La iluminación es un concepto importante en las artes visuales. La iluminación del tema de un dibujo o pintura es un elemento clave en la creación de una pieza artística, y la interacción de luces y sombras es un método valioso en la caja de herramientas del artista. La ubicación de las fuentes de luz puede marcar una diferencia considerable en el tipo de mensaje que se presenta. Múltiples fuentes de luz pueden eliminar las arrugas del rostro de una persona, por ejemplo, y darle una apariencia más juvenil. Por el contrario, una sola fuente de luz, como la luz diurna intensa, puede servir para resaltar cualquier textura o característica interesante. El procesamiento de la iluminación es un concepto importante en la visión por computadora y los gráficos por computadora.
El claroscuro, en el arte, es el uso de fuertes contrastes entre la luz y la oscuridad, contrastes usualmente audaces que afectan a toda la composición. También es un término técnico utilizado por artistas e historiadores del arte para el uso de contrastes de luz para lograr una sensación de volumen al modelar objetos y figuras tridimensionales. Los efectos similares en el cine y la fotografía también se denominan claroscuro.
Otros usos especializados del término incluyen xilografía de claroscuro para grabados en madera de colores impresos con diferentes bloques, cada uno con una tinta de diferente color; y dibujo de claroscuro para dibujos sobre papel de color en medio oscuro con resaltado en blanco.
El principio subyacente es que la solidez de la forma se logra mejor con la luz que incide sobre ella. Los artistas conocidos por desarrollar la técnica incluyen a Leonardo da Vinci, Caravaggio y Rembrandt. Es un pilar de la fotografía en blanco y negro y discreta. Es una de las modalidades de pintar color en el arte renacentista (junto con cangiante, sfumato y unione). Los artistas conocidos por su uso del claroscuro incluyen a Rembrandt, Caravaggio, Vermeer y Goya.
La técnica también se impone entre manieristas, ejemplos de ello utilizan la Última Cena de Tintoretto o Retrato de dos, que presagia composiciones de Rembrandt. El pintor holandés ha sido uno de los practicantes más conspicuos del claroscuro, utilizando la luz en su composición para resaltar solo su objeto específico.
El término claroscuro italiano, aunque aparentemente significa lo mismo, se utiliza más específicamente para una técnica de grabado en xilografía, que a través de láminas complementarias da color a las imágenes como si fueran pintadas a la acuarela. El primer uso conocido del término, con este significado, se atribuye al grabador italiano del siglo XVI Ugo da Carpi, quien habría tomado la idea de composiciones de origen alemán o flamenco. Otros grabadores que trabajaron en esta técnica fueron Antonio da Trento y Andrea Andreani. En los grabados de Da Carpi, el efecto de claroscuro resalta una figura central iluminada por una fuente de luz normalmente ausente del plano del cuadro; sin embargo, las zonas oscuras no están tan acentuadas como se vería en el trabajo de los principales locutores de Chiaroscuro, Caravaggio y Giovanni Baglione.
Historia
El descubrimiento de tumbas macedonias a partir de 1977 muestra claramente la prueba de un gran dominio del claroscuro por parte de los más grandes pintores de la antigua Grecia. En esto, el arte griego helenístico se diferencia de las pinturas sin claroscuro que precedieron: la cerámica de figuras negras y las de figuras rojas, soluciones gráficas más que pictóricas, que constituyen la parte principal de la pintura griega que se conserva actualmente. Las figuras están trazadas allí, mediante líneas incisas, grabadas o pintadas y grandes negros planos constituyen la forma o el fondo. El claroscuro es, en cambio, visible en las pinturas helenísticas con un modelado por colores matizados y por tramado, según un método muy diferente al de la época moderna: como puede verse en el brazo de Perséfone, en la tumba de Vergina.
Origen en el dibujo de claroscuro
El término claroscuro se originó durante el Renacimiento como dibujo sobre papel de color, donde el artista trabajaba desde el tono base del papel hacia la luz usando gouache blanco, y hacia la oscuridad usando tinta, bodycolor o acuarela. Estos, a su vez, se basaron en las tradiciones de los manuscritos iluminados que se remontan a los manuscritos imperiales romanos tardíos en vitela teñida de púrpura. Tales obras se denominan «dibujos de claroscuro», pero sólo pueden describirse en la terminología moderna de los museos mediante fórmulas como «lápiz sobre papel preparado, realzado con bodycolor blanco». Las xilografías en claroscuro comenzaron como imitaciones de esta técnica. Cuando se habla de arte italiano, el término a veces se usa para referirse a imágenes pintadas en monocromo o en dos colores, más generalmente conocido en inglés por el equivalente francés, grisalla.
