La pintura de paisaje, también conocida como arte paisajista, es la representación en el arte de paisajes: paisajes naturales como montañas, valles, árboles, ríos y bosques, especialmente donde el sujeto principal es una vista amplia, con sus elementos dispuestos en una composición coherente . En otras obras, los fondos de paisaje para las figuras todavía pueden formar una parte importante del trabajo. El cielo casi siempre está incluido en la vista, y el clima a menudo es un elemento de la composición. Los paisajes detallados como un tema distinto no se encuentran en todas las tradiciones artísticas, y se desarrollan cuando ya existe una tradición sofisticada de representar otros temas.
Las dos principales tradiciones surgen de la pintura occidental y el arte chino, y se remontan a más de mil años en ambos casos. El reconocimiento de un elemento espiritual en el arte paisajista está presente desde sus comienzos en el arte de Asia oriental, basándose en el taoísmo y otras tradiciones filosóficas, pero en Occidente solo se vuelve explícito con el romanticismo.
Las vistas del paisaje en el arte pueden ser completamente imaginarias o copiadas de la realidad con diversos grados de precisión. Si el objetivo principal de una imagen es representar un lugar real y específico, especialmente los edificios prominentes, se denomina vista topográfica. Tales puntos de vista, extremadamente comunes como los grabados en Occidente, a menudo se consideran como paisajes inferiores a las bellas artes, aunque la distinción no siempre es significativa; prejuicios similares existían en el arte chino, donde la pintura literaria por lo general representaba visiones imaginarias, mientras que los artistas profesionales de la corte pintaban puntos de vista reales, que a menudo incluían palacios y ciudades.
Tipos de paisaje:
Debido a la forma en que se trata el tema del paisaje, se pueden distinguir tres tipos fundamentales:
El paisaje «cósmico» o «sublime», en el que la naturaleza se presenta de manera salvaje, inmensos paisajes que no necesariamente representan lugares realmente existentes, y en los que el hombre se siente perdido. Dentro de esta línea estaría el «paisaje naturalista» que refleja una naturaleza grandiosa, abundante y salvaje, en la cual los fenómenos atmosféricos aparecen como tormentas. Es típico de artistas del norte de Europa, especialmente de la pintura alemana, como Dürer, Elsheimer o Friedrich.
Naturaleza «dominada» por el hombre, como en el caso del paisaje flamenco u holandés. La presencia del hombre hace que la naturaleza no parezca amenazante. A menudo termina siendo un «paisaje topográfico», que necesariamente representa un lugar preciso e identificable, con una naturaleza presentada de la manera más humilde. Dentro de esta línea se pueden citar a Patinir, Pieter Brueghel el Viejo o maestros holandeses del siglo XVII.
Naturaleza «colonizada» por el hombre, que es típica del paisaje italiano. Aparecen campos cultivados de relieve, colinas, valles y llanuras con casas, canales, caminos y otras construcciones humanas; La naturaleza ya no es una amenaza, pero el hombre también la ha hecho suya. Dentro de este tipo de paisaje se puede hablar del «paisaje clásico», donde se representa una naturaleza ideal y grandiosa. La representación no es creíble, sino que se recompone para sublimar la naturaleza y presentarla perfecta. En este tipo de paisaje, una historia suele estar oculta. Es tópico la presencia de elementos de la arquitectura romana, combinados con una montaña o una colina y con un plano de agua. Este tipo de «paisaje ideal» fue creado por Annibale Carracci, seguido por Domenichino y el francés Poussin. Durante siglos, el paisaje italiano fue el modelo académico y también Italia, el país al que vinieron artistas de toda Europa.
Desde otro punto de vista, referido al tema que se representa y no tanto a la forma en que se trata, es posible diferenciar entre:
Marinas en composiciones que muestran océanos, mares o playas.
Composiciones de paisajes fluviales con ríos o arroyos.
Los paisajes naturales representan paisajes tales como bosques, selvas, desiertos, bosques y otros estados del territorio sin la presencia del ser humano.
Los paisajes costumbristas son aquellos que simbolizan costumbres y tradiciones de lugares específicos como por ejemplo los paisajes típicos de pueblos colombianos que están representados en la pintura popular.
Paisajes estelares o paisajes nublados son representaciones de nubes, formaciones climáticas y condiciones atmosféricas.
Los paisajes lunares muestran paisajes de la visión de la luna en la tierra.
Paisajes urbanos muestra ciudades.
Hardscape o paisajes duros, en los que lo que se representa son áreas como calles pavimentadas y grandes complejos de negocios o industrias.
Paisaje aéreo o aéreo, que muestra la superficie terrestre vista desde arriba, especialmente desde aviones o naves espaciales. Cuando el punto de vista es muy pronunciado hacia abajo, el cielo no se aprecia. Este género se puede combinar con otros, como en el arte etéreo nublado de Georgia O’Keeffe, el etéreo paisaje lunar de Nancy Graves o el etéreo paisaje urbano de Yvone Jacquette.
