiones del cuadro final.
Con la acuarela, el artista traduce sus variaciones, sus confidencias de artista, su audacia íntima que no se atrevía a revelar al público. Moreau a veces era consciente de que estaba obteniendo en esta técnica, aunque reputada de menor importancia, resultados buscados en vano en pinturas más elaboradas: «Es curioso que esta pequeña acuarela de hoy me haya mostrado de una manera admirable que no sólo hago cuando estoy trabajando en locuras». Si bien la mayoría de las pinturas requieren una explicación más o menos erudita para entender su significado, las acuarelas sobre todo ofrecen su colorida belleza a la mirada que las contempla.
La importancia de la obra gráfica conservada en el Museo Gustave Moreau atestigua la pasión de Gustave Moreau por el dibujo y el papel esencial que juega en el desarrollo de una pintura: desde el primer borrador hasta los ajustes finales mediante capas y cuadrados.
El Museo
Fue en la mansión privada del número 34 de la rue de La Rochefoucauld donde el maestro de Gustave Moreau, François-Édouard Picot, había instalado su estudio, en el corazón de la Nueva Atenas, donde todos los escritores y artistas querían residir, al pie de la el flanco sur de la colina de Montmartre. Fue en este distrito artístico donde los padres de Gustave compraron a nombre de su hijo, en 1852, una casa-taller en el número 14 de la rue de La Rochefoucauld, donde se instaló toda la familia Moreau.
En abril de 1895, Moreau le pidió al arquitecto Albert Lafon que transformara la casa familiar en un museo. Los apartamentos del primer piso están dispuestos como un pequeño museo sentimental donde se cuelgan retratos familiares y obras donadas por sus amigos Théodore Chassériau, Eugène Fromentin y Edgar Degas. El segundo y tercer piso se convierten en grandes talleres acristalados hacia el norte, diseñados para proporcionar el mayor espacio posible. Una majestuosa escalera de caracol los conecta. Luego se pueden exhibir varios cientos de pinturas y acuarelas, así como miles de dibujos.
En su testamento del 10 de septiembre de 1897, Gustave Moreau encomendó a su viejo amigo Henri Rupp la realización de su proyecto. Murió el 18 de abril de 1898. Henri Rupp trabajó entonces, después de completar el interminable inventario después de la muerte, para colgar las obras según los deseos del artista. El legado fue aceptado por el Estado en 1902. El Museo Gustave Moreau abrió sus puertas en 1903. Su museografía no ha cambiado desde entonces.
Disposición
La yuxtaposición de obras de diferentes períodos de la carrera de Moreau es característica de la planta baja del museo. Fue acondicionada por Henri Rupp, según las directivas de Gustave Moreau, quien quizás él mismo había comenzado este trabajo antes de que la muerte lo sorprendiera el 18 de abril de 1898. Seis salas (salas A a F) albergan más de 400 pinturas, cientos de dibujos y una colección única de acuarelas del maestro.
De hecho, en lo que fue un comedor con chimenea (sala C), dos armarios albergan 677 dibujos, en su mayoría copias realizadas en Italia de los Maestros. Pero lo más deslumbrante sigue siendo la presentación de acuarelas de gran formato engastadas, como joyas, con marcos dorados como los de los cuadros Narciso (Cat. 575) o Ulises y las sirenas (Cat. 584).
En las siguientes salas (Salas D a F) se han reunido obras de Moreau de todas las épocas, desde cuadros de inspiración shakesperiana como Lady Macbeth (Cat. 634) hasta las obras más innovadoras como La pequeña Betsabé (Cat. 725). Armarios secretos dispuestos en el espesor de las paredes con marcos pivotantes contienen, a veces más de 2 metros de altura, dibujos y pinturas.
Primer piso
Gustave Moreau planeó mantener las habitaciones del primer piso donde había vivido felizmente con sus padres como un «pequeño museo». Es un desarrollo real orquestado simbólicamente por el artista en torno a sus recuerdos y los de sus seres queridos, en lugar del apartamento que ocuparon los padres de Gustave Moreau. El diseño está hecho para la eternidad y no para la vida cotidiana.