De la Edad Media al Renacimiento
De acuerdo con el proceso tradicional en la Edad Media, todavía aconsejado por Cennino Cennini (1370-1440), el modelado se realiza o por saturación del color local, o por cambio de color en la sombra (el (it) cangiantismo), como se ve en el fresco de Giotto en Padua. Después de él, Alberti hizo de la “recepción de luces” la tercera parte del cuadro, que presagia a Leonardo da Vinci por la importancia que se le da a las sombras. Según André Chastel, para Vinci, “La preocupación por el“ relieve ”lleva al sacrificio del color a favor del modelado. Pero se prepara para el conflicto de contorno y reflejos que comienza a formularse temprano y que termina en sfumato ”.
Daniel Arasse desarrolla este momento en el que, más que hablar de “contorno”, evoca la inscripción de figuras mediante la geometría de la perspectiva y su principio unificador, que será sustituido por la sombra como principio unificador de la pintura más importante que la perspectiva. Y ese color «verdadero» es imposible de percibir. El claroscuro ((it): claroscuro) que vemos en un estudio de cortinas de 1500-1508 alcanza el aspecto pulido de la piedra, mediante un trabajo complejo con pincel, tinta negra y aguada gris, realzado con blanco sobre un celeste. papel lavado (un lavado azul claro). Desde principios del siglo XVI, el dibujo de claroscuro se realiza sobre papel tintado en semitono, y para las partes más claras con reflejos claros.
Modelado de claroscuro
El uso más técnico del término claroscuro es el efecto del modelado de luz en pintura, dibujo o grabado, donde el volumen tridimensional es sugerido por la gradación de valor del color y la división analítica de formas de luz y sombra, a menudo llamado «sombreado». . La invención de estos efectos en Occidente, «skiagraphia» o «pintura de sombras» para los antiguos griegos, se atribuyó tradicionalmente al famoso pintor ateniense del siglo V a. C., Apolodoro. Aunque pocas pinturas de la antigua Grecia sobreviven, su comprensión del efecto del modelado de la luz todavía se puede ver en los mosaicos de Pella, Macedonia de finales del siglo IV a. C., en particular el Mosaico de la caza del ciervo, en la Casa del rapto de Helena, inscrito gnosis epoesen, o «el conocimiento lo hizo».
La técnica también sobrevivió en una forma estandarizada bastante tosca en el arte bizantino y fue refinada nuevamente en la Edad Media para convertirse en estándar a principios del siglo XV en pintura e iluminación de manuscritos en Italia y Flandes, y luego se extendió a todo el arte occidental.
Según la teoría de la historiadora del arte Marcia B. Hall, que ha ganado una considerable aceptación, el claroscuro es uno de los cuatro modos de pintura de colores disponibles para los pintores italianos del Alto Renacimiento, junto con el cangiante, sfumato y unione.
La pintura de Raphael ilustrada, con luz proveniente de la izquierda, demuestra tanto un delicado claroscuro de modelado para dar volumen al cuerpo del modelo, como un fuerte claroscuro en el sentido más común, en el contraste entre el modelo bien iluminado y el fondo muy oscuro. de follaje. Sin embargo, para complicar aún más las cosas, el claroscuro compositivo del contraste entre el modelo y el fondo probablemente no se describiría usando este término, ya que los dos elementos están casi completamente separados. El término se usa principalmente para describir composiciones en las que al menos algunos elementos principales de la composición principal muestran la transición entre la luz y la oscuridad, como en las pinturas de Baglioni y Geertgen tot Sint Jans ilustradas arriba y abajo.