Paisaje de ensueño, en composiciones similares a paisajes (generalmente surrealistas o abstractos) que buscan expresar la visión psicoanalítica de la mente como un espacio tridimensional.
Historia
Las primeras formas de arte en todo el mundo representan poco que realmente podría llamarse paisaje, aunque se incluyen líneas de fondo y, a veces, indicaciones de montañas, árboles u otras características naturales. Los primeros «paisajes puros» sin figuras humanas son frescos de la Grecia Minoica de alrededor de 1500 a.
Las escenas de caza, especialmente las situadas en la vista cerrada de los cañaverales del delta del Nilo desde el antiguo Egipto, pueden dar un fuerte sentido del lugar, pero el énfasis está en las formas de plantas individuales y las figuras humanas y animales en lugar del paisaje general. Los frescos de la Tumba de Nebamun, ahora en el Museo Británico (hacia 1350 aC), son un ejemplo famoso.
Para una representación coherente de un paisaje completo, se necesita un sistema de perspectiva aproximado, o escala para la distancia, y esto parece de la evidencia literaria que se desarrolló por primera vez en la Antigua Grecia en el período helenístico, aunque no existen ejemplos a gran escala. Más antiguos paisajes romanos sobreviven, desde el siglo I a. C. en adelante, especialmente frescos de paisajes decorando habitaciones que se han conservado en los sitios arqueológicos de Pompeya, Herculano y en otros lugares, y mosaicos.
La tradición china de pintar con tinta del shan shui («agua de montaña») o paisaje «puro», en el cual el único signo de la vida humana suele ser un sabio, o un atisbo de su choza, utiliza sofisticados fondos de paisaje para representar sujetos, y el arte paisajista de este período conserva un estatus clásico y muy imitado dentro de la tradición china.
Tanto la tradición romana como la china generalmente muestran grandes panoramas de paisajes imaginarios, generalmente respaldados por una variedad de montañas espectaculares: en China a menudo con cascadas y en Roma, que a menudo incluyen mar, lagos o ríos. Estos fueron utilizados con frecuencia, como en el ejemplo ilustrado, para cerrar la brecha entre una escena en primer plano con figuras y una vista panorámica distante, un problema persistente para los artistas del paisaje. El estilo chino generalmente mostraba solo una vista lejana, o usaba tierra muerta o niebla para evitar esa dificultad.
Un gran contraste entre la pintura paisajista en el oeste y el este de Asia ha sido que mientras en Occidente hasta el siglo XIX ocupó una posición baja en la jerarquía de géneros aceptados, en Asia Oriental la pintura china clásica de tinta de agua de montaña era tradicionalmente la más prestigiosa forma de arte visual. Las teorías estéticas en ambas regiones otorgaron el estatus más alto a las obras que se considera que requieren la mayor imaginación del artista. En Occidente esto era pintura de historia, pero en Asia Oriental era el paisaje imaginario, donde los famosos practicantes eran, al menos en teoría, literatos aficionados, incluidos varios emperadores de China y Japón. A menudo eran también poetas cuyas líneas e imágenes se ilustraban entre sí.
Sin embargo, en Occidente, la pintura de historia llegó a requerir un extenso fondo paisajístico donde correspondía, por lo que la teoría no funcionó del todo contra el desarrollo de la pintura de paisaje. Durante varios siglos, los paisajes fueron regularmente promovidos al estado de la pintura histórica mediante la adición de pequeños figuras para hacer una escena narrativa, típicamente religiosa o mitológica.
Pintura del paisaje occidental:
Pintura de paisaje medieval
A principios del arte medieval occidental, el interés por el paisaje desaparece casi por completo, y se mantiene vivo solo en copias de obras de Late Antique como el Utrecht Psalter; la última versión de esta fuente, en una versión gótica temprana, reduce los paisajes anteriormente extensos a unos pocos árboles llenando vacíos en la composición, sin ningún sentido de espacio general. Un renacimiento en el interés en la naturaleza inicialmente se manifestó principalmente en representaciones de pequeños jardines como Hortus Conclusus o aquellos en tapices de millefleur. Los frescos de figuras trabajando o jugando frente a un fondo de árboles densos en el Palacio de los Papas, Aviñón son probablemente una supervivencia única de lo que era un tema común. Varios frescos de jardines han sobrevivido de casas romanas como la Villa de Livia.