Los muebles y los recuerdos se dispusieron entonces en las restantes habitaciones, el comedor, la sala de estar que se convirtió en dormitorio, aunque Moreau vivía más bien en su estudio, y el antiguo dormitorio de Gustave Moreau se convirtió en un tocador dedicado a los recuerdos de Alexandrine Dureux, la amigo, que murió demasiado pronto, cuyos muebles había comprado.
Siga el pasillo, ingrese al apartamento de Gustave Moreau a través de un corredor decorado con fotografías, grabados, dibujos y acuarelas. Estas obras se refieren, en su mayor parte, a artistas amigos o admirados: Théodore Chassériau, Eugène Fromentin, Narcisse Berchère o Edward Coley Burne-Jones…
En el dormitorio, antigua sala de estar de Pauline Moreau, la madre del pintor, reúne recuerdos familiares. Moreau no dudó en apilar los muebles que tanto aprecia, colocando uno al lado del otro los escritorios que estaban en la habitación de su madre y en la suya. En las paredes se agrupan retratos familiares pintados, dibujados o fotografiados. Un retrato de Gustave Moreau de Edgar Degas, un retrato de Pauline Moreau de Elie Delaunay, así como un Retrato de Moreau de Gustave Ricard (1864). Una vitrina de roble donde dispuso él mismo, en los últimos días de su vida, preciosos recuerdos, miniaturas, fotografías en un verdadero árbol genealógico de la familia y parientes: su hermana Camille, con el retrato dibujado que aún siendo una niña le hizo, pero también el fiel Henri Rupp así como Alexandrine Dureux.
En el comedor, con su carpintería de color verde agua a juego con las sillas de estilo Luis XVI que Alexandre Fourdinois compró en 1852, está decorado con reproducciones fotográficas de obras de Gustave Moreau, vendidas mucho antes, así como grabados de otros artistas.
Las cerámicas de la aparador son particularmente suntuosas: alrededor de una hermosa fuente de Moustiers, un plato redondo de Urbino del siglo XVI (o de Faenza, si hemos de creer al artista) y platos y tazas de Bernard Palissy y sus seguidores. Esta colección, muy característica del final de la Restauración o del Segundo Imperio, sin duda ya había sido reunida por su padre, Louis Moreau, pero los temas de los platos historiados, como la suntuosidad de los esmaltes azules y verdes, no son no relacionado. con los colores de Moreau.
El boudoir realizado por Alexandre Fourdinois, perteneció a Alexandrine Dureux (nacida en Guisa el 8 de noviembre de 1835, fallecida en París el 28 de marzo de 1890). De su colección proceden también las numerosas obras de Gustave Moreau colgadas en las paredes, como Cavalier Renaissance y Le Bon Samaritain o incluso Pasiphaé. Este desarrollo es también obra de Gustave Moreau, quien le dedicó sus últimas fuerzas. Todo ha sido conservado o restaurado de forma idéntica.
El gabinete de curiosidades es un moderno gabinete de curiosidades, esta sala reúne libros raros y objetos preciosos o inusuales heredados o cuidadosamente coleccionados por Moreau a lo largo de su vida. Una vitrina con puertas de latón alberga una notable colección de antigüedades que pertenecieron a Louis Moreau, el padre del artista. Entre las cerámicas, datan principalmente de los siglos V y VI a.C. BC y provenientes en gran parte de Italia, destacan dos magníficos cráteres de imponentes dimensiones hallados en la tumba de una princesa de Apulia. A estos objetos antiguos se suman pequeñas réplicas en yeso o bronce de célebres esculturas y reproducciones de huecograbados que el pintor utilizaba a menudo para sus composiciones.
En las bibliotecas se conservan ediciones de los siglos XVI y XVII de los tratados de arquitectura más famosos (Vitruvio, Serlio, Philibert Delorme, Vignole, etc.) adquiridos una vez por el padre de Moreau, que era arquitecto. Nótense también los grandes volúmenes en folio ilustrados y una hermosa edición de 1836 de la obra de Flaxman, que fue una importante fuente de inspiración para el artista.