El modelado de claroscuro ahora se da por sentado, pero ha tenido algunos oponentes; a saber: el miniaturista de retratos inglés Nicholas Hilliard advirtió en su tratado sobre pintura contra todo uso, excepto el mínimo, que vemos en sus obras, reflejando las opiniones de su mecenas, la reina Isabel I de Inglaterra: «ver lo mejor para mostrarse a uno mismo no necesita sombra de lugar sino más bien la luz abierta … Su Majestad … eligió su lugar para sentarse con ese propósito en el callejón abierto de un hermoso jardín, donde no había ningún árbol cerca, ni sombra alguna … »
En dibujos e impresiones, el claroscuro de modelado a menudo se logra mediante el uso de sombreado o sombreado con líneas paralelas. Los lavados, los efectos de punteado o punteado y el «tono superficial» en el grabado son otras técnicas.
Xilografías de claroscuro
Los grabados en madera claroscuro son antiguos grabados maestros en xilografía con dos o más bloques impresos en diferentes colores; no necesariamente presentan fuertes contrastes de luz y oscuridad. Primero se produjeron para lograr efectos similares a los dibujos de claroscuro. Después de algunos experimentos tempranos en la impresión de libros, el verdadero grabado en madera de claroscuro concebido para dos bloques probablemente fue inventado por primera vez por Lucas Cranach el Viejo en Alemania en 1508 o 1509, aunque retrocedió algunas de sus primeras impresiones y agregó bloques de tono a algunas impresiones producidas por primera vez. para la impresión monocromática, seguida rápidamente por Hans Burgkmair el Viejo. A pesar de la afirmación de Vasari de la precedencia italiana en Ugo da Carpi, está claro que sus primeros ejemplos italianos datan de alrededor de 1516. Pero otras fuentes sugieren que el primer grabado en madera de claroscuro fue el Triunfo de Julio César,
Otros grabadores que han utilizado esta técnica son Hans Wechtlin, Hans Baldung Grien y Parmigianino. En Alemania, la técnica alcanzó su mayor popularidad alrededor de 1520, pero se utilizó en Italia durante todo el siglo XVI. A veces lo utilizaron artistas posteriores como Goltzius. En la mayoría de las impresiones alemanas de dos bloques, el bloque de teclas (o «bloque de línea») se imprimía en negro y el bloque o bloques de tono tenían áreas planas de color. En Italia, los grabados en madera de claroscuro se realizaron sin bloques de teclas para lograr un efecto muy diferente.
Claroscuro composicional a Caravaggio
La iluminación de manuscritos fue, como en muchas áreas, especialmente experimental al intentar efectos de iluminación ambiciosos, ya que los resultados no fueron para exhibición pública. El desarrollo del claroscuro compositivo recibió un impulso considerable en el norte de Europa a partir de la visión de la Natividad de Jesús de Santa Brígida de Suecia, una mística muy popular. Ella describió al niño Jesús como emisor de luz; Las representaciones redujeron cada vez más otras fuentes de luz en la escena para enfatizar este efecto, y la Natividad permaneció muy comúnmente tratada con claroscuro hasta el Barroco. Hugo van der Goes y sus seguidores pintaron muchas escenas iluminadas solo por velas o la luz divina del niño Cristo. Como sucedió con algunos pintores posteriores, en sus manos el efecto era de quietud y calma más que del drama con el que se usaría durante el Barroco.
Un fuerte claroscuro se convirtió en un efecto popular durante el siglo XVI en el manierismo y el arte barroco. La luz divina continuó iluminando, a menudo de manera bastante inadecuada, las composiciones de Tintoretto, Veronese y sus muchos seguidores. El uso de sujetos oscuros dramáticamente iluminados por un rayo de luz de una sola fuente restringida y a menudo invisible, fue un dispositivo compositivo desarrollado por Ugo da Carpi (c. 1455 – c. 1523), Giovanni Baglione (1566-1643) y Caravaggio. (1571-1610), el último de los cuales fue crucial en el desarrollo del estilo del tenebrismo, donde el claroscuro dramático se convierte en un recurso estilístico dominante.