Durante el siglo XIV, Giotto di Bondone y sus seguidores comenzaron a reconocer la naturaleza en su trabajo, introduciendo cada vez más elementos del paisaje como escenario de la acción de las figuras en sus pinturas. A principios del siglo XV, la pintura de paisajes se estableció como género en Europa, como escenario de la actividad humana, a menudo expresada en un tema religioso, como los temas del Descanso en la huida a Egipto, el Viaje de los Reyes Magos, o San Jerónimo en el desierto. Los manuscritos iluminados de lujo fueron muy importantes en el desarrollo temprano del paisaje, especialmente en las series de los Trabajos de los Meses, como las de Très Riches Heures du Duc de Berry, que convencionalmente mostraban figuras de pequeños géneros en paisajes cada vez más grandes. Se muestra un avance particular en las menos conocidas Horas de Turín-Milán, ahora destruidas en gran parte por el fuego, cuyos desarrollos se reflejaron en la pintura de los Países Bajos Temprano durante el resto del siglo. El artista conocido como «Mano G», probablemente uno de los hermanos Van Eyck, fue especialmente exitoso en la reproducción de los efectos de la luz y en una progresión aparentemente natural desde el primer plano hasta la vista lejana. Esto era algo que otros artistas encontrarían difícil durante un siglo o más, a menudo resolviendo el problema mostrando un fondo de paisaje desde la parte superior de un parapeto o alféizar de una ventana, como desde una altura considerable.
Pintura del paisaje renacentista
Fondos de paisajes para varios tipos de pintura se hicieron cada vez más prominentes y hábiles durante el siglo XV. El período de finales del siglo XV vio dibujos de paisajes puros y acuarelas de Leonardo da Vinci, Albrecht Durero, Fra Bartolomeo y otros, pero los temas de paisaje puro en la pintura y el grabado, aún pequeños, fueron producidos por Albrecht Altdorfer y otros de la época. La Escuela Alemana de Danubio a principios del siglo XVI. Al mismo tiempo, Joachim Patinir en los Países Bajos desarrolló el «paisaje mundial», un estilo de paisaje panorámico con pequeñas figuras y utilizando un alto punto de vista aéreo, que permaneció influyente durante un siglo, siendo utilizado y perfeccionado por Pieter Brueghel el Viejo. El desarrollo italiano de un sistema exhaustivo de perspectiva gráfica se conocía en toda Europa, lo que permitía pintar con gran eficacia vistas grandes y complejas.
En esta era, el paisaje sirvió para expresar las utopías urbanas y las políticas emergentes. A menudo «percibido» a través del marco de las ventanas en las imágenes que representaban escenas interiores, estaba adquiriendo un papel cada vez más importante, hasta ocupar toda la superficie del lienzo. Al mismo tiempo, los personajes de las escenas religiosas del exterior se «encogían» hasta que solo fueron simbolizados por los elementos del paisaje (por ejemplo, Jesús de Nazaret para una montaña). Pero en síntesis, el paisaje todavía era solo parte de una imagen de la historia o un retrato.
Los paisajes se idealizaron, en su mayoría reflejando un ideal pastoral extraído de la poesía clásica, expresado por completo por Giorgione y el joven Tiziano, y permaneció asociado sobre todo con paisajes montañosos italianos, representados por artistas del norte de Europa que nunca habían visitado Italia. al igual que los literatos que habitan en China y Japón pintaban montañas vertiginosas. Aunque a menudo se alentaba a los artistas jóvenes a visitar Italia para experimentar la luz italiana, muchos artistas del norte de Europa podían ganarse la vida vendiendo paisajes italianos sin siquiera molestarse en hacer el viaje. De hecho, ciertos estilos eran tan populares que se convirtieron en fórmulas que podían copiarse una y otra vez.
La publicación en Amberes en 1559 y 1561 de dos series de un total de 48 copias (Small Landscapes) después de dibujos de un artista anónimo al que se conoce como el Maestro de los Pequeños Paisajes marcó un alejamiento de los paisajes imaginarios y distantes con contenido religioso del paisaje mundial hacia representaciones de primer plano a nivel de la vista de fincas identificables y pueblos poblados con figuras dedicadas a actividades cotidianas. Al abandonar el punto de vista panorámico del paisaje mundial y centrarse en lo humilde, rural e incluso topográfico, los Pequeños Paisajes preparan el escenario para la pintura paisajística de los Países Bajos en el siglo XVII. Después de la publicación de Small Landscapes, los artistas del paisaje de los Países Bajos continuaron con el paisaje mundial o siguieron el nuevo modo presentado por Small Landscapes.
Pintura de paisaje barroco
Al comienzo de la era Bárbara, el paisaje aún era poco cultivado. Sólo el alemán Adam Elsheimer se destaca por tratar las historias, generalmente sagradas, como auténticos paisajes en los que a menudo hace estudios espectaculares sobre los efectos atmosféricos, la luz o el amanecer y el crepúsculo.