Gustave Moreau ha querido reunir en esta sala pensada como lugar de la memoria, los más bellos estudios posteriores a los antiguos maestros, realizados en el Louvre y durante su viaje a Italia (1857-1859). En este caso, es posible admirar la célebre copia según el Putto de Rafael (Inv. 13610), realizada en la Academia de San Lucas de Roma, magnífica réplica, ejecutada en Florencia, del Ángel pintado por Leonardo da Vinci en El Bautismo. de Cristo de Verrocchio (Inv. 13611), y algunos episodios, copiados en Venecia, de La historia de santa Úrsula de Carpaccio (Inv. 13612, 13623, 13633). Los estudios al óleo y acuarelas de pinturas pompeyanas conservadas en Nápoles muestran el interés del pintor por la antigüedad, mientras que las vistas de Roma y sus alrededores revelan, de forma inesperada,
Segunda planta
En el segundo piso, comienza el taller diseñado especialmente por el arquitecto Albert Lafon a pedido de Gustave Moreau en 1895 para colgar allí grandes lienzos.
Tyrtée chantant pendant le combat y Les Pretendants, iniciadas muy temprano, se ampliaron a finales de 1882, en un momento en que el pintor pensaba organizar una gran exposición, ¿póstuma? – de su obra. En cuanto al Regreso de los Argonautas, cuya composición fue planeada antes de 1885, fue pintada hacia 1891, luego ampliada después de la construcción de los grandes talleres y retomada en 1897. Para este gran cuadro, se cargaron numerosos dibujos y un modelo en cera del barco. con «todas las quimeras de la juventud». “Y, sin embargo, todo es rítmico en este simbólico y alegórico grupo de jóvenes, porque nada debe llegar a destruir o atenuar esta impresión de felicidad que sólo puede ser transmitida por un juego de líneas suavizadas, sinuosas y de una armonía inestable y llamativa”. . Con Las Hijas de Tespio,
Junto a pinturas que son el resultado de un trabajo constantemente retomado, hay otras ejecutadas rápidamente y no retomadas, como Les Chimères, que habría terminado en cuatro meses (lo dejó en gran parte en estado de dibujo sobre lienzo) o Moisés salvado de las aguas, en llamativos rojos y negros, pintadas alrededor de 1893.
Tercer piso
La primera sala del gran estudio del tercer piso está presidida por Júpiter y Sémele, realizada en 1895 para Léopold Goldschmidt y donada por él al museo en 1903. Fascinante obra, también ampliada, con sus deslumbrantes colores, azul, rojo o verde. de esmalte que recuerdan las cerámicas de Bernard Palissy de los padres de Gustave Moreau, resume las múltiples influencias del artista. Podemos comparar esta obra maestra con el boceto fechado en 1889 o con la segunda versión, probablemente realizada hacia 1894-95 para el futuro museo, más sencilla y monumental. De múltiples fuentes, Gustave Moreau personaliza el mito de Júpiter soberbio, radiante y sin barba como Apolo.
En la segunda sala se encuentran: El rapto de Europa y Prometeo, pero también los enigmáticos Unicornios pintados alrededor de 1888. Dos composiciones sobre el tema de Salomé se encuentran entre las obras más famosas del museo, Salomé bailando conocida como «tatuada» porque los gráficos decorativos como impresa en el cuerpo de la bailarina bíblica y La Aparición, una impactante imagen de la persistencia del pensamiento más allá de la muerte física. El poeta, el héroe civilizador está presente de mil maneras en la pintura de Gustave Moreau. La figura central del políptico de La vida de la humanidad, fechado en 1886, es Orfeo encantando a los animales, entre los ciclos bíblicos de Adán y Caín, bajo un bisel que representa a un Cristo ensangrentado. En cuanto a Orfeo en la tumba de Eurídice, tiene una clara resonancia autobiográfica, ya que fue pintado hacia 1891, tras la muerte en 1890 de su amiga Alexandrine Dureux. La naturaleza está al unísono con el luto, el sol se esconde en el horizonte, los árboles son de un rojo otoñal, el sobre el que se apoya Orfeo está roto.
Amigos del Museo Gustave-Moreau
La asociación Les Amis du musée Gustave-Moreau, fundada en 1990 por iniciativa de Antoinette Seillière, tiene como objetivo conservar, restaurar y mejorar las colecciones del museo y promover el trabajo del museo.