Edad barroca
Por el contrario, hablamos de tenebrismo cuando las partes claras se codean inmediatamente con partes muy oscuras sin degradarse, creando efectos de contrastes, y la sombra domina todo el cuadro. Este es particularmente el caso de la obra de Caravaggio, quien desarrollará la práctica a principios del siglo xvii. La sistematización del claroscuro más acentuado tiene un significado en la pintura de Caravaggio: el mundo terrestre se sumerge en la oscuridad, en la ignorancia, mientras que la intrusión divina es señalada por la luz sobre una acción significativa. Este proceso permite incrementar la tensión dramática, congelar las actitudes en un momento preciso, dar la ilusión de relieve con un volumen fuertemente marcado, lo que da testimonio del saber hacer del artista.
El Caravaggio, particularmente visible en las pinturas del francés Valentin de Boulogne, no debe considerarse solo en términos de efectos de luz, claroscuro dramático. El método que ha perfeccionado el seguidor de Caravaggio, Bartolomeo Manfredi, tiene en cuenta ciertos sujetos privilegiados, como grupos de músicos con trajes de época, pintados a escala uno (1/1), en primer plano, etc. Algunos holandeses Pintores que hicieron el viaje a Italia y que están reunidos en una escuela en Utrecht, Honthorst, ter Brugghen, Baburen, han adoptado este método. En Flandes, el fenómeno es más limitado y se interpreta con mucha mayor libertad porque estos artistas no hicieron el viaje a Italia, aparte de Louis Finson, sino que pasó la mayor parte de su carrera en Italia y luego en Francia. El artista más famoso de estos flamencos hoy son Jordaens, pero está muy alejado del caravagismo. Llegará una ola lejana, pero de forma más compleja y difusa hasta Jan Lievens y Rembrandt, o incluso Vermeer. Pero todos estos artistas obviamente practican el claroscuro, como todos sus contemporáneos.
Período clásico
Como la mayoría de los conceptos en pintura, el claroscuro es objeto de amargas discusiones en Francia. El clásico francés condena los contrastes de Caravaggio, porque interfieren en la presentación de una forma noble, perfecta. En 1765, tanto Diderot como Watelet, definieron el claroscuro como un problema técnico y estético: «la justa distribución de sombras y luces». Desaprueba los «efectos de luz» y ensalza una «distribución graduada» y la «verdad de las luces». El claroscuro, en un paisaje, incluye la perspectiva atmosférica; en el retrato, crea la ilusión de volumen.
Siglos XVII y XVIII
El tenebrismo fue practicado especialmente en España y el Reino de Nápoles, gobernado por España, por Jusepe de Ribera y sus seguidores. Adam Elsheimer (1578-1610), un artista alemán residente en Roma, produjo varias escenas nocturnas iluminadas principalmente por fuego y, a veces, por la luz de la luna. A diferencia de Caravaggio, sus áreas oscuras contienen detalles e interés muy sutiles. Las influencias de Caravaggio y Elsheimer fueron fuertes en Peter Paul Rubens, quien explotó sus respectivos enfoques de la tenebrosidad para lograr un efecto dramático en pinturas como El levantamiento de la cruz (1610-1611). Artemisia Gentileschi (1593-1656), artista barroca seguidora de Caravaggio, fue también una destacada exponente del tenebrismo y del claroscuro.
Un género particular que se desarrolló fue la escena nocturna iluminada por velas, que se remonta a artistas del norte anteriores como Geertgen tot Sint Jans y más inmediatamente, a las innovaciones de Caravaggio y Elsheimer. Este tema se desarrolló con muchos artistas de los Países Bajos en las primeras décadas del siglo XVII, donde se asoció con los Utrecht Caravaggisti, como Gerrit van Honthorst y Dirck van Baburen, y con pintores del barroco flamenco como Jacob Jordaens. Las primeras obras de Rembrandt van Rijn (1606-1669) de la década de 1620 también adoptaron la fuente de luz de una sola vela. La escena nocturna a la luz de las velas resurgió en la República Holandesa a mediados del siglo XVII en una escala menor en las obras de fijnschilders como Gerrit Dou y Gottfried Schalken.
El propio interés de Rembrandt por los efectos de la oscuridad cambió en sus obras maduras. Se basó menos en los fuertes contrastes de luz y oscuridad que marcaron las influencias italianas de la generación anterior, un factor que se encuentra en sus grabados de mediados del siglo XVII. En ese medio compartió muchas similitudes con su contemporáneo en Italia, Giovanni Benedetto Castiglione, cuyo trabajo en el grabado lo llevó a inventar el monotipo.