Fue en el Barroco que la pintura de paisajes se estableció definitivamente como un género en Europa, con el desarrollo del coleccionismo, como una distracción para la actividad humana. Es un fenómeno típico del norte de Europa que se atribuye, en gran medida, a la reforma protestante y al desarrollo del capitalismo en los Países Bajos. La nobleza y el clero, hasta entonces los principales clientes de los pintores, perdieron relevancia, siendo reemplazados por la burguesía mercantil. Las preferencias de este no iban a las complejas pinturas de historia, con temas de la Antigüedad clásica, la mitología o la Historia Sagrada, ni hacia alegorías complejas, sino que preferían temas simples y cotidianos, por lo que alcanzaron la independencia hasta entonces secundaria géneros como la naturaleza muerta, el paisaje o la escena de género. Había una especialización tal que cada pintor estaba dedicado a un tipo específico de paisaje. Así, hubo pintores que tomaron como tema a los «países bajos», es decir, las tierras que estaban debajo del nivel del mar, con sus canales, pólderes y molinos de viento; se destacó en este tipo van Goyen, Jacob Ruysdael y Meindert Hobbema. Hendrick Avercamp se especializó en estampados de invierno, con estanques y patinadores congelados.
Mientras todo tipo de paisajes puros se desarrollaban en el norte de Europa, todavía se necesitaba una anécdota religiosa, mítica o histórica en el sur como pretexto para pintar paisajes. Era un paisaje llamado «clásico», «clasicista» o «heroico», de carácter idílico, que no correspondía a ningún hormigón que realmente existiera, sino construido a partir de diferentes elementos (árboles, ruinas, arquitecturas, montañas …). El título de la pintura y los pequeños personajes perdidos en la naturaleza dan la clave de la historia representada en lo que a primera vista parece solo un paisaje. Este tipo fue creado por el clasicismo romano-boloñés, y en particular por el más destacado de sus pintores, Annibale Carracci, en cuyo vuelo a Egipto los personajes sagrados tienen menos importancia que el paisaje que los rodea.
Paisajes del siglo XVII y XVIII
La popularidad de las escenas de paisajes exóticos se puede ver en el éxito del pintor Frans Post, que pasó el resto de su vida pintando paisajes brasileños después de un viaje allí en 1636-1644. Otros pintores que nunca cruzaron los Alpes podían ganar dinero vendiendo paisajes de Renania, y aún otros para construir escenas de fantasía para una comisión en particular como la vista de Cornelis de Man de Smeerenburg en 1639.
Se desarrollaron fórmulas compositivas que utilizaron elementos como el repoussoir, que siguen influyendo en la fotografía y la pintura modernas, especialmente por Poussin y Claude Lorrain, ambos artistas franceses que vivían en la Roma del siglo XVII y que pintaban objetos en gran parte clásicos o escenas bíblicas en los mismos paisajes. A diferencia de sus contemporáneos holandeses, los artistas paisajistas italianos y franceses aún querían mantener su clasificación dentro de la jerarquía de géneros como pintura de historia al incluir figuras pequeñas para representar una escena de la mitología clásica o la Biblia. Salvator Rosa dio una excitación pintoresca a sus paisajes al mostrar el país más salvaje del sur de Italia, a menudo poblado por banditi.
La pintura Holandesa de la Edad de Oro del siglo XVII vio el crecimiento dramático de la pintura de paisajes, en la que se especializaron muchos artistas, y el desarrollo de técnicas realistas extremadamente sutiles para representar la luz y el clima. Hay diferentes estilos y períodos, y subgéneros de pintura marina y animal, así como un estilo distinto de paisaje italiano. La mayoría de los paisajes holandeses eran relativamente pequeños, pero los paisajes de la pintura barroca flamenca, normalmente poblada, a menudo eran muy grandes, sobre todo en la serie de obras que Peter Paul Rubens pintó para sus propias casas. Los estampados de paisajes también fueron populares, los de Rembrandt y los trabajos experimentales de Hércules Seghers generalmente se consideran los mejores.
Los holandeses tendían a hacer pinturas más pequeñas para casas más pequeñas. Algunas especialidades de paisaje holandés nombradas en los inventarios del período incluyen el Batalje, o escena de batalla; el Maneschijntje, o escena de la luz de la luna; el Bosjes, o escena del bosque; el Boederijtje, o la escena de la granja, y el Dorpje o escena del pueblo. Aunque no fue nombrado en ese momento como un género específico, la popularidad de las ruinas romanas inspiró a muchos pintores de paisaje holandeses de la época para pintar las ruinas de su propia región, como los monasterios y las iglesias arruinadas después de la tormenta Beelden.
En Inglaterra, los paisajes inicialmente habían sido en su mayoría fondos para retratos, por lo general sugiriendo los parques o propiedades de un terrateniente, aunque en su mayoría pintados en Londres por un artista que nunca había visitado las ondulantes hectáreas de su modelo. La tradición inglesa fue fundada por Anthony van Dyck y otros artistas mayoritariamente flamencos que trabajaban en Inglaterra, pero en el siglo XVIII las obras de Claude Lorrain fueron muy coleccionadas e influyeron no solo en las pinturas de paisajes, sino también en los jardines paisajistas ingleses de Capability Brown y otros.
El siglo XVIII también fue una gran época para la impresión topográfica, que representa con mayor o menor precisión una visión real de una manera en que la pintura de paisaje rara vez lo hacía. Inicialmente, estos se centraban principalmente en un edificio, pero a lo largo del siglo, con el crecimiento del movimiento romántico, los paisajes puros se hicieron más comunes. La impresión topográfica, a menudo destinada a ser enmarcada y colgada en una pared, siguió siendo un medio muy popular en el siglo 20, pero a menudo se clasificó como una forma inferior de arte que un paisaje imaginado.
Los paisajes en acuarela sobre papel se convirtieron en una especialidad distinta, sobre todo en Inglaterra, donde se desarrolló una tradición particular de artistas talentosos que solo, o casi en su totalidad, pintaban acuarelas de paisajes, como en otros países. Estas eran a menudo vistas reales, aunque a veces las composiciones se ajustaban por efecto artístico. Las pinturas se vendieron a un precio relativamente bajo, pero fueron mucho más rápidas de producir. Estos profesionales podrían aumentar sus ingresos entrenando a los «ejércitos de aficionados» que también pintaron.
Pintura de paisaje de los siglos XIX y XX
El movimiento romántico intensificó el interés existente en el arte del paisaje, y los paisajes remotos y salvajes, que habían sido un elemento recurrente en el arte del paisaje anterior, ahora se hicieron más prominentes. El alemán Caspar David Friedrich tenía un estilo distintivo, influido por su formación danesa, donde se había desarrollado un estilo nacional distinto, basado en el ejemplo holandés del siglo XVII. A esto agregó un Romanticismo cuasi místico. Los pintores franceses fueron más lentos en el desarrollo de la pintura de paisaje, pero a partir de la década de 1830 Jean-Baptiste-Camille Corot y otros pintores de la Escuela de Barbizon establecieron una tradición paisajística francesa que se convertiría en la más influyente de Europa durante un siglo, con los Impresionistas y Post- Los impresionistas por primera vez hacen de la pintura de paisaje la principal fuente de innovación estilística general en todos los tipos de pintura.
Todo conduce necesariamente al paisaje, la pintura de paisaje fue la gran creación artística del siglo XIX. Las personas fueron capaces de asumir que la apreciación de la belleza natural y la pintura del paisaje es una parte normal y permanente de nuestra actividad espiritual. Las formas europeas subyacentes de convertir la complejidad del paisaje en una idea fueron cuatro enfoques fundamentales: aceptación de símbolos descriptivos, curiosidad sobre los hechos de la naturaleza, mediante la creación de fantasías para aliviar los sueños de profundas raíces en la naturaleza y la creencia en una Edad de Oro, de armonía y orden, que podría ser recuperada.
En la era romántica, el paisaje se convierte en actor o productor de emociones y experiencias subjetivas. Lo pintoresco y lo sublime aparecen entonces como dos formas de ver el paisaje. Las primeras guías turísticas de Historia recopilan estos puntos de vista para crear una memoria popular sobre los sitios y sus paisajes. El inglés John Constable abrió el camino, que estaba dedicado a pintar los paisajes de la Inglaterra rural, no afectados por la Revolución Industrial, incluidos aquellos lugares que conocía desde la infancia, como el Valle de Dedham. Lo hizo con una técnica de descomposición del color en pequeños trazos que lo convierte en un precursor del impresionismo; Estudió los fenómenos atmosféricos, particularmente las nubes. La exposición de sus obras en el Salón de París de 1824 fue muy exitosa entre los artistas franceses, comenzando con Delacroix. El inglés William Turner, su contemporáneo pero con una vida artística más larga, reflejó la modernidad, como en su obra más famosa: Lluvia, vapor y velocidad, en la que apareció un tema verdaderamente nuevo, el ferrocarril y el puente de Maidenhead, un prodigio de ingeniería en el momento. Con Turner las formas del paisaje se disolvieron en vórtices de color que no siempre permitieron reconocer lo que se refleja en la pintura.
En Alemania, Blechen siguió reflejando el paisaje tradicional por excelencia, el italiano, pero de una manera muy diferente a los tiempos anteriores. Presentó una Italia que no era muy pintoresca, no idílica, que fue criticada. Philipp Otto Runge y Caspar David Friedrich, los dos artistas más destacados de la pintura romántica alemana, se dedicaron al paisaje de su país. Alentados por un espíritu pietista, intentaron crear pinturas religiosas, pero no representando escenas con ese tema, sino reflejando la grandeza de los paisajes de tal manera que se movieron hacia la piedad.