Fuera de los Países Bajos, artistas como Georges de La Tour y Trophime Bigot en Francia y Joseph Wright de Derby en Inglaterra, continuaron con un claroscuro de velas tan fuerte, pero graduado. Watteau utilizó un suave claroscuro en los fondos frondosos de sus fêtes galantes, y esto fue continuado en pinturas de muchos artistas franceses, notablemente Fragonard. A finales del siglo Fuseli y otros utilizaron un claroscuro más pesado para el efecto romántico, al igual que Delacroix y otros en el siglo XIX.
Fotografía del siglo xix y xx
La fotografía, tan pronto como está enfocada, alrededor de 1850, es solo claroscuro. Este fenómeno se reproduce hasta los pictorialistas que disfrutarán produciendo efectos cercanos a la pintura y al dibujo. Su método consiste en jugar con todos los parámetros posibles del dispositivo fotográfico: la cámara y su lente, la luz en relación con el sujeto encuadrado, los papeles y componentes fotosensibles, el trabajo de laboratorio y los siempre posibles retoques. Alfred Stieglitz fue uno de los grandes impulsores de esta práctica de la fotografía. Pero su Entrepontmanifiesta un claroscuro clásico, todo en matices. La fotografía entra en la modernidad a través de la expresión clara de la situación social en la elección del encuadre y con la parte despejada de la cubierta superior reservada a los viajeros adinerados, y la cubierta inferior y sus zonas oscuras, reservada a los migrantes desamparados.
La luz de fondo, en el retrato de Rodin de Edward Steichen, reserva el claroscuro del fondo, sobre el que destaca la figura en una silueta totalmente negra. Paul Strand (Wall Street. New York City [1915]), y más aún Walker Evans, en su visión de las fachadas, alrededor de 1929, son dos buenos ejemplos excepcionales donde el claroscuro ha sido casi completamente eliminado. Las Polaroids de Andy Warhol y la operación de pintar cuadros por serigrafía forman parte del mismo proceso que elimina las tonalidades de claroscuro, manteniendo solo los tintes planos de color o negro, unidos.
En cuanto a Degas, el fotógrafo, en sus fotografías, sus retratos no pueden compararse con los retratos pictorialistas, «su claroscuro parece anunciar los retratos realizados por Edward Steichen, hacia 1900-1905».
Pintura del siglo xix y xx
La cuestión de la representación de la luz y la sombra ha encontrado otras soluciones en el arte moderno con las pinturas de los impresionistas y postimpresionistas que explotan el valor tonal de los colores. También hemos modernizado soluciones antiguas, como cuando Franz Marc aplica un color arbitrario a la forma que representa y simplifica la representación del modelo. Esto se ha hecho antes, en la pintura de Giotto, por ejemplo, pero mientras Giotto eventualmente usó otro color, dependiendo de su valor tonal, Marc simplemente usa el mismo color, que es más “oscuro” sin dejar de ser “puro”.
Solicitud
El uso francés del término, clair-obscur, fue introducido por el crítico de arte del siglo XVII Roger de Piles en el curso de un famoso argumento (Débat sur le coloris), sobre los méritos relativos del dibujo y el color en la pintura (su Dialogues sur le coloris, 1673, fue una contribución clave al Débat).
En inglés, el término italiano se ha utilizado al menos desde finales del siglo XVII. El término se usa con menos frecuencia en el arte después de fines del siglo XIX, aunque el expresionista y otros movimientos modernos hacen un gran uso del efecto.
Especialmente desde el fuerte aumento de la reputación de Caravaggio en el siglo XX, en el uso no especializado el término se usa principalmente para efectos de claroscuro fuertes como los suyos o los de Rembrandt. Como dice la Tate: «Generalmente, el claroscuro solo se observa cuando es una característica particularmente prominente de la obra, generalmente cuando el artista utiliza contrastes extremos de luz y sombra». La fotografía y el cine también han adoptado el término. Para conocer la historia del término, ver René Verbraeken, Clair-obscur, histoire d’un mot (Nogent-le-Roi, 1979).