El paso del «paisaje clásico» al paisaje realista está a cargo de Camille Corot, quien, al igual que Blechen o Turner, pasó su etapa de formación en Italia. Con él comenzó otra forma de tratar el paisaje, diferente de la de los románticos. Como lo hizo después de la escuela de Barbizon y, más tarde, del Impresionismo, le dio al paisaje un papel muy diferente al de los románticos. Lo observaron de forma meticulosa y relativa en términos de luz y color, con el objetivo de crear una representación fiel a la percepción que pueda tener un observador. Esta fidelidad, que se experimenta, por ejemplo, en contrastes y toques de una manera «vibrante».
La pasión del postimpresionista Vincent van Gogh por el trabajo de sus predecesores, lo llevó a pintar el paisaje provenzal desde el año 1888. Su obra, de colores intensos, en la que las figuras se deforman y curvan, alejándose del realismo, es un precedente de tendencias expresionistas.
En América del Norte, las escuelas nacionales de pintura surgieron, en gran medida, a través de paisajistas que pintaron la tierra. En los Estados Unidos, Frederick Edwin Church, pintor de grandes panoramas, realizó extensas composiciones que simbolizan la grandeza y la inmensidad del continente americano (Niagara Falls, 1857). La escuela del río Hudson, en la segunda mitad del siglo XIX, es probablemente la manifestación indígena más conocida. Sus pintores crearon obras de tamaño colosal tratando de capturar el alcance épico de los paisajes que los inspiraron. El trabajo de Thomas Cole, generalmente reconocido como el fundador de la escuela, tiene mucho en común con los ideales filosóficos de la pintura paisajista europea, una especie de fe secular en los beneficios espirituales que se pueden obtener de la contemplación de la belleza. natural. Algunos de los artistas posteriores de la Escuela del Río Hudson, como Albert Bierstadt, crearon obras de naturaleza romántica, que enfatizaban más los duros, incluso terribles, poderes de la naturaleza.
El nacionalismo de las nuevas Provincias Unidas había sido un factor en la popularidad de la pintura de paisaje holandesa del siglo XVII y en el siglo XIX, cuando otras naciones intentaron desarrollar escuelas nacionales de pintura distintivas, el intento de expresar la naturaleza especial del paisaje de la patria se convirtió en una tendencia general. En Rusia, como en América, el tamaño gigantesco de las pinturas era en sí mismo una declaración nacionalista.
En los Estados Unidos, la Escuela del Río Hudson, prominente a mediados o finales del siglo XIX, es probablemente el desarrollo nativo más conocido en el arte del paisaje. Estos pintores crearon obras de gran escala que intentaron capturar el alcance épico de los paisajes que los inspiraron. El trabajo de Thomas Cole, el fundador generalmente reconocido de la escuela, tiene mucho en común con los ideales filosóficos de las pinturas de paisajes europeas: una especie de fe secular en los beneficios espirituales que se obtienen de la contemplación de la belleza natural. Algunos de los artistas posteriores de la Escuela del Río Hudson, como Albert Bierstadt, crearon obras menos reconfortantes que pusieron mayor énfasis (con una gran dosis de exageración romántica) en el poder crudo e incluso aterrador de la naturaleza. Los mejores ejemplos de arte paisajista canadiense se pueden encontrar en las obras del Grupo de los Siete, prominentes en la década de 1920.
Los exploradores, naturalistas, marineros, mercaderes que colonizaron las costas del Atlántico canadiense dejaron una serie de observaciones, a veces científicas, a veces fantásticas o extravagantes, documentadas en sus mapas y pinturas.
Aunque ciertamente menos dominante en el período posterior a la Primera Guerra Mundial, muchos artistas importantes todavía pintaron paisajes en la amplia variedad de estilos ejemplificados por Charles E. Burchfield, Neil Welliver, Alex Katz, Milton Avery, Peter Doig, Andrew Wyeth, David Hockney y Sidney. Nolan.
Pintura de paisaje contemporánea
La pintura de paisaje contemporánea disolvió la existencia de géneros, pero dentro de los diferentes «ismos» de vanguardia podemos distinguir pinturas en las que lo representado es un paisaje, siempre con el estilo propio del autor. Cézanne, el «padre de la pintura moderna», dedicó toda una serie de pinturas a la montaña Sainte-Victoire. Derain, Dufy, Vlaminck y Marquet pintaron paisajes fovistas, y Braque, uno de los fundadores del cubismo, probó repetidamente el paisaje de L’Estaque. En Viena a principios de siglo, obras de este tipo fueron producidas por el modernista Gustav Klimt y el expresionista Egon Schiele.
Los expresionistas transmitieron sus sensaciones y sensaciones cromáticas también a través de los paisajes, al igual que Erich Heckel o Karl Schmidt-Rottluff en sus pinturas pintadas en el pueblo pesquero de Dangast.