Tenebrismo
El estilo llamado tenebrismo no es más que una aplicación radical del claroscuro mediante la cual solo destacan las figuras centrales temáticas iluminadas sobre un fondo generalmente oscuro. No se sabe si, por influencia de Caravaggio o por un desarrollo paralelo, el estilo cobraría gran importancia en la pintura española de finales del siglo XVI y principios del XVII a partir de la obra del catalán Francisco Ribalta. Ribalta utilizaría el color y la luz para dar volumen a las figuras y resaltar a los actores en sus frescos religiosos, algunos de gran belleza; Maestro talentoso, su estilo influiría en el de su hijo Juan Ribalta, fallecido antes de tiempo, y el de Vicente Castelló. Indirectamente pesaría también sobre Zurbarán y sobre el más destacado de los tenebristas españoles, José de Ribera; este último llevaría el estilo a la madurez,
En el dibujo
El claroscuro en sentido estricto está ligado al arte gráfico, y es técnicamente el siguiente paso del dibujo lineal. A veces, la relación temporal entre el dibujo de líneas y luces / sombras se puede invertir, comenzando por este último.
A través del claroscuro es posible dar una idea de volúmenes, materiales, espacio. Existen diversas técnicas, que van desde las que permiten ver el signo (rayado, trazos continuos, etc.) hasta las que lo hacen invisible (sombreado, pasajes graduales, etc.). El claroscuro solo se puede aplicar pintando las sombras, con uno o más colores (carboncillo, sanguina, etc.) o aclarando las luces con respecto al color del soporte. La redacción de luces se denomina «resaltado» y se puede realizar, por ejemplo, utilizando un crayón blanco sobre una hoja ocre.
En pintura
En pintura, el claroscuro está ligado al uso de colores.
Utilizado en la pintura antigua, perdió su importancia en el arte bizantino y medieval, donde el simbolismo de las figuras no requería un relieve plástico-espacial. Para crear efectos de luz y sombra, se utilizó como máximo un rayado, con un grano más o menos fino.
En Italia, a finales del siglo XIII, Cimabue revivió el uso de las tonalidades más delicadas, redescubriendo el problema de la luz y la forma en que ilumina las diferentes partes de un cuerpo, materiales y superficies dispares de diferentes formas. Una obra maestra en este sentido fue el Crucifijo de Santa Croce. Con Giotto la gama cromática de tonalidades se hizo más amplia, llegando a parecerse cada vez más a la luz real. Los pintores posteriores desarrollaron estas técnicas, convirtiendo el claroscuro en un elemento esencial de la representación pictórica hasta el siglo XIX. Desde entonces, los impresionistas primero (vinculados a una pintura de pura luz y color) y los cubistas (que redescubrieron las formas planas y geométricas) llevaron a una superación del claroscuro: Matisse, por ejemplo, prescindió por completo de él.
En escultura y arquitectura
En un sentido más general hablamos de claroscuro, es decir, el juego de luces y sombras que se produce en las superficies. Por ejemplo, en arquitectura hablamos de claroscuro cuando el juego de volúmenes llenos y vacíos crea un efecto de variación con respecto a la monotonía de una superficie plana. Un ejemplo de un edificio con valores de claroscuro es el exterior de la Catedral de Módena, con las falsas logias creadas únicamente con el propósito de mover la fachada y los lados.
También en escultura hablamos de claroscuro cuando el relieve genera un contraste entre la luz y la sombra natural, que quizás pueda hacer resaltar las figuras y resaltar algunos detalles. El claroscuro es un elemento fundamental cuando se quiere representar el movimiento en la escultura; de hecho, cuanto más fuertes sean los efectos de las luces y las sombras, más tumultuosa será la escena. Entre los ejemplos más conocidos se encuentran el sarcófago de Portonaccio de ‘arte romano, la Masacre de los Inocentes de San Andrés el púlpito de Giovanni Pisano, o la Batalla de los Centauros de Miguel Ángel.