Las diferentes formas de abstracción terminaron suprimiendo la importancia del paisaje, limitando el alcance del realismo y la representación. Sin embargo, el término «pintura abstracta de paisaje» se usa a menudo con respecto a varios pintores no figurativos (Bazaine, Le Moal o Manessier). El paisaje siciliano inspiró el trabajo del pintor expresionista social Renato Guttuso.
En los últimos años, el artista argentino Helmut Ditsch se destacó con pinturas inspiradas en puntos extremos de la naturaleza. Su obra se llama Realismo Vivo, afirmando que la pintura de Ditsch no está sujeta a ninguna concepción pictórica, naturalista o realista, sino que nace de la experiencia vitalista y mística de la naturaleza.
Orientar la pintura de paisajes:
Pintura de paisaje de China
La pintura de paisaje ha sido llamada «la mayor contribución de China al arte del mundo», y debe su carácter especial a la tradición taoísta (taoísta) en la cultura china. William Watson señala que «se ha dicho que el papel del arte del paisaje en la pintura china corresponde al del desnudo en el oeste, como un tema invariable en sí mismo, pero que se convierte en el vehículo de infinitos matices de visión y sentimiento».
Hay fondos paisajísticos cada vez más sofisticados para representar sujetos que muestran caza, agricultura o animales de la dinastía Han en adelante, con ejemplos sobrevivientes principalmente en relieves de piedra o arcilla de tumbas, que se presume siguen los estilos imperantes en la pintura, sin duda sin capturar la totalidad efecto de las pinturas originales. El estado exacto de las copias posteriores de obras reputadas de pintores famosos (muchos de los cuales están registrados en la literatura) antes del siglo X no está claro. Un ejemplo es una famosa pintura del siglo VIII de la colección Imperial, titulada El emperador Ming Huang que viaja en Shu. Esto muestra a la comitiva cabalgando a través de montañas vertiginosas del tipo típico de las pinturas posteriores, pero está a todo color «produciendo un patrón general que es casi persa», en lo que evidentemente fue un estilo de corte popular y de moda.
El cambio decisivo hacia un estilo de paisaje monocromático, casi desprovisto de figuras, se atribuye a Wang Wei (699-759), también famoso como poeta; en su mayoría solo copias de sus obras sobreviven. A partir del siglo X en adelante, un número creciente de pinturas originales sobrevive, y las mejores obras de la dinastía Song (960-1279) Southern School permanecen entre las más respetadas en lo que ha sido una tradición ininterrumpida hasta la actualidad. La convención china valoraba las pinturas del caballero erudito aficionado, a menudo también poeta, sobre las producidas por profesionales, aunque la situación era más compleja que eso. Si incluyen figuras, a menudo son tales personas o sabios que contemplan las montañas. Obras famosas han acumulado números de «sellos de apreciación» rojos, y con frecuencia poemas añadidos por propietarios posteriores: el Emperador Qianlong (1711-1799) fue una suma prolífica de sus propios poemas, siguiendo a emperadores anteriores.
La tradición shan shui nunca tuvo la intención de representar lugares reales, incluso cuando llevaban su nombre, como en la convención de las Ocho Vistas. Un estilo diferente, producido por talleres de artistas profesionales de la corte, pintó vistas oficiales de giras y ceremonias imperiales, con el énfasis principal en escenas altamente detalladas de ciudades abarrotadas y grandes ceremoniales desde un punto de vista elevado. Estos fueron pintados en volutas de enorme longitud en color brillante.
La escultura china también logra la difícil tarea de crear paisajes efectivos en tres dimensiones. Existe una larga tradición de la apreciación de las «piedras visuales»: los cantos rodados formados de forma natural, típicamente piedra caliza de las orillas de los ríos de montaña que han sido erosionados en formas fantásticas, fueron transportados a los patios y jardines de los literatos. Probablemente se asocie con esto la tradición de tallar cantos rodados de jade más pequeños o alguna otra piedra semipreciosa en forma de montaña, incluyendo pequeñas figuras de monjes o sabios. Los jardines chinos también desarrollaron una estética altamente sofisticada mucho antes que los occidentales; el karensansui o jardín seco japonés del budismo zen toma el jardín aún más cerca de ser una obra de escultura, que representa un paisaje muy abstracto.
Pintura de paisaje de Japón
El arte japonés inicialmente adaptó los estilos chinos para reflejar su interés en los temas narrativos del arte, con escenas en paisajes mezclados con escenas de palacios o ciudades utilizando el mismo punto de vista elevado, cortando los techos según sea necesario. Estos aparecieron en los muy largos rollos yamato-e de escenas que ilustran el Cuento de Genji y otros temas, en su mayoría de los siglos XII y XIII. El concepto del pintor caballero aficionado tuvo poca resonancia en el Japón feudal, donde los artistas eran generalmente profesionales con un fuerte vínculo con su maestro y su escuela, en lugar de los artistas clásicos del pasado distante, de los que los pintores chinos tendieron a inspirarse. . Al principio, la pintura estaba totalmente coloreada, a menudo brillantemente, y el paisaje nunca abruma a las figuras que a menudo son demasiado grandes.
Muchos temas más puros del paisaje sobreviven desde el siglo XV en adelante; varios artistas clave son el clero budista zen, y trabajaron en un estilo monocromo con mayor énfasis en pinceladas a la manera china. Algunas escuelas adoptaron un estilo menos refinado, con puntos de vista más pequeños que dan mayor énfasis al primer plano. Un tipo de imagen que tuvo un atractivo perdurable para los artistas japoneses, y que se llamó el «estilo japonés», de hecho se encuentra por primera vez en China. Esto combina una o más aves grandes, animales o árboles en primer plano, generalmente a un lado en una composición horizontal, con un paisaje más amplio más allá, que a menudo solo cubre porciones del fondo. Las versiones posteriores de este estilo a menudo prescindieron de un fondo de paisaje por completo.
El estilo ukiyo-e que se desarrolló a partir del siglo XVI en adelante, primero en pintura y luego en grabados en madera de color que eran baratos y ampliamente disponibles, inicialmente se concentraron en la figura humana, individualmente y en grupos. Pero desde fines del siglo XVIII, el paisaje ukiyo-e se desarrolló bajo Hokusai e Hiroshige para convertirse en el tipo de paisaje japonés más conocido.
Técnicas de pintura de paisaje
La mayoría de los primeros paisajes son claramente imaginarios, aunque desde el principio las vistas del paisaje urbano están claramente destinadas a representar ciudades reales, con diversos grados de precisión. Se usaron varias técnicas para simular la aleatoriedad de las formas naturales en las composiciones inventadas: el consejo medieval de Cennino Cennini para copiar riscos harapientos de pequeñas rocas rugosas fue aparentemente seguido por Poussin y Thomas Gainsborough, mientras que Degas copiaba formas de nubes de un pañuelo arrugado sostenido contra la luz. El sistema de Alexander Cozens utilizó manchas de tinta al azar para dar la forma básica de un paisaje inventado, que será elaborado por el artista.
La distintiva vista de fondo del lago Lemán al pico Le Môle en El milagroso bosquejo de peces de Konrad Witz (1444) se cita a menudo como el primer paisaje rural occidental en mostrar una escena específica. Los estudios de paisaje de Durero representan claramente escenas reales, que pueden identificarse en muchos casos, y se realizaron al menos en parte sobre el terreno; los dibujos de Fra Bartolomeo también parecen claramente bosquejados de la naturaleza. Las obras terminadas de Durero parecen generalmente utilizar paisajes inventados, aunque la espectacular vista de pájaro en su grabado Némesis muestra una vista real en los Alpes, con elementos adicionales. Varios paisajistas son conocidos por haber hecho dibujos y bocetos de acuarela de la naturaleza, pero la evidencia de que la pintura al óleo se realiza al aire libre es limitada. La Hermandad Prerrafaelita hizo esfuerzos especiales en esta dirección, pero no fue hasta la introducción de pinturas al óleo listas para mezclar en tubos en la década de 1870, seguido por el «caballete de caja» portátil, que la pintura en plein air se practicó ampliamente.
Una cortina de montañas en la parte posterior del paisaje es estándar en amplias vistas romanas y aún más en los paisajes chinos. Relativamente poco espacio se le da al cielo en los primeros trabajos en cualquiera de las tradiciones; los chinos a menudo usaban niebla o nubes entre montañas, y también a veces mostraban nubes en el cielo mucho antes que los artistas occidentales, quienes inicialmente usaban principalmente las nubes como soportes o cubiertas para figuras divinas o el cielo. Tanto las pinturas en panel como las miniaturas en los manuscritos solían tener un «cielo» o fondo estampado o dorado sobre el horizonte hasta aproximadamente 1400, pero los frescos de Giotto y otros artistas italianos habían mostrado desde hacía mucho tiempo cielos azules. El único retablo superviviente de Melchior Broederlam, completado para Champmol en 1399, tiene un cielo dorado poblado no solo por Dios y los ángeles, sino también por un ave voladora. Una escena costera en las Horas Turín-Milán tiene un cielo cubierto con nubes cuidadosamente observadas. En xilografías, un gran espacio en blanco puede hacer que el papel se combe durante la impresión, por lo que Durero y otros artistas a menudo incluyen nubes o garabatos que representan pájaros para evitar esto.
La tradición china monocromática ha utilizado tinta en seda o papel desde su inicio, con un gran énfasis en la pincelada individual para definir ts’un o «arrugas» en las laderas de las montañas, y las otras características del paisaje. La acuarela occidental es un medio más tonal, incluso con visibilidad inferior.