Otras artes
La técnica del claroscuro era popular entre los grabadores y la pintura, pero caería en desuso durante un largo período. Alcanzaría una popularidad renovada en el cine de la primera mitad del siglo XX, a través del gusto por las composiciones marcadamente estructuradas y la impactante maquillajes del expresionismo alemán; Aunque algunas obras plásticas expresionistas habían acudido a ella para potenciar el efecto de sus sujetos -en cuadros como Klosterneuburg de Egon Schiele o el retrato de Adolf Loos de Oskar Kokoschka-, el uso del claroscuro en el cine fue en gran parte un desarrollo original, que fue utilizado para solucionar las limitaciones técnicas de la película y la falta de sonido, que requería una fuerte estilización visual para compensar.
El expresionismo alemán tendría obras efímeras pero influyentes como Nosferatu, eine Symphonie des Grauens de FW Murnau, en las que el claroscuro juega un papel central. El traslado de muchos cineastas alemanes a Estados Unidos como consecuencia del ascenso del nazismo conduciría al desarrollo de un género cinematográfico que combinaba las convenciones narrativas de la ficción criminal estadounidense con la influencia visual del expresionismo: el cine negro. uso de proporciones inusuales de sombra (hasta el 90% de la pantalla, frente al 50% al 60% convencional) y el uso de ella como un artificio dramático, ya sea oscureciendo elementos de una manera sugerente, o llevando a la pantalla el silueta de un objeto invisible: el cine negro utilizó el claroscuro como medio visual para desarrollar la ambigüedad moral de sus temas. En películas como El halcón maltés,
Cine y fotografia
El claroscuro también se usa en cinematografía para indicar iluminación de alto contraste y bajo perfil extremo para crear áreas distintas de luz y oscuridad en películas, especialmente en películas en blanco y negro. Ejemplos clásicos son El gabinete del Dr. Caligari (1920), Nosferatu (1922), Metrópolis (1927) El jorobado de Notre Dame (1939), El diablo y Daniel Webster (1941) y las escenas en blanco y negro de Stalker de Andrei Tarkovsky. (1979).
Por ejemplo, en Metropolis, la iluminación de claroscuro se utiliza para crear contraste entre la puesta en escena y las figuras claras y oscuras. El efecto de esto es principalmente para resaltar las diferencias entre la élite capitalista y los trabajadores.
En fotografía, el claroscuro se puede lograr con el uso de «iluminación Rembrandt». En procesos fotográficos más desarrollados, esta técnica también puede denominarse «iluminación ambiental / natural», aunque cuando se hace así por el efecto, el aspecto es artificial y, en general, no es de naturaleza documental. En particular, Bill Henson, junto con otros, como W. Eugene Smith, Josef Koudelka, Garry Winogrand, Lothar Wolleh, Annie Leibovitz, Floria Sigismondi y Ralph Gibson, pueden ser considerados algunos de los maestros modernos del claroscuro en la fotografía documental.
Quizás el uso intencionado más directo del claroscuro en la realización de películas sería la película de 1975 de Stanley Kubrick, Barry Lyndon. Cuando se le informó que ninguna lente tenía actualmente una apertura lo suficientemente amplia para filmar un drama de vestuario ambientado en grandes palacios usando solo la luz de las velas, Kubrick compró y adaptó una lente especial para estos fines: una cámara Mitchell BNC modificada y una lente Zeiss fabricada para los rigores del espacio. fotografía, con una apertura máxima de f / .7. Las situaciones de iluminación naturalmente no aumentadas en la película ejemplificaron la iluminación natural y discreta en el trabajo cinematográfico en su forma más extrema fuera de la tradición cinematográfica de Europa del Este / Soviética (ejemplificada a su vez por el estilo de iluminación rudo y discreto empleado por el cineasta soviético Sergei Eisenstein).
Sven Nykvist, colaborador de Ingmar Bergman durante mucho tiempo, también informó gran parte de su fotografía con realismo de claroscuro, al igual que Gregg Toland, quien influyó en directores de fotografía como László Kovács, Vilmos Zsigmond y Vittorio Storaro con su uso del enfoque profundo y selectivo aumentado con fuerte iluminación clave a nivel del horizonte que penetra a través de ventanas y puertas. Gran parte de la célebre tradición del cine negro se basa en técnicas que Toland perfeccionó a principios de los años treinta y que están relacionadas con el claroscuro (aunque la iluminación de alto nivel, la iluminación del escenario, la iluminación frontal y otros efectos se intercalan de manera que disminuyen el reclamo del claroscuro).